La exposición “Warhol. El arte mecánico” finalizó el pasado fin de semana en CaixaForum Madrid tras ser visitada, en sus tres meses de exhibición, por más de 257.000 personas.

Así, Warhol se convierte en uno de los nombres que ha atraído más público a las salas de este centro: ha sido la muestra más visitada en él de los últimos cinco años, superando a las dedicadas a Dalí y Lorca o Méliès.

La exposición llegó a CaixaForum Madrid tras su paso por Barcelona en otoño de 2017. Entre ambas ciudades, la han visto 482.000 personas y desde el 31 de mayo podrá contemplarse en el Museo Picasso de Málaga.

La propuesta del comisario Peio Aguirre ha sido la seleccionada para presentarse en el Pabellón español de la Bienal de Venecia en 2019 por un jurado presidido por el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, y formado por Nuria Enguita, Iñaki Martínez, Paul B. Preciado, Marta Gili y Manuel Segade, además del Director de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación-AECID, Roberto Varela, y la Directora General de Acción Cultural Española, Elvira Marco.

En su primera reunión, el pasado 17 de enero, el jurado decidió invitar a seis comisarios/as a presentar un proyecto para el Pabellón de España en la 58ª Bienal. Se recibieron finalmente cinco propuestas y la de Aguirre fue la elegida por unanimidad.

Es la primera vez que, en respuesta a las demandas del sector artístico, la selección del proyecto ha recaído en un jurado. Además, a diferencia de años anteriores, la decisión se anuncia más de un año antes de la inauguración de la Bienal, ampliando el margen de tiempo para la producción del proyecto, cuyos costes asumirán el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación-AECID y Acción Cultural Española.

El proyecto de Aguirre se plantea como una exposición realizada en diálogo entre dos artistas vascos, Itziar Okariz y Sergio Prego, en torno a la economía política del cuerpo. Se ha valorado en él la especificidad del diálogo que los artistas establecen con la arquitectura y el contexto del Pabellón español en Venecia.

El Museo del Prado y la Orden de las Escuelas Pías de Betania han firmado un convenio por el que la pinacoteca recibirá, en préstamo temporal durante un año prorrogable por otro, La última comunión de san José de Calasanz de Goya.

El préstamo coincidirá con la celebración del bicentenario de la apertura de puertas al público del Prado y con el de la misma obra, que data de 1819. Así, esta pintura se expondrá junto al resto de las del aragonés en Madrid, en la que es la mayor colección internacional del artista.

La última comunión de san José de Calasanz es un gran lienzo de altar en el que destaca el estudio de cada uno de los personajes de la escena, que parecen prefigurar un tema clásico del arte occidental, como es el de estudio de las tres edades del hombre, o quizá el de la serenidad frente a la violencia, o el de la luz y la sombra como metáfora de los actos y pensamientos de los protagonistas.

Hasta época reciente no se ha puesto debidamente en valor la producción religiosa de Goya, y ha sido así gracias al descubrimiento de nuevos lienzos suyos de asunto religioso conservados en colecciones particulares y a la revisión de los frescos y lienzos de altar antes conocidos.

La Última comunión de san José de Calasanz, que, como decíamos, realizó Goya en 1819 para las Escuelas Pías de Madrid, dos años después de pintar el cuadro de altar de las Santas Justa y Rufina para la Catedral de Sevilla, fue la última obra pública (y también religiosa) de Goya.

En los últimos años el Museo del Prado ha adquirido algunos de sus cuadros de devoción privada, como Santa Bárbara, dos composiciones de la Sagrada Familia, el compañero de una de ellas, Tobías y el ángel, y un San Juan Bautista niño en el desierto, buscando incrementar la representación de la pintura religiosa del artista en sus fondos.

Hasta el próximo 20 de mayo, la Sala Rekalde de Bilbao presenta el proyecto “Si aparezco aparezco” de Raisa Álava en su Gabinete Abstracto. Álava, que obtuvo una de las Becas de Creación Artística concedidas por la Diputación Foral vizcaína, trabaja con el dibujo, el grabado y la cerámica explorando las nuevas iconografías generadas en Internet o las redes sociales y atiende a sus formas, más que a sus significados.

En sus palabras, trabajo con su forma decorativa, para mí son imágenes misteriosas porque no conozco su código simbólico. El poso de la iconografía es lo que el inconsciente ha seleccionado, esa parte que no se sabe explicar, el por qué unas cosas quedan y otras no. Por alguna razón, la memoria selecciona que subsistan unos trazos. La directriz a la hora de trabajar es inconsciente.

Debido al éxito de público, la Fundació Sorigué ha decidido prorrogar hasta el próximo diciembre su muestra “Oscar Muñoz: des/materializaciones”, de la que el propio artista, reciente Premio Hasselblad, es comisario junto a Ana Vallés, directora de esta institución. En inicio, la exposición iba a finalizar este mes de junio.

Hasta ahora ha sido visitada por 4.000 personas y más de setenta centros educativos han participado en visitas guiadas. Por otro lado, con motivo de la muestra, la Fundació ha adquirido dos obras de Muñoz presentes en ella: El Coleccionista y Biografías.

Os recordamos que “des/materializaciones” puede visitarse en el museo de la Fundació Sorigué en Lleida y recoge algunas de las obras más representativas de este autor, en las que reflexiona sobre los momentos anteriores y posteriores a la fijación de la imagen en un soporte y sobre el carácter efímero de la fotografía.

El próximo 5 de julio se dará a conocer en el Victoria & Albert Museum de Londres el centro británico ganador del premio Art Fund Museum of the Year 2018, que recibirá 100.000 libras (los museos preseleccionados reciben 10.000).

La organización británica Art Fund concede anualmente estos premios a museos británicos que, según la opinión del jurado, hayan destacado por el desempeño de sus tareas con imaginación e innovación. Esta vez ese jurado, presidido por Stephen Deuchar, está formado por Ian Blatchford, director del Science Museum Group; Rebecca Jones, corresponsal de arte de la BBC; la artista Melanie Manchot y Monisha Shah, consultora de medios independiente y miembro de Art Fund.

Optan al galardón el Brooklands Museum de Weybridge, la Ferens Art Gallery de Hull, la Glasgow Women’s Library, Tate St Ives y The Postal Museum.

A partir del 23 de junio, el Centro Botín expondrá de forma permanente, en una de las salas de su primera planta, una selección de obras del siglo XX procedentes de la colección de Jaime Botín.

Las piezas cedidas son Femme espagnole (1917) de Henri Matisse; Self Portrait with injured eye (1972) de Francis Bacon; Arlequín (1918) de Juan Gris; Al baño. Valencia (1908) de Joaquín Sorolla; Mujer de rojo (1931) de Daniel Vázquez Díaz; Figura de medio cuerpo (1907) de Isidre Nonell; El constructor de caretas (1944) de José Gutiérrez Solana y Retrato de mi madre (1942) de Pancho Cossío. Esa cesión, que tiene una duración inicial de cinco años renovables, se completa con la donación a este centro, por parte del propio Jaime Botín, de un millón de euros anuales que se destinarán a cubrir los gastos de mantenimiento y conservación de las obras y al programa artístico y a la misión social del Centro Botín.

El título de este conjunto en el marco de la muestra permanente de este espacio será “Retratos: Esencia y Expresión”. Pese a sus diferencias estilísticas y cronológicas, las obras tienen notas importantes en común, como la búsqueda de la máxima expresividad a través del color y la luz, la utilización de la figura como hilo conductor y, por último, claro, su género: el retrato.

La cesión se produce cuando se cumple un año de la apertura del Centro Botín y poco antes de que se abra al público una nueva presentación de la colección de la Fundación: “El Paisaje Reconfigurado”, muestra que podrá visitarse a partir del 23 de junio.

Hoy ha fallecido en Madrid el escultor Julio López Hernández. Tenía 88 años y recientemente pudimos ver su obra en la exposición “Realistas de Madrid”, que presentó el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en 2016.

López y su esposa, la pintora Esperanza Parada, pertenecen al grupo de pintores y escultores que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de 1950, unidos por formación, trabajo y vida. De él también formaron parte Antonio López, María Moreno, Francisco López Hernández, el hermano de Julio fallecido el año pasado; su mujer, la pintora Isabel Quintanilla, que también nos dejó en 2017, y Amalia Avia.

Julio López Hernández nació en Madrid en 1930 y estudió, junto a Lucio Muñoz, en la Escuela Superior de Bellas Artes. Se inició siendo muy joven en la escultura y en 1955 participó en una exposición colectiva en las salas de la Dirección General de Bellas Artes con Antonio López, su hermano Francisco y Lucio Muñoz. En 1980 se le dedicó una retrospectiva en el Palacio de Cristal del Retiro y en 1986 fue nombrado académico de la Real Academia de San Fernando.

En palabras de Guillermo Solana, su estética está dominada por el valor expresivo del gesto y de la máscara, el fragmento y la ruina… Julio López subordina la forma a lo narrativo. En sus piezas siempre queda algo de ese argumento, aunque solo sea una mínima anécdota.

Tras obtener el Wolfgang Hahn Prize correspondiente a este año, la artista Haegue Yang presenta, hasta el 12 de agosto en el Museum Ludwig de Colonia, su primera gran individual en un museo. Nacida en Seúl y residente en esa ciudad y en Berlín, Yang exhibe un centenar de trabajos fechados desde 1994 y representativos de la diversidad de su producción, desde sus primeros objetos realizados bajo la influencia del movimiento Fluxus hasta sus más recientes pinturas lacadas, fotografías, trabajos en papel, vídeos, esculturas, performances e instalaciones.

No faltan sus persianas, reflexiones sobre la intimidad que conoceréis los asiduos a la Fundación Helga de Alvear de Cáceres.

Hasta el 25 de mayo, Ricardo Calero presenta en la Galería Ponce + Robles de Madrid “Construcción de futuros”, un proyecto vinculado a sus anteriores trabajos en interiores y exteriores y a sus esculturas nómadas. Entre las obras expuestas destaca Espacio de pensamientos, una casa-carro que recorrió los paisajes portugueses en la Trienal del Alentejo y que instaló más tarde junto a la Biblioteca de Bad Vilbel (Alemania), con motivo de la Bienal “Blickachsen 11”. La concibió Calero como espacio para el diálogo.

También podemos ver sus esculturas de mimbre, que igualmente concibe como espacios para el cobijo y el amparo y también como símbolos –dado su número en la galería– del trabajo colectivo. A los muy diversos materiales presentes en esta muestra (cerámica, mimbre, madera, metal) los unifica una tonalidad blanca de harina y yeso, en referencia a la pureza, al alimento y la protección de las inclemencias del tiempo.

Antonio Díaz Grande presenta, hasta el 26 de mayo en la Galería JosédelaFuente de Santander, el proyecto “Contrapose”, formado por imágenes corporales que muestran una serie de gestos asociados a distintas situaciones sociales. La serie supone una exploración sobre cómo el comportamiento social es modelado sin fisuras desde la niñez y se acompaña de fotografías en blanco y negro, encontradas en mercadillos y librerías de viejo, que sirven al artista para subrayar el poder atemporal de ciertas convenciones.

Es Baluard y DKV Seguros han anunciado hoy que la ganadora de su quinta Beca de producción a la creación videográfica es la artista ibicenca Irene de Andrés por su proyecto Complejos de destino. Capítulo I: Prora. Así lo ha decidido un jurado formado por Alicia Ventura, Javier Hontoria, Tania Pardo, Juan Bautista Peiró y Nekane Aramburu.

La beca está dotada con 5.000 euros que se destinarán a la realización del proyecto presentado por la artista, que se expondrá en Es Baluard a partir de noviembre y también en una exposición colectiva en Can Oliver, en Mahón, Menorca.

Han obtenido menciones especiales nuestra última fichada, Marla Jacarilla, por Las cosas: una historia del S.XXI, y Serafín Álvarez, por Abismo.

En Complejos de destino. Capítulo I: Prora, Irene de Andrés ha tomado el turismo como tema, centrándose en la obsesión por el viaje y por el coleccionismo de lugares, y reflexionando sobre cómo esta industria se hace cada vez más fuerte (y avasalladora). En esta obra, los propios edificios en sus distintas etapas, como frutos del negocio turístico, cuentan qué ha pasado, qué está pasando y qué puede pasar si el turismo no sostenible sigue creciendo.

Como parte de su programa expositivo Viewing Room, la sede londinense de la Simon Lee Gallery presenta “The Alphabet of Creation (for now)”, una muestra que reúne trabajos recientes de Joel Mesler y que es la primera que este artista estadounidense presenta en el Reino Unido. Se trata de obras dedicadas al alfabeto: cada pintura representa una letra y se inspira en recuerdos de su infancia y de Los Ángeles, su ciudad natal. De algún modo, podemos referirnos a ellas como piezas autobiográficas.

Aunque evocan ilustraciones de libros infantiles, el estilo de estos trabajos dota a las letras de cierto lado oscuro vinculado a episodios de la vida de Mesler. Por ejemplo, las hojas verdes superpuestas se basan en el papel pintado del Hotel Beverly Hills de Martinica, crucial en su infancia porque allí almorzó su familia, incómodamente, poco después del divorcio de sus padres.

La exhibición está abierta hasta el 26 de mayo.

Helen Cammock ha resultado ganadora en la séptima edición del Premio Max Mara, destinado a mujeres artistas británicas que no hayan presentado hasta ahora una muestra individual.

Nacida en 1970 y establecida en Londres, Cammock resultó elegida frente a las también nominadas Céline Condorelli, Eloise Hawser, Athena Papadopoulos y Mandy El-Sayegh, que se beneficiarán con ella de una residencia de trabajo de seis meses en Italia. Los frutos de esa beca podremos verlos en una exposición en 2019, primero en la Whitechapel Gallery londinense y después en la Collezione Maramotti de Reggio Emilia.

La ganadora es una artista multidisciplinar que ha trabajado en los campos de la fotografía, el vídeo, la escritura, la performance, el grabado o la instalación, abordando asuntos políticos y sociales y las fronteras entre lo individual y lo colectivo.

Por fin la Fondazione Prada ha abierto al público Torre, su nuevo espacio expositivo milanés diseñado por Rem Koolhaas, Chris van Duijn y Federico Pompignoli, estos últimos pertenecientes al estudio OMA.

Se trata de una torre de 60 metros de altura y nueve plantas cuyo interior se corresponde con su exterior: la mitad de los niveles tiene planta rectangular y la otra mitad trapezoidal. Además, la altura de los techos aumenta a medida que se escalan pisos y la fachada externa se caracteriza por la alternancia de superficies de hormigón y vidrio.

En su interior puede verse la muestra permanente “Atlas”, formada por una selección de obras de la colección Prada articulada a partir de disonancias y contrastes. Cuenta con obras de Carla Accardi, Jeff Koons, Walter De Maria, Mona Hatoum, Edward Kienholz, Michael Heizer, Pino Pascali, William N. Copley, Damien Hirst, John Baldessari o Carsten Höller.

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El Museo Reina Sofía ha obtenido un premio Webby en la categoría de mejor Web de institución cultural por su portal “Repensar Guernica”. Concede estos galardones, que este año cumplen su 22ª edición, la Academia Internacional de Artes y Ciencias Digitales (IADAS), y la ceremonia de entrega tendrá lugar en Nueva York, el próximo 15 de mayo.

El MNCARS comparte en Repensar Guernica el mayor fondo documental sobre la obra de Picasso, en español y en inglés. Es fruto de una investigación de dos años y nos permite acceder a más de 2.000 archivos relacionados con el pintor, incluyendo fotografías, videos, noticiarios, periódicos, revistas, correspondencia, catálogos, etc.

Por otro lado, en su sección Gigapixel, nos permite explorar con zoom el lienzo.

Tras su paso por el Museo Guggenheim Bilbao, hasta el 29 de julio puede verse en el LACMA de Los Ángeles la muestra “David Hockney: 82 Portraits and 1 Still-life”, sus visiones íntimas y vibrantes de las decenas de personas con las que el artista pop se ha relacionado en los últimos cincuenta años. Ya sabéis que todos los retratos los pintó Hockney en su estudio de esta misma ciudad, dedicándose dos o tres días (unas veinte horas) a cada uno de ellos. Ninguno lo realizó por encargo y entre sus modelos encontramos a John Baldessari, Douglas Baxter, Edith Devaney, Larry Gagosian, Frank Gehry, Peter Goulds, Barry Humphries, David Juda, Rita Pynoos, Joan Quinn, Norman Rosenthal o Jacob Rothschild.

La exhibición, además de en Bilbao, ha podido visitarse en Melbourne y Venecia, y el LACMA será su única sede en Estados Unidos.

Coincidiendo con la inauguración de la muestra que la Galería Thaddaeus Ropac dedica en su sede londinense a Joseph Beuys, hemos sabido que esta firma, que cuenta con espacios, además de en la capital británica, en París y Salzburgo, gestionará y se ocupará de la representación del legado del artista, en estrecha colaboración con sus familiares.

La exposición británica, titulada “Joseph Beuys: Utopia at the Stag Monuments”, puede visitarse hasta el 16 de junio, ha sido comisariada por Norman Rosenthal, que trabajó con Beuys a menudo desde los setenta, y presenta trabajos poco conocidos y también obras icónicas fechadas entre 1947 y 1985, así como la mayoría de los elementos originales del proyecto que le da título (una versión en bronce forma parte de las colecciones de la Tate). Stag Monuments es el environment que Beuys creó para la muestra berlinesa “Zeitgeist” en 1982, reproduciendo, en torno a una montaña de arcilla, el estudio en el que trabajaba, sus herramientas y referencias.

Beuys fue pionero en la consideración de la creatividad como un principio universal aplicable en todas las áreas de la actividad humana, no solo en la esfera artística. Sí concedía más específicamente al arte el poder revolucionario de transformar la sociedad. Según Rosenthal, sus ideas son hoy tan relevantes como radicales fueron cuando las formuló.

La próxima edición de ARTESANTANDER tiene fechas: se celebrará del 14 al 18 de julio en el Palacio de Exposiciones y Congresos de la capital cántabra, contará con la participación de 42 galerías y mantendrá su formato Solo Projects. También se acompañará, como viene siendo habitual, del curso de verano organizado por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, el Instituto de Arte Contemporáneo y la asociación 9915, titulado este año Los nuevos enciclopedistas. Artistas y coleccionistas: sensatez e inteligencia. Os hablaremos de él en cuanto conozcamos su programa.

Entre las novedades de esta edición, encontramos la ampliación de miembros de su Comité de Selección, que pasa de tres a cinco, al sumarse a él Beatriz Espejo y Susana Blas (además de José Manuel Navacerrada, Emilio Navarro y Moisés Pérez de Albéniz); la presentación de un único proyecto en los stands y la nueva imagen de la feria, que ha corrido a cargo de María José Arce.

Las galerías interesadas en participar en la cita pueden presentar su solicitud online hasta el próximo 18 de mayo.

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