Antes de volver a su casa, el Cordero Místico pasará por las nuestras gracias a la iniciativa digital ”Stay at Home Museum”

Jan van Eyck. Detalle del Altar del Cordero Místico de la Catedral de San Bavón de Gante
Jan van Eyck. Detalle del Altar del Cordero Místico de la Catedral de San Bavón de Gante

El pasado mes de febrero se abría en Gante la mayor exposición de Van Eyck con motivo de la celebración del año temático dedicado al genial pintor flamenco. Como otros museos del mundo, el Museo de Bellas de Artes de la ciudad belga también ha tenido que cerrar sus puertas al público debido a la alerta por la expansión del COVID-19. Sin embargo, “Van Eyck: una revolución óptica” se vuelve virtual gracias a la propuesta “Stay at Home Museum”, lanzada por VISITFLANDERS, que pone a disposición de los internautas las obras de Jan van Eyck.

Para hacer más especial esta experiencia online, el miércoles 8 de abril, a las 19 horas, el co-comisario de la muestra, Till-Holger Borchert, ofrecerá una visita guiada a través de un vídeo en Facebook Live. Después, la experta en arte Frederica Van Dam responderá personalmente a las preguntas en una sesión de preguntas y respuestas en vivo. Los que no podáis seguir la visita en directo, no os preocupéis, ya que tendréis la posibilidad de verla con posterioridad en el canal de Youtube de VISITFLANDERS.

Esta iniciativa puesta en marcha por Turismo de Flandes no se quedará solo en la exposición de Van Eyck, sino que se trabaja ya en otros contenidos especiales sobre la obra de maestros como Bruegel, Rubens o Ensor. Como ha señalado Peter De Wilde, CEO de VISITFLANDERS: “nuestros museos pueden estar cerrados pero nuestra pasión por los Maestros Flamencos no disminuye”.

 

The Stay at Home Museum. Turismo de Flandes

 

 

Elige y crea tu visita ideal en el Rijksmuseum

Seguimos compartiendo algunos recursos online que los museos de arte ponen a nuestra disposición y uno de nuestros favoritos, por entretenido y útil, sobre todo si además de visitarlo virtualmente tenéis en mente desplazaros hasta él, y seguro que seréis muchos los que podáis hacerlo en unos meses…, es el Rijksstudio del Rijksmuseum de Ámsterdam. La magnífica colección del museo y su avanzada web, pionera y modelo en el que otras potentes webs han buscado (y encontrado) inspiración, nos permite crear nuestras propias colecciones de obras que después, a través de la app del museo, se pueden convertir en recorridos reales, ofreciéndonos la ubicación de las piezas en un plano del museo, en caso de que se encuentren expuestas, y una audioguía de las obras escogidas.

Más allá de publicar nuestras colecciones y de visitar las propuestas por el museo, podemos navegar por las de multitud de usuarios que han hecho las suyas, explorando así la colección del Rijksmuseum desde diferentes puntos de vista, estilos e intereses temáticos.

Os animamos a bucear por las más de 675 mil obras que forman parte de la colección, de las que en salas se exponen hasta 8 514, y a crear vuestras visitas ideales u ofrecer alternativas originales. Nosotros ya hemos dado forma a nuestro primer recorrido y estamos pensando en nuevas propuestas temáticas para todos los que las quieran disfrutar.

 

Recorrido masdearte en el Rijksmuseum

 

 

Freud en sus autorretratos

El Museum of Fine Arts Boston presenta, hasta el 25 de mayo, una muestra que examina la evolución artística de Lucian Freud a partir de sus autorretratos. El británico es mejor conocido por sus retratos de terceros, pero aplicó a las representaciones propias el mismo ojo crítico e idénticos rigor y virtuosismo.

Regresó una y otra vez al género durante siete décadas: fue una de las claves temáticas de su carrera; de hecho, en Boston se presentan ahora cuarenta trabajos entre pinturas, dibujos y grabados fechados entre los años cuarenta y el siglo XXI. Trazan la evolución de su técnica y estilo: desde sus primeras obras lineales y gráficas hasta la carnosidad que se convirtió en el sello distintivo de su producción posterior. Estudió Freud el proceso de envejecimiento y los cambios que infligió el tiempo en su propia forma física.

Lucian Freud. Reflection (Self.portrait), 1985. Colección privada

El joven Rembrandt, en Oxford

El Ashmolean Museum de Oxford nos invita a rastrear el ascenso meteórico de Rembrandt en su carrera desde las primeras pinturas que realizó, siendo adolescente, en su ciudad natal de Leiden hasta las obras maestras que produciría en Ámsterdam una década después. Se trata de la mayor muestra dedicada, hasta ahora, a su producción de juventud: consta de una treintena de pinturas y noventa grabados procedentes de colecciones internacionales y privadas. Puede visitarse hasta el 7 de junio.

Pia Camil: Velo Revelo

El Clark Art Institute de Williamstown exhibe, hasta el 3 de enero del año próximo, una instalación específica y dos esculturas de tela a gran escala de Pia Camil. La primera consiste en una cortina elaborada con medias transparentes que viste la sala de lectura Manton, cubriendo parcialmente tanto una ventana como una pintura de los fondos de este centro, seleccionada por la propia Camil.

Las dos esculturas, por su parte, pertenecen a la serie Skins y se fechan entre 2015 y 2016: se trata de Telluride Tunic y Valparaiso Green Cloak for Three y están elaboradas con desechos de fábricas textiles. Incorporan referencias a la artesanía tradicional mexicana y a las pinturas de Frank Stella. Los proyectos de esta artista abordan la dualidad entre los espacios públicos y los privados y asuntos como cuerpo, género e identidad.

Pia Camil. Valparaiso Green Cloak for Three, 2016
Pia Camil. Valparaiso Green Cloak for Three, 2016

Elena Goñi: Exponer es exponerse

Tras presentar una selección de su obra en Utopía Parkway, en Madrid, Elena Goñi recala, hasta el 17 de abril, en Espacio Marzana (Bilbao). Presenta dibujos dedicados a entornos cotidianos y a su propia intimidad, con un componente abstracto y un aire ensoñado que permite que siempre sean posibles lecturas diversas por parte del espectador.

Elena Goñi en Espacio Marzana
Elena Goñi en Espacio Marzana

Guillermo Peñalver, de dentro a fuera

A partir de mañana, y hasta el 9 de mayo, Guillermo Peñalver presenta en la Galería Gema Llamazares de Gijón “De dentro a fuera”, un compendio de trabajos recientes en los que, como viene siendo común en su trayectoria, convierte su propia biografía en material y tema de trabajo. Muestra dibujos y obras de “marquetería con papel y cartulinas” en las que sus escenas domésticas y privadas adquieren el carácter de alegorías existenciales.

En conjunto hablamos, en última instancia, de un autorretrato elaborado desde una completa libertad en lo formal y en los procesos.

Guillermo Peñalver. Dentro de la montaña,  2020 Papel (recortado), grafito y lápiz de color sobre papel 120x100. Galería Gema Llamazares
Guillermo Peñalver. Dentro de la montaña, 2020

 

Diego Benéitez y Marta S. Luengo dialogan en BAT Alberto Cornejo

La Galería BAT Alberto Cornejo presenta, desde mañana, la décima edición de sus Diálogos. Confronta esta vez paisajes de Diego Benéitez y esculturas de cariz escenográfico de Marta S. Luengo; los primeros llaman nuestra atención sobre la belleza de lo simple y cotidiano y las segundas, sobre lo subjetivo de nuestra percepción del paso del tiempo y sobre la pervivencia de nuestra individualidad en el marco de las relaciones sociales.

El zamorano presenta el proyecto El presente del pasado, y la autora madrileña, Instantes acontecidos. La muestra puede visitarse hasta el 9 de mayo.

Diego Benéitez. De ayer hacia el mañana, 2020
Diego Benéitez. De ayer hacia el mañana, 2020

Adiós a Ulay: doce años junto a Marina Abramovic

Esta semana fallecía, a los 76 años de edad y a consecuencia de un cáncer linfático, el performer alemán Ulay (Frank Uwe Laysiepen), a quien todos conocemos por los proyectos que desarrolló junto a Marina Abramovic en los doce años transcurridos entre 1976 y 1988: acciones artísticas en las que ambos dejaban a un lado sus individualidades para conformar una suerte de ente artístico único en el que también dejaban de tener sentido las fronteras entre lo público y lo privado y entre el cuerpo y la creación. De hecho, muchas veces sus obras implicaban dolores físicos casi extremos, en un intento por enlazarlos, o enfrentarlos, a los sufrimientos mentales o emocionales.

Uno de sus más célebres trabajos conjuntos fue el que, precisamente, puso fin a su andadura como pareja sentimental y creativa: en 1988, cada uno caminó por la Muralla China desde uno de sus extremos para terminar encontrándose, y después despedirse, sin decirse más palabra que “adiós”. Antes habían explorado las (¿diferentes?) resistencias al padecimiento, exterior e interior, de hombres y mujeres en la serie Relation Works o habían indagado en las posibilidades de fusión entre lo masculino y lo femenino, en That self. Dado que se había formado como fotógrafo, Ulay documentó a menudo esas performances en polaroids.

Ya trabajando en solitario, continuó desarrollando piezas en las que profundizaba en las relaciones entre cuerpo y espacio. Más de dos décadas después de su separación, Ulay y Marina volvieron a encontrarse al participar el artista en su propuesta para el MoMA “The artist is present”, en la que la serbia compartió minutos de miradas y silencios con un sinfín de visitantes, entre ellos su expareja. Fueron instantes de gran emoción, para ellos y para la mayoría de quienes disfrutaron del documental.

 

En 2016, Marina fue condenada a abonar a Ulay 250.000 euros por los derechos generados por sus obras junto a él. A su muerte, ha subrayado la vigencia de su trabajo: Me he enterado con gran tristeza de que mi amigo y excompañero Ulay ha fallecido hoy. Él era un artista y un ser humano excepcional y lo echaremos mucho de menos. Hoy me reconforta saber que su legado vivirá para siempre.

Marina Abramovic. Selected early works en La Fábrica
Marina Abramovic y Ulay. Relation in time

Hao Jingban, también en Profundidad de campo

Hasta el próximo 26 de abril, Hao Jingban, Premio de Producción de Vídeoarte Fundación Han Nefkens – ARCOmadrid 2019, protagoniza la nueva exposición del programa Profundidad de campo en Matadero. Este galardón está dotado con la producción de un trabajo de videoarte y Jingban resultó seleccionada por la fuerza estética y la capacidad de autorreflexión crítica de su obra, que, según el jurado, “resulta estéticamente impecable y proyectada hacia la práctica a largo plazo” y “se mueve suavemente entre realidades caóticas y tradiciones placenteras, creando historias poderosas con varios niveles de lectura”.

Dicho jurado estuvo formado por Han Nefkens, fundador de la Han Nefkens Foundation; Ana Ara, responsable de Programación de Matadero Madrid; Manuel Segade, director del Centro de Arte Dos de Mayo; Sunjung Kim, Presidente de la Fundación Bienal de Gwangju y Rein Wolfs, director del Stedelijk Museum de Ámsterdam.

En línea con el que ha sido tema central de ARCOmadrid 2020, “Es solo cuestión de tiempo”, desde el que se han expuesto prácticas artísticas a partir de la obra de Félix Gonzáles-Torres, la autora china ha producido Opus One, una obra que toma como referencia el título simbólico de la obra de Gonzáles-Torres Perfect Lovers y que puede contemplarse en la Nave 0 de Matadero.

Se trata de una videoinstalación de dos canales, que entrelaza dos puntos aparentemente distintos en tiempo y espacio, en la historia de la música y su movimiento. El punto de partida es Harlem en los años treinta, cuando los diferentes estilos de baile de swing, como Lindy Hop o The Charleston, devinieron muy populares conforme la gente recuperó el interés en el baile, tras la Gran Depresión. El siguiente punto tiene como protagonista a una joven pareja china en el Pekín actual: buscan el “jazz auténtico”, coreografiando una serie de bailes, mientras exploran referencias de tópicos de bailes callejeros que se pueden encontrar en la plataforma TikTok.

En diálogo con Opus One, una obra anterior de esta artista completa la exposición: se trata de From South Lake Park to Red Flag Street (2018), una videoinstalación de dos canales que aborda el pasado del Nordeste de China, zona formada por tres provincias que comparten una cultura y un dialecto común. Allí se sitúa la Asociación de cine Manchukuo, que actuó como altavoz propagandístico desde 1937 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Jingban llevó a cabo en ese escenario varias entrevistas a trabajadores chinos y japoneses, con la intención de dar voz a las difíciles relaciones que históricamente existen entre ambos países.

Hao Jingban. Opus One, 2020
Hao Jingban. Opus One, 2020

Los patronos de la Fundación Museo Reina Sofía donan al centro 80 obras

Marta Minujín. Amor a primer vista, 2007
Marta Minujín. Amor a primer vista, 2007

La Fundación Museo Reina Sofía ha recibido de sus patronos más de ochenta obras de 39 artistas contemporáneos que contribuirán al desarrollo de los proyectos de investigación del MNCARS relativos al arte latinoamericano desde los sesenta, sobre todo al mesoamericano, o vinculados al eje artístico del Mediterráneo.

Los trabajos donados se fechan entre la última década del siglo pasado y la actualidad y corresponden a artistas como Fernando Bryce, Ana  Mendieta, Marta  Minujín, Claudia Coca, Asier  Mendizabal, Benvenuto Chavajav, Karlos Cárcamo, Natalia Domínguez, Antonio Pichillá, Kutluğ Ataman o Nil Yalter. Destacan las donaciones efectuadas por Jorge Pérez (que entregará una docena de obras por 1.045.490 euros) y Mario Cáder-Frech, que realiza una donación valorada en 174.238 euros.

De la mano del primero, se incorporan al Reina Sofía figuras hasta ahora no representadas en su colección, como las de Fernando  Bryce, Jorge  Eduardo  Eielson, Eugenio Dittborn o Juan Carlos Alom,  uno de los principales renovadores de la  fotografía cubana. Trabajos de Ana Mendieta y Marta  Minujín completan la presencia de nombres imprescindibles de la historia del arte latinoamericano en su donación y permitirán al Reina Sofía ampliar los cánones predominantes hacia el feminismo.

El activismo tiene también un peso notable en los fondos donados de Jorge Pérez: de una manera más sutil, en el caso de Dittborn o de los dibujos a carboncillo de Claudia Coca, o más directa, apelando a personajes reales, en los de Jonathas de Andrade o Juan Carlos Alom. También es explícito el activismo en Magdalena Jitrik o en el mural colaborativo de Marcel Dzama y Raymond Pettibon. Además, este patrono ha adquirido para el Reina Sofía la obra de Asier Mendizabal Not all that moves is  red  (tangram) #3 y 4, (2012), que propone una  reflexión sobre el discurso ideológico a partir de una  escultura que remite a un elemento constructivo ideado  por el arquitecto Ramón Estalella para un proyecto de poblados racionalistas en Guinea Ecuatorial en los sesenta.

La donación de Mario  Cáder-Frech se centra en la creación de artistas contemporáneos mayas y en artistas salvadoreños: destacan las obras de Waltercio Iraheta, Guadalupe Maravilla, Simón Vega, Marilyn Boror, Edgar Calel, Benvenuto Chavajay, Manuel Chavajay, Antonio Pichillá, los hermanos Ángel y Fernando Poyón o Carlos Mérida.

Además, el eje mediterráneo se refuerza en los fondos del Reina Sofía con la incorporación de las obras de los artistas turcos Kutluğ Ataman y Nil Yalter y el artista libanes Abu Hamdan donadas  por  Francesca de Habsburgo y Mercedes Vilardell. Por su parte, Patricia  Phelps  de  Cisneros ha donado obras de Antonio Pichillá y de los salvadoreños Ernesto Bautista y Abigail Reyes, y Juan Antonio Pérez-Simón, grabados y dibujos de Ramón Alva de la Canal.

La biblioteca del Museo se enriquece con la llegada a sus fondos de 15 publicaciones diseñadas por Carlos Cruz-Díez, donadas por Diana López y Herman Sifontes; se incorpora también a la colección del Museo la pintura Banana Absolut, de Moisés Barrios; los artistas Rolando Castellón y Luciano Figueiredo donan dos piezas fundamentales en sus respectivas trayectorias (Rito pagano (Serie  Pos-Colombina) y), y, ya al margen de donaciones, la Fundación ha decidido comprar para el Museo una serie de obras de los guatemaltecos Moisés Barrios y Jorge de León.

Claudia Coca. Otorongo, 2017
Claudia Coca. Otorongo, 2017

93.000 visitas y balance positivo en ventas en ARCO 2020

ARCOmadrid 2020 cerró ayer su 39ª edición con un balance positivo en ventas según su organización y tras haber recibido a cerca de 93.000 visitantes.

Participaron esta vez en la feria 209 galerías procedentes de 30 países y algunas de ellas han manifestado su satisfacción por la calidad de los coleccionistas nacionales e internacionales que visitaron IFEMA. Desde Leandro Navarro, se afirma que “ha habido un nivel excelente del mejor coleccionismo español”; en Casado Santapau se resalta también el “estupendo nivel de coleccionistas” y se subraya la solidez de esta cita y desde José de la Mano, que presentaba un proyecto de seis artistas escasamente difundidas hasta ahora, han informado de la venta de todas las piezas importantes de su espacio, logrando mejores resultados que en ediciones anteriores: Entre nuestros compradores figuran el Museo Reina Sofía y la Fundación María Cristina Masaveu Peterson.

En Perrotin señalan que su selección de artistas ha sido bien recibida por coleccionistas y visitantes y, desde la sección Opening, la Galería The Pill califica su primera participación en ARCO como “muy dinámica; ha habido una gran respuesta a nuestra propuesta por parte de comisarios, profesionales y coleccionistas”. Thomas Schulte subraya la venta de tres piezas importantes mientras que desde Lelong explican que han vendido bien obras de artistas españoles como Jaume Plensa, Joan Miró o Juan Uslé. También desde Elvira González y 1 Mira Madrid confirman estar satisfechos con sus ventas.

En cuanto a adquisiciones institucionales, y como avanzábamos, la Fundación ARCO ha ampliado sus fondos con la compra en ARCOmadrid 2020 de nueve obras de seis artistas, con la asesoría de Vincent Honoré y María Inés Rodríguez. También un año más, el Museo Reina Sofía ha ampliado su colección con la adquisición de obras procedentes de galerías participantes en la feria; esta vez, una selección de trece trabajos de Cabello/Carceller, Victoria Gil, Sara Ramo, Henrik Olesen, Daniela Ortiz, Jacqueline Mesmaeker y Ana Buenaventura. El valor total de esas adquisiciones asciende a unos 206.000 euros.

DKV Seguros ha comprado, entre otras, piezas de Irma Álvarez-Laviada (Galería Luis Adelantado), Belén Rodríguez (Alarcón Criado), Clara Sánchez Sala (ATM), Kiko Pérez (Heinrich Ehrhardt), Itziar Barrio (Àngels Barcelona) y Gala Knörr (T20).

La Fundación Helga de Alvear, por su parte, ha adquirido piezas de Roy Lichtenstein, Larry Bell, Albrecht Schnider, Ania Soliman, Miguel Ángel Campano, María Droc, Vera Chaves Barcellos, David Claerbout, Tobías Rehberger y Etel Adnan. También la Fundación Maria Cristina Masaveu Peterson ha comprado obra de Joan Hernández Pijuán (Galería Cayón),  Ángela de la Cruz (Carreras Múgica), Miguel Ángel Campano (Juana de Aizpuru), María Luisa Fernández (Maisterravalbuena), Alicia Viebrock (Heinrich Ehrhardt), Túlio Pinto (Senda), Aurelia Muñoz (José de la Mano), Pepe Espaliú (García Galería), Pablo Gargallo y Darío Villalba (Leandro Navarro) y Equipo 57 (Guillermo de Osma).

Además, Abadía Retuerta compró una pieza de Miguel Marina en el stand de la Galería Nordés.

93.000 visitas y balance positivo en ventas en ARCO 2020

Joan Fontcuberta, Premio ARCO-BEEP de Arte Electrónico en ARCOmadrid 2020

La Colección BEEP de Arte Electrónico ha concedido su premio 2020 en la actual edición de ARCOmadrid al artista Joan Fontcuberta, por la obra titulada “Prosopagnosia”, expuesta en el stand de la Galería Angels Barcelona.

Se trata de una serie de fotografías de rostros, generados a través de algoritmos en colaboración con Pilar Rosado. Fontcuberta es uno de los más rigurosos fotógrafos y teóricos de la imagen de su generación y, en su producción, ha planteado una lúcida y lúdica reflexión sobre el estatuto de la imagen, las mutaciones de la fotografía y lo que ha calificado como “furia de las imágenes”.

Más allá de la concepción referencial de esa disciplina, este autor ha subrayado que la imagen tiene siempre un componente ficcional y “Prosopagnosia” es un proyecto reciente que viene a demostrar la complejidad de los rostros contemporáneos, partiendo de la situación cognitiva que supone no poder reconocer adecuadamente al otro. Se trata de una secuencia de caras, aparentemente fluidas (mutando en la secuencia del vídeo que revela el proceso que está sedimentado en las fotografías) e incluso informes; conducen, en conjunto, hacia una especie de “retrato robot”.

Joan Fontcuberta. Prosopagnosia
Joan Fontcuberta. Prosopagnosia

 

Disponible la primera guía de lectura fácil del Museo del Prado

Para completar su acercamiento a los distintos colectivos con dificultades de acceso al Museo del Prado, por el que la pinacoteca ha recibido el premio CERMI.ES 2019 en la categoría de Accesibilidad Universal – Fundación Vodafone España, el centro madrileño ha elaborado su primera guía de lectura fácil con una selección de diez obras que se pueden ubicar en el plano accesible que la acompaña. Se trabaja para ampliarlas a cincuenta.

Una treintena de personas de Plena Inclusión Madrid, la Federación de Organizaciones de personas con discapacidad intelectual o del desarrollo de Madrid, ha participado en la elaboración de un diagnóstico de accesibilidad cognitiva en los servicios básicos del Museo dirigidos a acoger e informar al público y en la evaluación y validación del plano y los textos, para confirmar que son comprensibles.

Virginia Garde, Coordinadora General de Desarrollo de Públicos y Seguridad del Museo, ha señalado que el Prado es una organización comprometida en materia de responsabilidad social, de ahí su esfuerzo para eliminar las barreras cognitivas y contribuir a la comprensión y el disfrute no sólo de los contenidos y relatos del Museo, sino también de sus espacios y servicios.

La lectura fácil, metodología de estos recursos en cuya normalización España es pionera a nivel internacional, beneficiará a los visitantes que tienen dificultades para orientarse en el espacio y para entender e interpretar textos, facilitando la visita autónoma de las personas con discapacidad cognitiva y perfiles con dificultades de comprensión.

Por otro lado, el Prado ha hecho público que el programa de exposiciones temporales organizadas con motivo de la celebración del Bicentenario del Museo del Prado ha atraído a más de 1.623.000 visitantes, siendo  “Velázquez, Rembrandt, Vermeer. Miradas afines” la muestra más concurrida.

El Museo del Prado ha presentado esta mañana un informe en el que analiza su impacto económico en la economía española

La Fundación ARCO adquiere nueve obras de seis artistas en la feria

Caroline Achaintre. Pasodoble
Caroline Achaintre. Pasodoble

La Fundación ARCO ha anunciado hoy que ha ampliado los fondos de su colección con la adquisición en la presente edición de la feria de nueve obras de seis artistas, que han sido sufragadas con la recaudación de la Cena Fundación ARCO celebrada en el Casino de Madrid el 25 de febrero.

Las piezas adquiridas, con la asesoría de Vincent Honoré y María Inés Rodríguez, corresponden a autores de media docena de galerías participantes en la 39ª edición de ARCOmadrid: Caroline Achaintre (Arcade), Anna Bella Geiger (Galería Aural), Feliza Bursztyn (Casas Riegner), Carolina Cayzedo (Francisco Fino) y Nohemí Pérez (Instituto de Visión). A ellas se suma una obra de June Crespo (Carreras Múgica), adquirida por el Consejo Internacional de la Fundación.

La Fundación ARCO, impulsada por IFEMA, inició en 1987 la gestación de sus fondos con obras adquiridas durante la feria con el fin de contribuir al desarrollo y fomento del arte contemporáneo nacional e internacional y de servir de ejemplo a otras instituciones a la hora de adquirir obras en ARCOmadrid. Su colección hoy cuenta con más de 300 piezas y se encuentra depositada mediante comodato en el CA2M. Centro de Arte dos de Mayo de Móstoles, dependiente de la Comunidad de Madrid, donde ese conjunto forma parte activa de la programación con obras presentes en las distintas exposiciones temáticas y también en monográficas o cápsulas. Su gestión por parte del equipo del CA2M permite que sea un acervo catalogado, accesible y activo, disponible para préstamos a instituciones tanto nacionales como extranjeras.

Dos dibujos de Gaudí para el Museu Nacional d’Art de Catalunya

El Museu Nacional d’Art de Catalunya ha sumado a su colección dos dibujos de Antoni Gaudí fechados hacia 1908-1910. Se trata de trabajos sobre papel que representan el exterior y el interior de la Iglesia de la Colonia Güell, que él mismo diseñó para Santa Coloma de Cervelló, y han sido adquiridos por la Generalitat catalana gracias a “la Caixa”, que ha sufragado el 75% del coste de su adquisición. Ha sido necesaria una inversión total de 320.000 euros (“la Caixa” ha aportado 240.000, en el marco de un convenio de colaboración con la Generalitat en materia de obra social, cultural de ciencia e investigación).

El ingreso de estos dos dibujos en los fondos del MNAC refuerza la presencia de la obra de Gaudí en este centro, un espacio de referencia para los estudiosos del arte del periodo modernista. Hablamos, además, de dos obras de gran importancia y singularidad teniendo en cuenta el escaso material documental que se conserva de las obras más emblemáticas del arquitecto de Reus y, en particular, del encargo que Eusebi Güell le hizo para construir una iglesia en la colonia textil obrera de su propiedad.

Gaudí llevó a cabo una serie de estudios y maquetas para proyectar la estructura de este templo, del que solamente se llegó a construir la cripta. Parte de este material fue destruido durante la Guerra Civil y estos dos dibujos que ahora se incorporan a las colecciones del Museu Nacional permanecieron ocultos en la carbonera de una masía de la Colonia Güell hasta su hallazgo en 1967.

Se trata de croquis pintados sobre una fotografía invertida de la maqueta de la Iglesia, realizada por el escultor Vicente Villarrubias. De los negativos se hicieron ampliaciones sobre papel fotográfico y, sobre estas ampliaciones, Gaudí trazó el alzado exterior y una vista interior de la Iglesia. De este modo, muestran la concepción técnica gaudiniana, la experimentación y las ingeniosas soluciones del arquitecto de la Sagrada Familia encaminadas a superar las estructuras góticas, reduciendo columnas y contrafuertes. También presentan un gran interés estético y la originalidad que fue sello de su autor.

Antoni Gaudí. Dibujo para la Iglesia de la Colonia Güell, 1908-1910
Antoni Gaudí. Dibujo para la Iglesia de la Colonia Güell, 1908-1910
Antoni Gaudí. Dibujo para la Iglesia de la Colonia Güell, 1908-1910
Antoni Gaudí. Dibujo para la Iglesia de la Colonia Güell, 1908-1910

Asunción Molinos Gordo, Premio ARTSituacions en ARCOmadrid 2020

Asunción Molinos Gordo, artista burgalesa representada por la Galería Travesía Cuatro, ha resultado ganadora del Premio ARTSituacions en ARCOmadrid 2020. Lo patrocina Honda – Greens Power Products, está dotado con 15.000 euros y busca reconocer la mejor obra de arte emergente en la feria.

En el acto de entrega han participado Lorena M. de Corral, historiadora del arte y comisaria independiente, miembro del comité de selección del Premio; Chus Martínez, comisaria, historiadora y miembro también del comité de selección del galardón; Maribel López, directora de ARCOmadrid; Pilar Forcada, directora de ARTSituacions y Marcel Pascual, presidente y director general de Honda – Greens Power Products.

Asunción Molinos Gordo, Premio ARTSituacions en ARCOmadrid 2020

Hellen Ascoli, XIII Premio illy SustainArt

Hellen Ascoli, artista guatemalteca afincada en Wisconsin, ha sido la autora premiada en el certamen illy SustainArt que se ha fallado esta tarde en ARCOmadrid2020. Sus creaciones se pueden contemplar en el stand que la Galería Proyectos Ultravioleta (ganadora del I Premio Iberia Diálogos) tiene en la feria y están inspiradas en una historia real que impactó a la artista: la erupción del Volcán de Fuego de Guatemala. A través de ellas homenajea la labor artesanal de las mujeres artistas tejedoras del país latinoamericano.

El conjunto de obras que Ascoli exhibe en ARCO está elaborado con base de tela tejida en telar de cintura, algodón, tela encontrada, algodón costurado a mano o sobre ganchos diseñados y cada pieza responde a nombres de poemas, como “Donde nos acuclillamos en amor”, “Mujeres piedra o donde las piedras cobran vida” o “A veces el cielo se abre”.

El jurado independiente que ha seleccionado a la artista ha estado formado por Catalina Lozano, comisaria e investigadora; Octavio Zaya, comisario, crítico de arte y director ejecutivo de la Cuban Art Foundation y el director artístico de illycaffè, Carlo Bach. El galardón está dotado con 15.000 euros (sin la compra de la obra), con el fin de ayudar a la artista a que pueda continuar con su carrera. Al entregar el galardón, Lozano ha afirmado que “Hellen Ascoli ha investigado en profundidad las tradiciones textiles de Guatemala, construyendo un lenguaje propio que aprovecha las propiedades derivativas del material con el que construye un cuerpo en el que se diluyen las divisiones entre arte y artesanía. De esta forma continua una larga y fructífera tradición de mujeres artistas tejedoras”.

El Premio illy SustainArt tiene el objetivo de profundizar en la dimensión de las acciones de illycaffè con el mundo del arte contemporáneo y de expandir entre la comunidad artística internacional la relevancia del crecimiento sostenible, ofreciendo oportunidades de visibilidad e intercambio, especialmente en los mercados de países latinoamericanos productores de café. Este galardón reconoce, por 13º año consecutivo, la obra de artistas latinoamericanos nacidos a partir de 1970 y procedentes de países productores de café, como Brasil, Perú, Colombia, Guatemala, Honduras, México, Costa Rica, Nicaragua y El Salvador, entre otros.

La artista Hellen Ascoli gana el XIII Premio illy SustainArt
La artista Hellen Ascoli gana el XIII Premio illy SustainArt

 

Irma Álvarez-Laviada, IV Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente

Por cuarto año consecutivo, Cervezas Alhambra ha organizado el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente, en el que un comité curatorial invitó a participar a artistas del panorama artístico nacional en los inicios de sus carreras. Entre ellos se seleccionaron cinco finalistas que desarrollaron sus proyectos inspirándose en la Alhambra granadina en colaboración con los demás artistas y con artesanos contemporáneos y mentores. El resultado de su trabajo se puede contemplar, hasta el 1 de marzo, en el stand de la marca en ARCOmadrid 2020.

La autora ganadora de esta cuarta edición de la convocatoria ha sido Irma Álvarez-Laviada, por Plano y vertical. Pedestal Nº 0, obra que se acerca a la significación del intervalo entre el tiempo de creación y el tiempo presente mediante la interpretación diacrónica de las intervenciones de eliminación, sustitución o transformación efectuadas en el piso del Patio de los Leones. La obra se sitúa así a medio camino entre lo concreto y lo intangible, entre el objeto y el vacío, con el fin de evidenciar la dualidad del límite entre lo que oculta y lo que revela.

El jurado que ha seleccionado este trabajo ha estado formado por Patrizia Sandretto, Presidenta de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo; Manuel Segade, director del Centro de Arte Dos de Mayo; Javier Díaz Guardiola, periodista y coordinador del ABC Cultural; Benjamin Weil, director artístico Centro Botín; Isabel Carlos, comisaria independiente procedente de Portugal; Jimena Blázquez Abascal, directora de la Fundación NMAC y Álvaro Trujillo, Brand Manager de Cervezas Alhambra.

Además de la obra de Álvarez-Laviada, los visitantes a ARCO que se acerquen al espacio del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente podrán ver las propuestas presentadas al galardón por Christian García Bello, Diego Delas, Leonor Serrano Rivas y Lorenzo Sandoval, los finalistas. Cervezas Alhambra está también presente en la feria con un espacio VIP desarrollado por Anna Talens y por el estudio de arquitectura y diseño Lucas y Hernández-Gil (Kresta Design). Se trata de una creación inspirada en Ceres y Cosmos que quiere transportar al espectador al origen de la marca: Granada.

Alicia Ventura, comisaria del PCAAE; Irma Álvarez-Laviada; y Álvaro Gonzalez, de Cervezas Alhambra
Alicia Ventura, comisaria del PCAAE; Irma Álvarez-Laviada y Álvaro Gonzalez, de Cervezas Alhambra

José Andrés Torres Mora, nuevo presidente ejecutivo de Acción Cultural Española

El Consejo de Administración de Acción Cultural Española (AC/E) ha aprobado esta misma mañana el nombramiento de José Andrés Torres Mora como nuevo presidente de esta institución.

Torres Mora (Málaga, 1960) es Doctor en Sociología y Profesor Titular de Sociología en la Universidad Complutense de Madrid, y durante cinco legislaturas fue diputado por su provincia en el Congreso de los Diputados. También ha ejercido los cargos de Presidente de la Comisión de Educación, Vicepresidente de la Comisión Constitucional y Portavoz de la Comisión del Cultura del Congreso y fue Vocal de la Subcomisión para la elaboración de un Estatuto del Artista y Ponente del Proyecto de Ley de la Propiedad intelectual.

Releva en el puesto a Ibán García del Blanco, que presidía A/CE desde el verano de 2018.

José Andrés Torres Mora, nuevo presidente ejecutivo de Acción Cultural Española
José Andrés Torres Mora, nuevo presidente ejecutivo de Acción Cultural Española