La Fundación Calparsoro, creada recientemente por el empresario y coleccionista Gabriel Calparsoro, ha presentado hoy en el Museo Lázaro Galdiano Once Again… (Statues Never Die) (2022), una de las últimas instalaciones cinematográficas realizadas por el artista británico Isaac Julien para abordar asuntos relevantes en los debates recientes sobre el arte y la cultura. Comisaría el proyecto, que puede verse hasta el 29 de marzo en pantalla doble, Bartomeu Marí.

En sus instalaciones y propuestas fílmicas, este artista trabaja para difuminar las fronteras entre el cine, la danza, la fotografía, la música, el teatro, la pintura o la escultura, y en concreto esta pieza supone en sus palabras un ejercicio de “restitución poética” respecto al peso del arte africano en las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.

La narrativa de Once Again… (Statues Never Die) imagina diálogos entre el filósofo Alain Locke, impulsor del movimiento Harlem Renaissance, que combatió el racismo y procuró transformar la percepción de los afroamericanos en los veinte y los treinta, y el coleccionista y filántropo Albert C. Barnes, que fundó hace un siglo la Barnes Collection. En su trabajo les ponen voz los actores André Holland (Moonlight) y Danny Huston (Succession).

Ambos conversaron a través de textos y ensayos, que tuvieron eco histórico, y Julien ha buscado trasladar su conversación a la pantalla, haciéndoles hablar sobre ese rol del arte africano en el relato más difundido de la modernidad occidental. Explica Julien que le interesa reorganizar aquello que suele considerarse marginal para mostrar que no es un margen, sino el núcleo de la historia del arte moderno.

Saldrá a nuestro paso en el Lázaro Galdiano un collage visual que conjuga imágenes rodadas en instituciones como la Barnes Collection, el Pitt Rivers Museum de Oxford y la Pennsylvania Academy of Fine Arts, y fragmentos de dos películas: de Looking for Langston (1989), del mismo Julien, y de otro film de los setenta del cineasta ghanés Nil Kwate Owoo, ambientado en los almacenes del British Museum de Londres, donde se conservan objetos de arte africano.

El recorrido comienza con la visita, ficticia, de una conservadora a las salas de un museo (el mencionado Pitt Rivers Museum), que cuenta con un buen número de armas y artefactos rituales africanos. A partir de ahí, la obra traza paralelismos entre las empresas coloniales en África y las actuales colecciones de los museos occidentales, sumando referencias a la expedición militar británica en Benín en 1897, capitaneada por George Leclerc-Everton, y a los lazos entre Locke y el artista Richmond Barthé.

Para incorporar a nuestro país a este proyecto se recuerda que el poeta Langston Hughes -el protagonista de Looking for Langston (1989), que Julien considera una precuela de Once Again… (Statues Never Die), vinculado a Harlem Renaissance– pudo conocer a Federico García Lorca durante su visita a la Universidad de Columbia en 1929. Años más tarde, el americano colaboró con su hermano, Francisco García Lorca, que fue profesor en esa misma universidad, en la traducción al inglés del Romancero gitano. Además, Hughes visitó España en 1937 como corresponsal de guerra, para dar cuenta de la actividad de los voluntarios afroamericanos en las Brigadas Internacionales.

La presentación de esta obra en el Lázaro Galdiano implica, asimismo, un fuerte contraste histórico entre la colección del museo de la calle Serrano y la de Albert C. Barnes. Mientras éste fue pionero en coleccionar las vanguardias europeas de inicios del siglo XX, las élites españolas se mostraron más reticentes a apoyar la renovación en las artes visuales.

El pasado reciente es, por tanto, el punto de partida de Julien en Once Again… (Statues Never Die), a medio camino entre el activismo y la experimentación artística. Quienes se queden con ganas de más podrán acudir, el sábado 7 de marzo en el Cine Doré de la Filmoteca Española, a la proyección de Looking for Langston (1989) y Les Statues Meurent Aussi (1953), de Chris Marker, Alain Resnais y Ghislain Cloquet. Tras la sesión, tendrá lugar una conversación entre Isaac Julien, Gabriel Calparsoro y Bartomeu Marí.

Hasta el próximo 15 de febrero de 2026, el Project Room de la galería Max Estrella acoge la instalación de Ana María Caballero Entre domingo y domingo, título que también fue el de su primer libro de poesía, que replicaba en su estructura la cadencia de los días de la semana.

La exhibición en la galería recoge la propuesta creativa del poemario, transformando prendas cotidianas en espacios de lectura y a sus propias costuras en márgenes de interpretación. Equipara escribir a hilvanar, entendiendo que hacerlo con nuestras semanas es dotarlas de densidad y, quizá, de significado.

La obra adquiere la forma de dos trípticos, seis piezas en total, cada uno con un poema diferente. Ambos trípticos conservan el orden camiseta, camisa, camiseta, y las mangas apenas rozándose inciden en la unidad del conjunto. Las prendas cuelgan sobre cuerdas de tenderos con pinzas de madera, dispuestas a doble altura, para facilitar la lectura en capas.

La segunda muestra de Arturo Berned en la galería Fernández-Braso puede visitarse hasta el 21 de febrero. Su título es “18 + 6” y cuenta con ese mismo número de esculturas, pero la cifra hace referencia, además, a la importancia de los guarismos en la producción de este artista madrileño, formado como arquitecto; una obra que no podríamos entender sin tener en cuenta las leyes matemáticas, la geometría precisa y la proporción áurea de los clásicos.

El eje de esta exposición son dieciocho piezas concebidas como variaciones en torno a un mismo tema: el de la cabeza. Elaboradas en planchas de acero al carbono y acabado oxidado, conjugan formato reducido y expresividad, y como apunta Mariano Navarro en el catálogo de este proyecto, surgen de una primera, del movimiento de una cinta de grosor variable que va envolviéndose en el espacio. El desarrollo de esa pieza, deformando los vacíos, genera la escultura. Ciertamente, las diferencias son mínimas. Hay una estrecha relación matemática, numérica en los distintos planos que genera el movimiento.

Ese conjunto destaca por su sobriedad y contención, en tanto que la media docena de trabajos restantes apuntan a cierto hedonismo por incorporar colores más o menos saturados e intensos: esas tonalidades les conceden ligereza.

La base de casi todas las composiciones de Berned es la línea recta, así como un particular manejo del vacío: sus obras emergen del corte de planchas regulares y de volumen más o menos homogéneo, aunque en su contemplación resulta fundamental atender a lo que falta y ha sido eliminado, en un proceso del que forma parte el ordenador, pero también maquetas que efectúa en madera o cartón, dibujos o impresiones 3D.

A piezas longitudinales y largas, este autor las pliega y les da volumen conforme a mecanismos nunca aleatorios que responden a bocetos geométricos previos y a cálculos numéricos precisos. Estas cabezas tienen por origen anteriores esculturas verticales que bautizó como soldados o damas y que se remataban con el ensamblaje de planos entrecortados; años más tarde, abandonó esa base o fuste.

Las creaciones ahora en Fernández-Braso se asientan sobre tres puntos de apoyo (obtenidos tras esos citados cálculos), pero su apariencia final tiene tanto que ver con esta meticulosidad como con la luz. Y, si las formas pueden resultarnos frías, para Berned el acabado aportaría los rasgos particulares de cada una. En aquellas que ofrecen color, éstos son pulidos e industriales, a veces casi opacos, pero nunca del todo. Suponen un matiz más, aéreo.

Hasta el próximo 14 de marzo, la galería Silvestre madrileña dedica a Salvador Cidrás la muestra “El gesto prestado”, integrada por trabajos, en su mayor parte pictóricos pero también instalativos, que pivotan en torno a tramas. Éstas, sin embargo, al contrario de nuestra noción habitual, no se nos presentan como estructuras estables ni rígidas, sino como campos fragmentados, líquidos y elásticos.

Se componen de filamentos entrelazados que, aquí, más que articular, desajustan: no parten de un orden propio, sino de la fricción buscada entre el concepto de control y la zozobra. Formula Juan Luis Toboso, en el texto que acompaña la exposición, que podemos vincular estas formas con las teorías que Jane Bennett propuso en su ensayo Materias vibrantes: nuestras vidas estarían ligadas por fuerzas materiales de las que no seríamos del todo dueños, y seguramente podríamos estar más atentos a esa interdependencia entre lo humano y lo no humano en la que necesariamente estaríamos inmersos.

Cuando Cidrás incorpora, en algunos de estos trabajos, materiales como el aceite u otros elementos grasos que reaccionan a la temperatura, o encáustica o yeso, propondría un uso de estos componentes como agente transformador y no sólo como soporte. En esos casos, trama y sustancia se funden y resultarán indistinguibles la retícula de fondo y el entramado accidental derivado del uso de esos materiales, que no dejan de suponer capas de información.

Las tramas de este artista pontevedrés son, por tanto, deconstruidas y generan espacios intermedios, una confusión de hilos inciertos en la que, por momentos, lo orgánico gana a la geometría. En ningún momento se trata de composiciones pretendidamente acabadas, sino de imaginarios sugeridos, de puntos de fuga frente al orden que, fundamentalmente, ponen de relieve nuestro afán por dominar la técnica y la amplia libertad de la materia cuando nos desafía.

Atendiendo a la producción pasada y reciente de Cidrás, los pequeños gestos pueden resultar vitales a la hora de modificar algunas de nuestras formas de pensar, de alterar nuestra relación con los objetos. Sus reflexiones son las mismas se desenvuelva en plano o en volumen, en unas densidades u otras.

Deep Song e Immediate Tragedy son coreografías que la bailarina Martha Graham ideó como respuesta a las fotografías de la Guerra Civil española, fijas pero dinámicas, y terribles, que llegaban al público estadounidense en revistas y noticieros. El título de la primera se inspiraba en el Poema del Cante Jondo (1931) de García Lorca y los movimientos de la danza querían reflejar el sufrimiento de la población; se trata de una obra breve, de unos cinco minutos, concebida en el mismo año en que Picasso pintó el Guernica.

Ambos trabajos, danza y pintura, testimonian en cierto modo cómo la contienda —con su violencia y deshumanización— influyó en el arte moderno occidental, haciendo hincapié en el impacto del terror en el cuerpo de las mujeres. Aunque los dos aluden a un hecho histórico, con el tiempo han transcendido lo concreto para convertirse en símbolos del dolor universal.

Aquellas coreografías constituyen la base de la muestra que Lola Lasurt ofrece en Condeduque, hasta el próximo abril. Ha llevado a cabo un ejercicio de reconstrucción imaginativa de la propuesta de Graham desde la perfomance y la pintura: en la Sala de Bóvedas reproduce la fisicidad del movimiento de la danza traducida al ejercicio pictórico. La artista también ha necesitado bailar Deep Song antes de tomar los pinceles, y ese proceso se nos presenta en un vídeo.

Un clásico entre nuestros pintores, Luis Gordillo, representado por la galería Prats Nogueras Blanchard, recibirá el III Premio ENATE-ARCOmadrid 2026. Así lo ha decidido un jurado compuesto por Luis Nozaleda, director general de ENATE; Rosina Gómez-Baeza, presidenta y socia fundadora de YGBART; y Violeta Janeiro Alfageme, historiadora, comisaria e investigadora, en reconocimiento a una obra sin título fechada en 2010.

Para dicho jurado, Gordillo es una de las referencias indiscutibles de la pintura española del último medio siglo. La heterogeneidad de su trabajo, hecha de variaciones, superposiciones y cambios de registro, así como la aparición de matices que no se revelan a primera vista, resuena con las capas del proceso de elaboración de un vino. Su pintura no busca una imagen única y cerrada, propone un recorrido que nos permite descubrir nuevas relaciones entre fragmentos, colores y ritmos.

Este galardón está dotado con 10.000 euros y la obra seleccionada pasará a formar parte de la colección ENATE, después de presentarse en el espacio de la firma en el Guest Lounge de ARCO en marzo. Además, la pieza se convertirá en etiqueta de una botella de edición especial, limitada y coleccionable de 1.000 ejemplares numerados.

Fue en 1992 cuando Bodegas ENATE inició una colección de arte contemporáneo con obras de artistas nacionales e internacionales. Desde entonces, cada uno de los vinos de la marca se asocia a un creador de reconocido prestigio, figurando en la etiqueta una composición de su autoría realizada específicamente para ese formato.

El galardón será entregado el 5 de marzo en la feria.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado esta mañana que la obra velazqueña Pablo de Valladolid (hacia 1635) será desde hoy restaurada, con el patrocinio de la Fundación Iberdrola España, y saldrá por tanto de su ubicación habitual en la sala 15 de la pinacoteca.

Se trata de uno de los retratos en los que Velázquez llevó más lejos su austeridad de recursos con el fin de subrayar la intensidad y la expresividad de la figura representada, uno de los seis bufones que inmortalizó el sevillano. Lo describió, en palabras que pasaron a la historia y tras su visita al Prado, el 1 de septiembre de 1865, el artista Édouard Manet: El fondo desaparece, es realmente aire lo que rodea a ese pobre hombre todo vestido de negro y tan vivo.

Antes de su restauración, se llevará a cabo el análisis técnico de la pieza, que facilitará el conocimiento de su proceso creativo y de su estado de conservación.

Está documentado que Pablo de Valladolid permaneció al servicio de la Corte entre 1632 y 1648, haciendo uso de sus dotes interpretativas y su carácter burlesco. Velázquez nos lo ofrece aquí como una figura aislada, firmemente asentada pero en un espacio indefinido, construido solamente mediante la sombra que proyecta su cuerpo. Las evidentes innovaciones de este trabajo se deben justamente a la simplificación del escenario, que no tenía precedentes en la pintura de entonces.

El fondo neutro concentra nuestra atención en el gesto del personaje, captado en una actitud que parece declamatoria. La pintura está elaborada con una mezcla de seguridad y soltura propias del estilo de madurez de Velázquez, y el análisis estilístico permite datarla entre 1632 y 1635, durante los primeros años del artista también en la Corte.

Esta composición ha tenido una influencia duradera. Francisco de Goya se inspiró en ella para su retrato de Francisco Cabarrús y, como hemos dicho, Manet, en 1865, calificó ésta como la mejor de todas las pinturas, en una suerte de epifanía que transformó el rumbo del arte moderno. Lo deslumbró, sobre todo, la ausencia de fondo en la obra de Velázquez, rodeado el personaje de un espacio indeterminado, sin línea de horizonte, muebles ni habitación definida. Sólo las sombras a los pies sugieren el suelo. Escribió el autor de Olimpia a Fantin-Latour: Es quizá el trozo de pintura más asombroso que se haya hecho jamás… El fondo desaparece; es aire lo que rodea al hombre, vestido todo de negro y lleno de vida.

Manet comenzó después a depurar su estilo, como apreciamos de manera clara en El pífano (1866), llevando sus esfuerzos más allá de la imitación del mundo visible.

Ha informado el Prado de que la incorporación al museo de nuevos equipos de investigación permitirá efectuar el análisis material mediante XRF scanning y el examen por reflectografía infrarroja multiespectral. El primero es una técnica no destructiva que permite identificar los elementos químicos en la superficie pictórica; la segunda estudia la respuesta de la pintura a distintas longitudes de onda, desde el visible hasta el infrarrojo (entre 400 y 2600 nm). Alcanza a revelar detalles inapreciables a simple vista, y a ellos esperamos.

El puente que conecta el edificio principal del Museu Serralves de Oporto con su ala Álvaro Siza, inaugurado en octubre de 2023, es el centro desde hace unos meses de un programa de intervenciones específicas que comenzó con Luisa Cunha -que ideó para el lugar un proyecto sonoro- y continúa ahora con Fernanda Fragateiro.

La artista de Montijo, bien conocida en España gracias a la galería Elba Benítez, ofrece allí su propuesta “Abrir janelas à pedrada”, un muro de bloques de cemento ligero que altera radicalmente la percepción del espacio en torno a él.

Irregular y asimétrico, se nos presenta como un cuerpo extraño a la arquitectura que lo rodea, además de sugerir tensiones entre su posible peso y su posición suspendida, su densidad y su permeabilidad. Construido a partir de fragmentos de edificios demolidos en el centro de Lisboa, y recopilados por la artista a lo largo de varios años, este trabajo nace como crítica hacia las recientes transformaciones urbanísticas de la ciudad donde esta autora vive y trabaja.

En esos fragmentos se pueden leer los efectos de la gentrificación en el centro de la capital, la especulación inmobiliaria y la presión turística: procesos que han modificado el paisaje, alterado las formas de vida de los lisboetas y transformado las relaciones comunitarias, según Fragateiro. Este proyecto, por tanto, vendría a compendiar las huellas en el espacio urbano de lógicas financieras distantes de las necesidades de quienes lo habitan, probando que cada demolición añade una nueva capa de ausencia al palimpsesto de Lisboa y fragiliza la memoria de sus piedras.

Los bloques de este muro, sin conexión aparente, parecen a punto de derrumbarse, pero se apoyan entre sí, dejando huecos por donde pasan la luz y la vista. De cerca, cada piedra exhibe pistas de su origen: trozos de yeso, cemento, mortero, ladrillo, piezas desconchadas… que aquí adquieren el rol de testimonios de un colapso en curso.

La artista no ha buscado reconstruir lo perdido, sino organizar fragmentos en un tabique que preserve las pruebas de la destrucción y exponga las contradicciones de nuestros días, cuestionando cómo la ciudad gestiona su propio pasado, incluso en lo material. Su instalación funciona, de este modo, como un dispositivo de arqueología crítica, en el que la precariedad del conjunto no se agota en su dimensión formal, sino que suscita una reflexión sobre todo lo que se pierde con la desaparición de los edificios, sean históricos o autoconstruidos.

Desde los noventa, Fernanda Fragateiro ha investigado las relaciones entre la arquitectura, la ruina y la memoria urbana, utilizando elementos de la construcción civil y archivos ajenos a los circuitos institucionales. En este caso, en un espacio marcado por la autoridad de la arquitectura moderna de Siza, desliza componentes precarios y desgastados, confrontando el orden formal del lugar con lo que la historia ha excluido.

La próxima edición de la feria JUSTMAD, que será la decimoséptima, traerá también un nuevo capítulo de JUST RESIDENCE, su programa de residencias artísticas: en esta ocasión, cuatro artistas desarrollarán proyectos relacionados con el entorno rural y la preservación del medio ambiente en la provincia de Segovia.

Son representados por galerías participantes en esta cita, dirigida por Óscar García García, y ya han sido seleccionados: Ylana Yaari (Thema), Madeleine Skrzynecka (Materna y Herencia), Wels (Dopemann Project) y Adriana Berges (A Ciegas).

Este programa, que se desplegará del 2 al 8 de febrero, se integra en la línea de investigación y experimentación de la feria, que este año ha querido llevar intervenciones, instalaciones y obras a pueblos menores de quinientos habitantes.

Se ha invitado a esos creadores a reflexionar sobre el paisaje, la despoblación, la identidad, la memoria colectiva o los desafíos ecológicos y sociales del presente y a alumbrar propuestas imbricadas en el contexto local, empleando materiales del entorno o concediendo nuevos significados a espacios y narrativas autóctonas.

Con Migueláñez como base de experimentación, se les propone analizar, estudiar e inspirarse en distintos espacios de localidades cercanas, como Santa María la Real de Nieva, Ortigosa de Pestaño, Bernardos, Armuña o Domingo García, entre otras. Enclaves patrimoniales, arqueológicos y arquitectónicos serán sus puntos de intervención y documentación.

El archivo que surja durante las residencias, y sus posibles conclusiones, se presentarán en JUSTMAD 2026, que tendrá lugar, un año más, en el Palacio de Neptuno del 5 al 8 de marzo. A continuación, el proyecto regresará a la provincia de Segovia, culminándose así un ciclo entre creación, exhibición y comunidad.

A lo largo de los años, los programas de residencias de JUSTMAD han llevado a diferentes artistas a Avilés, Genalguacil, Madrid o a Ras de Terra, en Extremadura, entre otros puntos, y han colaborado en ellos comisarios y creadores como Andrea Pacheco, Asier Mendizábal, Carlos Garaicoa, Eugenio Ampudia o Mónica Sánchez Robles, generándose lazos entre autores y territorios.

El Southbank Centre ha anunciado el nombramiento de Sally Tallant como próxima directora de la Hayward Gallery de Londres. Asumirá el cargo a partir de julio de este año y relevará al comisario estadounidense Ralph Rugoff.

Tallant es actualmente directora del Queens Museum de Nueva York, donde ha supervisado más de una treintena de exposiciones, entre ellas las dedicadas a Fia Backstrom, Suzanne Lacy, Tracey Rose, Christine Sun Kim, Aliza Nisenbaum, Aki Sasamoto, Lyle Ashton Harris, Stephanie Dinkins, Charisse Pearlina Weston, Emilie Gossiaux, Caroline Kent, Pia Camil y Mierle Laderman Ukeles.

Con anterioridad fue responsable de la Bienal de Liverpool, entre 2011 y 2019, y jefa de Programas de la Serpentine Gallery entre 2001 y 2011. También trabajó en la propia Hayward Gallery en sus comienzos, como comisaria adjunta.

La artista y editora mexicana Claudia de la Torre, residente en Berlín, es la ganadora del primer galardón en el duodécimo Premio Ankaria Libro de Artista por su obra The Waves, un proyecto destinado a traducir la arquitectura literaria de la obra de Virginia Woolf a un lenguaje completamente cromático.

El segundo premio ha sido para el barcelonés Marc Ávila Català, por Tensión nº4. Incipit Vita Nova, una pieza que hace del libro un territorio material en el que razón y poesía pueden colisionar.

En cuanto al Premio Javier Rosón, destinado a jóvenes creadores menores de veintiocho años, ha recaído en la navarra Ixone Gil Begoechea, por Desde la esquina de la cocina, otro libro de artista de elevada carga íntima y memorialista que profundiza en los mecanismos del recuerdo. Ha obtenido una mención de honor, por el último, el autor chino Zinuo Wang, por By water.

A esta edición del Premio Ankaria Libro de Artista han concurrido más de 230 propuestas internacionales en las que el libro deviene un espacio de investigación conceptual y un soporte híbrido, capaz de albergar imagen, texto y materia. La convocatoria está dotada con 3.000 euros para la primera obra seleccionada y con 1.500 para la segunda; la composición ganadora del Premio Especial Javier Rosón recibe, mientras tanto, 1.000 euros.

En las once ediciones anteriores de este premio, los afortunados han sido Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016), Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018), Ana Soler (2019), Carlos Irijalba (2020), Rosa Velasco Ringeling (2021), Ignasi Aballí (2022), Manu Blázquez (2023) y Pedro Torres (2024). Los trabajos escogidos se integran en la colección de la Fundación Ankaria y en las actividades expositivas vinculadas al certamen.

La pieza ganadora, The Waves, de Claudia de la Torre, parte de la novela Las olas de Woolf, escrita entre 1929 y 1931. Deja a un lado el relato y se estructura sólo a partir del color: cada página del volumen recoge una única mención cromática, extraída del texto original y traducida en una superficie monocroma, dispuesta en orden cronológico. El resultado es una narrativa visual abstracta en la que los tonos fluyen como ritmo, repetición y variación, suscitando una experiencia de lectura no lineal, basada en las intensidades y las pausas. Este libro se completa con una instalación que despliega el volumen en el espacio expositivo, subrayando su condición escultórica.

De la Torre, que reside y trabaja entre Berlín y Ciudad de México, no es una creadora novel en el ámbito del libro de artista y la edición experimental, y su producción forma parte de los fondos del MoMA, el MACBA o el TEA de Tenerife.

Por su parte, Tensión nº4. Incipit Vita Nova, de Marc Ávila Català, pertenece a una serie de libros intervenidos que no se leen, sino que se palpan. Inspirado en el pensamiento de la filósofa María Zambrano, el proyecto explora la tensión dialéctica entre la razón y la lírica a través de una superficie tratada con fotografía, pintura, palabra y restos orgánicos y minerales.

La trayectoria de Ávila conjuga la creación artística y la reflexión audiovisual, y ha podido verse en la Universitat de Barcelona, Muxart, Les Boutographies de Montpellier y la Fundació Vila Casas.

Por último, Desde la esquina de la cocina, de Ixone Gil Bengoechea, se nutre de los recuerdos de la infancia de la autora en la cocina de su abuela. A partir de imágenes, estampas litográficas intervenidas, fotografías, textos y distintos tipos de papel, la artista ha levantado una narrativa visual fragmentada que reproduce la naturaleza cambiante de la memoria.

Este libro está concebido como conjunto abierto en el que las páginas plegadas, los recortes, las perforaciones y las transparencias consiguen que las imágenes y las palabras se relacionen de manera no lineal, originando recorridos siempre diferentes según quien manipule la obra. El empleo del rojo acentúa la intensidad emocional del recuerdo y sirve como elemento estructural.

Ixone Gil es autora de dibujos, grabados y libros de artista, estos últimos concebidos como archivo poético y experimental.

El jurado de la última edición del Premio Ankaria al Libro de Artista ha estado compuesto por el presidente de la Fundación Ankaria, Ricardo Martí Fluxá; los patronos de la institución Saleta Rosón, Jaime Mairata y José María Luna; Pedro Torres, artista ganador en 2024; y Pedro Galilea, director de la Fundación CIEC (Centro Internacional de la Estampa Contemporánea) de Betanzos.

El Patronato de la Maison Européenne de la Photographie, con sede en París, ha anunciado el nombramiento de Julie Jones como nueva directora de esta institución.

Jones, historiadora de la fotografía, ha ejercido recientemente como comisaria del Departamento de Fotografía del Centre Pompidou, donde supervisó varias exposiciones e iniciativas para ampliar y difundir la colección del centro. Su extenso conocimiento de la fotografía contemporánea, su experiencia en museos y su red internacional de contactos profesionales han sido activos clave en su elección, que llega cuando la Maison prepara su 30º aniversario.

El centro afirma iniciar una nueva etapa basada en el apoyo a autores contemporáneos emergentes y en la voluntad de consolidar el lugar de la fotografía en el panorama cultural europeo e internacional, acercándola a un público cada vez más amplio y diverso.

Doctora en Historia del Arte, Jones ha impartido docencia en la Universidad París 1 Panthéon-Sorbonne y en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas. Entre sus muestras comisariadas, podemos citar las dedicadas a Barbara Crane (2024) y Hannah Villiger (2024), “Corps à Corps” (2023), “Moï Ver” (2023), “Visiones Expandidas” (CaixaForum, 2023), “L’Image et son double” (2021), “Shunk-Kender” (2019), Brancusi (Málaga y Moscú, 2018), “Photographisme” (2017) o “Il y a de l’Autre” (Encuentros de Arlés, 2016).

El Patronato de la Fundació Museu Picasso de Barcelona aprobó el pasado junio abrir el proceso de selección de una nueva dirección del centro; hoy se ha anunciado que su Comisión de Valoración ha acordado por unanimidad proponer a Rosario Peiró como directora de la institución. Una vez ratificada por el Patronato, asumirá el cargo en mayo.

La Comisión estuvo presidida por el vicepresidente segundo del Patronato de la Fundació Museu Picasso de Barcelona, Genís Roca, y formada por los patronos Elisenda Rius Bergua, Oriol Martí Sambola, Llucià Homs, Santiago de Torres Sanahuja y Xavier Vilató Ruiz, así como por los expertos Miguel Zugaza, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, y Jean Louis Andral, comisario.

Han valorado la trayectoria de la candidata, su conocimiento hondo de la obra de Picasso y una visión, en sus palabras, estratégica, sólida y comprometida con la ciudad de Barcelona.

Rosario Peiró, nacida en Valencia en 1968, ejerce desde 2008 como responsable del Área de Colecciones del Museo Reina Sofía, donde ha liderado proyectos internacionales como Repensar Guernica, premiado como modelo de investigación, digitalización y difusión del patrimonio. Asimismo, ha dirigido iniciativas como Contra-archivos imposibles y ha establecido colaboraciones con instituciones como el MOMA, el Musée national Picasso-Paris, el Centre Pompidou, la Fundación Beyeler y el Museo Picasso Málaga.

En Barcelona, antes de su etapa en el Reina Sofía, colaboró con la Fundació Antoni Tàpies (actual Museu Tàpies) y el Centre Cultural de la Fundación ”la Caixa”; posteriormente, desarrolló tareas en el MACBA, donde participó en varias exposiciones.

La Comisión ha incidido, sobre todo, en que el proyecto de dirección presentado por Peiró sitúa a la Ciudad Condal y su entorno cultural como un pilar central de la nueva etapa del Museu Picasso. Propone profundizar en su función como espacio de conexión entre la comunidad, el tejido cultural y los visitantes, reforzando la idea de museo como centro abierto, accesible y comprometido con su emplazamiento. Por último, se destaca la voluntad de consolidar Barcelona como centro internacional de estudios picassianos, acentuando el liderazgo del Museu en el terreno de la investigación.

Peiró tomará el relevo de Emmanuel Guigon, responsable de este centro en la última década.

El primer trimestre de 2026 traerá al Museo Universidad de Navarra tres nuevas muestras, que completarán la oferta expositiva del centro pamplonés, junto a las salas de su colección permanente y el espacio dedicado a Ortiz Echagüe.

La primera será “¿Un cuadro puede ser mi amigo?”, que se abrirá el 11 de febrero y será comisariada por los responsables del área educativa del MUN, Teresa Barrio y Fernando Echarri. Repasará algunos de los trabajos colaborativos realizados en la última década en el museo con grupos de escolares, público familiar, entidades sociales y otros colectivos. Cerca de 100.000 estudiantes han participado en esta actividad formativa desde 2015.

El 25 de febrero ocupará la planta -1 del centro la exposición fotográfica “Mirar a otro lado” del coruñés Nicolás Combarro, bajo el comisariado de Marta Ramos-Yzquierdo. Sus imágenes se dedican a antiguas construcciones, restos arquitectónicos o estructuras que normalmente pasan inadvertidas, y que este artista encuentra en territorios urbanos, semiurbanos o rurales. El recorrido contará con trabajos de La materia del silencio, su proyecto más reciente, en el que Combarro pudo capturar lugares donde se situaron los campos de concentración de Bram, diseñados por los regímenes de España y Francia en los treinta y los cuarenta. Sobre ellos llevó a cabo un recorrido documental y presencial: registró los restos de esas infraestructuras en una serie de fotografías nocturnas de los enclaves que ocuparon, con sus vestigios iluminados.

Además, en la Sala 0 de la planta principal y a partir del 17 de marzo, podremos visitar la exposición “Natura fugit” del vasco Jesús Mari Lazkano. Se trata de la última exhibición derivada del programa de residencias artísticas Tender puentes y analizará la evolución del glaciar Mer de Glace en Chamonix, cuyo estudio ha dado lugar a una película y una serie de dibujos al pastel, piezas principales de esta muestra.

En su obra Lazkano recoge los cambios lumínicos, atmosféricos, meteorológicos y espaciales que vive el glaciar y los mezcla y funde con imágenes de época, como pinturas, postales, fotografía antigua y material iconográfico diverso, incorporando un muestrario de “miradas”. Comisarían Valentín Vallhonrat e Ignacio Miguéliz.

LABoral. Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón ha puesto en marcha visitas guiadas gratuitas en las que el público podrá recorrer los diferentes espacios del centro y sus exposiciones actuales acompañado por la nueva directora de esta institución, Semíramis González.

En estas visitas especiales, será la propia Semíramis quien guíe el recorrido y comparta las claves conceptuales, curatoriales y contextuales de los fondos y los proyectos de LABoral.

La primera de las visitas tendrá lugar el próximo jueves, 15 de enero de 2026, a las 18:00 horas, e incluirá un itinerario por varios espacios, entre ellos los estudios de los residentes, el fabLAB (laboratorio de fabricación digital) o las muestras vigentes. Esta propuesta es gratuita y sólo requiere inscripción previa a través del correo electrónico info@laboralcentrodearte.org.

La sala de fotografía del Museo de la Real Academia de San Fernando expone, hasta abril de 2026, una selección de imágenes del fotógrafo catalán Oriol Maspons que forman parte de los fondos de esta institución. Además, se exhibe material bibliográfico y hemerográfico procedente de los fondos de Pedro Melero y Marisa Llorente.

Maspons (Barcelona, 1928-2013) fue uno de los más activos e influyentes miembros de la Escuela de Barcelona. En 1951 ingresó en la Agrupación Fotográfica de Cataluña y dos años después inició su amistad con Catalá-Roca.

En 1953 fue enviado a París por una compañía de seguros y allí se adentró en los ambientes fotográficos y conoció a Robert Doisneau, Cartier-Bresson, Brassaï, Guy Bourdin y los miembros del Grupo Los 30 x 40. Cuando, en 1956, regresó a España, emprendió su carrera como fotógrafo profesional, dedicado a hacer reportajes, retratos y fotografías de moda y de publicidad. Desde entonces, y durante casi medio siglo, no dejó de trabajar para la prensa, las editoriales, los estudios de cine y las emergentes compañías publicitarias.

Kunstverein Hannover alberga, hasta marzo de 2026, la primera exposición individual de Teresa Solar Abboud en Alemania: “Autorretrato como mujer embarazada”. Reúne varias obras clave de su carrera e introduce dos nuevos encargos: una ampliación de la serie Tuneladora y un nuevo grupo de autorretratos que da nombre a la muestra.

Solar Abboud trabaja con esculturas de gran formato, delicados dibujos y vídeos y sus creaciones interpretan las entidades materiales como estados de transformación, a medio camino entre lo orgánico y lo sintético, lo interior y lo exterior. Esas tensiones no sugieren opuestos, sino que evocan una realidad en proceso.

Julia Huete viene investigando en su producción las relaciones entre el discurso de la poesía y el de la pintura partiendo de palabras, colores y formas: le interesa la capacidad sugestiva e incluso plástica de la palabra poética, su carácter de unidad de sentido múltiple. También los rasgos más puros y esenciales tanto de la pintura como del dibujo, y en los últimos años ha trabajado a menudo con telas.

Con dichos textiles, tomados de dispositivos que generaron sombras, presenta ahora en la Galería Nordés, en A Coruña, “Bullenbeisser”: arquitecturas efímeras y blandas que adquieren el rol de vestidos de ciudad, sin forma fija.

Son el fruto de una investigación plástica realizada a partir del proyecto Le Beau Monde, desarrollado en el marco de las residencias semestrales para artistas visuales del Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid.