El Museo Picasso inicia un estudio de conservación de tres esculturas del artista

En el marco de su programa de investigación Diálogos con Picasso, el Museo Picasso de Málaga y la Fundación Almine y Bernard Ruiz Picasso para el Arte (FABA) han puesto en marcha un estudio de conservación sobre tres esculturas del malagueño: Mujer con follaje (1934), La gata (1941) y Gata sentada (1941-1943), que forman parte de la colección permanente del centro. La investigación se está realizando esta misma semana en el área de conservación del Museo.

Es la primera vez que se estudian estas piezas desde la perspectiva de la conservación y la restauración, con la finalidad de determinar la técnica de ejecución de las mismas y confirmar si se trata de yesos originales o de moldes intermedios en el proceso de fundición de un bronce. Las conclusiones que se obtengan del estudio permitirán detallar las etapas que siguió Picasso entre la realización del modelaje original, el molde y el ejemplar en bronce; asimismo, se profundizará en los vínculos del artista con los talleres de fundición con los que trabajó y en el contexto de producción de estas obras, al analizarse los archivos documentales del Musée national Picasso-Paris y de la Fundación Almine y Bernard Ruiz Picasso para el Arte (FABA).

El equipo de investigación inmerso en estas tareas está formado por Clara Stagni, conservadora de FABA y Pascale Roumégoux y conservadora experta en obras en yeso de los siglos XIX y XX, y Laura Resina, restauradora del MPM. Estos trabajos se complementarán con los análisis de muestras que van a realizarse en el Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico.

Por otro lado, el Museo ha anunciado hoy que  permanecerá abierto todos los días del Puente de los Santos. El sábado podrá visitarse en horario ininterrumpido de 10:00 de la mañana a 18:00 horas de la tarde, mientras que el domingo comenzará su horario de invierno, de 11:00 a 17:00 horas.

Expertos analizan la escultura Mujer con follaje (1934) © Museo Picasso Málaga
Expertos analizan la escultura Mujer con follaje (1934) © Museo Picasso Málaga

Ignasi Aballí representará a España en la próxima edición de la Bienal de Venecia, en 2022

Acción Cultural Española ha anunciado hoy que el artista barcelonés Ignasi Aballí representará a España en la 59ª Bienal de Venecia, que tendrá lugar entre los meses de abril y noviembre de 2022. Presentará el proyecto “Corrección”, con el comisariado de la periodista y crítico de arte Bea Espejo. 2022 será, además, el año en que se celebre el centenario de la participación de nuestro país en esta cita.

El jurado que ha seleccionado la propuesta de Aballí ha estado formado por Katya García-Antón, directora de la Fundación Office of Contemporary Art Norway; Javier Hontoria, director del Museo Patio Herreriano; Peio Aguirre, crítico de arte, comisario independiente y editor; Beatriz Herráez, directora de ARTIUM Vitoria; el director de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación-AECID, Guzmán Palacios, y la directora de Programación de Acción Cultural Española (AC/E), Isabel Izquierdo.

En una primera reunión del jurado, celebrada en enero, se decidió invitar a seis comisarios y artistas a presentar un proyecto para el Pabellón; se recibieron cinco propuestas. El pasado 27 de octubre, tras entrevistar a los comisarios y creadores, la votación final de sus miembros concluyó que el artista elegido fuera Aballí. Es la segunda vez que la selección del proyecto ha recaído en un jurado de expertos y en “Corrección” se ha valorado el carácter específico de la propuesta y “su rigor metodológico y conceptual” al ahondar en la noción de lo erróneo, lo oculto y lo inimaginable. A/CE ha anunciado que será una intervención que modificará la memoria en términos espaciales y también el espacio de la exposición, su ubicación en la Bienal y su relación con la ciudad de Venecia.

La resolución del jurado se ha anunciado con más de un año y medio de antelación respecto a la inauguración de la Bienal para ampliar el margen temporal para la producción del proyecto. De esta se encargarán el Ministerio de Asuntos Exteriores, la Unión Europea, Cooperación-AECID y Acción Cultural Española (AC/E).

Ignasi Aballí, representante español en la Bienal de Venecia 2022
Ignasi Aballí, representante español en la Bienal de Venecia 2022

El Bosco se reencuentra con su público en el Museo del Prado

El Museo del Prado reabrió al público ayer su sala dedicada a El Bosco tras permanecer cerrada desde el pasado marzo por la situación sanitaria. La apertura llega con un nuevo montaje, novedoso desde el punto de vista técnico: se han diseñado soportes nuevos para tres trípticos, se ha incorporado una mesa vitrina y también se ha instalado un nuevo sistema de iluminación, gráfica nueva y una pantalla que posibilitará a los visitantes contemplar detalles ampliados de las obras.

En 2016, como muchos recordaréis, el Prado dedicó al autor de El carro de heno una exposición que superó los 600.000 espectadores, marcando un récord histórico en la institución, y el año pasado más de 7.000 personas al día pasaron por la sala del artista, es decir, dos millones y medio de visitantes al año. Además, El Jardín de las delicias es una de las cinco obras más escuchadas por los usuarios de audioguías de la pinacoteca (la segunda después de Las Meninas) y, durante el pasado confinamiento, el vídeo más visto del programa online #PradoContigo fue asimismo el directo en Instagram dedicado a esta obra, con más de 1.300.000 impresiones. Con el replanteamiento de su sala, el Prado ha querido así responder a la gran demanda de visitas que genera habitualmente este espacio, mejorando la percepción de las imágenes.

Aunque se mantiene la ubicación de cada una de las piezas, el montaje anterior presentaba unas características formales que requerían ser actualizadas y mejoradas: ahora se han ganado metros para la circulación de los visitantes y para mejorar la accesibilidad a las pinturas; también se ha individualizado la iluminación de los trípticos (mejorando la visión del reverso de sus alas) y se han tenido en cuenta las necesidades derivadas de la implantación del Plan de Protección de Colecciones ante Emergencias.

Por otro lado, se ha adoptado una nueva gráfica que aporta información sobre las obras: textos explicativos individuales de cada pieza y un gran texto introductorio que muestra la firma autógrafa de El Bosco como colofón.

La sala cuenta también con un nuevo color, un verde más oscuro que el del anterior montaje, que realza tanto la gráfica como los tonos de las pinturas y subraya la iluminación, y con un monitor profesional de 65” de Samsung en el que se suceden imágenes de detalles sorprendentes de las obras expuestas, en un tamaño hasta doce veces superior al original.

Sala 56A del Museo Nacional del Prado

38 nuevas obras se suman a los fondos de Es Baluard

Es Baluard, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma de Mallorca, ha anunciado la incorporación a sus colecciones de 38 obras: una en régimen de donación, nueve en depósito y 28 correspondientes a compras. Se trata de trabajos datados entre 1916 y 2020 y realizados por veintinueve artistas, parte de ellos radicados en Baleares: Toni Amengual, Dineo Seshee Bopape, Miriam Cahn, Miguel Ángel Campano, Lluis Claramunt, Mounir Fatmi, Esther Ferrer, Rafa Forteza, Bel Fullana, Lara Fluxà, Daniel García Andújar, Susy Gómez, Petrit Halilaj, Peter Halley, Rafel Joan, Teresa Margolles, Max, Laura Marte, Joan Morey, Claudia Peña Salinas, Albert Pinya, Marta Pujades, Bernardí Roig, Bartomeu Seguí, José Ángel Sintes, Joaquín Sorolla, Martine Syms, Kemang Wa Lehulere e Ian Waelder. Campano y Margolles son objeto actualmente de sendas muestras en este espacio.

Se suman, así, a los fondos de Es Baluard pinturas, vídeos, fotografías, instalaciones, esculturas, dibujos y obras gráficas, incluyendo al cómic, género que se introduce en el centro por vez primera.

Según Imma Prieto, directora de este espacio, las nuevas adquisiciones de la Fundació Es Baluard Museu son más que importantes. Por un lado, rompemos con una dinámica que ha acompañado a Es Baluard Museu. Estamos ampliando la Colección a partir de compras, entendidas de forma contundente, y no solo a través de donaciones o depósitos. Y por el otro, en primer lugar apoyamos al sector artístico, motivo necesario para el contexto de este año, pero también estamos contribuyendo a salvaguardar la historia.

Las adquisiciones son fruto de un proceso de selección en el que han participado galerías, entidades y un total de 300 artistas, entre los que 195 son de procedencia balear. Según Prieto, la Comisión de Adquisiciones puesta en marcha este año no ha trabajado a partir de un concurso ni un open call específico: Es la misma convocatoria que hay cada año en el Museo desde sus orígenes. La gran diferencia ha sido la partida presupuestaria: durante años ésta ha sido 0 euros, desde hace dos años se amplió a 5.000 euros, después 10.000, y este año habíamos subido a 15.000 euros. Finalmente, gracias al apoyo del Patronato hemos podido contar con una cantidad digna que nos permite apoyar el sector como toca. Por nuestra parte, vamos a luchar para que esto no sea una excepción provocada por la COVID-19. Hay que defender a los y las artistas y galerías para entre todos y todas crear un tejido artístico estable y enriquecedor.

Ese presupuesto se ha acercado a los 173.000 euros y, en concreto, el incremento deriva del apoyo de la Delegación de la Presidencia para la Cultura del Govern de les Illes Balears, que ha aportado 140.000 euros, y del Departamento de Cultura, Patrimonio y Política Lingüística del Consell de Mallorca, que ha cedido 15.000. El presupuesto restante de 17.913 euros pertenece a la partida original de adquisiciones generada a partir de los presupuestos generales de Es Baluard Museu.

La Comisión de Adquisiciones de Es Baluard ha estado compuesta por un representante de cada patrono de la Fundació Es Baluard, cuatro profesionales del ámbito artístico de trayectoria reconocida (Yolanda Romero, Jefa de Conservación del Banco de España; Tanya Barson, Chief curator del MACBA; Neus Cortés, gestora cultural especializada en arte contemporáneo y Enrique Juncosa, comisario independiente y ex director del Irish Museum of Modern Art) y la directora y la jefa de Colección del Museo, Imma Prieto y Soad Houman.

Con esas nuevas incorporaciones, la Colección de Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma alcanza las 800 piezas.

Susy Gómez. Ready to feel a L.B necklace, 2020. Es Baluard
Susy Gómez. Ready to feel a L.B necklace, 2020. Es Baluard

 

Tania Blanco y el impulso creativo de la naturaleza

En el pensamiento griego, el impulso creativo derivado de la naturaleza era nombrado igual que el dios de la fertilidad Eros; sin embargo, hoy, para referirnos a los efectos del agua y el viento sobre el territorio hablamos de erosiones y desgastes. Parece que no entendemos el paisaje como una creación sino como consecuencia de la violencia de los elementos.

Para la artista Tania Blanco ese modo de expresarnos tiene que ver con nuestra forma (narcisista) de relacionarnos con el entorno, situándonos a la defensiva respecto a él. Recuerda que, al margen de quién o qué cause las transformaciones naturales, el paisaje se crea tanto por acumulación como por desgaste; nada desaparece del todo, más bien se desplaza.

Ella suele pasear por arenales, observando la infinidad de materiales que el mar y el tiempo han brindado a la costa para construir su litoral. Se trata de palos, piedras, conchas y otros sedimentos procedentes de ríos u otros mares, pero también de desechos de nuestra sociedad de consumo: baldosas, cristales, plásticos…

La artista subraya la belleza de los cantos pulidos de esos objetos encontrados y su gama cromática atractiva; elimina el cariz negativo de su relación con la erosión para incidir en su erotismo. En Guillermina Caicoya (Oviedo) presenta una serie de trabajos gráficos y escultóricos basados en esas piezas recogidas con la denominación asturiana de ayalga, que para esta autora conecta el impulso creativo de la naturaleza y la sensibilidad humana.

Tania Blanco. Celúreo. Morado, 2020
Tania Blanco. Celúreo. Morado, 2020

 

Manuel Diego Sánchez, seleccionado por el Comité de adquisiciones de PHotoESPAÑA en Santander

El comité de adquisiciones de PHotoESPAÑA, que celebra por segunda vez una edición paralela en Santander, ha seleccionado el proyecto Narrar lo imposible, presentado por Manuel Diego Sánchez en el Espacio Alexandra de la capital cántabra. Sus obras pasarán a integrarse en los fondos de la colección de arte contemporáneo del Ayuntamiento de esa ciudad.

En esta serie, el madrileño se sirve del archivo y el registro como métodos de actuación contra el olvido de lo sucedido, pero sobre todo como un lugar en sí mismo en el que el vínculo entre el pasado y el presente nace de la acción, la imagen, la huella y el documento. Narrar lo imposible consta de fotografías recuperadas en una pequeña casa de un pueblo en Oregón pertenecientes a una comunidad de migrantes vascos de principios del siglo XX, y de otras realizadas en ese mismo lugar. Sánchez las ha intervenido hasta convertirlas en imágenes imprecisas, subrayando cómo un gesto intencionado puede liberarlas de la pesadez del lenguaje de cara a quien las observa; al ser reformuladas permiten especulaciones.

En el marco de las actividades para profesionales de PHotoESPAÑA Santander, se celebró hace unos días un visionado de porfolios en el que participaron trece fotógrafos, escogidos entre los más de 140 autores que presentaron sus trabajos.

Un jurado formado por Miguel Cereceda, Oliva María Rubio, Marta Dahó y Juan Riancho seleccionó cinco proyectos que se sumarán a Descubrimientos PHotoESPAÑA 2021: los de Deebo Barreiro, Elba Haxël, Juan Sánchez Sánchez, Marina Serrano y Marius Ionut Scarlat. Ellos presentarán sus trabajos en Madrid y optarán a exponer su trabajo en la Sección Oficial de PHotoESPAÑA de 2022.

Manuel Diego Sánchez. "Narrar lo imposible". Espacio Alexandra
Manuel Diego Sánchez. “Narrar lo imposible”. Espacio Alexandra

La disonancia de Alicia Martín

El Museo del Romanticismo participa, una vez más, en PHotoESPAÑA: presenta un proyecto de Alicia Martín que plantea disonancias y tensiones entre creencias y emociones que están en conflicto en el contexto del Romanticismo en nuestro país.

La idea central de la muestra reside en el intento de la artista de repensar el siglo XIX y las consecuencias que se derivan de algunas de las actuaciones, leyes e ideas que se desarrollaron entonces. Esta relectura la lleva a cabo a través de esculturas, vídeos y fotografías, sirviéndose del libro, su soporte habitual, como metáfora de los cambios sociales que se estaban produciendo y de nuestra mirada hacia lo “exótico”, a lo que se entendía como atraso respecto a la modernidad.

La exhibición puede visitarse hasta el 10 de enero de 2021.

"Alicia Martín. Disonancia" en el Museo Nacional del Romanticismo
“Alicia Martín. Disonancia” en el Museo Nacional del Romanticismo

La partida inmortal de Mabi Revuelta

Hasta el próximo 24 de enero, Azkuna Zentroa (Bilbao) acoge la muestra “Acromática. Una partida inmortal” de la artista, también bilbaína, Mabi Revuelta.

Bajo el comisariado de Susana Blas y tomando el ajedrez como hilo conductor, la exposición revisa la carrera de Revuelta y presenta también el proyecto inédito que da título a la misma. El recorrido se inicia con la instalación Naturaleza muerta con perlas negras, una pieza escultórica revisada que determina el tono poético del conjunto. Le siguen las diversas obras que componen Acromática, inspiradas en la partida de ajedrez llamada Inmortal, disputada en 1851 entre Adolf Anderssen y Lionel Kieseritzky. La última sección lleva por nombre Línea de tiempo y resume la trayectoria de la artista a partir de las cuatro eras del ajedrez: romántica, científica, hipermoderna y dinámica.

Las obras de Mabi Revuelta reflexionan, desde sus inicios, sobre asuntos universales: las relaciones entre realidad y ficción, la permeabilidad entre disciplinas como la literatura, las artes escénicas, la escultura, el dibujo o las artes audiovisuales; la investigación sobre la educación artística y la búsqueda de estrategias didácticas para valorar el hecho artístico como motor de cambio social.

La exhibición podrá verse en Tabacalera Promoción del Arte (Madrid) a partir de febrero de 2021.

Mabi Revuelta. "Acromática. Una partida inmortal". Azkuna Zentroa
Mabi Revuelta. “Acromática. Una partida inmortal”. Azkuna Zentroa

El Museo Picasso de Málaga celebra su 17º aniversario con una jornada de puertas abiertas

El Museo Picasso de Málaga celebra, una vez más, el aniversario de su apertura con una jornada de puertas abiertas. Este mes de octubre el centro cumple diecisiete años y quienes se acerquen a visitarlo mañana, 27 de octubre, podrán acceder de forma gratuita en horario de 10:00 a 18:00 horas (acceso hasta las 17:30 horas) y así conocer sus renovadas salas de la colección permanente (Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023), además de la exposición fotográfica “Picasso visto por Otero”, que nos descubre la vida cotidiana del artista a través de la cámara de Roberto Otero.

Además, con motivo de la apertura de El otro museo, un espacio para el debate y los talleres, desde las 11:00 hasta las 14:00 horas todos los visitantes, con la ayuda de un educador, podrán experimentar y descubrir técnicas como la cerámica, la estampación y la hilatura, con las que Picasso estuvo relacionado.

 © Museo Picasso Málaga
© Museo Picasso Málaga

Últimos días para visitar la instalación ”Non Plus Ultra” de Gonzalo Borondo

La instalación “Non Plus Ultra” de Gonzalo Borondo, que desde el pasado mes de septiembre se exhibe en el patio del Palacio de la Salina de Salamanca, dentro de la programación de Facyl (Festival Internacional de las Artes y de la Cultura de Castilla y León), entra en su recta final.

Mostrado por primera vez en MACRO – Museo de Arte Contemporáneo de Roma en 2018, este impresionante proyecto escultórico, que reflexiona sobre el concepto de límite, es una instalación concebida como itinerante, pero a la vez site-spefic, que en este caso está integrada por 56 módulos de láminas de vidrio serigrafiadas por ambos lados, de dos metros y medio de alto por ochenta de ancho, adaptada por el artista a este espacio.

En palabras de Borondo ““Non Plus Ultra” es en primer lugar una experiencia, una sensación. El espectador se enfrenta constantemente con los límites del espacio, constituidos por las láminas de vidrio, obstáculos visibles pero también transparentes. Límites que podrías romper, cruzar, si eliges arriesgar. Romper los límites asusta. Vivimos con el miedo de ir más allá del límite, siempre acompañados por el sentimiento de incertidumbre. Pero creo que el artista dentro de la sociedad desempeña precisamente este papel, transgredir los límites impuestos por las normas.”

Podéis visitarlo hasta el próximo 31 de octubre.

 

Roberto Borondo. Non plus ultra. Foto: Roberto Conte
Gonzalo Borondo. “Non plus ultra”. Foto: Roberto Conte

 

 

 

Paula Anta lleva al Jardín Botánico sus Topologías de la memoria

Hasta el próximo 8 de diciembre, la fotógrafa madrileña Paula Anta presenta en el Real Jardín Botánico “Nudos: Topologías de la memoria”, muestra en la que reflexiona sobre la naturaleza y las leyes que la rigen y sobre si su posible caos es tal o solo aparente. Nos enseña imágenes que presentan una colección de cúmulos vegetales; en su desorden azaroso encuentra esta autora un orden aplicable al universo.

Encontraremos marañas vegetales fáciles de vincular a nuestras conexiones neuronales, pero también a los movimientos de las galaxias unidas gravitacionalmente, a órbitas que parecen desordenadas y aleatorias, pero corresponden asimismo a un orden.

En palabras de la artista, en mis imágenes no hace falta perspectiva, no necesitamos la tridimensionalidad, no existe profundidad porque todo se mueve dentro de unos parámetros universales. Ya no es importante si estas imágenes pertenecen a un lugar determinado, a un país específico, a una geografía concreta. Estos nudos vienen de muchos lugares y del mismo. Por eso el encuadre encierra, no da más información innecesaria, se centra en el cúmulo de líneas, en su movimiento aparentemente estático. Ni siquiera hay un movimiento circular, un ir y venir, porque todo esta ya ahí de antes: en nuestro discernir, en nuestro sistema circulatorio, en nuestra mirada hacia la realidad externa, en la naturaleza a la que pertenecemos, en nuestra propia esencia.

Paula Anta. Faces, 2019
Paula Anta. Faces, 2019

El Museo Nacional del Prado presenta su primera Guía Oficial para smartphones

El Museo del Prado, junto a Samsung, ha lanzado la app La Guía del Prado, destinada tanto a amantes de la historia del arte como a quienes quieran preparar su visita a la pinacoteca o estudiar a fondo los detalles de sus obras preferidas, porque pone a disposición de los usuarios cuatro centenares de obras para disfrutarlas desde cualquier lugar y en cualquier momento.

Según el director del Prado, Miguel Falomir, esta aplicación quiere servir tanto al visitante no iniciado como al especialista, y acercar el Museo a un público cada vez más numeroso e interesado en obtener una información clara y precisa de las obras que en él se conservan. Nuestro deseo es que esta guía acompañe e ilustre a quienes tengan el placer de recorrer las salas, y que aproxime la colección a quienes no puedan hacerlo.

Está disponible para smartphones y sigue la estela de la versión impresa de la guía, publicada por primera vez en 2008, que se ha convertido en la publicación del Prado con mayor difusión: más de 600.000 ejemplares vendidos en 10 idiomas.

Categorizada por escuelas y autores, incluye más de 400 obras comentadas por los conservadores y especialistas del Museo, que informan al usuario sobre la historia narrada en cada obra, la personalidad artística del autor o su importancia en el conjunto de las colecciones u otros asuntos de interés histórico artístico con datos actualizados. Además, todas las obras incluyen ficha técnica y sus imágenes están accesibles para la descarga en alta definición.

De navegación sencilla e intuitiva, la app cuenta con una presentación general, una historia del Museo y capítulos con introducciones que dividen cada colección y que agrupan las obras en torno a un artista, un género, una época, etc.

Se trata de la segunda app oficial del Prado, tras “El Tesoro del Delfín”, y se suma al reciente lanzamiento de obras disponibles del Prado en la app “S Pen Academy”. Como novedad, hasta el 21 de noviembre y en exclusiva los usuarios de dispositivos Samsung compatibles podrán descargarse gratuitamente el contenido completo de la aplicación, que de otra forma cuesta 5,49 euros.

La guía está disponible en español e inglés, y próximamente en francés, alemán, italiano, portugués, japonés, chino, ruso y coreano, tanto en Android como en iOS.

App La Guia del Prado
App La Guia del Prado

Carlos Irijalba, Premio La Palabra Pintada por Exaptación

La Fundación Ankaria ha concedido al creador navarro Carlos Irijalba el VII Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista, por su proyecto Exaptación. Se trata de una reflexión sobre ese concepto, que acuñó la paleontóloga sudafricana Elisabeth Vrba para referirse a los rasgos genéticos originales de algunas especies que, durante la evolución, adoptan funciones diferentes.

Sirviéndose de espuma metálica (empleada desde los sesenta para prótesis) como material de trabajo, el artista ha creado un libro formado por 24 piezas únicas, el mismo número que costillas tiene el ser humano, junto al texto original de Elisabeth Vrba y anotaciones del propio Irijalba sobre un papel piedra irrompible e impermeable.

Según el autor, el libro remite en su forma y apariencia al libro tradicional, con lomo, cubiertas y tripa, en un juego dialéctico entre la obsolescencia y la misma exaptación, pero el interior aloja la diversidad latente de otros posibles usos, como un repositorio mineral capaz de nuevos propósitos.

El segundo premio ha recaído en el venezolano José Luis Castro por su obra Velázquez, un ejercicio de deconstrucción y recreación a partir de un libro ilustrado de la obra del genio sevillano. Sobre las láminas que reproducen algunas de las pinturas más famosas del autor barroco, y valiéndose del collage, Castro ha llevado a cabo una intervención que dota a estas obras, y al mismo libro, de connotaciones nuevas.

Por último, el premio especial Javier Rosón Pérez, destinado a un artista joven menor de 28 años, ha recaído en la madrileña María del Carmen Rodríguez Jiménez por su obra Kalós Éidos Scopéo, una pieza única articulada en torno a la cuestión del empleo de superficies especulares para la creación de ilusiones ópticas que demandan al espectador su interacción con la obra. El libro cuenta con 13 imágenes caleidoscópicas.

A esta última edición del Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista concurrían 276 obras de artistas procedentes de todos los lugares del mundo y el jurado estuvo compuesto por el presidente de la Fundación Ankaria, Ricardo Martí Fluxá, y por los patronos de la institución, Saleta y Javier Rosón, Jaime Mairata y José María Luna.

La dotación económica del galardón (3.000 euros para el primer premio, 1.500 para el segundo y 1.000 para el vencedor en la categoría joven) está destinada a la adquisición de obra de los artistas galardonados. Por otro lado, el proyecto ganador pasará a formar parte de la exposición “La Palabra Pintada”, que continúa su itinerancia por España. En ella se pueden encontrar los trabajos de los últimos premiados: Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016), Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018) y Ana Soler (2019), junto a las piezas de figuras consagradas que componen el cuerpo central de la muestra.

Carlos Irijalba. Exaptación
Carlos Irijalba. Exaptación

Elisa Torreira: sobre vestido y protección

Hasta el próximo 8 de diciembre, el Centro de Escultura de Candás Museo Antón (Candás, Asturias) presenta “Área protegida”, muestra dedicada a la propuesta de Elisa Torreira que obtuvo la Beca Antón de ayuda a la creación e investigación escultórica en 2019.

Artista y poeta, Torreira presenta un proyecto justamente híbrido, a medio camino entre la escultura, la instalación y la poesía, en el que se sirve del vestido como símbolo de protección y también como signo de autoidentificación y de identificación de cara a los demás en tiempos de Big Data uniformante.

La producción de esta autora tiene como eje el estudio de las posibilidades de verbalización del objeto artístico: trata de llevar la poesía a contextos más allá del literario y ha trabajado en libros de artista, poemas-objeto, performances e instalaciones escultóricas. En Candás exhibe ahora un imaginario de vestidos que trascienden lo que las prendas pueden tener de apariencia más o menos fútil para hablarnos de rasgos atribuibles a nuestra sociedad, como la tendencia a la decepción, a la soledad y a un dolor a duras penas expresado. Estos vestidos son metáforas de nuestra fragilidad ante los traumas personales y sociales; según Natalia Alonso Arduengo, el vestido-nicho es el refugio en el espectáculo del mundo del cual somos actores y actrices en escena, pero también somos el público con trastorno por déficit de atención.

En el Museo Antón, Torreira nos invita a transitar entre intersticios: los existentes entre los lenguajes de la poesía, la escultura y la instalación y, físicamente, entre los vestidos, que son a su vez barrera liminal entre nuestro cuerpo y el mundo, entre lo oculto y lo que se desvela, lo íntimo y lo social. Los que aquí se presentan son, a veces, frágiles como el papel o transparentes como el metacrilato: no tapan sino que exponen interiores y nos identifican como vulnerables. Además, desde su vaciedad plantean preguntas sin respuesta: desconocemos si podrían habitarse, a quién pertenecen esas ropas-escultura; los cuerpos ausentes que pudieron ceñir escapan a nuestra mirada.

La exhibición se articula en tres estancias: Silencio, Soledad y Ruido; desde sus mismos nombres, plantean la frecuente orfandad física y emocional del individuo contemporáneo, frente a la proliferación de felicidad propia de las redes sociales, y la necesidad de reconectar con la propia interioridad. El biólogo Edward O. Wilson se refería a nuestro tiempo como La Era de la Soledad y puede que la pandemia no haya hecho sino refrendarlo; en estos meses, la indumentaria, sobre todo la nueva del rostro, ha multiplicado su sentido protector.

Elisa Torreira. Silencio. "Área Protegida". Museo Antón
Elisa Torreira. Silencio. “Área Protegida”. Museo Antón. Fotografía: José Ferrero

 

Victoria Iranzo, Premio BMW de Pintura 2020

La artista valenciana Victoria Iranzo ha obtenido el 35º Premio BMW de Pintura con su obra Rue Africaine. Recibirá 25.000 euros. José Castiella, con Fail anti stuff mechanism, ha logrado la Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica (8.000 euros) y Carolina Ferrer ha sido reconocida con el Premio a la Innovación, dotado con 6.000 euros, por El lugar de la espera. En la categoría infantil, que premia el “talento más joven”, ha sido galardonada la madrileña Helena Serrano con El baño del gato. Esta modalidad está premiada con 4.000 euros.

Victoria Iranzo ya recibió la Beca Mario Antolín en el año 2014 por Protective custome. En Rue Africaine muestra su imaginario personal, que se basa en la idea de pintura como campo de batalla. Presenta a una figura erguida, frontal y valiente ante la incertidumbre del tiempo y se sirve de la metáfora del vestido como protección y nuevo elemento sujeto al cambio y a la necesidad de adaptación al medio.

Castiella, por su parte, concibe la pintura como herramienta para la especulación y las figuras que encontramos en sus obras surgen como fruto del azar, adquiriendo un rol narrativo durante su proceso creativo. Sin embargo, contemplando sus pinturas y esculturas tendremos la sensación de que unas y otras pertenecen al mismo mundo, coherente aunque de reglas desconocidas.

Y Carolina Ferrer ha representado en El lugar de la espera un espacio para la pausa y la reflexión y quizá para el cambio: contiene ambivalencias, ilusión e inquietud, porque puede entenderse como prólogo o como epílogo. La obra debe su título al libro homónimo de Sònia Hernández.

El jurado del premio ha estado compuesto por su presidente Enrique de Ybarra e Ybarra, Tomás Paredes, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte; Carmen Iglesias, miembro de la Real Academia Española y de la Real Academia de la Historia y Luis María Anson, periodista y escritor, presidente de El Imparcial y Miembro de la Real Academia Española.

El resto de artistas finalistas de este año han sido Alejandra Freymann con Sobre espejos iluminados (sur); Alejandro Calderón Martín con Contigo; Ana Barriga Oliva con La ofrenda; Cristina Toledo con Messages from spirits; Diego Vallejo Pierna con Negativo; Guillermo Mora con 2001 en 2020 y José Luis Cremades Milla con Plain air.

Victoria Iranzo. Rue Africaine
Victoria Iranzo. Rue Africaine

ESTAMPA pospone su 28ª edición a marzo de 2021

El pasado julio, la feria ESTAMPA anunciaba que participarían en su 28ª edición, a celebrarse en noviembre, ochenta galerías y que su Programa COLECCIONA se convertiría en un estudio de producción audiovisual para retransmitir en directo, y grabar, los proyectos artísticos de salas y artistas y el desarrollo de sus actividades.

La pandemia también ha obligado a posponer sus planes: el Comité Organizador de esta cita ha decidido retrasarla a marzo de 2021; tendrá lugar entre los días 18 y 21 en el Pabellón 6 de IFEMA. Según un comunicado hecho público hoy por los responsables de la feria, el objetivo es asegurar un contexto más favorable para la movilidad de galerías y visitantes, así como un entorno económico más positivo para el desarrollo comercial. Por ello, toda la estrategia y esfuerzo de producción, comunicación y protección seguirá su marcha, adecuándose a las nuevas fechas, y manteniendo un alto nivel de seguridad, con rigurosas medidas y protocolos que conviertan a los pabellones de IFEMA en un espacio seguro tanto para expositores como para visitantes y coleccionistas de la feria, que son el motor de ESTAMPA.

Próximamente, dicho Comité Organizador considerará la incorporación a la feria de proyectos que no pudieron sumarse al programa de la edición prevista para noviembre.

Vista general de ESTAMPA 2019
Vista general de ESTAMPA 2019

La Comunidad de Madrid adquiere obras de medio centenar de artistas para los fondos del CA2M

La Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid ha llevado a cabo una nueva adquisición de obras de artistas contemporáneos, con una inversión de 500.000 euros, con la doble finalidad de aumentar la colección del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles y de apoyar al sector en este año especialmente complicado.

La Comisión de valoración de adquisiciones resolvió, en su última reunión anual, adquirir 54 nuevas piezas de técnicas diversas (dibujo, instalación, escultura o fotografía) tras la importante respuesta obtenida en la convocatoria extraordinaria anunciada el pasado abril y destinada a paliar las pérdidas ocasionadas por la crisis del coronavirus. Se ha decidido realizar un aumento presupuestario significativo y retomar ofertas de las ya presentadas entonces para continuar apoyando al sector y ampliar su colección de obras de arte.

Estas nuevas adquisiciones responden tanto a ofertas de galerías de arte madrileñas como a las de artistas residentes en Madrid no representados por ninguna de ellas. En total, durante este 2020 la Comunidad de Madrid ha invertido 1.300.000 euros en obras de artistas contemporáneos, el importe más elevado destinado a este objetivo desde la creación de la colección de la Comunidad de Madrid (se ha incrementado un 433% del presupuesto para este fin).

Entre los autores del más de medio centenar de obras que han pasado a formar parte de la colección del CA2M se encuentran Cruz Novillo (Galería Fernando Pradilla), María Luisa Fernández (Galería Maisterravalbuena) o Francisco Leiro (Galería Marlborough), Begoña Goyenetxea o Josep Grau-Garriga (Galería Michel Soskine).

También se han adquirido instalaciones escultóricas y proyectos objetuales de jóvenes autores como Antonio Fernández Alvira, Antonio Guerra, Christian Lagata, Clara Sánchez-Sala, Elena Bajo o Marta Fernández Calvo, Esther Gatón, Luna Bengoechea (Galería Lucía Mendoza), Miren Doiz, Manuel Prados o Javier Fresneda.

En el terreno de la imagen, destacan la nueva pintura de Ángela Cuadra o Julio Sarramián (Galería Herrero de Tejada) y la de figuras consolidadas como Prudencio Irazábal (Galería Helga de Alvear), así como fotografías de Félix Lorrio, Clemente Bernad, Álvaro Sánchez Montañés, Isidro Blasco (Galería Ponce + Robles) o Nicolás Combarro. Los fondos de videoarte del CA2M se completarán con trabajos de Theo Firmo, Carlos Aires, Ana Esteve Reig, Alex Reynolds, Ion de Sosa y Mar Reykjavik.

Además, se han adquirido piezas de artistas pioneras del feminismo como Paloma Navares o Victoria Gil (Formato Cómodo) y de nuevos valores como Elena Jiménez o Marina Vargas, Andrés Senra (Swinton Gallery), María Gimeno o Daniel García-Andújar (Galería 1Mira Madrid).

El arte local relacionado con las políticas de la representación se enriquecerá en Móstoles con piezas de Chus García-Fraile, Cristina Llanos, Jorge García o Paula Rubio, y la investigación sociológica de la cultura de club en España, con una obra de Irene de Andrés.

La presencia latinoamericana en el arte de Madrid queda representada con obras de Marcelo Brodsky, Alexander Apóstol, Patrick Hamilton (Casado Santapau), María María Acha-Kutscher o Jimena Kato, y las artes vivas, con el registro de una performance de John Baldessari (Galería La Caja Negra) y las obras de Antonio de la Rosa (Galería Freijó), Nora Barón (The Ryder Projects), María Sánchez, PLAYDramaturgia y SEPA.

La Comisión de Adquisiciones que ha decidido las compras ha estado formada por Gonzalo Cabrera, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid; Manuel Segade, director del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo; Tania Pardo, subdirectora del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo y asesora de Artes Plásticas, y las especialistas Estrella de Diego y María Paz Corral.

La Comunidad de Madrid adquiere obras de medio centenar de artistas para los fondos del CA2M

OPEN GALLERY SEVILLA regresa los días 23 y 24 de octubre

Los días 23 y 24 de octubre tendrá lugar la segunda edición de Open Gallery, evento organizado por la Asociación de Galerías de Arte de Sevilla (AGAS) con el que inaugurarán conjuntamente la temporada artística en la capital andaluza, con horarios especiales de apertura y diversas actividades.

Las galerías que componen AGAS son Alarcón Criado, la Galería Birimbao, Delimbo Gallery, Di Gallery, Espacio Olvera, la Galería Haurie, la Galería Rafael Ortiz, la Galería Weber-Lutgen y la Galería Félix Gómez; esta última no podrá sumarse esta vez a la iniciativa. Con todas las medidas de seguridad sanitaria necesarias, sus nuevas exposiciones podrán visitarse el viernes 23, de 11:00 a 14:00 y de 18:00 a 22:00 horas, y el sábado 24, de 11:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 horas.

Alarcón Criado ofrece visitas guiadas a su exhibición de MP&MP Rosado y Di Gallery también programa recorridos guiados durante todo el fin de semana. El domingo, a las 12:00 horas, el crítico Carlos Delgado Mayordomo y el comisario de exposiciones Guillermo Amaya Brenes llevarán a cabo en esta sala una visita que será retransmitida por su cuenta de Instagram: @digallery_contemporaryart.

La Galería Haurie contará ese fin de semana con la presencia de la pintora burgalesa María José Castaño, protagonista de su nueva exposición, y la Galería Rafael Ortiz llevará a cabo una visita a su exposición colectiva el sábado 23.

Esta nueva edición de Open Gallery Sevilla se acompañará de ARCO Gallery Walk, una iniciativa organizada por la Fundación ARCO que se desarrolla también en ciudades como Madrid, Valencia o Barcelona. Constará en la capital hispalense de tres recorridos gratuitos y guiados a los diferentes espacios galerísticos de la ciudad que conforman AGAS. Solo podrán asistir a cada uno 10 personas –nueve interesados junto con la persona que realizará las visitas-, por lo que se requiere inscripción en el correo agasopengallery@gmail.com.

Quienes no puedan acercarse a Sevilla, podrán disfrutar de visitas virtuales a las exposiciones en la plataforma RedCollectors: www.redcollectors.com/opengallerysevilla.

MP&MP Rosado. "La bestia y el alma". Alarcón Criado
MP&MP Rosado. “La bestia y el alma”. Alarcón Criado

TEFAF Maastricht 2021 se aplaza a mayo

Debido a la situación sanitaria internacional que todos conocemos, el Comité Ejecutivo de la feria TEFAF ha decidido modificar las fechas de celebración de TEFAF Maastricht 2021. La cita tiene lugar habitualmente a mediados de marzo, pero esta vez se desarrollará, en una versión acortada, del 31 de mayo al 6 de junio, con dos jornadas de preinauguración los días 29 y 30 de mayo de 2021. El objetivo del cambio es permitir que la comunidad global del arte –también los expositores de TEFAF– pueda reunirse de la forma más segura posible.

Hidde van Seggelen, presidente de TEFAF, explica esas razones: La seguridad de nuestra comunidad de TEFAF es nuestra máxima prioridad en el cumplimiento de nuestro compromiso de servir de inspiración a amantes del arte, coleccionistas e instituciones, contribuyendo al mismo tiempo a fomentar un mercado del arte flexible en el cual nuestros marchantes puedan prosperar.

El proceso de selección de galerías y anticuarios se desarrollará en las próximas semanas. Entretanto, del 1 al 4 de noviembre tendrá lugar TEFAF Online, nueva feria digital en la que casi 300 expositores mostrarán piezas únicas de sus fondos. Podremos contemplar desde un lienzo de Paul Cézanne hasta una escultura del artista chino Ai Weiwei, pasando por una silla del diseñador Sam Maloof, una pieza única de alta joyería de Hemmerle o una monumental cabeza egipcia de Min de la dinastía XVIII, entre otras obras destacadas. Sustituirá a la edición presencial de TEFAF Nueva York.

TEFAF 2021

Helena Toraño y el soplo de los días

Hasta el próximo 31 de octubre, la Galería Gema Llamazares de Gijón dedica nueva individual, la segunda en este espacio, a Helena Toraño: “El soplo de los días”.

Consta de trabajos realizados por la artista de Llanes durante el pasado confinamiento y abundan entre ellos los paisajes y escenas que nos trasladan a mundos idílicos o soñados, como vía de escape. Parte la autora de composiciones cinematográficas a la hora de representar paseos de figuras solitarias o instantes, tan placenteros como cotidianos, anhelados.

En palabras de Toraño, los lienzos de esta serie están plagados de cielos inmensos, atardeceres y amaneceres, mares en calma y otros más bravíos, prados, árboles, flores, caminos, acantilados, amigas…

En este tiempo tan extraño, siento que la idea del arte como vía de escape tiene más sentido que nunca. Después de la cantidad de información que recibimos por todos los medios (redes sociales, radio, televisión o prensa) muchos hemos sentido la necesidad de desconectar. Yo encuentro esos momentos de paz mientras pinto y quiero conseguir ese mismo efecto en el espectador. Me gustaría que cuando miren mis cuadros se sumerjan en ellos y se olviden, aunque sea por un momento, de la realidad. Quiero que mis cuadros sean ese lugar y ese momento al que les gustaría escaparse si pudieran.

Helena Toraño. La carta, 2020
Helena Toraño. La carta, 2020