Generaciones 2021 tiene ganadores

La Fundación Montemadrid anunció ayer los artistas y proyectos ganadores de la XXI edición de su certamen de apoyo al arte joven Generaciones, convocatoria que tiene como finalidad ofrecer una plataforma dedicada al arte actual para mostrar el trabajo de creadores emergentes y difundir sus propuestas entre la crítica especializada y el público general.

Entre los casi 600 proyectos presentados, el jurado de Generación 2021, formado por Ana Botella, Jefa de Programas Públicos en la Wellcome Collection (Londres); Soledad Gutiérrez, comisaria en Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21) e Ivan López Munuera, PhD Candidate en la Princeton University y crítico y comisario independiente, ha seleccionado los ocho ganadores, que recibirán 10.000 euros cada uno.

Los seleccionados son autores muy jóvenes, con poca presencia en los circuitos habituales del arte, y varios de ellos son creadores latinoamericanos (Chile, Perú, Cuba) con residencia en España. Como en cada edición de Generaciones, se da una amplia variedad de formatos pero destacan las propuestas audiovisuales, la instalación, lo escultórico o la mezcla de géneros. Entre las temáticas abordadas predominan los proyectos que giran en torno a la identidad individual o colectiva.

Los elegidos han sido María Alcaide (Huelva, 1992); Javier Bravo de Rueda (Perú, 1989); Claudia Claremi (España/Cuba, 1986); Isabel Marcos (Madrid, 1986); NUCBEADE (Quiela Nuc, Madrid, 1990 y Andrea Beade, Madrid 1988); Simón Sepúlveda (Chile, 1989); Lucía Bayón Mendoza (Madrid, 1994) y Helena Vinent (Barcelona, 1988). Sus proyectos los veremos, desde el próximo febrero, en La Casa Encendida.

 

Claudia Claremi. Amnesia colonial (estupor)
Claudia Claremi. Amnesia colonial (estupor)

El Museo Picasso cancela su próxima muestra dedicada a Meret Oppenheim

El Museo Picasso de Málaga ha comunicado hoy que la exposición “Meret Oppenheim. Reflejo de una época“, que iba a inaugurar el próximo otoño, ha sido cancelada. La situación sanitaria y sus consecuencias, que obligaron a mantener el museo cerrado durante unos meses, y la paralización de la movilidad de obras entre centros nacionales e internacionales han implicado una significativa disminución en el número de visitantes del centro malagueño y, también, en sus ingresos.

Por ello, los órganos rectores del Picasso han tomado la decisión de cancelar esa muestra, que iba a permanecer abierta desde octubre hasta enero de 2021, como paso previo a las antológicas que le dedicarán más adelante Kunstmuseum Bern y el MoMA neyorquino.

Meret Oppenheim. Le déjeuner en fourrure, 1936
Meret Oppenheim. Le déjeuner en fourrure, 1936

 

 

Frieze Londres cancela su próxima edición

Las ferias Frieze London y Frieze Masters, grandes citas del mercado del arte londinense y europeo, no se celebrarán en su formato convencional el próximo octubre ante la crisis sanitaria que azota también al Reino Unido; se desarrollarán virtualmente. El pasado mayo, Frieze New York también se canceló debido a la pandemia. Las restricciones relativas a los viajes aéreos y concentraciones de personas han hecho imposible su desarrollo.

Stand de Fortes Vilaça en Frieze Art Fair 2017
Stand de Fortes Vilaça en Frieze Art Fair 2017

La Colección María Josefa Huarte se presenta en el Bellas Artes de Bilbao

Hasta el próximo octubre, el Museo Universidad de Navarra presenta en el Bellas Artes de Bilbao una selección de fondos de la Colección María Josefa Huarte.

Componen esos fondos 47 obras de las que cuarenta han llegado a la capital vasca, entre ellas trabajos de Oteiza, Palazuelo y Antoni Tàpies, Picasso, Mark Rothko, Vasili Kandinsky, Eduardo Chillida, Eusebio Sempere o Manuel Millares. La colección fue donada en 2008 a la Universidad de Navarra y constituyen el origen de su Museo, abierto en 2015.

Miembro de una familia de empresarios navarros establecida en Madrid, María Josefa Huarte comenzó a coleccionar a comienzos de los años cincuenta centrándose en las tendencias abstractas geométricas e informalistas, la pintura matérica y gestual o el arte cinético. Concibió la abstracción como un camino estético hacia la modernidad y también como un itinerario espiritual.

Antoni Tàpies. Incendi, 1991. Museo Universidad de Navarra
Antoni Tàpies. Incendi, 1991. Museo Universidad de Navarra

 

Lo último de Carmen Laffón llega al Patio Herreriano

Hasta el próximo 30 de agosto, el Museo Patio Herreriano de Valladolid presenta, en colaboración con el CAAC sevillano, “La Sal”: un conjunto de una docena de obras de gran formato de Carmen Laffón. Interesada en la observación de paisajes y su representación desde un enfoque emocional, presenta la artista sevillana miradas a las salinas de Sanlúcar de Barrameda en las que despliega su estilo suelto y libre. Algunas destacan por sus tonos grises y otras por los azules (su cromatismo es rico pese a la paleta aparentemente reducida) y prueban el interés de Laffón por el trabajo en serie y el estudio detenido de lugares.

Junto a las salinas, puede contemplarse otro grupo de pinturas muy diferente en su tratamiento del color, que comparten la intensidad lumínica de las anteriores y una composición vertebrada en torno a la línea del horizonte, y también un conjunto de bajorrelieves en torno al mismo motivo.

Carmen Laffón. "La sal". Museo Patio Herreriano
Carmen Laffón. “La sal”. Museo Patio Herreriano

Keith Haring como emblema generacional

El próximo 21 de agosto, el Museum Folkwang de Essen abrirá al público una retrospectiva de Keith Haring, figura fundamental de la escena artística neoyorquina en los ochenta y autor de una iconografía inconfundible en la que se dejó influir por la cultura underground, los viajes espaciales, la robótica y los videojuegos. Desarrolló, asimismo, proyectos en colaboración con Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat, Madonna, Grace Jones, Vivienne Westwood y Malcolm McLaren.

El centro holandés exhibirá aproximadamente 85 de sus obras, entre pinturas y dibujos de gran formato, carteles, fotografías y vídeos seleccionados para ofrecer una visión transversal de su producción y para situarlo, prácticamente, como portavoz de una generación preocupada por el racismo, la homofobia, la lacra de las drogas, el sida, los retos del capitalismo y la destrucción del medio ambiente.

Buscó Haring concienciar de que el arte era para todos (de ahí sus dibujos con tiza en el metro de Nueva York o sus murales en espacios públicos) y manejó un lenguaje universal compuesto por signos accesibles a todo observador: pequeñas figuras danzantes, perros ladradores o platillos voladores.

Keith Haring. Untitled, 1982 © Keith Haring Foundation
Keith Haring. Sin título, 1982 © Keith Haring Foundation

ART MARBELLA 2020 se celebrará del 24 de septiembre al 3 de octubre

ART MARBELLA, feria internacional de arte moderno y contemporáneo, volverá al Palacio de Ferias, Congresos y Exposiciones de Marbella, del 24 de septiembre al 3 de octubre, coincidiendo en esta ocasión con la celebración de MARBELLA DESIGN.

La feria tendrá además una versión online y mantendrá su programa VIP, que incluye una rica programación de visitas privadas a los mayores centro de arte de Málaga como el Museo Picasso o el Centro Pompidou; y cenas exclusivas en casa de coleccionistas. Para ello contará un año más con Quintessentially como Official Lifestyle Partner.

“Estas nuevas fechas de septiembre nos permiten efectuar ambos eventos en mejores condiciones para todos. Para nosotros hubiera sido mucho más sencillo cancelar todo y pasar nuestros eventos para el año siguiente, pero creímos, y creemos, que tenemos una responsabilidad primordial con nuestros clientes, nuestro público y con la propia ciudad de Marbella y hemos decidido ir adelante. Estamos convencidos que es justamente un año muy importante para que el sector del arte y del diseño e interiorismo muestre presencia, valentía y vitalidad”, comenta Alejandro Zaia, organizador de ambas ferias.

 

ART MARBELLA 2020 se celebrará del 24 de septiembre al 3 de octubre.(Art Marbella 2017).

 

 

Filmoteca Española recupera el sistema de color original de Garbancito de la Mancha

Filmoteca Española ha anunciado la adquisición de un nitrato del sistema de color original, el británico Dufay Chrome, del filme Garbancito de la Mancha (José María Blay, 1945), el primer largo de dibujos animados realizado en España y el primero en color de Europa. Hasta ahora, en nuestro país solo se conservaba un fotograma en el sistema original, en la Filmoteca de Catalunya, y el British Film Institute de Londres guarda dos rollos en 35mm de los diez que formaron en origen la película. Ahora, Filmoteca Española ha adquirido ocho de esos diez rollos, custodiando así la copia de proyección Dufay Chrome más completa que existe.

Además de los rollos originales, se han encontrado también otros materiales posteriores: versiones en blanco y negro o en color, con técnicas y formatos, que, en palabras de Marián del Egido, directora del Centro de Conservación y Restauración de la Filmoteca, contribuyen a completar la historia de la película muchos años después de su estreno.

Garbancito de la Mancha es una adaptación del cuento del mismo título escrito por Julián Pemartín y cuenta con música de Jacinto Guerrero. Con 85 minutos de duración, fue realizado en Barcelona por Balet y Blay, la primera productora en Europa que se adentró en el campo del largometraje de animación pese a no contar con los recursos adecuados. Sabemos que la producción resultó difícil por la necesidad de importar celuloide desde Suiza y la posterior exportación para el revelado, porque en España aún no existían laboratorios de color. Nos encontramos, hay que recordarlo, en el contexto de la Segunda Guerra Mundial.

Con todo, Garbancito de la Mancha se estrenó finalmente en 1945 y obtuvo gran éxito en España; se declaró de Interés Nacional y recibió el Premio del Sindicato Español del Espectáculo.

 

En lo técnico, la característica más importante de este título fue que sus creadores emplearon ese sistema de color Dufay Chrome, desarrollado por Louis Dufay en 1908, con el que se obtenían imágenes en color incorporando los filtros de los colores fundamentales (rojo, azul y verde) a la propia película. El filtro estaba compuesto por una malla donde se distribuían reticularmente de forma regular y en líneas muy finas esos tonos, de modo que el resultado era una imagen en color por adición que se impresionaba en la emulsión de halogenuro de plata fotosensible. El sistema solo se empleó en los laboratorios Dufay de Londres y no se expandió, entre otras razones porque la retícula absorbía dos tercios de la iluminación en la proyección.

Pese a la práctica desaparición de la película original, que empleó este sistema de color, en los sesenta se volvieron a tirar unas copias en nitrato en las que se difuminó la imagen para que no se viese la trama original, esquilmándose la calidad y viveza de los colores primeros.

La copia incompleta que ahora llega a la Filmoteca fue localizada en Nueva York hace dos años por un coleccionista privado, David Bull.

 

La extraña forma de vida de Álvaro González

Hasta el próximo 31 de agosto, Álvaro González presenta en el Espacio Alexandra de Santander “Extraña forma de vida”, muestra que continúa con las anteriores investigaciones de este artista sobre las relaciones entre ciencia y creación y sobre la influencia del conocimiento científico en la cultura. Veremos una serie de pinturas sobre papel inspiradas, sobre todo, en el viaje que Humboldt y el botánico francés Aimé Bonpland realizaron por Venezuela y algunos países del continente americano a principios del siglo XIX; predominan en ellas los motivos biomórficos tomados de ilustraciones científicas y de grandes obras de la historia del arte.

De hecho, la gran influencia de González en este proyecto ha sido Paisaje tropical, de Edwin Frederic Church, donde aquel pintor decimonónico se detiene a contemplar la exuberancia de la flora del trópico. A partir de esa obra, el artista ha estudiado el interés de los autores del XIX por las exploraciones científicas, recopilando iconografía de la época. En Espacio Alexandra veremos serigrafías, collages o pasteles al óleo.

Álvaro González. "Extraña forma de vida". Espacio Alexandra
Álvaro González. “Extraña forma de vida”. Espacio Alexandra

Enrique Marty y los tiempos pasados mejores

Hasta el 18 de septiembre, el artista salmantino Enrique Marty presenta en el Espacio Marzana bilbaíno sus trabajos recientes. Nacen de su observación de que, desde los textos más antiguos, sabios y filósofos de todas las culturas y épocas se han quejado de la corrupción, torpeza o falta de valores de las generaciones posteriores, consideración que el creador considera viciada en esencia, carente de perspectiva y de confianza en el futuro… hasta ahora. Ahora sí, cree Marty, el deterioro es patente.

Enrique Marty. Espacio Marzana
Enrique Marty. Espacio Marzana

 

Genovés en el recuerdo

La Galería Aurora Vigil-Escalera de Gijón abre mañana, 24 de julio, su segunda monográfica dedicada a Juan Genovés. La primera tuvo lugar en 2016 y esta servirá de homenaje al artista a pocos meses de su fallecimiento.

Componen este proyecto dos pinturas y una veintena de grabados que destacan por su coherencia entre sí y también por la complejidad de sus composiciones. Las estampas se fechan entre 2014 y 2020 y tienen en común los poderosos contrastes en ellas de fondos y figuras; la conjunción de accidentes, mancha y fondo con las diminutas figurillas volumétricas, en palabras de Mariano Navarro.

Cuatro de esos grabados fueron realizados por Genovés junto a su hijo Pablo y se aprecian en ellos aires diferentes a la geometría, la abstracción o monocromía de los que solo son propios del primero. “Juan Genovés: En el recuerdo” puede visitarse hasta el 22 de septiembre.

"Juan Genovés: En el recuerdo". Aurora Vigil-Escalera Galería de Arte
“Juan Genovés: En el recuerdo”. Aurora Vigil-Escalera Galería de Arte

Giulietta Zanmatti-Speranza, próxima directora artística de CentroCentro

 Giulietta Speranza © María Platero
Giulietta Speranza © María Platero

Giulietta Zanmatti-Speranza ha sido seleccionada como nueva directora artística de CentroCentro por los miembros de la Comisión de Valoración encargados de evaluar los méritos e idoneidad de los proyectos presentados, un total de 22. El proceso se ha llevado a cabo mediante un procedimiento de concurrencia pública convocado el pasado enero, aunque tuvo que ser interrumpido a causa de la crisis sanitaria. La candidatura de Zanmatti-Speranza ha sido seleccionada por unanimidad y la delegada del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Andrea Levy, ha comunicado a la nueva directora de CentroCentro su elección; en el cargo se mantendrá tres años, prorrogables anualmente de mutuo acuerdo hasta un máximo de seis.

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Roma, Zanmatti-Speranza cuenta con tres décadas de experiencia como gestora cultural. Ha trabajado en ARCO y como editora de la revista de creación contemporánea —normal; también ha sido directora de la extinta Feria Internacional de Fotografía MADRIDFOTO y de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo JUSTMAD, además de haber sido comisaria en residencia en CentroCentro.

La Comisión de Valoración de los proyectos para este espacio la han formado, junto a un representante del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Consistorio, Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza y profesor titular de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Madrid; Estrella de Diego, catedrática de la Universidad Complutense de Madrid y académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid; Manuel Fontán, director de Exposiciones de la Fundación Juan March y doctor en Filosofía y Elena Hernando, directora general de Patrimonio de la Comunidad de Madrid y antigua directora de la Fundación Lázaro Galdiano.

La Comisión de Valoración entrevistó el pasado 22 de junio a seis candidatos de los 22 presentados. Tras este procedimiento, preseleccionó a dos de ellos y, finalmente, propuso por unanimidad la candidatura de Giulietta Zanmatti-Speranza.

 

Cuatro obras del Prado, en la S Pen Academy de Samsung

Cuatro obras esenciales de las colecciones del Museo Nacional del Prado se han incorporado a la app S Pen Academy, exclusiva para Tablets Samsung con S Pen, que ofrece a los interesados cursos impartidos por un profesor especializado en dibujo digital. Será posible aprender, con estas incorporaciones, un amplio abanico de técnicas y estilos, desde el óleo sobre tabla utilizado por El Bosco hasta los dibujos a lápiz, aguafuerte y sanguina de Goya, pasando por el óleo sobre lienzo de Mariano Fortuny.

Estos cursos, que aportan además comentarios sobre la técnica y el contexto de cada una de las obras, permiten compartir las nuevas creaciones del alumno con sus amigos.

Las piezas incorporadas son Ydioma universal. El Autor soñando y Brabisimo!, de Francisco de Goya; El jardín de las delicias, de El Bosco y Los hijos del pintor en el salón japonés, de Mariano Fortuny y Marsal. La aplicación está disponible para su descarga en este enlace: https://play.google.com/store/apps/details?id=samsunges.spenacademy

Esta iniciativa forma parte del marco de colaboración entre Samsung y el Prado y busca acercar el arte a amplios públicos de una manera innovadora, a través del desarrollo de proyectos interactivos y multimedia. Ambas instituciones han colaborado en la creación de la galería digital Museo Nacional del Prado disponible en el televisor The Frame y, recientemente, Samsung ha ampliado su colección artística en su Tienda de Arte, pasando de 37 a 48 obras, coincidiendo con la conmemoración del Bicentenario del Museo del Prado.

App S Pen Academy
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