Montserrat Soto, Premio Nacional de Fotografía 2019

El Ministerio de Cultura y Deporte ha concedido hoy su Premio Nacional de Fotografía, dotado con 30.000 euros, a Montserrat Soto por su interés en la investigación en el lenguaje de la fotografía y el vídeo, con el fin de llevarlos a un espacio expandido, subrayando el carácter ilusorio de los medios con los que trabaja. También ha incidido en que Montserrat Soto muestra un compromiso con los espacios habitados y con las presiones que ejercen sobre las personas que los ocupan, reflejando una preocupación por la ecología y la memoria que otorga a su trabajo un peso de orden político, antropológico y social.

La artista barcelonesa se formó en la Escola Massana y en la École Supérieure d’Art de Grenoble e inició su trayectoria a principios de los noventa. Su producción la protagonizan espacios, lugares y paisajes y parte de sus series las ha realizado en almacenes de museos y casas de coleccionistas, buscando analizar los lugares que guardan arte. Recientemente ha colaborado, además, en proyectos vinculados a la poesía, el teatro y el cine.

El jurado del galardón ha estado presidido por Román Fernández-Baca Casares, director general de Bellas Artes y Begoña Torres González, subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes y formado por Carlos Gollonet, conservador Jefe de Fotografía del Área de Cultura de MAPFRE; Javier Vallhonrat, fotógrafo; Laura Terré, comisaria de exposiciones; Semíramis González, historiadora y comisaria independiente y Gloria Oyarzabal Lodge, fotógrafa.

Montserrat Soto. 1. Dato primitivo 5-51, 2016. ©Montserrat Soto. VEGAP Madrid, 2018
Montserrat Soto. 1. Dato primitivo 5-51, 2016. ©Montserrat Soto. VEGAP Madrid, 2018

 

ESTAMPA entrega sus premios

Hoy, segunda jornada de ESTAMPA 2019 (la feria se celebra hasta el próximo 20 de octubre en IFEMA), se han dado a conocer los galardones de esta cita correspondientes a este año.

Hace unas horas os contamos que el Premio Comunidad de Madrid ESTAMPA había sido para Julia Huete y Cristina Mejías; además, la Colección DKV ha distinguido a Alejandro Garrido (Moisés Pérez de Albéniz) y Alberto Gil Casedas (Set Espai d´ Art), la beca de Residencia ESTAMPA/Casa Velázquez ha recaído en Elena Aitzkoa (Galería Rosa Santos) y el Premio Colección Navacerrada ha sido para Oier Iruretagoiena y Leo Burge (Carreras Mugica).

Por su parte, la Colección Kells ha reconocido la obra de Paula Anta (Galería Pilar Serra) y, de nuevo, la de Cristina Mejías (JosédelaFuente) y la Colección Casa de Indias ha galardonado a Isidoro Valcárcel Medina (Bernal Espacio). Por último, el Premio que concede el Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella ha sido para Santiago Giralda (Moisés Pérez de Albéniz).

Isidro Valcárcel. El mundo sin la raya. Bernal Espacio
Isidro Valcárcel. El mundo sin la raya. Bernal Espacio

 

El Salon du Connaisseur celebra su edición de otoño más contemporánea

Salon du Connaisseur. Banksy. The walled of Hotel, 2017
Banksy. The walled of Hotel, 2017

El Salon du Connaisseur celebra esta semana su edición de otoño, con una gran presencia de obras de arte contemporáneas. Junto a destacados autores españoles, como Manolo Valdés, Joan Miró, Luis Feito, Fernando Zóbel, Salvador Dalí, Eduardo Arroyo o Carmen Calvo, encontramos también algunos representantes del arte internacional, entre los que llaman la atención nombres como los del británico Banksy o el japonés Murakami.

También hay hueco en esta edición del Salon para el arte clásico, con la sala dedicada a Gabinete de Antigüedades. De sus paredes cuelgan cuadros de Sorolla, Rusiñol y Madrazo, entre otros, pero en ella llaman también la atención algunos objetos como un espejo de época de Luis XIV, una bandeja con cuatro licoreras y vasos realizados por el orfebre francés Jean-Baptiste-Claude Odiot o una mesa portuguesa del siglo VII.

La oferta se amplía con una selección de joyas y relojes antiguos, con ejemplares como un Rolex GMT-Master del año 1969 hasta el histórico Omega Speedmaster de 1971, con el que los astronautas del Apolo XII llegaron a la Luna, completando así una propuesta muy variada, no solo en piezas sino también en precios, pudiendo encontrar obras de arte entre los 1000 y los 450 000 euros.

Hasta el 20 de octubre en Velázquez 12, Madrid.

 

 

Cristina Mejías y Julia Huete, Premio Comunidad de Madrid ESTAMPA 2019

Cristina Mejías. We’re stepping on the bottom of the sea
Cristina Mejías. We’re stepping on the bottom of the sea

El Gobierno regional ha concedido el Premio Comunidad de Madrid ESTAMPA correspondiente a la actual edición de la feria a Cristina Mejías, por su obra We´re stepping on the bottom of the sea, expuesta en el stand de la galería JosédelaFuente de Santander, y a Julia Huete por Pájaro, en el espacio de la galería Nordés de Santiago de Compostela.

We’re stepping on the bottom of the sea es una caja de embalaje reconvertida en armario donde Mejías ha guardado una recopilación de objetos que han formado parte del cuerpo de sus distintos proyectos, y que a la vez han supuesto  un proceso de aprendizaje para la creación de otras obras. Se trata de fragmentos de hace unos 4 o 5 años que conforman una pequeña colección de piezas preciadas que Mejías guardaba. Además, en este armario-caja hay elementos que formarán parte de proyectos futuros, intentos y pruebas que darán lugar a nuevas piezas.

La obra Pájaro de Julia Huete, por su parte, es un bordado sobre lino que refleja la abstracción que trabaja la artista en diferentes soportes, sirviéndose de diversas técnicas para incrementar el carácter expresivo de las piezas. Su producción consta de composiciones sencillas en las que aborda la relación de equilibrios entre pesos compositivos, la lírica formal y la poética de los materiales.

El jurado del galardón este año ha estado formado por Gonzalo Cabrera Martín, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid; Antonio Javier Sánchez Luengo, subdirector general de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid; Manuel Segade Lodeiro, director del Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid y Lucía Casani, directora de la Casa Encendida.

Ambos proyectos completarán la colección del CA2M de la Comunidad de Madrid.

Julia Huete. Pájaro
Julia Huete. Pájaro

El Área de Restauración del Museo del Prado, Premio Nacional de Restauración y Conservación de Bienes Culturales

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy el fallo de su Premio Nacional de Restauración y Conservación de Bienes Culturales: ha recaído en el Área de Restauración del Museo del Prado por “una trayectoria profesional marcada por la calidad del trabajo llevado a cabo desde la creación de la institución, en el bicentenario de su constitución. Se galardona especialmente la multidisciplinariedad del equipo humano, integrado mayoritariamente por mujeres, así como los criterios y metodología que han guiado la intervención en la práctica totalidad de la colección de obras de arte del Museo”. El jurado también ha valorado la singularidad y alcance de su proyecto didáctico y pedagógico y “la complejidad del trabajo ejecutado, habida cuenta de la problemática laboral que el sector de la restauración presenta en la actualidad”.

Dicho jurado ha estado presidido por Román Fernández-Baca Casares, director general de Bellas Artes, y José Javier Rivera Blanco, subdirector general del Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE) y formado por José María Pérez González, Premio Nacional de Restauración y Conservación de Bienes Culturales 2018; Gemma María Contreras Zamorano, subdirectora del Instituto Valenciano de Conservación, Restauración e Investigación; Celestino García Braña, presidente de la Fundación DOCOMO Ibérico; Xerardo Estévez Fernández, arquitecto; Ana Yáñez Vega, secretaria general de ICOMOS-España e Isabel Tajahuerce Ángel, miembro del Instituto de Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense de Madrid.

El Área de Restauración de la pinacoteca cumple dos siglos: se creó en noviembre de 1819. En su primera época no solo intervino sobre obras del Museo, también sobre piezas pertenecientes a la Corona en los Reales Sitios. Ya durante la Guerra Civil, sus talleres desarrollaron trabajos urgentes para la salvaguarda de las colecciones del Prado y, en los últimos cuarenta años, su labor ha sido inmensa, no solo en cuanto a restauraciones, también en cuanto a formación de jóvenes restauradores nacionales e internacionales. Mañana el Prado recibirá además, en el Teatro Campoamor de Oviedo, su Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades.

Trabajos de restauración en los talleres del Museo del Prado
Trabajos de restauración en los talleres del Museo del Prado

Leafhopper Project y la adicción como lucha por la supervivencia

Pronto hará dos años que se sumaron a nuestros Fichados David Simón Martret y Blanca Galindo, los chicos de Leafhopper Project. Son fotógrafos documentales que desarrollan tanto obra personal como proyectos comisionados y que han trabajado sobre temáticas muy diversas, aunque su producción suele tener que ver con la reflexión sobre las esencias del ser humano y nuestra adaptación a entornos difíciles.

Recientemente han publicado “It’s a Wonderful Life”, que definen como un ensayo visual sobre la adicción como una bella lucha por la supervivencia, la adaptación al medio y, al mismo tiempo, la subversión de este. Cuando os hablamos de ellos se encontraban precisamente inmersos en la serie del mismo título, que habían iniciado en 2015: se trata de un conjunto de imágenes en el que no hay principio ni fin y en el que se relacionan dichas adicciones con rasgos que definen la sociedad contemporánea: la falta de conexión emocional, las derivas identitarias en nuestros días, el individualismo, la dislocación, la globalización y el consumismo. Sin embargo, la esperanza y el afán de supervivencia son siempre telones de fondo.

La toma de las fotografías que forman parte de “It’s a Wonderful Life” ha ido acompañada de un proceso de estudio, investigación y desarrollo de entrevistas en China, Indonesia, Malasia, España, México, Filipinas, Japón, Estados Unidos, Finlandia, Palaos y Portugal.

Más allá de patologías, este ensayo visual nos acerca a un entendimiento más amplio de las adicciones: este término procede del latín addictus y Addictus era un personaje de la Roma Antigua, manirroto e incapaz de obrar con mesura. Con el tiempo, acabamos asociando este concepto a quienes no podían abandonar el consumo de ciertos bienes; pero, también podríamos vincularlo a quienes no se adaptan a algunas convenciones sociales o las sobrepasan.

Según Martret y Galindo, podemos acercarnos a los protagonistas de su serie fotográfica, en ese sentido, desde un doble punto de vista: como seres subversivos, como seres que se rebelan ante las normas establecidas socialmente; o como seres a la deriva, como víctimas de la falta de conexión emocional, presos del individualismo, de la dislocación global o del consumismo. De este modo, sus adicciones serían caminos para adaptarse a un medio en el que no tienen cabida sus deseos.

“It’s a Wonderful Life” ha sido publicado por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid y la editorial PHREE tras ser el proyecto ganador del concurso Fotolibro<40.

Leafhopper Project. "It´s a wonderful life"

Àngels Ribé, Premio Nacional de Artes Plásticas 2019

El Ministerio de Cultura y Deporte ha concedido su premio Nacional de Artes Plásticas 2019, dotado con 30.000 euros, a la creadora conceptual Àngels Ribé.

Su jurado ha estado formado por Román Fernández-Baca Casares, director general de Bellas Artes; Begoña Torres González, subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes; Ángel Bados, Premio Nacional de Artes Plásticas 2018; José Miguel García Cortés, director gerente del IVAM valenciano; Rosa Ferré Vázquez, directora de Matadero Madrid; Marta González Orbegozo, comisaria independiente; Isabel Durán Puertas, presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo; Tonia Fernández Trujillo, secretaria general de Mujeres en las Artes Visuales (MAV) y Alicia Chillida, comisaria independiente. Han valorado en Ribé que  “su cuerpo es el principal articulador de acciones extremadamente meditadas en las que los elementos y procesos de la naturaleza adquieren un papel central. Su obra es un referente para las generaciones de artistas posteriores”.

Asimismo, han ponderado “su trayectoria centrada en la experimentación, pionera de las prácticas conceptuales de los años setenta. Realizó acciones, instalaciones y performances en el contexto internacional del arte, con la reivindicación de género y la reflexión sobre el espacio. A partir de los años ochenta, investiga desde la pintura y las obras escultóricas con neón y luz”.

Àngels Ribé. El no dit, el no fet, el no vist, 1977. © Àngels Ribé / VERBUND COLLECTION, Viena
Àngels Ribé. El no dit, el no fet, el no vist, 1977. © Àngels Ribé / VERBUND COLLECTION, Viena

 

Amparo Sard, invitada en MARTE

Dentro de un mes, del 14 al 17 de noviembre, se celebrará en el Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón la sexta edición de la feria de arte contemporáneo MARTE, única cita de estas características dedicada a la creación actual en la Comunidad Valenciana.

Su artista invitada será la mallorquina Amparo Sard, que llevará a MARTE el proyecto “Entornos cambiantes”, destinado, según su autora, a favorecer una toma de conciencia sobre la forma en que reaccionamos e interpretamos hoy lo que vemos. Cree Sard que nos hemos acostumbrado a percibir parte de la realidad como si fuera ciencia ficción, sin que nos afecte ni nos suscite ninguna reacción.

Nos anticipa en qué consistirá su trabajo: Lo que se encontrará el espectador es una serie de imágenes, muchas de ellas autorretratos, donde una figura inicial es deformada para dar una sensación algo inquietante. Porque, quizá de esa manera, el que no reacciona ante las imágenes deprimentes ante las que nos encontramos, o en este caso, frente a la imagen superficial que está contando la historia de la exposición, percibe cierta inquietud o angustia.

La obra de Sard forma parte de los fondos del MOMA y el Guggenheim de Nueva York, ARTIUM, los Deutsche Bank de Berlín y Nueva York o la colección Patricia Phelps de Cisneros, entre otras. Además, fue seleccionada como una de las mejores artistas del mundo del año 2018 para la LXRY List de Holanda.

Amparo Sard. Paisaje desubicado, 2016
Amparo Sard. Paisaje desubicado, 2016

 

La línea del tiempo: Inteligencia Artificial para contextualizar las colecciones del Prado

Nuevamente con el apoyo de Telefónica y cuatro años después de la puesta en marcha de su proyecto El Prado en web, que supuso el lanzamiento de la web semántica de la pinacoteca, este centro ha presentado una nueva herramienta que tiene como fin mejorar la comprensión de sus colecciones a través de la profundización en el contexto histórico, político, filosófico, artístico y científico en el que surgieron.

Esta nueva iniciativa permitirá una lectura aumentada de 5.500 fichas de obra en su versión en castellano y de 2.700 en su versión en inglés, gracias a un motor de Comprensión del Lenguaje Natural (NLU) que permite reconocer las entidades y desambiguarlas de los textos. Así, pueden extraerse los principales temas y conceptos abordados en cada uno de sus mensajes explicativos.

La lectura aumentada del Prado busca ofrecer así, de forma automática pero con la supervisión adecuada y la garantía del Museo, ese contexto que facilita la comprensión de los textos descriptivos y de las mismas obras, acercándolos a los lectores y convirtiendo esas explicaciones en didácticas y orientadas al aprendizaje.

Además, se ha creado una Línea del tiempo multicapa que encuadra y expande las colecciones del Prado y que se ha completado con el Grafo de conocimiento del Museo y con información estructurada de otras fuentes de la web, Wikidata y Wikipedia, con el fin de dotar de contexto a obras y autores desde el siglo XII al XIX.

El configurador de la Línea del tiempo permite al usuario escoger hasta cinco capas distintas, siendo una de ellas siempre la del Prado, y decidir qué tipos de entidades desea mostrar en cada una de ellas: obras, gobernantes, conflictos militares, literatos, arquitectos, filósofos, etc, así como el orden de las capas. El número total de entidades que contiene la Línea del tiempo asciende a 50.000.

La Línea del tiempo es un ejemplo de aplicación de las directrices de la Linked Open Data Web o Web de datos enlazados: el Grafo de Conocimiento del Prado responde a un conjunto de ontologías y vocabularios hibridados construidos conforme a los estándares de la Web Semántica, lo que posibilita que las entidades que maneja el website del Prado, como los autores y sus fechas de nacimiento y muerte, puedan encontrar sus entidades homólogas en otros conjuntos de datos, como Wikipedia o Wikidata, preguntándoles a éstas por aquellos datos relacionados. Esto permite proveer a cada obra y autor del Prado de un contexto muy específico y a la colección en su conjunto de un gran escenario de información y conocimiento que puede resultar muy beneficioso para enseñar y aprender.

Podéis comenzar a explorar, aquí.

Museo del Prado. La línea del tiempo

 

La Fundación MAPFRE trasladará su sede en Barcelona y centrará su actividad expositiva en la fotografía

La Fundación MAPFRE ha anunciado hoy en Barcelona que abrirá un nuevo centro de arte en la capital catalana, cuatro años después de estrenar su sede de la Casa Garriga Nogués y en sustitución de esta. Se dedicará específicamente a la fotografía y en él se desarrollará la amplia línea expositiva articulada por la institución en torno a esa disciplina, pero también proyectos inéditos: la presentación de fondos fotográficos radicados en el ámbito catalán, actividades educativas concebidas para familias y público escolar, ciclos de conferencias y quizá convocatorias de premios.

Este espacio abrirá sus puertas, según lo previsto, entre marzo y mayo de 2020; se situará en el edificio Vela y contará con 1.400 metros cuadrados y dos salas para muestras temporales, además de estancias destinadas a actividades formativas, una librería y un auditorio.

En palabras de Nadia Arroyo, directora de cultura de la Fundación MAPFRE, después de cuatro satisfactorios años de activa presencia en la vida cultural de la ciudad, este nuevo proyecto viene a expresar el interés de Fundación MAPFRE por reforzar su contribución al dinamismo y a la proyección de Barcelona a través de un ámbito –la fotografía artística– estrechamente asociado a la excelencia cultural de la Cataluña contemporánea. También ha señalado que el propósito final de la Fundación no es otro que sumar su contribución a la de reconocidas instituciones catalanas que, desde hace tiempo, y con excelentes resultados, vienen dedicándose, total o parcialmente, a difundir la fotografía.

La Fundación MAPFRE trasladará su sede en Barcelona y centrará su actividad expositiva en la fotografía

Madrid Destino y la Fundación Banco Santander firman la continuidad de Levadura

Fernando Benzo, consejero delegado de Madrid Destino, y Borja Baselga, director gerente de la Fundación Banco Santander, han firmado hoy el acuerdo de colaboración que permitirá la continuidad de Levadura, programa de residencias de creadores en escuelas coproducido por ambas instituciones. El proyecto tiene como fin llevar a las aulas conceptos y metodologías propias de la creación contemporánea de forma participativa y en contacto directo con artistas actuales.

Levadura se desarrolla por sexto año consecutivo y supone la participación de cinco artistas o creadores (cuatro escogidos por convocatoria pública y uno por invitación curatorial) para desarrollar un proyecto educativo en cuatro centros culturales que gestiona Madrid Destino (Conde Duque, Medialab Prado, CentroCentro y Matadero Madrid) y en uno o más colegios de Madrid, elegidos asimismo por convocatoria pública.

Madrid Destino, dependiente del área de Cultura, Turismo y Deporte que dirige Andrea Levy, se encarga del comisariado del proyecto y de la producción. La Fundación Banco Santander, que financia la iniciativa, también participa en las bases y el jurado de las convocatorias públicas, así como en la supervisión de los talleres y en la publicación de los resultados de los proyectos. Actualmente ambas instituciones están promoviendo la convocatoria para cuatro creadores madrileños, abierta hasta el 23 de octubre.

Imma Prieto, nueva directora de Es Baluard

El Patronato de la Fundació Es Baluard ha anunciado esta tarde el fin del procedimiento para la contratación del nuevo director del museo mallorquín. El cargo ha correspondido a Imma Prieto, seleccionada por un jurado independiente de expertos.

La Comisión de Valoración ha estado formada por Ferran Barenblit, director del MACBA barcelonés; Rosa Ferré, directora artística de Matadero Madrid; Karin Ohlenschläger, directora de Actividades de Laboral; el artista Daniel García Andújar, la comisaria independiente Neus Cortés, la gestora cultural especializada en arte contemporáneo Eva Mulet y el comisario independiente y ex director del Irish Museum of Modern Art Enrique Juncosa.

Prieto ha sido escogida, según esa misma Comisión, por “su propuesta de articulación de un proyecto realista, que busca la especificidad de la institución, su aptitud de liderazgo y de gestión y su capacidad de generar redes de trabajo local, nacional e internacional”.

Sustituye a Nekane Aramburu, al frente de Es Baluard hasta el pasado marzo, y se incorporará de manera inmediata al frente de este museo, con un contrato de cuatro años prorrogable durante dos años más y con la posibilidad de prorrogarse por años sucesivos finalizado ese periodo de seis años.

Imma Prieto es comisaria independiente, escritora y profesora de arte contemporáneo y nuevos medios en la EU-Eram de la Universidad de Girona. Ha colaborado en diferentes catálogos y libros de investigación y escribe con regularidad en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia y en las plataformas digitales A*Desk y Campo de relámpagos. En 2018 le fue concedido el Premio Internacional a la crítica de Arte GAC.

Imma Prieto, nueva directora de Es Baluard

Elena Hernando, nueva directora general de Patrimonio de la Comunidad de Madrid

Elena Hernando, nueva directora general de Patrimonio de la Comunidad de MadridElena Hernando, en los últimos nueve años Directora-Gerente del Museo Lázaro Galdiano, ha sido designada por el Ejecutivo madrileño directora general de Patrimonio de la Comunidad de Madrid.

Licenciada en Geografía e Historia por la Universidad Complutense y funcionaria de carrera del Cuerpo Superior de Administradores Civiles desde los noventa, Hernando fue durante una década Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes.

En su etapa al frente del Lázaro Galdiano, este centro ha dedicado destacadas muestras a colecciones y artistas contemporáneos invitados.

ABABOL: tres ediciones del Festival del arte ligado a la memoria y la despoblación

Alejandro Gambín. Sin títuloDesde el pasado 23 de septiembre y hasta el próximo día 29, tiene lugar en Aladrén (Zaragoza) la tercera edición de ABABOL, Festival de Arte Público, Memoria y Despoblación que dirige Gema Rupérez y que invita a tres creadores a desarrollar proyectos artísticos públicos en esa localidad tras participar en residencias.

Este año se han recibido cerca de cuarenta propuestas llegadas de México, Venezuela, Uruguay, Chile, Polonia, Italia y también de España y su selección ha sido efectuada, además de por Rupérez, una de nuestras fichadas, por la productora cultural Alba Braza y la historiadora y comisaria Emma Brasó.

Los seleccionados han sido Alegría y Piñero, Alejandro Gambín y Raúl Hevia. Los primeros plantean, en El habla como elemento arquitectónico, una investigación sobre la creación de esculturas de habla artificial; Gambín aborda en una intervención mural la relación entre memoria y vida cotidiana y, por último, Raúl Hevia, en Fuente de la Eterna Juventud, imagina cómo podría construirse dicho monumento.

Sus intervenciones quieren convertir Aladrén en un espacio de convivencia entre arte contemporáneo, arquitectura y entorno rural y han sido precedidas, en las anteriores ediciones de ABABOL, por proyectos como los de Abel Jaramillo, Khairi Jemli y Tamara Arroyo.

Mañana, 27 de septiembre, tendrá lugar en Aladrén la proyección del documental Soñando un lugar, de Alfonso Kint, dedicado a la posibilidad de dejar la ciudad y abrazar el campo; el 28 de septiembre se celebrará la mesa redonda ARTE, MEMORIA Y DESPOBLACIÓN, en la que participarán expertos en gestión cultural, documentación e historia del arte, además de varios conciertos y, por último, el 29 de septiembre, un pasacalles a las 12:00 horas permitirá conocer mejor los proyectos desarrollados.

 

Pop Stram en Montjuic

El Centro Cultural Montjuic de la Gran Vía barcelonesa acoge, del 16 al 29 de septiembre, una exposición colectiva de artistas que cultivan el estilo Pop Stram, organizada por la Fundación Matilde Tamayo.

Creado por Ciscu Tamayo, este estilo se caracteriza por la combinación de elementos estrambóticos (entendiendo como tales las figuras que combinan rasgos humanos y animales o las de apariencia irreal) y elementos populares: objetos, personajes públicos, logos e imágenes comerciales y reconocibles. Las obras de los artistas que lo cultivan cuentan con una narrativa ligada a recuerdos, anhelos, emociones, críticas, sueños, protestas, etc.

Pop Stram en Montjuic

Consuegra Romero, ganadora de la V edición del premio Nacional de Dibujo DKV MAKMA

El proyecto “LES AMOURS”, de la artista Pilar García de Consuegra Romero (1982, Pozoblanco, Córdoba), ha resultado ganador de la V edición del Premio Nacional de Dibujo DKV MAKMA.

En palabras de la artista, este trabajo “parte de una investigación sobre la evolución del concepto de amor romántico y de sus efectos en la relación afectiva de las mujeres en la actualidad”, que para Consuegra Romero ha perpetuado un sistema social que promueve la desigualdad entre diferentes sexos y que hoy está en crisis. Los cuentos infantiles tradicionales que “educan” a niños y niñas desde la infancia en la idea del amor y el análisis de Las amistades peligrosas (1782), de Pierre Choderlos de Laclos, son las fuentes visuales y teóricas que la artista ha tenido en cuenta a la hora de llevar a cabo este proyecto. La estética del Rococó en pintores como Boucher, Fragonard y especialmente Watteau, con el que dialoga de una manera intuitiva por la teatralidad y poética del paisaje, también sirven de inspiración a la artista.

Consuegra Romero, ganadora de la V edición de premio Nacional de Dibujo DKV MAKMA
Uno de los dibujos presentados por Consuegra Romero en el proyecto “LES AMOURS”

 

 

Jordi Costa, nuevo jefe de exposiciones del CCCB

El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona ha comunicado esta tarde que Jordi Costa es el ganador del concurso público por el que más de treinta candidatos han optado a su plaza de Jefe de exposiciones. El jurado ha valorado “su capacidad de renovar la propuesta expositiva del CCCB respetando su trayectoria” y también el hecho de que el barcelonés pueda aportar a su nueva labor su experiencia como crítico de cine, escritor y buen conocedor del cómic y de la cultura popular.

Licenciado en Filología Hispánica por la Universitat de Barcelona, Costa es autor de las publicaciones Mondo Bulldog (1999), Vida Mostrenca (2002), Todd Solondz: En los suburbios de la felicidad (2005) y Cómo acabar con la Contracultura (2018), entre otras, así como de obras colectivas o en colaboración, entre las que destacan Franquismo Pop (2001), El Quijote. Instrucciones de uso (2005), Mutantes (2008), Una risa nueva (2010 – 2018), CT o la cultura de la Transición (2012) y Sitcom. La comedia en la sala de estar (2019).

Ha sido redactor jefe de la revista Fantastic Magazine y responsable de contenidos del canal temático Cinemanía, crítico de cine para El País y también comisario de varias muestras en el propio CCCB, como “J. G. Ballard, autopsia del nuevo milenio”, “Cultura Basura: una espeleología del gusto” o “Stanley Kubrick”.

Además, ha dirigido los filmes Piccolo Grande Amore y La lava en los labios y fue actor en Bergman Island de Mia Hansen-Løve.

Jordi Costa, nuevo jefe de exposiciones del CCCB

Ana Soler, VI Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista

Ana Soler, VI Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista
Ana Soler, VI Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista

La Fundación Ankaria ha concedido a la artista sevillana Ana Soler el sexto Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista por su proyecto El futuro del pasado. Historia de una historia de maltrato silente. La mujer instinta, una obra concebida por completo en el formato de libro de artista en la que se combinan diferentes elementos gráficos, como dibujos, fotografías, grabados o litografías, con textos de Clarisa Pinkola Estés correspondientes a su libro Mujeres que corren con los lobos.

A lo largo de 249 páginas, se ofrece al lector una serie de imágenes, símbolos y metáforas evocadoras de los diferentes estadios del proceso de maltrato y muerte psicológica por los que atraviesa una mujer víctima de esa violencia, al tiempo que se proyectan opciones para su curación.

Según Soler, la obra describe gráficamente sensaciones y situaciones, aportando algunos códigos para descifrar posibles heridas y sus causas, y así poder salir del estado de muerta-viviente en el que se encuentra la mujer maltratada.

La artista ha utilizado en la elaboración del libro multitud de clases de papel (papel japonés de distintos ramajes y texturas, vegetales, de colores) y se ha servido de diferentes materiales (pelo, pan de oro, tinta china) y técnicas.

El segundo premio ha recaído en el alemán Stefan Klein por Uber Das Neue (Discurso sobre lo nuevo), un libro impreso sobre papel térmico cuyos textos desaparecerán con el tiempo, dejando páginas vacías, libres de ser otra vez escritas. Se ha inspirado en el ensayo del mismo nombre del pensador alemán Boris Groys, quien sostuvo que tan pronto como se sospeche que una nueva obra de arte o una nueva teoría es culturalmente importante será asignada a un espacio profano o un archivo. Klein propone un cambio de paradigma partiendo de la necesidad de que desaparezca algo antiguo para que llegue algo nuevo.

Y el Premio especial Javier Rosón Pérez para el artista joven menor de 28 años ha sido para el oscense Jorge Isla por El Libro de los Plagios, una edición de la editorial Pamiela desarrollada por Jorge Oteiza. Éste ejemplar fue descubierto por el autor mediante una subasta en la Feria del Libro Antiguo de Zaragoza en junio de 2018. Al abrirlo encontró que había sido intervenido y dedicado por el mismo Oteiza al escritor Jorge de Semprún Maura. Mediante la apropiación del libro, se ponen en valor los escritos del propio artista vasco y se les dota del carácter artístico del que carecen originalmente.

El Jurado de esta edición de los premios ha estado formado por el presidente de la Fundación Ankaria, Ricardo Martí Fluxá, y por los patronos de la institución: Saleta y Javier Rosón, Jaime Mairata y José María Luna.

Su dotación económica (3.000 euros para el primer premio, 1.500 para el segundo y 1.000 para el vencedor en la categoría joven) está destinada a la adquisición de obra de los artistas galardonados. Además, el proyecto ganador pasa a formar parte de la exposición “La Palabra Pintada”, que continúa su itinerancia por España. En ella, se pueden encontrar los trabajos de los artistas que han obtenido el premio hasta la fecha: Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016), Guillermo Mora (2017) y Roberto Aguirrezabala (2018), junto a las piezas de figuras consolidadas que constituyen el cuerpo central de la muestra.

Ana Soler. El futuro del pasado. Historia de una historia de maltrato silente. La mujer instinta
Ana Soler. El futuro del pasado. Historia de una historia de maltrato silente. La mujer instinta

Ocho artistas, tres de ellos internacionales, disfrutarán de las nuevas Becas Botín

428 creadores de más de cuarenta países han concurrido a la 27ª convocatoria de las Becas de Artes Plásticas de la Fundación Botín y ya conocemos a los ocho autores, tres de ellos extranjeros, que disfrutarán de ellas y podrán exponer sus proyectos en la muestra “Itinerarios XXVII”, en 2021.

Un jurado formado por María Bleda, Orlando Britto, Carlos Bunga y María Inés Rodríguez ha seleccionado al peruano Armando Andrade Tudela, el israelí Assaf Gruber, la portuguesa Ana Santos y a los españoles Lucía Bayón, Alfonso Borragán, Seila Fernández Arconada, Esther Merinero y Juan Morey.

Estas ayudas, que comenzaron a concederse en 1994 y ya han sido recibidas por más de doscientos artistas, están destinadas a la formación y el desarrollo de proyectos personales y de investigación en relación con la creación artística (no teóricos). Cada beca tiene una duración de nueve meses y está dotada de 23.000 euros; una vez finalizada, la Fundación Botín realiza un seguimiento cercano de la producción de los seleccionados; adquiriendo, en algunos casos, algunas de sus obras para su colección.

Falladas las Becas de Artes Plásticas de la Fundación Botín 2019
Jurado de las Becas de Artes Plásticas 2019 junto a responsables del Centro Botín

 

Jaume Plensa, de Barcelona a Moscú

Tras su paso por el MACBA, el pasado 8 de julio recaló en el Moscow Museum of Modern Art de la capital rusa la retrospectiva de Jaume Plensa que ahonda en sus referencias literarias, musicales, religiosas y filosóficas y en su apelación a las esencias humanas: el escultor catalán no pretende construir objetos sino crear figuras que a todos nos representen.

La muestra recoge trabajos realizados desde los ochenta, incluyendo sus imágenes de la figura humana y obras abstractas.

Jaume Plensa. Mémoires Jumelles, 1992
Jaume Plensa. Mémoires Jumelles, 1992