Prado, Reina Sofía y Thyssen, lo mejor de la oferta cultural en España según el último Observatorio de la Fundación Contemporánea

La Fundación Contemporánea, ligada a La Fábrica, ha presentado su Observatorio de la Cultura correspondiente a 2022, basado esta vez en las opiniones de 405 miembros de un panel de profesionales del sector.

Según sus valoraciones, Madrid, Cataluña, País Vasco, Comunidad Valenciana y Andalucía son, por este orden, las cinco regiones más destacadas por su oferta cultural, seguidas de Galicia y Navarra, Cantabria y Castilla y León. Extremadura asciende cinco puestos en la tabla y, en cuanto a ciudades, Madrid, Barcelona y Valencia repiten en los tres primeros lugares, precediendo a Bilbao, Málaga, Sevilla, San Sebastián, Santander, Zaragoza, Valladolid y La Coruña.

En cuanto a los centros y proyectos más significativos, quedan en cabeza el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía y el Thyssen‐Bornemisza, y tras ellos el Festival de San Sebastián, el Museo Guggenheim Bilbao, el Teatro Real, CaixaForum, Matadero Madrid, el Festival de Málaga y el IVAM. Por primera vez en este ranking han entrado los Encuentros de Pamplona 72‐22 (en el puesto 37) y regresan el Primavera Sound (40), Es Baluard (46) y el C3A cordobés (48).

En lo relativo a las insignias culturales de las comunidades autónomas, han experimentado cambios respecto al pasado año en once comunidades, subrayándose la labor del Festival de Málaga en Andalucía, Periferias y el Festival Asalto en Aragón, el Festival de Cine de Gijón en Asturias, Es Baluard en Baleares, el Festival de Almagro en Castilla‐La Mancha, Temporada Alta en Cataluña, el Museo Helga de Alvear en Extremadura, el FIOT de Carballo en Galicia, el Festival Actual y la Sala Amós Salvador en La Rioja, el Festival de Molina del Segura en Murcia y el de Cine de San Sebastián en el País Vasco. Siguen en cabeza en sus respectivas comunidades, asimismo, el PHE Festival en Canarias, el Centro Botín en Cantabria, la Seminci en Castilla y León, el IVAM en la Comunidad Valenciana, el mencionado Museo del Prado en Madrid y Baluarte en Navarra.

Los panelistas consultados han señalado, asimismo, las propuestas digitales que les parecieron más relevantes en 2022. Filmin lidera la lista, seguido de las visitas virtuales y redes sociales del Museo del Prado, Fundación Telefónica con Cultura en Digital, Fundación “la Caixa” con CaixaForum+ y Symphony, el Teatro Real con My Opera Player, Sónar 22, el Canal March de la Fundación Juan March, los podcasts como formato destacado, Matadero Madrid (El Jardín de las Delicias, Klimt, Tutankamon) y las iniciativas virtuales del Museo Reina Sofía.

Por su compromiso con la sostenibilidad, se subrayan las actividades de la Fundación “la Caixa”, la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, la Red Española para el Desarrollo Sostenible, La Casa Encendida y la Fundación Daniel y Nina Carasso, además de las propuestas del Centre del Carme, el Museo Thyssen, TBA21, y Todolí Citrus Fundació.

El Observatorio de la Cultura ha querido también identificar los mejores nuevos proyectos del año: se han valorado algunos de carácter conmemorativo (los citados Encuentros de Pamplona 72‐22, València Capital Mundial del Diseño, Año Picasso, Año Berlanga o Luz de Música en Cantabria); nuevos espacios culturales (CaixaForum València, Hospital Centro Vivo en Badajoz, Nave Sotoliva en Santander) e incipientes festivales, caso de ABANEA en Gondomar, Doña Festival en la Almunia de Doña Godina o Rock Imperium en Cartagena.

Se ha preguntado, igualmente, a los panelistas por la variación prevista en los presupuestos de su organización o actividad profesional para 2023 respecto al año pasado. Los datos señalan, en ese sentido, una recuperación moderada, con un crecimiento medio previsto del 3,1% frente al 5% de 2022. La previsión es algo mejor para los panelistas del sector privado (3,4%) que para los del sector público y los profesionales independientes (3%).

Y dado que este será año electoral, se ha sondeado a los participantes sobre las carencias de su ciudad en materia cultural. Los panelistas han aportado 1281 sugerencias referidas a setenta localidades, siendo las más mencionadas un mayor número de infraestructuras y espacios para la cultura, y mejor equipados; una mayor y mejor oferta de actividades culturales; mejores políticas culturales públicas; más presupuestos para la cultura; más coordinación y colaboración entre organizaciones; el trabajo por el derecho a la cultura y el desarrollo de públicos; mayor y mejor comunicación y difusión; una mayor profesionalización de la gestión; más iniciativa privada en cultura y la descentralización de la misma.

Museo Nacional del Prado
Museo Nacional del Prado

Jim Shaw y lo impensable, en Gagosian Beverly Hills

Hasta el próximo 25 de febrero, la sede de Gagosian en Beverly Hills acoge la exposición “Thinking the Unthinkable”, un compendio de pinturas recientes de Jim Shaw; se trata de su primera exposición con esta firma, que lo representa desde 2021.

En estas composiciones recrea Shaw asuntos mitológicos vinculándolos a episodios políticos o al ocio popular, ámbitos aparentemente dispares que chocan aquí en una mezcla onírica. Los personajes que pueblan estas imágenes simbolizan lo que Catherine Taft, escribiendo para Gagosian Quarterly en 2022, describió como “un limbo estadounidense, aguas turbulentas en las que el artista se adentra más y más”. El título de este proyecto, que sugiere tanto un contexto psicodélico como la imposibilidad de examinar nuestra propia conciencia, está tomado de un libro de Herman Kahn, de 1962, sobre la guerra nuclear: Thinking About the Unthinkable.

Jim Shaw. Cary Grant, 2022
Jim Shaw. Cary Grant, 2022

Sprovieri viaja a la Roma de los sesenta

La galería londinense Sprovieri presenta, hasta el 24 de marzo, “ROMA 60”, exhibición que recuerda la década en que la capital italiana era un crisol de ideas y corrientes artísticas: partiendo de la experiencia informalista, confluyeron allí autores minimalistas, pop y povera.

Reúne esta muestra esculturas de Ettore Colla realizadas con objetos encontrados en los suburbios romanos, a los que concedía una nueva poética; piezas de Alberto Burri basadas en la costura y la quema, obras de la serie monocromática Schermi de Fabio Mauri, trabajos de Franco Angeli y Mario Schifano que apelan a los nuevos símbolos de la naciente sociedad multicultural, las experimentaciones espaciales y lumínicas de Francesco Lo Savio, las soluciones espacio-geométricas de Giuseppe Uncini y composiciones sobre papel del conjunto Alfabeti, de Jannis Kounellis.

"ROMA 60". Sprovieri Londres

Patricia Urquiola y Rosa Brun, nuevas académicas en San Fernando

En su sesión plenaria del pasado lunes 23 de enero, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando eligió a dos nuevas académicas para cubrir medallas vacantes en las secciones de Nuevas Artes de la Imagen y de Pintura. Se trata de la arquitecta y diseñadora Patricia Urquiola, que ha sido propuesta como académica numeraria recibiendo la medalla que había correspondido a Alberto Corazón, por Estrella de Diego, Alfredo Pérez de Armiñán y Luis Fernández-Galiano; y de la artista plástica Rosa Brun, que ha resultado elegida como académica de número para ocupar la medalla de Carmen Laffón, a propuesta de Simón Marchán, Blanca Muñoz y Jordi Teixidor.

Urquiola es una de nuestras diseñadoras con mayor proyección internacional. Comenzó sus estudios de arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid y los continuó en Milán, y se ha interesado por la conjunción de la lógica de la fabricación y el espíritu de la artesanía con la innovación formal y la sensualidad de la materia y el color. Fueron sus mentores Achille Castiglioni y Vico Magistretti y abrió en 2001 su propio estudio en Milán. En las últimas dos décadas, ha diseñado objetos y muebles para las destacadas empresas del sector, ha proyectado edificios para hoteles y uso residencial, e instalaciones de arte y diseño de interiores, a medio camino entre la imaginación y el rigor. Actualmente es directora creativa de Cassina y miembro del Comitato Scientifico de la Triennale y del Advisory Board del Politécnico de Milán.

Por su parte, Rosa Brun (Madrid, 1955), catedrática de Pintura en la Universidad de Granada, viene desarrollando una obra ligada al minimalismo abstracto de los noventa y los campos de color de Josef Albers, Ad Reinhardt o Barnett Newman.

En sus composiciones el color y los materiales son fundamentales: trabaja con extensas superficies monocromas que se relacionan con el espacio circundante, generando entornos envolventes que interpelan al espectador. Interesada por la interrelación entre la pintura y la escultura, exhibe muchas de sus creaciones sobre el suelo o apoyadas en la pared, a veces formando estratos y yuxtaposiciones. El examen de su producción puede remitir a un punto de partida puro, abstracto y de mínimos elementales, que tiende a la simpleza conceptual y favorece la experimentación sensorial a partir de colores, volúmenes y texturas.

Patricia Urquiola, nueva académica en San Fernando
Patricia Urquiola, nueva académica en San Fernando

Los fondos Vergez, Adrastus y Lázaro, Premios A al Coleccionismo de la Fundación ARCO

La Fundación ARCO ha anunciado hoy los ganadores de sus Premios A al Coleccionismo correspondientes a 2023: han sido para Juan Vergez y Patricia Pearson de Vergez (en la categoría de Colección Privada Latinoamericana); Collegium: Lorena Pérez-Jacome y Javier Lumbreras (en la modalidad de Difusión e Investigación del Arte Contemporáneo desde el Coleccionismo) y Alejandro Lázaro y Alejandra González (como Colección Joven Privada Nacional).

Estos galardones, que cumplen 27 ediciones, reconocen el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones, así como su labor en el apoyo a la difusión del arte actual. Serán entregados el 23 de febrero en Matadero Madrid, antes de la celebración de la tradicional cena de la Fundación, celebrada con la colaboración de Cartier y destinada a recaudar fondos para la adquisición de obras en ARCOmadrid 2023 para su colección, que alberga el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles.

Patricia y Juan Vergez son coleccionistas desde hace 35 años, cuando en su boda decidieron poner su lista de regalos en una galería de arte. Su vivienda la diseñaron a semejanza de un cubo blanco y han atesorado piezas, en un principio de arte argentino y después latinoamericano e internacional, centrándose en los años posteriores a la caída del Muro de Berlín. Cuando necesitaron un mayor espacio para guardar esas obras crearon Espacio Tacuarí: un centro situado en un edificio de 1920 del barrio histórico de San Telmo, en Buenos Aires, remodelado con ese fin. Su objetivo es enriquecer el crecimiento cultural en Argentina.

Javier Lumbreras y Lorena Pérez-Jácome, por su parte, han dado forma juntos a la Colección Adrastus, formada por cerca de un millar de obras de 150 artistas procedentes de 40 países, sobre todo del siglo XXI. Desde hace varios años trabajan en el desarrollo de Collegium, un museo de arte contemporáneo que albergará el antiguo colegio jesuita de Arévalo, Ávila, y que será sede de sus piezas.

La mayoría de ellas se relacionan con la experimentación, cierta radicalidad política y la posibilidad de generar y producir comentarios críticos: se trata de piezas destacadas de los órdenes simbólicos y los espacios gramaticales y discursivos propios del arte contemporáneo.

Por último, la colección Lázaro se inició en 2013, tras el nacimiento de la primera hija de Alejandro Lázaro y Alejandra González, desde el deseo de regalarle una obra de arte en su mayoría de edad y de esta manera involucrar a las nuevas generaciones de la familia en la compra de estos trabajos.

Hoy cuenta con cerca de 200 obras y, si inicialmente se centró en la pintura centro europea (Günther Förg, André Butzer), después se enriqueció abriéndose a la escultura, el videoarte y las instalaciones; lo político y la belleza. Prestan actualmente los Lázaro González especial atención a los artistas de su generación.

Los fondos Vergez, Adrastus y Lázaro, Premios A al Coleccionismo de la Fundación ARCO

Isa Genzken, dentro y fuera

Hasta el próximo 4 de febrero, Hauser & Wirth St. Moritz acoge la muestra “Inside and Out” de Isa Genzken, que reúne esculturas de hormigón que se asemejan a maquetas arquitectónicas, y que prueban la belleza áspera y cruda del material, y obras murales; subraya la exhibición el interés de esta artista conceptual por la arquitectura modernista, especialmente por sus características estructurales y su relevancia social.

Los trabajos reunidos hacen referencia a la relación entre la escultura y el espacio y a las conexiones entre interiores y exteriores, desde una estética que, como es habitual en Genzken, bebe del minimalismo, la cultura punk y el ensamblaje.

Isa Genzken. "Inside and Out". Hauser & Wirth St. Moritz
Isa Genzken. “Inside and Out”. Hauser & Wirth St. Moritz

 

Maurice Denis, Vollard y los amores de Marta

Ambroise Vollard, el marchante omnipresente a la hora de hablar del surgimiento de las vanguardias, abordó a Maurice Denis deseoso de publicar un álbum de grabados suyo. Corrían los últimos compases del siglo XIX y el artista, que aceptó, decidió tomar como fuente de inspiración notas privadas que escribió en su diario en 1891, cuando comenzaba a cortejar a su futura esposa, Marthe Meunier; había titulado esos textos Amours de Marthe.

En el encargo, fue más allá de la elaboración de simples ilustraciones y buscó interpretar la maravilla y la emoción de los primeros días del amor en litografía: su prometida es el tema central del conjunto; la representó en escenas privadas y familiares, en ocasiones alegóricas, bajo la influencia estética de sus pinturas de principios de la década de 1890. Con carácter previo llevó a cabo numerosos dibujos preparatorios, en su mayoría pasteles de colores pálidos, como los grabados.

Amours de Marthe supone la síntesis y el resultado de la investigación plástica que Denis había iniciado en la Académie Julian. Con esta serie pondría fin a su período nabi y centran esas obras la exposición que ahora le dedica el Museo de Orsay, que culmina con dos retratos de Marthe, pintados en 1891, uno al óleo y el otro al pastel. Puede visitarse hasta el 14 de mayo.

Maurice Denis, Ambroise Vollard, Auguste Clot Nos âmes en des gestes lents, entre 1892 et 1899 Musée d'Orsay © Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Sophie Crépy
Maurice Denis, Ambroise Vollard, Auguste Clot. Nos âmes en des gestes lents, 1892 – 1899. Musée d’Orsay © Musée d’Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Sophie Crépy

Sybilla, protagonista de la muestra más visitada en la Sala Canal de Isabel II

La Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid ha anunciado que su muestra dedicada a Sybilla en la Sala de exposiciones Canal de Isabel II, titulada “El hilo invisible”, es ya la más vista en la historia de ese centro: casi 50.000 personas se acercaron a revisar la trayectoria de la diseñadora a partir de ochenta de sus conjuntos de indumentaria y de otros tantos documentos.

También la exposición de Amalia Avia “El Japón en los Ángeles” ha sido la más visitada de la Sala Alcalá 31 en una década: más de 51.000 personas se adentraron en la mayor monográfica dedicada a la artista en los últimos 25 años.

"Sybilla. El hilo invisible". Sala Canal de Isabel II. (c) Guillermo Gumiel
“Sybilla. El hilo invisible”. Sala Canal de Isabel II. (c) Guillermo Gumiel

Fernández Alvira y la memoria del fluir

La producción de Antonio Fernández Alvira parte de dibujos que nunca traza con rapidez, sino borrando y recomenzando, sometiendo al papel a un proceso de construcción que tiene sus analogías en el de la consolidación de una personalidad artística; más adelante, hace saltar estos dibujos a las tres dimensiones, generando instalaciones que también son frutos de procedimientos lentos y que invitan a la reflexión sobre lo que era sólido, sobre la fragilidad de arquitecturas aparentemente estables y el engaño que puede subyacer tras lo que parece evidente.

Muchos de sus trabajos han tenido hasta ahora que ver, asimismo, con lo identitario: era el caso de los papeles bordados que conformaban Constructing my identity (2008-2009), de las acuarelas de la serie De valores y mentiras (2011), en relación con los clichés asociados a lo masculino, o de Soldiers (2013), un conjunto de gouaches y de composiciones en tinta sobre papel en las que presentaba soldados sin rostro pero cubiertos de insignias, en alusión a la relevancia que concedemos al poder y sus símbolos frente a la dada a nuestra personalidad. Después llegarían sus citadas instalaciones arquitectónicas y escultóricas, en las que explora la vulnerabilidad de lo que parece inexpugnable.

Desde el próximo 28 de enero, este artista oscense presentará en el Patio Sur del Centro Conde Duque de Madrid la instalación Memoria de forma, nacida de su voluntad por experimentar con las formas, con su acumulación y modelado, buscando mediante distintas acciones, y tensiones, dar lugar a nuevas obras, como recipientes derivados de un recipiente. Unidas a las estructuras arquitectónicas que las sostienen o albergan, entran en diálogo con el lugar donde se exhiben.

Las piezas que articulan este proyecto hacen referencia, además, a ausencias: las de elementos o fluidos que requieren de continentes físicos y que, cuando existen, se amoldan a la cavidad que los cobija, no dándose fuerzas de recuperación elástica como en el caso de los sólidos; lo líquido y lo blando continuamente se deforman ante cualquier presión, por suave que sea. En suma, ha querido plantear Fernández Alvira en Conde Duque un laboratorio dedicado al estudio de la noción de la ausencia de memoria de la forma y del fluir, analizando la relación entre el cuerpo-estructura-recipiente y el fluido-contenido.

Los elementos que integrarán este laboratorio remitirán a las tradicionales ánforas, vasijas, jarrones, jarras, vasos, cuencos… El autor ha estudiado sus formas y materiales a través de ejercicios de descomposición y fragmentación, trabajando con esos recipientes para su elaboración en fresco junto a un alfarero, el último de una extensa saga en un pequeño pueblo de Huesca, en la misma comarca de donde procede su familia. Apunta él mismo los paralelismos: He pretendido también trabajar con el entorno de donde provengo, y que a mí me ha ido construyendo y dado mi forma.

Antonio Fernández de Alvira. Memoria de forma. Fotografía: Azkuna Zentroa
Antonio Fernández de Alvira. Memoria de forma. Fotografía: Azkuna Zentroa

Howard Roark inspira a Eduard Escoffet

El poeta y artista sonoro Eduard Escoffet presenta, hasta el 11 de marzo, una doble muestra en Barcelona: se titula “Crecimiento y decrecimiento de Howard Roark” y puede visitarse en Chiquita Room (Villarroel, 25), a partir del 18 de enero, y en The Green Parrot (Vilamarí, 57), a partir del 21 de enero.

La exposición es fruto de dos años de investigación de este autor en torno a la arquitectura racionalista y el decrecimiento, y estará formada por cuatro instalaciones sonoras y una pieza gráfica, todas ellas compuestas a su vez por objetos cotidianos reformulados.

Inspirándose en el personaje ficticio de Howard Roark, protagonista de la película The Fountainhead de King Vidor (1949), un ambicioso arquitecto ambicioso que deseaba dejar huella pese a no contar con el visto bueno de su entorno, plantea Escoffet una reflexión artística y poética sobre las construcciones y sus relaciones con la vida humana y el lenguaje.

El barcelonés, que suele mezclar diferentes disciplinas con la poesía y la palabra, aborda en su producción asuntos como el cuerpo y el deseo, el texto como arquitectura, el feudalismo digital y las derivas del medio urbano. Comisarían esta exhibición Rosa Lleó, fundadora de The Green Parrot, y Laura González, fundadora de Chiquita Room.

Eduard Escoffet. "Crecimiento y decrecimiento de Howard Roark"
Eduard Escoffet. “Crecimiento y decrecimiento de Howard Roark”

José Lerma y la hiperpintura austera

José Lerma es un artista multimedia puertorriqueño que viene trabajando fundamentalmente en el género del retrato. Siendo sensible a las condiciones materiales y sociales de las ciudades donde ha residido, y a su contexto cultural, trata de registrar en sus obras detalles reveladores sobre su entorno.

Sus últimas pinturas, acrílicas, se caracterizan por sus particulares empastes y por su absoluto rechazo a la captación psicológica de los modelos, sin dejar de atender al pasado del retrato y a sus derivaciones históricas y políticas. Almine Rech presenta en Londres, hasta el 18 de febrero de 2023, una selección de ellas: la copiosa cantidad de pigmento cargada en cada uno de sus lienzos contrasta con el escaso número de sus pinceladas; esos empastes tan característicos transmiten dinamismo y espontaneidad y ofrecen cabezas estáticas frontal o lateralmente.

Austeros y solemnes, los rostros de perfil evocan el clasicista retrato doble del duque y la duquesa de Urbino de Piero della Francesca, pero en lugar de los diáfanos esmaltes al óleo del maestro del primer Renacimiento contemplamos aquí losas coaguladas de acrílico. Con pocos trazos y una pintura de secado rápido espesada con geles y otros materiales, las imágenes de Lerma son fruto de una cuidadosa planificación, de un proceso metódico que neutraliza la bravura de la improvisación asociada con la pincelada gestual y que explica la quietud que sugieren las piezas.

José Lerma. "Guerras Tibias". Almine Rech
José Lerma. “Guerras Tibias”. Almine Rech

Benson y Strobel: un diálogo

La sala parisina Priska Pasquer inicia el año haciendo dialogar la obra de Jane Benson y Genaro Strobel; la autora británica viene desarrollando instalaciones y reensemblajes con objetos encontrados, mientras el alemán elabora lecturas personales de lo real en grabados en madera que integran asimismo el uso de fotografías, pinturas y collages. Pese a las muchas lecturas posibles de estas propuestas, podemos concordar en que sus piezas desprenden el compromiso crítico de este creador con el espíritu de nuestra época.

De Strobel muestra esta galería obras monumentales y ricas en detalles que ofrecen diversas capas narrativas y que destacan por lo complejo de sus texturas. Las vetas de la madera definen sus formas, se integran en las composiciones como gesto pictórico y conviven con la tecnología láser; Benson se ha servido de ella para articular una técnica propia de creación de imágenes que aúna formas naturales y otras artificialmente concebidas. Inicia su trabajo fotografiando, registrando su entorno con la cámara; procesa esas imágenes y a continuación quema los resultados con láser, píxel a píxel, sobre paneles de madera chapada, utilizando igualmente brocha y rodillo.

La precisión de la foto es contrarrestada mediante trazos gestuales o campos de color, generando una niebla particular sobre las instantáneas. Por último, la pintura aplicada a los bloques de madera se replica, ejerciendo presión, sobre papel, generando una imagen especular.

El trabajo multidisciplinar de Benson abarca, por su parte, la escultura, el sonido, los medios digitales y los grabados. En París podemos ver piezas de su serie Everyday to Come, para las que fracturó plantas y libros falsos con el fin de volver a ensamblarlos, o del conjunto Faux Faux, donde investiga la moda de las plantas artificiales y la imitación de la naturaleza. La exhibición puede visitarse hasta el 28 de febrero.

Genaro Strobel. Farbkreis 14, 2022. Cortesía Priska Parquer Gallery
Genaro Strobel. Farbkreis 14, 2022. Cortesía Priska Parquer Gallery

 

El tributo a Ana Curra de Enrique Marty

No es la primera vez que Enrique Marty se acuerda del grupo musical Parálisis permanente en una de sus exposiciones y la que, hasta el 19 de febrero, presenta en la Sala Amós Salvador de Logroño toma el título de una de sus canciones: Autosuficiencia, para muchos un himno. En 2020, poco antes de confinarnos, este artista salmantino presentó junto a Ana Curra, que fue cantante de Parálisis, el vídeo de la canción Fundido en Negro que, visto hoy, parecía anticipar la muerte y el aislamiento que estaban por llegar; en 2021 ambos volverían a colaborar en el vídeo de Hiel, en la misma senda conceptual que el anterior.

La exhibición que ha llevado a La Rioja en este principio de año tiene como doble fin recrear el estudio del autor como espacio dinámico y autosuficiente y, a la vez, homenajear a Curra y sus aportaciones al punk-rock en las últimas décadas en España; de hecho, preside esa estancia como musa. Su escultura como Zeus convive con pinturas, otras esculturas, vídeos, dibujos, instalaciones y escenografías.

Enrique Marty. "Autosuficiencia". Sala Amós Salvador
Enrique Marty. “Autosuficiencia”. Sala Amós Salvador

Benoît Platéus: el camino al andar de la pintura

La sala neoyorquina signs and symbols acoge su segunda individual del artista belga Benoît Platéus: “Other Percolators”. A este autor, nacido en Lieja en 1972, le interesan tanto los objetos encontrados como la transmutación de las imágenes (no solo digital), y los motivos que aparecen en sus últimas pinturas son tan diversos como los que ha encontrado en fotografías que ha tomado en la calle o encontrado en Internet: herramientas y juguetes abandonados, una porción de pizza caída al suelo, paisajes naturales.

Se siente atraído Platéus por los momentos y circunstancias inesperados que parecen ser accidentes o rarezas y por las opciones de las disciplinas artísticas para representarlos, en forma de composiciones extrañas que planteen al espectador dudas sobre su significado. Siempre trabaja con la sorpresa y la incertidumbre, buscando que no podamos definir qué motivos aparecen exactamente en una composición, a veces trastocando sus puntos de vista. Investigador de la naturaleza fluida de cualquier trabajo visual, nos demuestra que una pegatina en el escaparate de cristal de una tienda de delicatessen puede parecernos diferente según lo observemos desde el interior del establecimiento o desde fuera del cristal.

Explica el artista que, cuando pinta, intenta incorporar diferentes tipos de imágenes y puntos de vista en la forma en que desarrollo una imagen, siempre hay tres o cuatro presentes en una pintura. Me gusta que los lienzos sean “abiertos” y no se refieran a una imagen específica, sino a muchas. Pienso en una pintura como un conector, como una asociación libre. En la obra Máquina de jeroglíficos, que puede verse en signs and symbols, partió por ejemplo de la foto de una máquina de coser, pero sumó a su tela un circuito impreso y también trazos que podrían recordar a los antiguos jeroglíficos egipcios.

Todas sus pinturas, elaboradas a partir de capas, están abiertas a la interpretación libre; el espectador verá en ellas lo que quiera ver, y sus títulos humorísticos pueden funcionar como pistas en el proceso de decodificación: Geometría italiana, Palo galáctico, Flores eléctricas. A Platéus le gusta “lo que se filtra, un líquido que pasa lentamente a través de diferentes capas, la pintura como percolador, que no es el resultado de un proceso sino el proceso en sí”. Percolar es gotear a través de algo poroso, filtrarse, expandirse; sus trabajos tamizan las formas y colores de los objetos en que se basan y solo una contemplación detenida y activa revelará la imagen final.

Benoît Platéus. Italian Geometry, 2022
Benoît Platéus. Italian Geometry, 2022

Julia Santa Olalla y la memoria de La Caraluna

Parte de la vida de Julia Santa Olalla está ligada a la finca La Cubana, donde se encuentra el enclave de La Caraluna, que ha llevado a las series de lienzos que ahora presenta en la Galería T20 de Murcia. Investigando cada rincón de esa geografía, ha llevado a sus telas instantes lumínicos concretos, fragmentos de vida cotidiana plasmada en niños que juegan o gatos que pasean bajo vidrieras.

El eje de este proyecto es la memoria -a Santa Olalla le interesa el peso de la emoción en nuestros recuerdos-, pero también lo que en la realidad palpable hay de abstracto. En sus pinturas atiende, tanto al uso de técnicas históricas, como a la captación de lo visible y lo invisible, bajo la sombra de la influencia de Morandi o Andrew Wyeth.

Julia Santa Olalla. Tobogán, 2022
Julia Santa Olalla. Tobogán, 2022

El Observatorio de Museos de España renueva su web

El Observatorio de Museos de España (OME), una iniciativa del Ministerio de Cultura y Deporte destinada a contribuir a la cohesión de estos centros, acaba de renovar su página web para transmitir su actividad de manera más visual y efectiva.

Este Observatorio recopila y produce estudios e informes con los que se pretende profundizar en el conocimiento de los museos y facilitar el desarrollo de su actividad, y los desarrollan representantes técnicos de este área en las Comunidades autónomas y los Ministerios con museos adscritos, que integran un Consejo asesor del que participa la Subdirección General de Museos Estatales del Ministerio de Cultura y Deporte.

Entre los informes más recientes emitidos por el Observatorio se encuentra Los museos españoles ante la pandemia del COVID-19, elaborado a partir de respuestas aportadas por 255 instituciones, en el que se pone de manifiesto el impacto de la pandemia en el sector. Según los datos recabados, el 96% de los museos ha podido volver a abrir tras el cierre de 2020, un 66% con restricciones y, en el periodo de confinamiento, un 66% de ellos reforzó su actividad digital para mantener sus vínculos con el público. También se impulsaron las tareas de mantenimiento o mejoras en los edificios (50%), la catalogación (31%), la conservación y restauración (28 %) y la digitalización de colecciones (14%).

Con el objetivo de incentivar el regreso del público tras la reapertura, el 27% de los centros participantes optó por la entrada gratuita durante un período de tiempo, otro 6% ha dado acceso gratuito a colectivos que antes no disfrutaban de él y un 7% ha reducido el precio de la entrada. Desde que se inició el periodo de pandemia, han decaído especialmente las visitas de centros escolares (81%) y grupos turísticos (72%).

En el marco de esta iniciativa, los museos trabajan en áreas comunes, adaptándose a las particularidades de cada institución, en lo relativo a las áreas de aplicación, legislación y formación.

Observatorio de Museos de España
Museo Arqueológico de Sevilla

Finaliza el plazo de inscripción al 13º Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja

Mañana, 13 de enero, finaliza el plazo de inscripción al 13º Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja; sus bases y el formulario de registro están disponibles aquí: https://certamenpintura.parlamento-larioja.org/inscripcion.php.

Los artistas pueden presentar una única obra, original e inédita, que no haya sido premiada en ningún otro concurso; su tema y técnica serán de libre elección y las medidas estarán comprendidas entre los 100 y los 180 centímetros en todos sus lados.

La Cámara riojana destinará a los premios y la adquisición de obras escogidas hasta 35.000 euros, icifra que en esta edición ha aumentado en 5.500. 12.000 euros es el importe económico con el que está dotado el premio al ganador y se conceden 2.500 euros a un joven artista riojano; además, se ha creado un fondo de 21.000 euros para la adquisición de hasta tres obras galardonadas con la medalla de honor. También se entregarán como premios unos trofeos realizados por alumnos de tercer curso de la ESDIR.

El jurado estará formado por el pintor Antonio López García; Pedro Martínez Sierra, Catedrático de Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Premio Rafael de Penagos de Dibujo; Silvia Lindler García, directora del Museo Würth La Rioja; Juan Manuel Bonet Planes, crítico de arte y escritor y Rosa Castellot López, galardón de las Bellas Artes y la Cultura de La Rioja 2023. Realizarán hasta el 25 de enero una selección previa de 40 obras en base a la documentación presentada por los pintores, más dos obras de reserva.

Su fallo se conocerá el fin de semana del 17 y el 18 de febrero y la entrega de premios e inauguración de la exposición temporal, con las obras seleccionadas y ganadoras, tendrá lugar el 10 de marzo. Esa muestra se podrá visitar hasta el 15 de abril.

13º Certamen Nacional de Pintura Parlamento de La Rioja

Flor Garduño, por partida doble en Madrid

Nacida en 1957, Flor Garduño es una artista y fotógrafa mexicana formada en la Academia de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de su país, donde comenzó a adentrarse en la investigación de la representación de la forma y el espacio. Su fotografía explora la realidad del campo mexicano, a menudo desde el género de la naturaleza muerta, pero también es autora de desnudos, retratos y escenas arquitectónicas que, a menudo, parecen fluctuar entre lo real y lo imaginario.

Una de sus mayores figuras de influencia es la húngara Kati Horna; también Manuel Álvarez Bravo, en cuyo taller fue asistente. En Madrid tenemos ocasión de conocer su producción estos días por partida doble: en la Fundación Casa de México (hasta el 12 de febrero) y en la Galería Blanca Berlín (hasta el día 11 del mismo mes).

El primer centro repasa, a partir de 69 imágenes datadas a lo largo de tres décadas, el conjunto de su trayectoria: se exhiben composiciones de aquellos temas y géneros diversos en los que Garduño da cuenta de su buen manejo de la luz natural y su cuidado de la impresión. La muestra de Blanca Berlín, por su parte, hace hincapié en su interés por el cuerpo y la naturaleza como escenarios propicios para la ejercicio de la fantasía.

Flor Garduño. Corazón, Mexico, 2007. Blanca Berlín
Flor Garduño. Corazón, México, 2007. Blanca Berlín

 

La Fundación March lleva a Palma su muestra colectiva de Bruno Munari

"Bruno Munari". Museu Fundación Juan March PalmaTras su paso por Madrid, la Fundación Juan March presenta en su sede en Palma de Mallorca la primera retrospectiva dedicada en España al artista multifacético Bruno Munari, figura muy relevante en los ámbitos del diseño y de la comunicación visual del siglo pasado.

La que es su muestra más completa hasta la fecha fuera de Italia consta de pinturas, dibujos, esculturas, proyecciones, juegos de luz, piezas de diseño gráfico e industrial, ejercicios tipográficos y escritos y libros infantiles, entre otros trabajos; en ellos buscaba el milanés la esencia del arte en el equilibrio entre el rigor y la levedad, partiendo siempre del humor.

La selección de piezas abarca desde sus primeros proyectos de diseño gráfico, asociados al futurismo, hasta sus últimas experimentaciones de los noventa.

 

Guillermo Lledó, de la industria a la representación

Hasta el próximo 19 de febrero, el Museo Francisco Sobrino de Guadalajara dedica a Guillermo Lledó la muestra “Más belleza”. Inició su trayectoria en la pintura figurativa y el realismo, a fines de los sesenta, para avanzar en la senda de una escultura minimalista vinculada al arte conceptual, sin plantear una ruptura entre ambos ámbitos: le interesan sobre todo los límites de la representación.

Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde fue discípulo de Antonio López, se adentró pronto en los desafíos técnicos que ofrecía la captación de lo real y se aproximó al hiperrealismo desde temáticas urbanas. La mímesis de objetos usados o industriales le llevaría a emplear esos mismos utensilios, ligeramente modificados, como autorrepresentación de sí mismos, en forma de esculturas que, sobre la pared, tenían la apariencia de pinturas, o a construirlos ex profeso imitando una realidad externa.

Paulatinamente, la atención a las cualidades lumínicas de las superficies industriales le condujo a incorporar a su imaginario mamparas, marquesinas y claraboyas que, depositadas sobre el suelo, podían evocar las piezas de Carl Andre, seriales y repetitivas.

La exhibición “Más belleza” cuenta con cuadros monocromáticos realizados con esmalte sintético sobre planchas de madera que ha pegado o atornillado sobre soportes en disposiciones regulares y ortogonales. Por su disposición sobre la pared y su formato rectangular, podemos considerarlos como tales cuadros, pero el hecho de que no estén enmarcados, sus tres dimensiones y su rotundidad los aproximan a la escultura.

Guillermo Lledó. "Más belleza". Museo Francisco Sobrino