Hoy Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, y Enrique Herreros, hijo del ilustrador, han firmado un contrato por el que este último lega al centro un conjunto de 45 obras de su padre vinculadas, la mayoría, a la revista La Codorniz.

Se trata de una treintena de portadas (collages o dibujos) de los primeros años de la publicación y de 15 aguafuertes de la serie Tauromaquia de la muerte, datada en 1946.

Además de ilustrador, Herrero fue cineasta, dibujante y humorista y para La Codorniz diseñó más de ochocientas portadas, además de miles de dibujos y cientos de collages.

Una de las líneas de estudio desarrolladas en el Reina Sofía aborda lo popular en el arte de vanguardia y el humorismo gráfico durante la posguerra en España, de ahí la importancia del legado de Herreros en sus colecciones. Además, prácticamente no existen en el mercado materiales originales de las portadas de esta revista humorística, la más importante en su género durante el franquismo, lejana a la lógica y cercana a la vanguardia.

El fin de semana del 29 y 30 de septiembre estamos invitados a disfrutar de la arquitectura madrileña gracias a  una nueva edición de Open House, una iniciativa surgida en Londres hace treinta años y que hace cuatro llegó a Madrid de la mano de la arquitecta Paloma Gómez y la consultora experta en arquitectura Pati Nuñez. En esta ocasión, el evento rendirá homenaje al arquitecto Fernando Higueras y nos ofrecerá la posibilidad de elegir entre más de 100 edificios para visitar, muchos de ellos abiertos al público solamente con ocasión del festival. El programa de Open House se completará con numerosas actividades, entre las que destacan un ciclo de cine y arquitectura y una ruta de mujeres arquitectas, además de exposiciones, talleres y conferencias a lo largo de todo el mes de octubre. En la web de Open House podréis ir consultándolos todos a medida que se acerque la fecha.

En paralelo, el auditorio de CentroCentro acogerá una nueva edición del Congreso Open House , que este año versará sobre los nuevos modelos de ciudad, bajo el título “Cities. What’s next?”.

Casi 400 artistas han presentado sus propuestas a la convocatoria Generaciones 2019 que organiza la Fundación Montemadrid, y ya conocemos a los ocho ganadores que el año que viene expondrán en La Casa Encendida. El certamen se dirige a creadores residentes en España y menores de 35 años, y los elegidos han sido: Sae Aparicio, por Prótesis para invertebrados; Ana Barriga, por El taller de las Moscas; Mario Espliego, por Gargantas cosidas, tobillos atados; Ana García Pineda, por Señores sentados trazando líneas; Ignacio García Sánchez, por Amaurot World’s Fair; Susanna Inglada, por Uñas y dientes; Raisa Maudit, por Una pequeña serenata fallida, y Lucía Moreno, por My Advice to Eva. Parece que Espliego está en racha, porque también acaba de obtener una de las becas de artes plásticas que concede la Fundación Botín.

Cada uno de los artistas seleccionados recibirá 10.000 euros para llevar a cabo su proyecto. El jurado ha estado formado por Susana Blas, comisaria y redactora del programa Metrópolis; Natxo Checa, director de Zè Dos Bois, y Octavio Zaya, comisario independiente y director de Atlantica (CAAM).

Las últimas Becas de Artes Plásticas convocadas por la Fundación Botín ya tienen ganadores: se trata de ocho artistas originarios de España, Portugal y Ucrania que expondrán los proyectos por los que han sido galardonados en el Centro Botín en el primer trimestre de 2020, en el marco de la muestra “Itinerarios XXVI”.

Un jurado formado por Fernanda Fragateiro, Stefanie Hessler, Javier Hontoria y Asier Mendizabal ha seleccionado, entre casi 600 candidaturas llegadas de más de cincuenta países, las de Olga Balema, Eli Cortiñas, June Crespo, Mario Espliego, Antonio Hervás, Salomé Lamas, Anna Moreno y Bruno Pacheco.

Durante nueve meses, y contando cada uno con una dotación de 23.000 euros, estos ocho artistas desarrollarán proyectos personales y de investigación en el campo de la creación artística, porque las becas no se destinan a trabajos teóricos. Hasta ahora las han recibido 192 autores.

El artista francoargelino Kader Attia, ganador del Premio Joan Miró en 2017, expone una selección de sus últimas obras en la Fundación barcelonesa del pintor, hasta el 30 de septiembre.

Él mismo ha seleccionado las piezas, relacionadas con una de sus principales líneas de trabajo: el concepto de reparación de dolores pasados. Se completan con dos entrevistas filmadas en Barcelona en las que Attia explica su opinión sobre los efectos de la globalización en las personas.

Tras cinco nominaciones al galardón, la barcelonesa Miriam Escofet, que reside en Reino Unido desde 1979, cuando tenía doce años, ha recibido el BP Portrait Award. El retrato que le ha valido el premio, An Angel At My Table, representa a su anciana madre sentada a la mesa y tomando el té, y el jurado ha valorado tanto su tratamiento del espacio como la quietud que la obra inspira, emanada de la calma interior de la mujer.

Escofet recibirá 35.000 libras y una aportación adicional de 7.000 acordada entre la National Portrait Gallery y la propia autora, una artista especializada en obras de composición clásica: además de retratos, realiza bodegones, alegorías y composiciones de temas imaginarios.

El segundo premio, dotado con 12.000 libras, fue para Felicia Forte por Time Traveler, Matthew Napping, un muy personal retrato de su novio en la cama, y el tercero, dotado con 10.000 libras, para Zhu Tongyao por Simone, pintura dedicada al hijo de la familia que lo acogió durante una estancia en Florencia.

Por último, Ania Hobson se ha llevado el BP Young Artist Award, dotado con 9.000 libras y destinado a artistas de entre 18 y 30 años, por A Portrait of two Female Painters (un retrato de ella y de su cuñada que ha seducido al jurado por su aire de misterio), y el BP Travel Award ha recaído en Robert Seidel.

Casi 2.700 obras de autores de 88 países concurrían al galardón y las finalistas pueden verse, hasta el 23 de septiembre, en la National Portrait Gallery de Londres. Para saber más sobre ellos, pasad por aquí.

Ayer falleció en Madrid, a los 79 años y a causa de un infarto, Darío Villalba.

Siendo muy joven, el artista vasco sorprendió dando forma a un lenguaje pictórico personal y radical, distante tanto del informalismo abstracto de sus precedentes inmediatos como de los postulados pop que le eran contemporáneos. Se sirvió de la fotografía como soporte y, bajo la influencia de la metafísica, quiso plasmar las emociones y los vacíos del ser humano mediante brochazos y veladuras o fragmentando encuadres.

Su reconocimiento internacional llegó en los setenta con sus encapsulados rosas: esculturas de figuras llevadas espiritualmente al límite recubiertas por metacrilato transparente. Se expusieron en la Bienal de Venecia y fueron alabadas por Warhol y el crítico Pierre Restany. En 2007, el Museo Reina Sofía le dedicó la que sigue siendo su retrospectiva más amplia.

Joaquín Sorolla dijo en vida que nunca quiso ser nada más que pintor. Ahora, una treintena de artistas (algunos participaron, en 2014, en una de las residencias de la Casa de Velázquez; otros, el año siguiente, en un encuentro de pintores en Fuendetodos) le rinden homenaje en su museo madrileño. Hasta el próximo 24 de junio presentan, mano a mano con el pintor de la luz, trabajos inspirados en el valenciano y en su amor por el oficio.

Componen la exposición más de cincuenta pinturas, una escultura, un relieve y un dibujo. Antes de su apertura, el centro abrió sus puertas a los participantes para que elaboraran algunos de los trabajos bajo la influencia del jardín que también inspiró a Sorolla.

Los artistas en la muestra son Alberto Fdez. Hurtado, Alberto Martín Giraldo, Álvaro Ruiz, Annika Talsi, Antonio Barahona, Charles Villeneuve, Daniel Franca, Fernando Herrero, Irene Cuadrado Hernández, Isidoro Moreno, Jaime Jurado, Javier Barco, Javier de Benito, Jorge Abbad, José Luis Ceña Ruiz, José M. Arévalo, Juan Manuel Campos, Juanjo Martín Encinas, Julia Santa Olalla, Miao Du, Nino Bayo, Pedro Quesada, Pepe Cerdá, Rao  Jinzhong, Raquel Cánovas, Rocío Guerrero, Sergio del Amo, Susana Ragel, Víctor Alba y Virginia Bersabé.

Desde sus inicios, el Festival PHotoESPAÑA reconoce la importancia de la edición en la promoción de la fotografía a través de los Premios al Mejor Libro de Fotografía del Año.

Este año concurrían a los galardones 350 propuestas y las finalistas fueron 57. Un jurado formado por la fotógrafa Cristina de Middel, el coleccionista y editor José María Lafuente y el director cultural de la Biblioteca Nacional, Miguel Albero, han concedido los premios al Mejor Libro del Año en las  categorías de Internacional, Nacional, Mejor Libro Autoeditado y Editorial destacada.

El Premio al mejor libro de fotografía del año en categoría internacional ha sido para The Restoration Wil, de Mayumi Suzuki, editado por Instituto Ceiba Editions.

Se trata de un fotolibro que sirvió a Mayumi Suzuki, su autora, para conservar la memoria de su historia familiar. Sus padres, que tenían un estudio fotográfico, desaparecieron después del terremoto y el tsunami que asolaron Japón en 2011 y, en los escombros de lo que eran su casa y su estudio, Mayumi rescató la cámara fotográfica de su padre y tomó fotografías del paisaje con la lente cubierta de fango. También recogió fotos que encontró entre las ruinas y con ese material reconstruyó su memoria familiar.

El Premio en categoría nacional ha recaído en Like, de Eduardo Nave, editado por Ediciones Anómalas.

En él, Nave nos habla del turismo actual y de quienes están más preocupados por demostrar dónde van y qué felices son que por disfrutar. Reflexiona sobre el capitalismo de las imágenes y se pregunta si aún es posible experimentar viajando el placer del descubrimiento.

En la categoría de Mejor libro autoeditado el jurado ha reconocido el trabajo Nueva Galicia, de Iván Nespereira, y la italiana Skinnerboox es la editorial destacada de este año.

Se han concedido, además, tres menciones especiales: han sido para La gravetat del lloc, de Israel Ariño, editado por Ediciones Anómalas, en la categoría nacional; On abortion, de Laia Abril, en la categoría de internacional; y Whispering Hope, de Chikara Umihara, en la categoría de autoeditado.

Estos trabajos, y algunos más, pueden verse en la Biblioteca Nacional hasta el 23 de septiembre, formando parte de la muestra “Los mejores libros de fotografía del año”.

El pasado 9 de junio quedó inaugurado en la ciudad danesa de Vejle Fjordenhus, el primer edificio diseñado al completo por Olafur Eliasson y su estudio de arquitectura. Se lo encargó la empresa KIRK KAPITAL para convertirlo en su sede, y en él Eliasson ha presentado su interpretación del concepto de arte total, incorporando obras site-specific en sus interiores y mobiliario e iluminación creados también especialmente para este edificio.

Fjordenhus, que parece una enorme escultura que emerge de las aguas en el puerto industrial de Vejle, está formado por cuatro cilindros conectados entre sí y tiene una altura de casi treinta metros. Destacan sus formas curvas, circulares y elípticas y los arcos parabólicos abiertos en cada torre. Además, sus fachadas no son iguales: en cada una se ha empleado una disposición diferente de ladrillos.

El público puede acceder a su planta baja y divisar, desde allí, los muelles de la ciudad.

Hace un par de meses pasó por Fichados y ahora, hasta el 29 de junio, la artista gaditana Natalia Domínguez presenta en la Galería Mr. Pink de Valencia, muy próxima al IVAM, la muestra “Words without thoughts”, en la que reflexiona sobre los códigos de comunicación que se establecen entre el espacio urbano y quienes transitan por él.

Domínguez viene sirviéndose del texto, de referencias a la cultura popular y de los dispositivos de comunicación de masas para plantear la presencia de estructuras de poder en la cotidianidad de las comunidades y en esta muestra presenta arquitecturas llenas de contenido, materiales explorados desde ópticas nuevas y collages conceptuales para abordar las capas de significado presentes en los lugares públicos.

SCULTO, la única feria española dedicada exclusivamente a la escultura, cerró las puertas de su tercera edición, en la Plaza de Abastos de Logroño, el pasado 3 de junio. Según el balance de la cita proporcionado por la organización, trece de las catorce galerías participantes han manifestado su deseo de regresar a la muestra y la nota media con la que han valorado globalmente el desarrollo de la misma ha sido de 9 sobre 10. También recibieron un sobresaliente los programas SCULTOdeNOCHE, SCULTOmuseo y SCULTOeduca.

La misma valoración positiva se produjo el año pasado, lo que lleva a los responsables de SCULTO a afirmar que esta iniciativa se consolida como ”feria joya” de la escultura contemporánea en España. Sus impulsores fueron el galerista riojano Enrique Martínez Glera, la escultora valenciana Beatriz Carbonell Ferrer y el periodista navarro Josémaría Esteban Ibáñez, con el apoyo del Ministerio de Educación y Cultura, el Gobierno y el Parlamento de La Rioja, el Ayuntamiento de Logroño y otras instituciones y empresas privadas de esa comunidad.

Respecto a la asistencia de público, se superaron las cifras de las dos anteriores ediciones, siendo más de 5.000 personas las que visitaron la feria. Las ventas crecieron, igualmente, un 30% respecto a 2017 y una parte importante de ellas se produjo entre el público local.

Esta noche se entregan en el CCCB de Barcelona los Premios GAC 2018, concedidos por el Gremi de Galeries d’Art de Catalunya y la Associació Art Barcelona. Estos galardones reconocen la labor de personalidades y agentes culturales que han destacado en el mercado artístico y en la promoción de artistas dentro y fuera de España.

Como ya anunciamos en abril, Frederic Amat y Alejandro Sales reciben el Premio Honorífico GAC – Fundación Banco Sabadell en las categorías de artista y galerista, respectivamente. Podemos avanzar el resto de ganadores: Joan Jové y Sara Balasch, por la Colección-bodega Mas Blanch i Jové (en la categoría de coleccionismo); “La inspiración clásica de las Vanguardias”, de la Galería Barbié (mejor exposición histórica en galería); Juan Naranjo Galería de Arte & Documentos (mejor programación en galería), Francesc Torres, por la exposición “La capsa entròpica. El museu dels objectes perduts” en el MNAC (premio al comisariado); Soledad Sevilla, por “Génesis” en la Marlborough barcelonesa (premio al artista consolidado por la mejor exposición en galería); Aldo Urbano y Josep Maria de Sucre, por “El mismo color tiene en dos lugares un carácter totalmente distinto, como si la misma cara te recordase a dos personas a la vez” en Bombon Projects (premio DKV al artista emergente por la mejor exposición en galería); Imma Prieto (premio a la crítica) y Núvol (premio al medio de comunicación).

El jurado ha estado formado por Anna Mª Guasch, crítica, catedrática y presidenta del jurado; Victòria Combalia, crítica de arte y comisaria de exposiciones; la artista Francesca Llopis, Frederic Montornés, crítico de arte y comisario de exposiciones independiente; el coleccionista Ernesto Ventós y Alicia Ventura, comisaria y responsable de la Colección DKV.

Hoy ha comenzado para las galerías nacionales e internacionales interesadas el plazo de solicitud de participación en ARCOmadrid 2019, que se celebrará del 27 de febrero al 3 de marzo y tendrá a Perú como país invitado. Los requisitos pueden consultarse en el portal de IFEMA.

La organización de la feria, que el año que viene cumple 38 ediciones, ha anunciado que se prestará especial atención a la arquitectura de los stands para conseguir una mejor visibilidad de las obras y que se mantendrá la habitual fuerte presencia de Latinoamérica en el Programa General.

Sharon Lerner seleccionará a las galerías peruanas asistentes, Catalina Lozano y Agustín-Pérez Rubio serán comisarios de la sección Diálogos, y Tiago de Abreu Pinto e Ilaria Gianni se encargarán de Opening.

PHotoESPAÑA ha anunciado hoy que el camerunés Samuel Fosso, una de las apuestas de Cristina de Middel para el Festival, y Leopoldo Zugaza han sido galardonados, respectivamente, con los Premios PHotoESPAÑA y Bartolomé Ros, los mayores reconocimientos que esta cita concede. Distinguen el conjunto de la trayectoria de grandes profesionales en el ámbito de la fotografía y las artes visuales.

Fosso ha sido premiado, según la organización, por ser uno de los máximos representantes de la fotografía africana actual, por su aproximación experimental a la fotografía y su personal uso del autorretrato como herramienta para denunciar los grandes problemas del continente africano.

En anteriores ediciones, el Premio PHotoESPAÑA ha recaído en Cristina García Rodero, Harry Gruyaert, Paz Errázuriz, Ramón Masats, Bernard Plossu, Alberto García-Alix, Thomas Ruff, Graciela Iturbide, Malick Sidibé, Martin Parr, Robert Frank, Hiroshi Sugimoto, William Klein, William Eggleston, Helena Almeida, Nan Goldin, Duane Michals, Chema Madoz, Luis González Palma y Josef Koudelka.

Fosso, por cierto, inaugurará mañana en el Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa su individual “Una odisea africana”, que repasa sus series desde los setenta. Esta exhibición se integra en la carta blanca Players, concebida por de Middel para PHotoESPAÑA 2018. En su obra, Fosso cuestiona la forma en que habitualmente se han explicado a la sociedad cuestiones como el colonialismo, el género o la historia del continente africano.

Como decíamos, el Premio Bartolomé Ros, que cumple veinte años, recae esta vez en Leopoldo Zugaza, hombre extraordinario, impulsor de la cultura en el País Vasco y creador hace 25 años del PHotoMuseum de Zarautz, según PHotoESPAÑA.

Concede el galardón el Legado de Bartolomé Ros y anteriormente fue para Juan Manuel Diaz Burgos, Cristobal Hara, Colita, Gervasio Sánchez, Carlos Pérez Siquier, la Fundación Foto Colectania, Chema Madoz, Chema Conesa, Isabel Muñoz, Ricard Terré, Javier Vallhonrat, Marta Gili, Alejandro Castellote, la librería Kowasa, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Juan Manuel Castro Prieto, Ramón Masats, Cristina García Rodero y Publio López Mondéjar.

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La Asociación de Archiveros de Castilla y León ha premiado al Museo del Prado por su proyecto “Archivo digital”.

Desde que la pinacoteca, con el apoyo de Telefónica, puso a disposición del público su patrimonio documental digitalizado, en noviembre de 2017, ese archivo ha recibido casi 35.000 visitas y se han visto más de 140.000 páginas.

Los Premios ACAL buscan conceder visibilidad a los profesionales de los archivos y la gestión documental, a su labor y sus trayectorias profesionales.

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Los días 2, 3, 9 y 10 de junio, en horario de 12:00 a 15:00 y de 16:30 a 20:00 horas, artistas que trabajan en los barrios madrileños de Lavapiés, La Latina, Puerta del Ángel y Carabanchel nos invitan a conocer su obra en sus ambientes de trabajo. Los artistas del barrio es el open studio más veterano de Madrid (viene organizándose desde 2004) y su objetivo es favorecer el acercamiento entre creadores y público.

El listado al completo de artistas participantes y los mecanismos para visitar sus estudios (se requiere un kit de ruta, con mapa y chapa acreditativa) podéis consultarlos aquí.

Alicia Koplowitz, que ya mostró su colección pictórica hace unos meses en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, ha donado ahora a este mismo centro, bajo la dirección de Miguel Zugaza, la pintura de Luis Paret Triunfo del Amor sobre la Guerra, datada en 1784.

Podrá verse formando parte de la exposición “110 Años 110 Obras”, que el museo presenta para homenajear a los donantes que han contribuido a la riqueza de sus colecciones. Paret residió en Bilbao durante una década, entre 1779 y 1789, para cumplir el destierro que Carlos III le impuso por fomentar la vida licenciosa del infante don Luis, y el Museo de Bellas Artes cuenta con otras ocho obras suyas: El Divino Pastor (1782),Vista de Bermeo (1783), Vista de El Arenal de Bilbao (1783-1784), Escena de aldeanos (1786), Vista de Fuenterrabía (1786), otra versión de Triunfo del Amor sobre la Guerra (1784) y La Virgen María con el Niño y Santiago el Mayor (1786). Todas, como vemos, las realizó durante su estancia en la ciudad vasca.

La nueva pieza, como el Triunfo con el que ya contaba este centro, tiene formato de luneto y perteneció a una colección privada británica. Destacan por la delicadeza de sus pinceladas y por la energía y libertad del estilo de Paret, quizá derivado de su disposición en enclaves elevados. Según Manuela Mena, puede que se las encargara alguna figura notable o comerciante de Bilbao y, por su temática, quizá se dispusieran en una cámara nupcial.

También el Museo del Prado ha sumado recientemente a sus fondos, y desde esta semana lo presenta en salas, un nuevo dibujo del artista.

El director del Museo del Prado, Miguel Falomir, y la directora general del INAEM, Montserrat Iglesias, han firmado esta mañana en la pinacoteca un acuerdo por el que estas instituciones pondrán en marcha un programa extraordinario de actividades de teatro, música y danza coincidiendo con la celebración del bicentenario del Museo.

El objetivo es explicar al público distintos aspectos de la colección del Prado a través de las artes escénicas y de la música, y atraer a su vez a nuevas audiencias.

Entre las actividades previstas destacará Una noche en el Prado, un espectáculo creado e interpretado por el tenor Enrique Viana con Miguel Huertas al piano. Será un recital-homenaje dramatizado en el que cobrarán vida algunas de las obras más representativas del Prado y se desarrollará en el museo y en el Teatro de la Zarzuela en febrero de 2019.

La Orquesta Nacional de España, por su parte, incluirá en la programación de su temporada 2018/2019 una nueva obra en homenaje al Museo del Prado realizada por el compositor Ramón Humet, Premio Reina Sofía de Composición Musical. Podremos descubrirla los días 14, 15 y 16 de junio de 2019, en el Auditorio Nacional. También se realizará un concierto del Ciclo Satélites de la OCNE (Ciclo de Música de Cámara) con el título Pinceladas musicales, que se realizará en el auditorio del museo, el 24 de enero de 2019.

La Compañía Nacional de Teatro Clásico producirá un nuevo espectáculo creado ad hoc, una gran gala teatral que se titulará Ecos del Prado –De la pluma al pincel-, en la que reconocidos actores interpretarán pasajes de textos de la historia del Teatro. Sus voces estarán acompañadas de proyecciones de grandes obras del centro. Este proyecto se presentará en la Sala Grande del Teatro de la Comedia el 3 de diciembre de este mismo año.

La Joven Compañía de Teatro Clásico participará también de las actividades en torno al bicentenario del Museo del Prado con la propuesta escénica Todas las guerras, que se representará en el mismo auditorio del museo el 11 de abril, y los bailarines de la Compañía Nacional de Danza protagonizarán La CND baila en el Prado, un espectáculo compuesto por varias coreografías y performances que se desarrollarán de forma simultánea en las salas y otros espacios del museo, dando vida y movimiento a algunas de sus obras maestras. Esta actividad se celebrará los días 28 y 29 de abril de 2019, coincidiendo con la celebración del Día Internacional de la Danza.