El Consejo de Administración de Acción Cultural Española (AC/E) ha aprobado esta misma mañana el nombramiento de José Andrés Torres Mora como nuevo presidente de esta institución.

Torres Mora (Málaga, 1960) es Doctor en Sociología y Profesor Titular de Sociología en la Universidad Complutense de Madrid, y durante cinco legislaturas fue diputado por su provincia en el Congreso de los Diputados. También ha ejercido los cargos de Presidente de la Comisión de Educación, Vicepresidente de la Comisión Constitucional y Portavoz de la Comisión del Cultura del Congreso y fue Vocal de la Subcomisión para la elaboración de un Estatuto del Artista y Ponente del Proyecto de Ley de la Propiedad intelectual.

Releva en el puesto a Ibán García del Blanco, que presidía A/CE desde el verano de 2018.

La Galería Proyectos Ultravioleta, radicada en Guatemala, ha resultado ganadora del I Premio Iberia Diálogos que se concede en ARCOmadrid. Este galardón premia al mejor stand de esa sección, Diálogos, con la devolución del valor de su espacio en la feria. El jurado, formado por Ferrán Barenblit, director del MACBA, y Andrea Pacheco, comisaria independiente, ha reconocido así el trabajo de los artistas Hellen Ascoli y Naufus Ramírez-Figueroa, representados por esa sala.

El programa Diálogos en ARCOmadrid 2020 ofrece un análisis de la creación contemporánea centrada en el diálogo entre dos creadores y prestando especial atención a las prácticas del arte en Latinoamérica y a la puesta en común de la creación de artistas de diferentes generaciones.

La galería rumana SUPRAINFINIT ha resultado ganadora del VI Premio Opening, galardón que reconoce al mejor stand de la sección con la devolución del valor de su espacio en ARCOmadrid 2020.

El jurado que la ha seleccionado ha estado compuesto por Taiyana Pimentel, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey; Direlia Lazo, directora de exposiciones de Faena Art de Miami, y Javier Hontoria, director del Museo Patio Herreriano de Valladolid, que han reconocido así el trabajo del artista Vlad Nancă, representado por la galería ganadora.

En esta ocasión, la sección Opening, dedicada a los proyectos y artistas emergentes, está formada por 21 galerías procedentes de 14 países de África, América y Europa, y comisariada por Tiago de Abreu Pinto y Övül Ö. Durmusoglu.

El Premio de Arte Catalina D’Anglade en ARCOmadrid, que viene fallándose desde 2017 y hasta ahora ha recaído en Luis Gordillo, Secundino Hernández y Fernanda Fragateiro, ha correspondido en esta edición de la feria a Daniel Steegmann Mangrané (Barcelona, 1977) por su obra Geometric Nature/ Biology (2020), que es, en palabras del artista, “un umbral para el espacio de exposición, recordándonos la relación entre lo animal y lo inanimado”. El artista aclara que “la noción de interrelación se ejemplifica visualmente en la escultura en la que las dos secciones de una pequeña rama, cortada longitudinalmente, están suspendidas horizontalmente dentro de unos cables que van desde el techo hasta el suelo, lo que sugiere un encuentro entre formas naturales y artificiales. Suspendidos y en estasis precaria, fluctúan según sus circunstancias, recuperando así su movimiento perdido”.

La concesión del galardón consta de dos fases: una primera, la entrega, que consiste en la adquisición de la pieza premiada por parte de la promotora, y una segunda en la que el artista desarrolla un proyecto inédito en el que arte y diseño se conjuguen. El proyecto desarrollado por Steegmann Mangrané como segunda fase del premio se presentará en 2021.

La naturaleza es una constante en el trabajo del catalán, que explora la creación y migración de formas entre esta, el arte y la arquitectura en relación con el calentamiento global y con su forma de entender que cualquier cambio en el medio natural causa transformaciones en nuestra propia naturaleza.

Según D´Anglade, el objetivo de esta propuesta es impulsar y difundir la creación contemporánea, así como colaborar con artistas, con el fin de concebir el arte fuera de su entorno habitual de creación, incorporándolo a sectores relacionados con el diseño e integrándolo en la vida cotidiana.

Antoni Llena presenta, hasta junio en la Fundació Miró de Barcelona, una gran constelación de dibujos de Joan Miró que ocupa una sala entera entre las dedicadas a la colección permanente del centro. La selección del artista, compuesta por 150 piezas del fondo de la misma Fundación, incluye varias que fueron el origen de las obras más conocidas de Miró y otras que este autor repitió durante años sin llegar a materializarlas en pinturas. La obra de Llena es, en esta ocasión, la selección en sí.

El creador ha escogido estos dibujos por la emoción estética que le causaron y por el hecho de que se reconoce a sí mismo en ellos; en la mayoría encuentra al Miró más íntimo, menos colorista y más iconoclasta. La disposición de estos trabajos, que conviven en la Fundació con dos obras de Llena, pretende mostrar los conceptos opuestos que conviven en la producción mironiana y busca habitar la sala de forma inmersiva.

Llena, que también ha trabajado a menudo en papel, rehúye el discurso historiográfico y ha querido visibilizar su buscada complicidad con Miró. A la vez, pone en valor la colección de obras en papel de la Fundación: por su fragilidad, solo se muestran en contadas ocasiones.

Además de la pintora María Moreno, hoy ha fallecido Plácido Arango, Presidente del Real Patronato del Museo del Prado entre 2007 y 2012, miembro de dicho Patronato durante más de veinte años, y, según un comunicado hecho público por la pinacoteca, sobre todo y ante todo, un amante de la cultura, del arte y de la vida. Reproducimos el texto al completo:

Dos características marcan la relación de Plácido Arango con este Museo: su generosidad sin límite y su nulo afán de protagonismo, tan de agradecer ambos en momentos en los que el egoísmo y la notoriedad vacía sacuden nuestra sociedad.
 
Su compromiso con el Prado era para él fuente inagotable de entusiasmo y, para esta pinacoteca, una aportación de energía vital que contagiaba a todos. En los largos y fecundos años que su figura patricia ha acompañado el devenir del Museo, su ejemplo ha sido un espejo para los cientos de profesionales que aquí desempeñan su tarea.
 
Plácido Arango fue todo en este Museo al que hoy deja un tanto huérfano. Supo ser un imprescindible apoyo, un líder capaz, un forjador de cariño hacia el Prado y también un generoso donante. Un hombre que tuvo la altura de miras y el amor a la pintura necesarios para entender que las obras que él había reunido en su impresionante colección eran aún más grandes si pertenecían a todos. Hay que ser un sincero amante del arte para entender que este nos engrandece cuando lo contemplamos en común. Y él lo fue (utilizar el pasado para hablar de Plácido Arango, duele).
 
Y hay que ser, como él lo fue, un hombre de Estado para rehuir el protagonismo, para renunciar voluntariamente a la tremenda satisfacción que le producía presidir el Patronato del Museo, y seguir trabajando por esta institución, que tanto le deberá siempre. Hoy en el Prado existe una sensación de orfandad que crece con la contemplación de las muchas obras que Plácido legó a todos los españoles y cuelgan en estos muros. Sólo nos consuela la idea de que él, en su generosidad, trabajó en lo que siempre le gustó: hacer mejor este museo que tanto amó y mejores a todos los que lo conocimos y admiramos.

Hoy, 17 de febrero, ha fallecido en Madrid María Moreno a los 87 años de edad. Una de las más recientes ocasiones en que pudimos ver su trabajo fue la exposición “Realistas de Madrid“, que acogió el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza entre febrero y mayo de 2016.

Moreno nació en Madrid en 1933 y se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde ingresó en 1954 para cursar Bellas Artes, especializándose en pintura. Desde los años setenta, su producción comenzó a mostrarse y a formar parte de colecciones internacionales y en 1973 se celebró una exposición individual de su obra en la Galería Herbert Meyer-Ellinger de Frankfurt, a la que siguió otra en 1990 en la Galería Claude Bernard de París.

María y su marido, el pintor Antonio López, pertenecen al grupo histórico y generacional de pintores y escultores que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de los cincuenta, unidos por su formación y su trabajo y también por sus relaciones personales y familiares. Además de María y Antonio, este grupo lo formaban el escultor Julio López Hernández, Esperanza Parada, el escultor Francisco López Hernández, hermano de Julio; su mujer, la pintora Isabel Quintanilla y Amalia Avia. No todos nacieron en Madrid, pero la capital fue su lugar de residencia y de trabajo.

En las últimas décadas, la obra de María Moreno ha formado parte de varias muestras colectivas además de la del Thyssen, como la organizada en 1991 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Es autora de paisajes, centrándose en Madrid y La Mancha; de retratos de su entorno próximo, datados sobre todo en su primera etapa; de interiores, muy presentes desde el comienzo de su carrera, y de bodegones, jardines y flores, obras estas que realizó especialmente desde los noventa.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado que publicará a partir de hoy y semanalmente, en su página web y dentro del canal Museo, el número de visitantes que acceden a la institución, así como el tipo de entrada que se ha emitido (general, reducida, gratuita y otro precio). Los datos recogerán las cifras de cada semana y el acumulado.

Además, el portal del Prado ofrecerá un histórico del total de visitantes anuales desde 2011 y la evolución mensual por tipo de entrada desde 2014. Hay que recordar que la pinacoteca registró en 2019 más de 3.200.000 visitantes, el máximo histórico de la institución.

Según Miguel Falomir, su director, presentar estas cifras refuerza el carácter público de la institución porque el conjunto de los ciudadanos españoles pueden acceder a unas cifras que, en definitiva, son suyas.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía. C3A de Córdoba presenta, hasta el próximo 2 de febrero, los trabajos que Marta Beltrán, Paco Chanivet, Paloma de la Cruz, Enrique del Castillo, Antonio Montesinos y Cristina Ramírez han realizado durante sus residencias en este centro, en el marco de su Programa de Investigación y Producción. Los seis han tomado en este periodo cierta distancia respecto a su propia obra, se han abierto a la reflexión y la experimentación y exhiben ahora los frutos de ese proceso.

Beltrán expone nuevos dibujos dedicados a la imagen de la mujer en la cultura moderna, deudores del cine y la literatura; Chanivet transforma su parcela de espacio expositivo con el proyecto Crisis, en el que aborda el miedo a lo desconocido y Paloma de la Cruz nos muestra Paños de abluciones, una serie de cerámicas decoradas con motivos ligados a la lencería con las que explora identidades a partir de las culturas materiales ligadas a la higiene corporal y la ropa íntima.

Por su parte, Enrique del Castillo ha investigado las características tímbricas del sonido óptico, el que se produce cuando una célula fotosensible lee las opacidades de una película fílmica en movimiento y, a través de un altavoz, las traduce en sonidos; Antonio R. Montesinos ha estudiado modos de cuidado entre seres naturales y elementos artificiales y Cristina Ramírez exhibe en Córdoba paisajes oceánicos que ponen de relieve nuestra dificultad esencial a la hora de articular respuestas frente al horror. Comisaría la muestra Javier Sánchez Martínez.

El próximo 30 de enero, el museo mallorquín Es Baluard celebrará su 16º aniversario invitándonos a reflexionar sobre la memoria del espacio y las urgencias de nuestra contemporaneidad: el cambio climático y el agua como recurso escaso. Presentará en su Aljub Phasing Rain, instalación site-specific de luz y sonido codirigida por Onionlab y Xavi Bové Studio con diseño de sonido y música de Zinkman.

Su objetivo es modificar radicalmente el antiguo aljibe de agua dulce que abastecía todo el barrio del puig de Sant Pere y que actualmente forma parte del centro, un espacio que favorece el diálogo entre el pasado y el presente. Los visitantes podrán caminar y percibir la luz y la música a su propio ritmo desde las 19:00 hasta las 21:00 horas, durante pases de 10 minutos.

Phasing Rain está inspirada en la labor del compositor minimalista Steven Reich, que utilizó palabras del sacerdote Brother Walter sobre el diluvio en la Biblia y el Arca de Noé para advertir a la sociedad sobre el posible fin del mundo debido a la Guerra Fría en los sesenta.

Además, con esta actividad Es Baluard comienza una serie de iniciativas que simbólicamente rememoran la figura de Giovan Giacomo Palearo Fratini (1520-1586), ingeniero que proyectó la fortificación renacentista de su edificio.

La Royal Academy of Arts de Londres ha concedido su Premio Royal Academy Architecture 2020 a la escultora Cristina Iglesias por invitarnos a mirar no solo los edificios, sino también los espacios que surgen entre ellos. El jurado ha estado presidido por Norman Foster y ha valorado la estrecha relación de sus proyectos con sus entornos y con la naturaleza: Dado que las ciudades albergan a más y más personas, el espacio público generoso es cada vez más necesario para la reflexión y el descanso. Las obras de Iglesias existen en diálogo con los edificios a su alrededor, pero van más allá al invitar a sus audiencias, habitantes de la ciudad, a contemplar su entorno a través de la introducción de agua corriente e imágenes naturalistas que recuerdan las hojas caídas.

Este es el tercer año en que se concede este galardón, que antes recayó en los fundadores de Diller Scofidio + Renfro, Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio, y en el arquitecto japonés Itsuko Hasegawa.

Hasta el próximo 25 de abril, el Centro de Arte y Tecnología ETOPIA de Zaragoza presenta “Tensiones escópicas”, proyecto nacido de la beca de producción Cesar e-Fluxus Laboratorio Audiovisual que el artista turolense David Cantarero Tomás desarrolló recientemente en este mismo espacio. La exhibición, comisariada por Nerea Ubieto, recoge los frutos de esta estancia y también varios trabajos vinculados a la línea de investigación del artista realizados en otras dos residencias artísticas, en Bilbao y Bregenz (Austria), además de dos obras inéditas.

DRAWING ROOM MADRID celebrará su quinta edición, del 26 de febrero al 1 de marzo, en el Palacio de Santa Bárbara. Contará con una selección de 16 galerías de España, Portugal, Holanda, Reino Unido, Suecia, Italia, Colombia y Argentina; será dirigida por la comisaria y productora cultural Mónica Álvarez Careaga y presentará los trabajos de cuarenta artistas, algunos inéditos en nuestro país.

Esta cita es la única feria realizada en España dedicada en exclusiva al dibujo contemporáneo y cuenta también con edición lisboeta.

Las salas participantes serán Fonseca Macedo (con José Loureiro, Isabel Madureira Andrade y Olivier Nottellet), José Amar (Alejandro García Restrepo, Felipe Bedoya y Yosman Botero), Lucía Mendoza (Salustiano), Monumental (Manuel Gantes, Teresa Dias Coelho, Sebastião Castelo Lopes y Lourenço de Castro), Siboney (Sergio Mora), Silvestre (Irene González, Marta Barrenechea, Klass Vanhee), Bart (Lawrence James Bailey, Raymond Lemstra y Toni van Tiel), La Carbonería (Jorge Vicén y Elián Stolarsky), My Name´s Lolita Art (Paco Pomet e Illán Argüello), Ogami Press (Javier Pividal, Almudena Lobera y Alfonso Albacete), Otto Galería (Eduardo Stupía, Flavia Martini), Pepita Lumier (Daniel Torres, Alejandra de la Torre), Pitt Studio (John Robinson y Tony Squance), Shazar Gallery (Rocco Dubbini, Stefania Ricci), Uma Lulik (Paulo Lisboa y AnaMary Bilbao) y WADSTRÖM TÖNNHEIM GALLERY (María José Gallardo, Daniel Fleur y Ana Vélez).

Hasta el próximo 21 de junio, la Sala permanente de fotografía del Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presenta una selección de imágenes de Alberto Schommer pertenecientes a este centro y escogidas, en su momento, por el propio autor. El artista, fallecido en 2015, se inició en la fotografía tras su paso por los ámbitos de la pintura y la publicidad y su primera estética se acercó al neorrealismo italiano.

En 1969 comenzó a desarrollar su célebre serie de Retratos Psicológicos (1969-1973), en los que se alejó de la austeridad de los grandes retratistas de la época, como Irving Penn y Richard Avedon, para construir ampulosas puestas en escena en las que situar a sus modelos. Sus retratos se acercan a un simbolismo barroco: además de diseñar la escenografía, dirigía las poses y caracterizaba a los personajes que se exponían a su mirada.