El artista mexicano Héctor Zamora presenta, hasta el 7 de diciembre, una instalación específicamente creada para la azotea del Metropolitan Museum de Nueva York.

Este autor suele diseñar trabajos que involucran en su discurso los espacios públicos, o bien el entorno expositivo de las obras, generando fricciones entre las nociones comunes de lo público y lo privado, lo exterior y lo interior, lo orgánico y lo geométrico o lo real y lo imaginario.

El proyecto de Zamora es el octavo de una serie de encargos para esa azotea del MET, que cuenta con impresionantes vistas a Central Park y Manhattan. Comenzaron en 2013 y sus más recientes protagonistas han sido Adrián Villar Rojas (2017), Huma Bhabha (2018) y Alicja Kwade (2019).

La Fundació Sorigué reabrió el pasado 1 de septiembre su museo en Lleida, adaptándose a las nuevas medidas sanitarias y dando acceso al público a la exposición que tenía en marcha antes del confinamiento: “Mat Collishaw. The End of Innocence“. Para garantizar las medidas de seguridad y organizar los flujos de visitantes, se ha dispuesto un nuevo horario y un sistema de audioguía.

Hasta el cierre anterior a causa de la pandemia, esta muestra había recibido más de 7.500 visitas y cerca de 4.500 estudiantes participaron en el programa pedagógico preparado por el Área Educativa de la Fundació en torno a esta exposición. Esas visitas educativas se reiniciarán a partir del próximo lunes 14 de septiembre.

El pasado mes de agosto quedó constituida la Fundación Fernando Núñez, que tendrá fines filantrópicos, fundamentalmente la puesta en valor del patrimonio histórico y cultural de la Villa y el Monasterio de Uclés, favoreciendo el desarrollo y la sostenibilidad de su entorno.

Entre sus primeras actividades, la Fundación ha presentado la exposición #PHEDesdemibalcón y ha reiniciado las visitas al monumento tras el estado de alarma, cumpliendo con los protocolos sanitarios requeridos (la entrada es gratuita hasta el día 15 de este mes). Desde este septiembre, se iniciarán diversos proyectos expositivos e inmersivos bajo el título de RE_NACIMIENTO; con ellos se hará al público partícipe de los hallazgos físicos y conceptuales que tengan lugar en el Monasterio. El 12 de septiembre se abrirá la muestra “Marco y Luz”.

Hasta el próximo 17 de octubre, la Galería Maruani Mercier de Bruselas presenta su segunda individual de Francesco Clemente: “Bestiary 2020”. Consta de un grupo de catorce pinturas creadas por el artista este mismo año, durante el confinamiento, y en ellas es posible apreciar la incertidumbre del momento.

Es sabido que los bestiarios medievales eran compilaciones de seres tenidos por bestias y repletos de simbolismos y alegorías que, mientras enseñaban lecciones morales, transmitían conocimientos del mundo natural. Las bestias representadas en las pinturas de Clemente se refieren explícitamente a una tradición iconográfica ligada a aquellos volúmenes: a las figuras fantásticas que presentaban partes del cuerpo humano junto a elementos zoomorfos, como patas y colas.

El artista ha ahondado, en más de una ocasión, en la noción de metamorfosis y en los espacios liminales que separan el mundo espiritual interno del material externo, pero apelando ahora a estos fantasmas medievales nos invita a reflexionar sobre sinrazones actuales.

Hasta el próximo 25 de septiembre, el Centro Cultural Coreano presenta “[nombres azules]”, muestra dedicada al artista abstracto coreano TSCHOON SU KIM. Consta de ochenta obras, entre ellas las pertenecientes a la propia serie [nombres azules]: acuarelas inspiradas en algunos de sus viajes por España.

TSCHOON SU KIM, autor de una producción pictórica basada fundamente en el trabajo con el cuerpo, ha regresado al pincel para evocar, en esos tonos azules, sus vivencias en nuestro país. También se exhiben piezas de su serie ULTRA-MARINE, ya realizadas mediante el modelado manual buscando condensar el movimiento del cuerpo.

Desde el pasado 1 de septiembre, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza aplica un descenso en el precio de su entrada única de 13 a 9 euros (de 9 a 6, en el caso de la tarifa reducida).

Según explican desde el centro, la clausura de la exposición “Rembrandt y el retrato en Ámsterdam“, prorrogada tras el confinamiento, y las características de la siguiente muestra a inaugurarse, dedicada al Expresionismo alemán, hacen posible ese ajuste de precios, que será temporal y que responde asimismo a la situación del país a causa de la pandemia.

La exhibición “Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza”, que podrá visitarse del 27 de octubre de este año al 28 de febrero de 2021, reunirá obras de esta corriente pertenecientes a la colección privada de la familia Thyssen-Bornemisza, por lo que tendrá para la pinacoteca costes inferiores a los del resto de sus exposiciones.

La Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León ha creado un Fondo de Reactivación Artística para la compra de obras de arte de galerías y artistas castellanos y leoneses. La medida forma parte del Plan de Reactivación se la Consejería, que busca contribuir al mantenimiento del tejido de los artistas visuales y galerías de arte de la región, y supone crear una nueva partida económica para la adquisición de obras de arte complementaria a la existente en el MUSAC leonés, dotada con 70.000 euros.

Como decimos, el fondo está destinado a la compra de obras de arte a galerías de Castilla y León y a artistas residentes y nacidos en la Comunidad no representados por dichas galerías, y tendrá una dotación económica de 200.000 euros.

El primer paso del proceso de compra será la apertura del procedimiento de solicitud de información, que permanece abierto a partir del 24 de agosto de 2020. Las propuestas de adquisición correrán a cargo de una Comisión de compra formadas por profesionales independientes. La información recabada no solo se utilizará para la compra de obras de arte, sino que permitirá promocionar el arte y los artistas de la Comunidad, a través de diferentes fórmulas: exposición, cesión o venta de obra, entre otras.

Asimismo se habilitará una vía de comunicación directa con artistas y galerías que estén interesados en proponer obras para dicho Fondo de Reactivación Artística y en dar a conocer su obra. Este banco de información artística facilitará un conocimiento más amplio y directo de las obras de los interesados y con ello la posibilidad de contribuir a su mayor difusión, exposición, cesión o venta.

A fin de que dicha información se facilite de forma homogénea, los artistas interesados y galerías deberán remitir una ficha técnica de la obra que indique autor, título, medida, técnica, edición, etc., con una descripción que permita contextualizar la obra, una o varias imágenes de la pieza o, en su caso, un enlace a un vídeo, así como su precio de venta conforme a su valor de mercado actual.

La ficha también incluirá los datos completos de la galería de arte o del artista que sea titular la obra y esté facultado para su disposición. Esta información se remitirá a la dirección de correo electrónico obrasdearte@jcyl.es.

El Museo Picasso de Málaga ha comunicado hoy que la exposición “Meret Oppenheim. Reflejo de una época“, que iba a inaugurar el próximo otoño, ha sido cancelada. La situación sanitaria y sus consecuencias, que obligaron a mantener el museo cerrado durante unos meses, y la paralización de la movilidad de obras entre centros nacionales e internacionales han implicado una significativa disminución en el número de visitantes del centro malagueño y, también, en sus ingresos.

Por ello, los órganos rectores del Picasso han tomado la decisión de cancelar esa muestra, que iba a permanecer abierta desde octubre hasta enero de 2021, como paso previo a las antológicas que le dedicarán más adelante Kunstmuseum Bern y el MoMA neyorquino.

Las ferias Frieze London y Frieze Masters, grandes citas del mercado del arte londinense y europeo, no se celebrarán en su formato convencional el próximo octubre ante la crisis sanitaria que azota también al Reino Unido; se desarrollarán virtualmente. El pasado mayo, Frieze New York también se canceló debido a la pandemia. Las restricciones relativas a los viajes aéreos y concentraciones de personas han hecho imposible su desarrollo.

Hasta el próximo octubre, el Museo Universidad de Navarra presenta en el Bellas Artes de Bilbao una selección de fondos de la Colección María Josefa Huarte.

Componen esos fondos 47 obras de las que cuarenta han llegado a la capital vasca, entre ellas trabajos de Oteiza, Palazuelo y Antoni Tàpies, Picasso, Mark Rothko, Vasili Kandinsky, Eduardo Chillida, Eusebio Sempere o Manuel Millares. La colección fue donada en 2008 a la Universidad de Navarra y constituyen el origen de su Museo, abierto en 2015.

Miembro de una familia de empresarios navarros establecida en Madrid, María Josefa Huarte comenzó a coleccionar a comienzos de los años cincuenta centrándose en las tendencias abstractas geométricas e informalistas, la pintura matérica y gestual o el arte cinético. Concibió la abstracción como un camino estético hacia la modernidad y también como un itinerario espiritual.

Hasta el próximo 30 de agosto, el Museo Patio Herreriano de Valladolid presenta, en colaboración con el CAAC sevillano, “La Sal”: un conjunto de una docena de obras de gran formato de Carmen Laffón. Interesada en la observación de paisajes y su representación desde un enfoque emocional, presenta la artista sevillana miradas a las salinas de Sanlúcar de Barrameda en las que despliega su estilo suelto y libre. Algunas destacan por sus tonos grises y otras por los azules (su cromatismo es rico pese a la paleta aparentemente reducida) y prueban el interés de Laffón por el trabajo en serie y el estudio detenido de lugares.

Junto a las salinas, puede contemplarse otro grupo de pinturas muy diferente en su tratamiento del color, que comparten la intensidad lumínica de las anteriores y una composición vertebrada en torno a la línea del horizonte, y también un conjunto de bajorrelieves en torno al mismo motivo.

El próximo 21 de agosto, el Museum Folkwang de Essen abrirá al público una retrospectiva de Keith Haring, figura fundamental de la escena artística neoyorquina en los ochenta y autor de una iconografía inconfundible en la que se dejó influir por la cultura underground, los viajes espaciales, la robótica y los videojuegos. Desarrolló, asimismo, proyectos en colaboración con Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat, Madonna, Grace Jones, Vivienne Westwood y Malcolm McLaren.

El centro holandés exhibirá aproximadamente 85 de sus obras, entre pinturas y dibujos de gran formato, carteles, fotografías y vídeos seleccionados para ofrecer una visión transversal de su producción y para situarlo, prácticamente, como portavoz de una generación preocupada por el racismo, la homofobia, la lacra de las drogas, el sida, los retos del capitalismo y la destrucción del medio ambiente.

Buscó Haring concienciar de que el arte era para todos (de ahí sus dibujos con tiza en el metro de Nueva York o sus murales en espacios públicos) y manejó un lenguaje universal compuesto por signos accesibles a todo observador: pequeñas figuras danzantes, perros ladradores o platillos voladores.

Filmoteca Española ha anunciado la adquisición de un nitrato del sistema de color original, el británico Dufay Chrome, del filme Garbancito de la Mancha (José María Blay, 1945), el primer largo de dibujos animados realizado en España y el primero en color de Europa. Hasta ahora, en nuestro país solo se conservaba un fotograma en el sistema original, en la Filmoteca de Catalunya, y el British Film Institute de Londres guarda dos rollos en 35mm de los diez que formaron en origen la película. Ahora, Filmoteca Española ha adquirido ocho de esos diez rollos, custodiando así la copia de proyección Dufay Chrome más completa que existe.

Además de los rollos originales, se han encontrado también otros materiales posteriores: versiones en blanco y negro o en color, con técnicas y formatos, que, en palabras de Marián del Egido, directora del Centro de Conservación y Restauración de la Filmoteca, contribuyen a completar la historia de la película muchos años después de su estreno.

Garbancito de la Mancha es una adaptación del cuento del mismo título escrito por Julián Pemartín y cuenta con música de Jacinto Guerrero. Con 85 minutos de duración, fue realizado en Barcelona por Balet y Blay, la primera productora en Europa que se adentró en el campo del largometraje de animación pese a no contar con los recursos adecuados. Sabemos que la producción resultó difícil por la necesidad de importar celuloide desde Suiza y la posterior exportación para el revelado, porque en España aún no existían laboratorios de color. Nos encontramos, hay que recordarlo, en el contexto de la Segunda Guerra Mundial.

Con todo, Garbancito de la Mancha se estrenó finalmente en 1945 y obtuvo gran éxito en España; se declaró de Interés Nacional y recibió el Premio del Sindicato Español del Espectáculo.

En lo técnico, la característica más importante de este título fue que sus creadores emplearon ese sistema de color Dufay Chrome, desarrollado por Louis Dufay en 1908, con el que se obtenían imágenes en color incorporando los filtros de los colores fundamentales (rojo, azul y verde) a la propia película. El filtro estaba compuesto por una malla donde se distribuían reticularmente de forma regular y en líneas muy finas esos tonos, de modo que el resultado era una imagen en color por adición que se impresionaba en la emulsión de halogenuro de plata fotosensible. El sistema solo se empleó en los laboratorios Dufay de Londres y no se expandió, entre otras razones porque la retícula absorbía dos tercios de la iluminación en la proyección.

Pese a la práctica desaparición de la película original, que empleó este sistema de color, en los sesenta se volvieron a tirar unas copias en nitrato en las que se difuminó la imagen para que no se viese la trama original, esquilmándose la calidad y viveza de los colores primeros.

La copia incompleta que ahora llega a la Filmoteca fue localizada en Nueva York hace dos años por un coleccionista privado, David Bull.

Hasta el próximo 31 de agosto, Álvaro González presenta en el Espacio Alexandra de Santander “Extraña forma de vida”, muestra que continúa con las anteriores investigaciones de este artista sobre las relaciones entre ciencia y creación y sobre la influencia del conocimiento científico en la cultura. Veremos una serie de pinturas sobre papel inspiradas, sobre todo, en el viaje que Humboldt y el botánico francés Aimé Bonpland realizaron por Venezuela y algunos países del continente americano a principios del siglo XIX; predominan en ellas los motivos biomórficos tomados de ilustraciones científicas y de grandes obras de la historia del arte.

De hecho, la gran influencia de González en este proyecto ha sido Paisaje tropical, de Edwin Frederic Church, donde aquel pintor decimonónico se detiene a contemplar la exuberancia de la flora del trópico. A partir de esa obra, el artista ha estudiado el interés de los autores del XIX por las exploraciones científicas, recopilando iconografía de la época. En Espacio Alexandra veremos serigrafías, collages o pasteles al óleo.

Hasta el 18 de septiembre, el artista salmantino Enrique Marty presenta en el Espacio Marzana bilbaíno sus trabajos recientes. Nacen de su observación de que, desde los textos más antiguos, sabios y filósofos de todas las culturas y épocas se han quejado de la corrupción, torpeza o falta de valores de las generaciones posteriores, consideración que el creador considera viciada en esencia, carente de perspectiva y de confianza en el futuro… hasta ahora. Ahora sí, cree Marty, el deterioro es patente.

La Galería Aurora Vigil-Escalera de Gijón abre mañana, 24 de julio, su segunda monográfica dedicada a Juan Genovés. La primera tuvo lugar en 2016 y esta servirá de homenaje al artista a pocos meses de su fallecimiento.

Componen este proyecto dos pinturas y una veintena de grabados que destacan por su coherencia entre sí y también por la complejidad de sus composiciones. Las estampas se fechan entre 2014 y 2020 y tienen en común los poderosos contrastes en ellas de fondos y figuras; la conjunción de accidentes, mancha y fondo con las diminutas figurillas volumétricas, en palabras de Mariano Navarro.

Cuatro de esos grabados fueron realizados por Genovés junto a su hijo Pablo y se aprecian en ellos aires diferentes a la geometría, la abstracción o monocromía de los que solo son propios del primero. “Juan Genovés: En el recuerdo” puede visitarse hasta el 22 de septiembre.