Hasta el 26 de septiembre, el MoMA de Nueva York acoge “Fotoclubismo. Brazilian Modernist Photography, 1946–1964”, una muestra que explora los logros creativos del Foto-Cine Clube Bandeirante (FCCB) de São Paulo, un colectivo de fotógrafos aficionados cuyos trabajos encarnan la originalidad de la cultura en aquel país tras la II Guerra Mundial. Su producción se divulgó internacionalmente durante los cincuenta, pero después cayeron en el olvido y esta exhibición es la primera que se les dedica en un museo fuera de Brasil.
Para la mayoría de los miembros de FCCB, la fotografía era una suerte de pasatiempo: trabajaban como empresarios, contables, periodistas, ingenieros, biólogos y banqueros entre semana y, sábados y domingos, emprendían salidas en grupo con la cámara. No obstante, se tomaron muy en serio su ambición artística, abriéndose a la experimentación a la hora de destilar en sus imágenes la vida cotidiana, en diálogo con figuras del diseño, el cine o la pintura.
La exposición cuenta con más de sesenta fotografías, procedentes en su mayoría de los propios fondos del MoMA, que subrayan la variedad estilística del colectivo.
Julio Agostinelli. Circus (Circense).,1951. The Museum of Modern Art, New York.
María Lara, líneas y emociones
La artista granadina María Lara viene trabajando desde principios de los sesenta en la traducción de emociones e impresiones sensoriales a pinturas compuestas por bandas y líneas que, por un lado, sintetizan esos efectos perceptivos y, por otro, inciden en las posibilidades de su traslación plástica.
Reúne sus composiciones la Galería Adora Calvo, que presenta, hasta el 15 de julio en Las Rozas, “Percepciones de interior”, lienzos y trabajos en papel de estética austera que logran resultar evocadores pese al rigor de la autora en los procesos y esa economía de medios.
En palabras de Manuel Olveira, aparentemente silenciosas, sus piezas reclaman una interioridad y una intimidad muy alejadas de lo espectacular o lo anecdótico, y se concentran en una intensidad abstracta y depurada que, lejos de restarle emoción, transmite impresiones tan vívidas como perspicaces y sensaciones cotidianas relacionadas con asuntos inefables como la luz, el aire, la reverberación espacial, la cotidianeidad o la espiritualidad, entre otros.
María Lara. “Percepciones de interior”. Galería Adora Calvo
El Museo del Prado reabre nuevas salas, un año después de “Reencuentro”
Más de 250.000 visitantes han recorrido el Museo del Prado en lo que llevamos de año y la media mensual es superior a los 60.000 desde marzo, así que la pinacoteca recupera progresivamente sus ritmos de recepción de público y a ellos acompaña la reapertura, también paulatina, de las salas del edificio Villanueva.
Desde hoy, 2 de junio, podemos contemplar El Descendimiento de Van der Weyden en su sala habitual, la 58, junto a Calvario con santos y donantes (obra del círculo de Hugo van der Goes que se exhibe por primera vez tras su adquisición en marzo de 2020) y otras de sus coetáneos: Robert Campin, Dirk Bouts y el Maestro de la Leyenda de Santa Catalina.
Ese Calvario, pieza de extraordinaria calidad, se data según su estudio dendrocronológico probablemente en la década de 1470 y revela, por parte de Van der Goes y sus seguidores, un hondo conocimiento del arte desarrollado entonces en el contexto de Gante. La tabla presenta un Calvario, o representación de Cristo en la cruz, con la Virgen María y san Juan. A los lados aparecen los santos Jerónimo, Santiago Apóstol, María Magdalena y Catalina, junto a una amplia familia de donantes, y el paisaje del fondo incluye una vista de Jerusalén, captada como una ciudad flamenca de aquella época.
Además de la sala 58, hoy se han reabierto otras: 57 A, 58 A, 56 y 57. Próximamente se podrán visitar las salas 55 B, 56 B, 57 B y 58 B, que guardan obras del Renacimiento europeo, como Adán y Eva de Durero o La Anunciación de Fra Angelico. Así se pondrá fin a la distribución expositiva de “Reencuentro”, la exhibición que, tras el confinamiento, reunió obras emblemáticas de los fondos del Prado en un número limitado de espacios.
DosCAras: miradas al daño cerebral adquirido, en la Torre MAPFRE
El edificio Torre MAPFRE de Barcelona presenta, hasta el 17 de septiembre, la muestra fotográfica “DosCAras, Miradas Desde Dentro y Hacia Afuera del Daño Cerebral Adquirido“, una selección de imágenes y vídeos que exploran la vida cotidiana de quienes conviven con esta patología en nuestro país. El proyecto, puesto en marcha por la Plataforma Española por el Daño Cerebral Adquirido con la colaboración de MIARCO, Cuco Cuervo, la Fundación MAPFRE y la Fundación Gmp, pretende ofrecer un enfoque distinto sobre este colectivo y visibilizarlo.
Son más de 650.000 las personas que conviven en España con el Daño Cerebral Adquirido (llamado DCA), primera causa de discapacidad en nuestro país. Se trata de pacientes de todas las edades a los que genera problemas físicos, comunicativos, cognitivos o de conducta.
Componen la exhibición una veintena de imágenes que reflejan otras tantas historias de lucha con la enfermedad y superación. Las primeras se centran en las afecciones más comunes del DCA, como tumores, ictus, traumatismos, etc; a continuación se exponen sugerentes trabajos de Cuco Cuervo en los que el paciente afectado por DCA aparece junto a alguien importante en su vida. Cada retrato va acompañado de un vídeo con un testimonio de los protagonistas.
A día de hoy no existe un Plan Nacional sobre Daño Cerebral Adquirido, lo que provoca que las personas con estas dolencias tengan serias dificultades para encontrar información sobre recursos asistenciales que cubran sus necesidades y las de sus familias. En ese sentido, la Plataforma Española por el Daño Cerebral Adquirido trabaja desde 2007 por la mejora de sus condiciones de vida, poniendo en común los conocimientos y aptitudes de las entidades que la componen para realizar acciones encaminadas a concienciar a la sociedad civil de la situación en la que vive este colectivo. Todos los proyectos que realizan pueden consultarse en su página web (www.plataformadca.org) y en sus perfiles en redes sociales.
Cuco Cuervo. Valeria y Virginia
Isabelle Le Galo, Juan-Miguel Hernández, Rafael Mateu de Ros y Ute Meta Bauer se incorporan al Patronato del Reina Sofía
Hoy ha tenido lugar la sesión anual del Pleno del Real Patronato del Museo Reina Sofía, bajo la presidencia del ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes. En ella se ha anunciado la incorporación al órgano rector del Museo de cuatro nuevos miembros: Isabelle Le Galo Flores, matemática, filósofa y directora para España de la Fundación Daniel y Nina Carasso; Juan-Miguel Hernández León, presidente del Círculo de Bellas Artes madrileño; Rafael Mateu de Ros, socio fundador de Ramón y Cajal Abogados y consejero independiente de Bankinter y, por último, Ute Meta Bauer, comisaria de exposiciones y especialista en arte contemporáneo.
Sustituyen, como vocales del organismo, a Montserrat Aguer Teixidor, Miguel Ángel Cortés Martín, Marcelo Mattos Araujo y Santiago de Torres Sanahuja, que han finalizado su último mandato, de los tres que establece como límite máximo el Estatuto del MNCARS.
Además, a propuesta de la presidenta y de la vicepresidenta del Real Patronato, Ángeles González-Sinde y Beatriz Corredor respectivamente, Rafael Mateu de Ros también ha sido elegido como vocal para la Comisión Permanente del órgano, cubriendo la vacante que ocupó hasta noviembre del año pasado Alberto Cortina Koplowitz.
La reunión del Pleno hoy ha sido semipresencial, dada la situación sanitaria, y también ha aprobado la renovación, por un periodo adicional de tres años, de los mandatos como vocales de Ignacio Garralda Ruiz de Velasco, Antonio Huertas Mejías, Pablo Isla, Ana Patricia Botín y Pedro Argüelles Salaverría.
Asimismo, el Patronato ha sido informado sobre el proceso de reordenación completa de la colección que se está llevando a cabo y que culminará en noviembre y ha aprobado la Memoria Anual de Actividades del Museo 2020 y el Informe Anual de Seguimiento y Evaluación del Plan Operativo Anual 2020, además de presentar el Plan Operativo Anual 2021.
Reunión hoy del Pleno del Real Patronato del Museo Reina Sofía
Reiners Contemporary Art participa en Urvanity con una doble propuesta
Hoy ha dado comienzo una nueva edición de la feria de arte actual Urvanity, donde hemos podido ver la propuesta de la galería Reiners Contemporary Art. Fundada en 2019 por Flor Reiners en Marbella, este espacio cuenta con fuertes vínculos con el panorama artístico emergente de países como Alemania y Brasil. De este último procede precisamente una de sus apuestas en esta edición de la feria: Flávia Junqueira (Sao Paulo, 1985), artista que trabaja lo ilusorio y lo efectista desde una perspectiva neobarroca y lúdica. De ella exhibe tres fotografías que son el resultado de una investigación previa en archivos de Brasil. La artista gestiona así una apropiación y un rescate de la arquitectura de la Belle Époque Tropical, desarrollada en Brasil entre los siglos XIX y XX, en concreto del Teatro Amazonas, el Palacio dos Cedros y el Parque Lage.
El otro artista que Reiners Contemporary Art exhibe en la feria, localizada en la sede del COAM, es Juan Miguel Quiñones (Vejer de la Frontera, Cádiz, 1979), un joven escultor que trabaja el mármol con la antigua técnica renacentista de la piedra dura. Esta complicada y exigente forma de trabajar contrasta con la sencillez y cercanía de los objetos representados: helados y juguetes de contorno tallado, simplificando formas y volúmenes para centrarse en la esencia misma de lo representado.
Flavia Junqueira. Parque Lage, 1957
Juan Miguel Quiñones. Twister Choc, 2021
Escultura (española) infinita
Hasta el próximo octubre, el IVAM valenciano acoge la muestra “Escultura infinita”, que reúne trabajos de cuarenta artistas españoles procedentes de los fondos de ese mismo centro, del Museo Reina Sofía, el Patio Herreriano y la Fundació Antoni Tàpies.
Propone la exhibición, comisariada por Teresa Millet, un relato sobre la escultura en nuestro país en el siglo pasado, desde los treinta hasta los noventa: una narración de la irrupción de lo moderno, del tránsito de la peana al suelo y de la ocupación y apropiación de los espacios. Encontraremos trabajos de Alberto Sánchez, Ángel Ferrant, Pablo Palazuelo o Sergi Aguilar, Cristina Iglesias y Fernando Sinaga.
Juan Muñoz. Al norte de la tormenta, 1986. IVAM
TEFAF Maastricht no tendrá en 2021 edición presencial, pero sí online
Considerando el desarrollo de la situación sanitaria, no solo en el contexto holandés sino también en el internacional, TEFAF Maastricht ha anunciado la cancelación de su edición presencial, prevista originalmente entre los días 9 y 11 de septiembre de este año. Sí tendrá lugar la feria en su vertiente online, en fechas parecidas (del 10 al 13 de ese mes) y su lema continuará siendo el anunciado: El arte de coleccionar; según sus organizadores, impregnará desde la navegación en su site hasta las narrativas presentes en las propuestas de cada uno de los expositores.
Las galerías que se sumen a TEFAF online presentarán cada una hasta tres obras de arte, destacadas por razones de significación histórica, artística o personal y en la selección TEFAF Collection Pages podremos encontrarlas en un buscador que las clasificará atendiendo a su técnica, periodo histórico y sección, no a sus expositores. El objetivo último de esta edición digital de la feria será fomentar una experiencia íntima y educativa de la misma, válida tanto para coleccionistas experimentados como para nuevos compradores.
En cualquier caso, TEFAF regresará físicamente a Maastricht con motivo de su 35º aniversario: será en marzo de 2022 y la cita tendrá entonces carácter híbrido, presencial y online.
Vista de TEFAF 2018
Lo último de Pedro Neves Marques, en Móstoles y Barcelona
En 2017 el artista portugués Pedro Neves Marques ideó un personaje, una androide indígena llamada YWY, término que significa tierra o territorio en el idioma indígena tupí-guaraní.
Interpretado por la actriz y activista brasileña Zahy Guajajara, ese personaje devino para este autor en una forma de pensar posibles imaginarios sobre el futuro indígena, el género, la tecnología y la ciencia ficción. Diseñando múltiples escenarios e historias, en películas e instalaciones, nos invita a adentrarnos en un clima futurista, aunque familiar, inspirado en Brasil.
YWY no puede reproducirse y se alimenta de energía o directamente de luz solar; de su mano, Neves Marques ha podido proyectar diversos horizontes para la emergencia climática o la ética de la ciencia. Sus tesis nos esperan ya en el Centro de Arte Dos de Mayo (hasta julio) y en CaixaForum Barcelona (hasta septiembre).
Deana Lawson, Hugo Boss Prize en 2020, expone en el Guggenheim de Nueva York
Sus imágenes están arraigadas en nuestro mundo sensible, pero también evocan el resplandeciente espacio intermedio de los sueños, los recuerdos y la espiritualidad, donde, entiende, lo cotidiano se transforma en asombroso y magnífico.
Deana Lawson obtuvo el año pasado el prestigioso Hugo Boss Prize por sus fotografías y vídeos nacidos, a menudo, de la colaboración con extraños a los que se encuentra por casualidad o a quienes busca deliberadamente. A menudo nos los presenta en entornos domésticos en los que, sin embargo, decoración, iluminación y poses se diseñan con precisión, apelando a las tradiciones del retrato histórico, la fotografía documental y el álbum familiar pero trascendiéndolas para acercarlos a la imaginación.
Parte de esos trabajos podemos verlos, hasta el 11 de octubre, en la muestra “Centropy”, en el Guggenheim de Nueva York.
Deana Lawson. Barrington and Father, 2021
El Museo Thyssen presenta los frutos de su restauración del Joven caballero de Carpaccio
Finalizada la restauración de Joven caballero en un paisaje de Vittore Carpaccio, una de las obras fundamentales de la colección del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el centro presenta ahora los resultados del trabajo realizado en una instalación especial que puede contemplarse en la sala 11, donde se ha llevado a cabo esa intervención a la vista del público.
La obra se presenta junto a un vídeo que explica e ilustra los procedimientos y los resultados obtenidos, recogidos asimismo en una publicación monográfica: los análisis de materiales, las radiografías y reflectografías y otras herramientas de investigación han permitido estudiar a fondo esta pintura para conocer en detalle su proceso creativo y obtener la información necesaria para acometer los trabajos con el mayor rigor.
Se ha estabilizado el soporte del cuadro, consolidando zonas frágiles de la capa pictórica, y se ha eliminado el barniz envejecido y amarilleado que cubría la superficie; además, se ha restaurado el marco que realza y protege la imagen. Como resultado, el tono general del cuadro es más frío de lo que parecía antes de empezar la restauración; los blancos son más luminosos, las carnaciones, más rosadas y el cielo de un azul intenso. Aparecieron en los edificios tonos rosas característicamente venecianos y recobraron su intensidad los toques de luz en la hierba y en las flores. Por otro lado, la zona del armiño, antes algo apagada, ha recobrado vida y luminosidad, y la armadura ha recuperado su tono metálico gris-azulado, resaltando sobre el resto de la composición.
El estudio técnico ha revelado algunos datos importantes, confirmando que determinados detalles de la composición fueron modificados o añadidos por el propio artista. La obra supone un despliegue de elementos simbólicos: fauna, flora, paisaje y personajes transmiten mensajes e interactúan entre sí. Además, cada detalle está situado en una posición estratégica para crear un entramado que se relaciona con las virtudes y los hechos que se atribuyen al protagonista, ensalzando su figura: la lanza que sostiene la figura ecuestre es símbolo de la visión, la estrategia, el conocimiento y la victoria y el perro que lo acompaña es alegoría de la fidelidad y el sacrificio.
La propia figura del joven caballero, cuya identidad es aún objeto de debate, está formada por dos mitades antagónicas: la superior, con una armadura de estilo italiano, con remaches sencillos y motivos de plumas o escamas en los guardabrazos articulados y en la gorguera, presenta una actitud melancólica y resignada, mientras que la inferior, con motivos florales decorando las protecciones de la armadura, lo muestra más firme y arrogante. La espada divide esas dos partes de la figura. En la instalación se ha incluido una espada de características semejantes a la que sujeta el caballero, prestada por Patrimonio Nacional.
La observación de la pieza con luz infrarroja ha permitido visualizar los estratos subyacentes. El dibujo bajo las capas de color presenta un trazo firme y se comprobó que la figura a caballo se había añadido tras pintar la arquitectura de la izquierda y que ocultaba otra figura ecuestre, de menor tamaño y en dirección opuesta, concebida quizás en un primer planteamiento. También se pintó posteriormente el pavo real que, por un efecto óptico, parece posado sobre el yelmo. Este ave, cuando es representado con la cola plegada, es símbolo de humildad y contención.
Otros elementos fueron eliminados por el artista en la elaboración del cuadro, como un segundo ciervo – animal que guía las almas hacia el otro mundo – descubierto junto al que aparece en la pintura, aunque podría tratarse de una corrección en la posición de un único animal. También se han revelado cambios evidentes en el protagonista, como en la expresión del rostro, con una mirada al principio más frontal que Carpaccio modificó para fijarla finalmente hacia la derecha; o la mano que sujeta la vaina de la espada, que descansa sobre ella en una actitud relajada pero que antes sujetaba con mayor contundencia; o la eliminación de un anillo en su mano derecha.
El paisaje presenta también múltiples correcciones: la eliminación de un promontorio con arboleda y algunos detalles de la ciudadela y cambios en el grosor o en la posición de plantas y animales.
Además, gracias a la radiografía se ha podido apreciar que la pintura original medía unos centímetros menos que la actual y que, antes de aplicar la pintura, Carpaccio dibujó algunos trazos suaves y continuos con pincel. Las modificaciones en el rostro del joven caballero van más allá del ajuste en la dirección de la mirada: la luz del rostro era en un principio más intensa, marcando las facciones de la frente y la ceja derecha y, posteriormente, el pintor decidió suavizarla dejando un rostro más afinado y dulcificado.
El análisis de los materiales en el laboratorio ha permitido conocer, también, más detalles sobre la forma de trabajar de Carpaccio: el lienzo fue preparado con un aparejo de yeso de color blanco sobre el que se aplicó la imprimación. Encima, las capas pictóricas presentan un espesor fino y fueron aplicadas en una o varias manos, utilizando una variada paleta de pigmentos entre los que destacan los negros: carbón vegetal, negro de huesos y negro de antimonio. Destaca el uso de la estibina, un mineral natural de antimonio que, en forma de pigmento, tiene un color gris oscuro; el artista la utiliza sobre todo para la coraza, combinada con albayalde y granos rojos de laca y de bermellón, y aplicó esa mezcla sobre una base ligeramente gris de albayalde y negro de humo.
Detalle del rostro del caballero, antes y después de la limpieza. Fotografía: Hélène Desplechin
El Turner Prize 2021 será para un colectivo
El jurado del Turner Prize 2021 ha seleccionado como nominados, por primera vez en la historia del galardón, a cinco colectivos de artistas que trabajan de forma estrecha y continua con varias comunidades sociales del Reino Unido.
El premio por tanto, sea cual sea su ganador, reconocerá esta vez la solidaridad y las prácticas colaborativas en este año marcado por la pandemia.
Los elegidos han sido Array Collective, un grupo de artistas con sede en Belfast; Black Obsidian Sound System, un colectivo londinense de activistas del arte radical; Cooking Sections, un dúo londinense que crea instalaciones artísticas partiendo de la comida; Gentle / Radical, un colectivo galés que entiende el arte como herramienta para el cambio social y, por último, Project Art Works, procedente del sur de Inglaterra.
Una selección de proyectos de los nominados se exhibirá en el Herbert Art Gallery and Museum de Coventry, del 29 de septiembre al 12 de enero de 2022.
Herbert Art Gallery & Museum
El Museo de Bellas Artes de Bilbao adquiere los Desposorios místicos de santa Catalina, de Sofonisba Anguissola
El Museo de Bellas Artes de Bilbao suma a sus colecciones la obra recientemente descubierta de Sofonisba AnguissolaDesposorios místicos de santa Catalina (1588), especialmente representativa al ser una de las pocas de la artista con temática religiosa. Permaneció inédita hasta su presentación, en 2019, en la muestra del Museo del Prado “Historia de dos pintoras. Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana“, y con motivo de aquella fue restaurada, aunque solo requirió de una leve intervención dado su buen estado de conservación.
Se dedica esta pieza al episodio del matrimonio místico entre Cristo y santa Catalina de Alejandría, recogido por Santiago de la Vorágine en su Leyenda dorada. Santa Catalina, princesa que vivió en el siglo IV y fue martirizada por su fe, recibe del Niño Jesús la alianza en presencia de la Virgen y de una mujer de edad avanzada que podría ser santa Ana. Se trata de un tema muy popular, pero la existencia real de aquella princesa, representada con la rueda dentada con la que fue torturada y con la palma del martirio, no está clara.
Su datación, en 1588, indica que fue pintada en Génova, ciudad donde residió Anguissola entre 1580 y 1615, etapa en la que disfrutó de una posición acomodada que le permitió dedicarse por completo a la pintura. Allí pudo conocer directamente la obra homónima de Luca Cambiaso, que reprodujo con bastante fidelidad en este lienzo que ahora se incorpora a los fondos del centro vasco, quizá atraída por su iconografía novedosa: el Niño aparece crecido y parecido físicamente a su madre, lo que humaniza su figura y le da mayor protagonismo.
A pesar de esa fidelidad al original de Cambiaso, la obra de Anguissola posee singularidades: la vestimenta de la santa es más rica, con reflejos en el paño y la manga de seda que no vemos en la pintura de aquel. Además, la corona se trata con mayor detalle y lujo y se incorporan perlas en el tocado y la manga del manto.
Otra aportación de Anguissola es la composición del suelo con un escalón en el borde inferior que enmarca la escena, del que brotan pequeños racimos de flores con violetas azuladas, margaritas, variedades de aster y un pequeño rosal que alude a la Pasión de Cristo. El paisaje del ángulo superior derecho y el cortinón que protege a los personajes favorecen el dibujo del escenario.
El cromatismo sutil, el modelado suave y la sugerida intimidad entre las figuras, de proporción algo alargada, aportan dulzura.
Para saber más de la obra y de la autora, podemos asistir, el 26 de mayo a las 18:00 horas en el Museo, a la conferencia de Leticia Ruiz Sofonisba Anguissola, dama y pintora.
Sofonisba Anguissola. Desposorios místicos de santa Catalina, 1588. Museo de Bellas Artes de Bilbao
Marina Abramovic, Premio Princesa de Asturias 2021
Marina Abramović, artista fundamental en el desarrollo de la performance desde los setenta, ha sido galardonada con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2021, según decisión del jurado presidido por Miguel Zugaza y formado por por José María Cano, María de Corral López-Dóriga, Dionisio González, Blanca Gutiérrez Ortiz, Sergio Gutiérrez Sánchez, Lucas Macías Navarro, Ricardo Martí Fluxá, Fernando Masaveu, Hans Meinke Paege, Helena Pimenta, José María Pou, Sandra Rotondo, Benedetta Tagliabue, Patricia Urquiola, Tadanori Yamaguchi, Aarón Zapico y Catalina Luca de Tena, como secretaria.
Su candidatura fue propuesta por María Sheila Cremaschi, directora del Hay Festival Segovia, cita que recibió el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades el año pasado.
Abramović, nacida en Belgrado, estudió en la Academia de Bellas Artes de esa ciudad y en la Academia de Bellas Artes de Zagreb y en los setenta enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad. A mediados de aquella década abandonó Yugoslavia y se instaló en Ámsterdam, donde conocería a Ulay, con quien comenzaría a trabajar en la exploración de los conceptos de ego e identidad artística, en las tradiciones culturales y la necesidad de ritos. Su producción conjunta se mantuvo hasta 1988, cuando se despidieron en su propuesta The Great Wall Walk en la muralla china.
Abramović ha dedicado su trayectoria a indagar en primera persona en los límites del cuerpo y la mente a través de performances que también suponen una constante búsqueda de libertad individual. Entre los hitos de su carrera se encuentra la presentación, en 1997, de la pieza Balkan Baroque en la Bienal de Venecia, por la que recibió el León de Oro a la mejor artista, y la exhibición, en el Solomon R. Guggenheim Museum, de Seven Easy Pieces: en siete noches consecutivas recreó los trabajos de artistas pioneros de la performance en los sesenta y setenta, además de desarrollar dos obras propias, Lips of Thomas y Entering the Other Side.
En 2010 inauguraría en el MoMa una gran retrospectiva de su obra que incluyó registros en vídeo desde la década de los setenta, fotografías y documentos, una instalación cronológica con la recreación por actores de acciones realizadas previamente por la artista y también su performance más extendida en el tiempo: permaneció 716 horas y media sentada inmóvil frente a una mesa, en el atrio del centro, donde los espectadores se sentaban frente a ella para compartir simplemente la presencia de la artista. Ya en 2012 estrenaría el documental sobre esa retrospectiva, The artist is present, dirigido por Matthew Akers; fue nominado a mejor documental en el Independent Spirit Awards 2013 y recibió el Premio del Público al mejor documental en el Festival de Cine de Berlín 2012. De aquel proyecto surgió la idea de crear el Marina Abramović Institute (MAI), un centro de arte situado en Hudson en el que se llevan a cabo todo tipo de actos culturales, talleres y exposiciones vinculados a la performance y el arte actual.
Cada uno de los Premios Princesa de Asturias está dotado con una escultura de Joan Miró, un diploma, una insignia y 50.000 euros.
Guillermo de Osma recuerda al Richard Serra de los 70 y 80
La Galería Guillermo de Osma presenta, desde el pasado 22 de abril y en colaboración con la sala bilbaína CarrerasMugica, su segunda exposición del artista estadounidense Richard Serra: exhibe un conjunto de obras de los 70 y los 80 formado por tres esculturas y nueve piezas sobre papel de gran formato.
Serra es uno de los artistas fundamentales del final del siglo XX y de este siglo y abrió nuevos caminos a la escultura, en relación con la arquitectura. Su fuerza como intelectual y las dimensiones cada vez más potentes, hasta lo inverosímil, de su trabajo han hecho de él un autor controvertido. Gran representante del minimalismo de los años 60 y 70, pronto evolucionó hacia sendas más personales.
Richard Serra. Tujunga Cut, 1982. Cortesía Galería Guillermo de Osma
Paula Breuer y Lars Unkenholz: una parada intermedia
Hasta el 29 de mayo, los muy jóvenes artistas alemanes Lars Unkenholz y Paula Breuer dialogan en la Galería Silvestre de Madrid, en la muestra “Zwischenstation”. Ambos delinean sus entornos cercanos sirviéndose de la pintura y de la figuración y desde códigos muy personales.
También tienen en común su atención a asuntos presentes en la producción de los expresionistas alemanes: cuerpos, animales, naturalezas y escenas cotidianas en los que nos ofrecen un uso enfático del color e introducen formas y lugares ajenos a lo real.
Lars Unkenholz / Paula Breuer. “Zwischenstation”. Galería Silvestre
Virginia Rivas, al color por la emoción
Hasta el próximo 17 de mayo, Virginia Rivas presenta en la sede madrileña de la Galería Adora Calvo “Variaciones”, una propuesta en la que reflexiona sobre los colores que nos rodean y sobre nuestra percepción de los mismos en función de circunstancias emocionales, sociales y políticas.
Investiga asimismo las connotaciones del color en relación con contextos históricos y cómo nos afecta el cromatismo habitual en nuestras vidas: hasta qué punto nuestra cultura determina las tonalidades que percibimos.
“Variaciones” continúa la línea de trabajo iniciada por Rivas en proyectos como Mapa Sonoro (2019), Soundscape (2018), Sinestesia (2016-2017) y Nada Grave (2010-2011).
Virginia Rivas. “Variaciones”. Galería Adora Calvo
Paloma Gámez: Amarillo Magenta Naranja
La artista jienense Paloma Gámez viene centrando su producción en el estudio del color, la composición y la percepción, y esta es fundamentalmente pictórica, pero también ha cultivado el vídeo, la impresión digital o el dibujo.
En la Galería La Cometa exhibe, hasta el 29 de mayo, “Amarillo Magenta Naranja”, una propuesta en la que destaca 184.900 centímetros cuadrados de color, intervención específica para la sala pequeña de este espacio, cuya arquitectura, convertida en un elemento artístico más, ha reformulado a través de la disposición de sus cuadros, alterando la percepción que tenemos del lugar.
La de Gámez es la segunda exposición de un artista español en esta sede de La Cometa y la comisaría Luisa Fraile.
Paloma Gámez. Estudio para escultura I, 2021
4 proyectos gallegos, en MARCO
Subrayando la peculiaridad de su arquitectura, en especial la de su planta baja, en la que el MARCO de Vigo se estructura en patios amplios con luz cenital, galerías de planta rectangular y una sala central cubierta con cúpula, el centro presenta “4 PROYECTOS”: pidió a cuatro artistas que dialogasen con esas zonas, potenciando sus cualidades y transformándolas. Todos muestran su trabajo reciente, la mayoría producida específicamente para esta ocasión.
Los artistas reunidos son gallegos y nacieron entre 1965 y 1979: Mónica Alonso, Salvador y Juan Cidrás, Rosendo Cid y Mar Vicente.
Alonso exhibe La magia del colibrí. Seis casos desesperados, una instalación en la que la palabra adquiere un rol esencial. Mezcla tradición, un modo de narrar poético y austero y un fondo confesional. En Las formas compartidas, los Cidrás han trabajado con materiales como la cerámica y el textil, buscando los azares de un proceso de producción que les lleva a resultados de densas calidades plásticas. Presentan en Vigo cerámicas orgánicas y pinturas de ricas texturas.
Rosendo Cid, en Todo aquello que sucede y sin embargo no es, se sirve de materiales que habitan su estudio para plantear esculturas que funcionan con el sentido e intensidad de los poemas breves, mientras en otras obras recurre a los juegos de sentido, la palabra y las preguntas referidas a la memoria y al arte. Por último, en Sombras y color, Mar Vicente transforma los espacios a partir de la luz, el color, la medida… buscando suscitar rigor y también intensidad y emoción.
Hasta el 12 de septiembre de 2021.
Mónica Alonso. La magia del colibrí. Seis casos desesperados, 2015-2020
La utopía paralela: ciudades soñadas en Cuba
Entre 1980 y 1993 se concibió en Cuba un proyecto tan insólito como contradictorio: la creación de una arquitectura occidental independiente del mercado, una suerte de utopía colectiva ignorada por el Estado socialista entonces por su crítica al urbanismo oficial.
Tras su presentación en La Virreina barcelonesa hace dos años, Es Baluard acoge en Palma de Mallorca “La utopía paralela”, una exposición que nos acerca a esos proyectos diseñados por la generación de arquitectos nacidos con la Revolución a partir de ocho capítulos: Ciudad Prólogo, Monumentos en presente, Una habitación en el mañana, Utopías instantáneas, Reconstruir el Malecón para romper el Muro, Guantánamo: última frontera de la guerra fría, La ciudad invisible y Luces de la ciudad.
La exhibición puede visitarse hasta el 26 de septiembre.
Felicia Chateloin y Patricia Rodríguez, Renovación de la Plaza Vieja, 1986
