La feria Frieze, con origen en Londres y ya expandida a Nueva York, se celebrará también, a partir de febrero del año que viene, en Los Ángeles. Tendrá a Bettina Korek como directora ejecutiva y Ali Subotnick comisariará una sección de proyectos artísticos específicos.
Del 14 al 17 de febrero, participarán en la primera edición de esta cita sesenta galerías de Los Ángeles y también internacionales. Se anunciarán próximamente.
En cada edición de la feria JustMAD desde 2014 se concede el Premio Pilar Citoler al Joven Coleccionista: recae en un visitante que haya adquirido obra en la feria madrileña y se le concede una dotación de 1.800 euros para que realice nuevas adquisiciones. El galardón busca así fomentar el coleccionismo de arte emergente y apoyar a las galerías que participan en la feria.
Pilar Citoler, con el apoyo de los directores de JustMAD, Semíramis González y Daniel Silvo, decidió otorgar el premio de esta edición a Fuensanta Casanova, tras hacerse, en el stand de la Galería Marisa Marimón, con la fotografía de Eva Díez Lugar de ausencia.
El Premio ARCO Comunidad de Madrid ha recaído, este año y como novedad, en cuatro mujeres artistas: Alex Reynolds, nuestra fichada Cristina Garrido, Teresa Solar Abboud y Elena Alonso. Comparten generación y abordan, desde sus lenguajes personales, asuntos relativos a la definición del arte actual.
Por otro lado, el Premio ARCO BEEP de Arte Electrónico ha recaído en Eugenio Ampudia por Try Not To Think So Much, una instalación datada este mismo año en la que empleó circuitos y tecnologías y que podía verse en el stand de Max Estrella.
El Premio NH Collection de Arte Contemporáneo ha recaído en el francés Jean-Pascal Flavien, representado por la Galería Esther Schipper, por Model/Mask 5 (2017). El brasileño Marcelo Cidade, con su trabajo experimental Expansão por Subtrasão, se hizo con el Premio illy SustainArt y el Premio Art Situacions fue para el artista navarro Carlos Irijalba y su obra Walls 2.
Como os hemos ido contando durante la feria, también han resultado premiados en distintas convocatorias Maya Watanabe, Secundino Hernández, Belén Uriel, Kiko Pérez y Asunción Molinos Gordo.
La 37ª edición de ARCO cerró sus puertas ayer con un balance de ventas que las galerías han calificado de muy positivo. Entre los 30.000 visitantes que acudieron a la feria en sus jornadas profesionales, creció la proporción de coleccionistas nacionales y extranjeros: 300 coleccionistas y 200 profesionales de más de 40 países participaron en los programas de Compradores Internacionales y de Invitados Especiales. Contando con el fin de semana, la feria ha superado, según la organización, los 100.000 asistentes.
Este año, como novedad, ARCO inició el programa #mecomprounaobra para estimular las compras e impulsar el coleccionismo joven y emergente; bajo esa etiqueta identificativa hemos podido encontrar obras inferiores a 5.000 euros. Para los jóvenes coleccionistas, se han mantenido además los servicios de asesoramiento gratuito First Collectors by Fundación Banco Santander y Young Collectors; a este último se han sumado una treintena de coleccionistas internacionales.
Los responsables de las galerías Pedro Cera, Thaddaeus Ropac, Carreras Múgica, Estrany de la Mota y Bortolami Gallery han manifestado su satisfacción con las ventas y parece que las instituciones también han respondido: la Fundación ARCO ha adquirido piezas por valor de 175.000 euros (trabajos de Amalia Pica, Armando Andrade Tudela, Laure Prouvost, Lily Renaud Dewar, Yorgos Sapountzis, Francesc Ruiz y Eva Fábregas). Los fondos de esta institución los acoge el CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles.
Como os avanzamos el viernes, el Museo Reina Sofía ha comprado 23 obras por un valor de casi 225.000 euros y DKV Seguros ha adquirido trabajos de June Crespo, Blanca Gracia, Mar Guerrero, Rubén Grilo, nuestro fichado Federico Miró y Carlos Fernández-Pello.
Por su parte, la Fundación Helga de Alvear se ha hecho, por 500.000 dólares, con Pavilion for showing rock de Dan Graham y también piezas de Carlos Bunga y Madoz, y la Fundación María Cristina Masaveu Peterson ha comprado obras de Pedro Cabrita Reis.
Entre las compras más caras realizadas en la feria, figura la de Escritura verde Superior de Jesús Rafael Soto, vendida por más de 800.000 euros en Leon Tovar. Marlborough también ha vendido dos obras de Antonio López por 315.000 y 90.000 euros.
La organización de ARCOmadrid apuesta por continuar alternando la investigación de conceptos, como el de esta edición de El Futuro, y la presentación de países invitados. Así, en 2019, Perú será el invitado de honor de esta cita, que tendrá lugar del 20 al 24 de febrero. Seleccionará las galerías peruanas presentes en la feria Sharon Lerner, comisaria de arte contemporáneo del Museo de Arte de Lima.
Sabemos también que el programa paralelo a ARCO abarcará varias exposiciones en Madrid comisariadas por Fietta Jarque y que en el Foro de Expertos participarán profesionales de este país que analizarán su panorama artístico y asuntos como el coleccionismo, el comisariado y la crítica en Perú. Se mantendrán las secciones Programa General, Diálogos y Opening.
EL SALTO AL MUNDO DEL ARTE PERUANO
El coleccionismo en Perú se ha desarrollado mucho en la última década, tanto como la calidad y la proyección internacional de sus artistas, como Fernando Bryce, Sandra Gamarra, Andrade Tudela, Elena Damiani, Miguel Aguirre, Andrea Cánepa (premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas en 2014), Luz María Bedoya, Sergio Zevallos (Premio Illy Sustain Art en ARCOmadrid 2015), Daniel Jacoby, Aldo Chaparro, José Vera Matos o Ximena Garrido-Lecca. También Maya Watanabe, que acaba de ser premiada por la Fundación Han Nefkens.
El año pasado en estas fechas pudimos conocer en la sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid la colección de arte peruano reciente de Mariana y Eduardo Hochschild y la presencia de galerías del país, como Lucía de la Puente, 80m2 de Livia Benavides o Revólver, es habitual en ARCO.
Nos alegra contaros que una de nuestras fichadas ha tenido premio en esta edición de ARCO. Maya Watanabe ha obtenido el Premio Han Nefkens Foundation-ArcoMadrid, tras ser seleccionada por un jurado formado por Han Nefkens, fundador de la Fundación Han Nefkens; Hilde Teerlinck, directora de esa Fundación; Simon Maidment, senior curator de la National Gallery of Victoria (Australia); Lucia Casani, directora de La Casa Encendida y Florencia Portocarrero, comisaria del programa público del Proyecto AMIL, en representación del Museo de Arte de Lima-MALI.
Han valorado en la artista peruana su trabajo desarrollando temáticas complejas de una manera profunda y coherente, además de un uso atento y meticuloso de técnicas avanzadas, la ambición de sus proyectos recientes y su afán por consolidar una voz propia. Watanabe desarrolla fundamentalmente videoarte y reside y trabaja entre Madrid y Ámsterdam.
El galardón consiste en la producción de una obra de videoarte y estaba dirigido, en esta ocasión, a un artista de origen o nacionalidad peruana (Perú será el país invitado a ARCO en 2019) con un perfil prometedor y perspectiva internacional. Recibirá 3.000 euros en concepto de honorarios artísticos y 12.000 para la producción de la nueva obra, que veremos en La Casa Encendida el próximo año, en febrero, y después se expondrá en el MALI limeño.
Será difícil que no estéis enterados, pero recopilamos los datos de la polémica: ayer miércoles, primer día de apertura de ARCOmadrid al público profesional, el Comité Ejecutivo de IFEMA, institución organizadora de la feria, solicitó a la galerista Helga de Alvear que retirase de su stand la obra de Santiago Sierra Presos políticos en la España contemporánea, formada por retratos fotográficos pixelados de Oriol Junqueras, Jordi Sánchez y Jordi Cuixart, entre otros.
El Comité Ejecutivo de IFEMA está formado por la Comunidad de Madrid, el Ayuntamiento de la capital, la Cámara de Comercio e Industria y la Fundación Montemadrid, y la decisión de pedir la retirada de esta serie no fue unánime. Tampoco la respaldó el director de ARCO, Carlos Urroz, y ha dado lugar a numerosas acusaciones de censura dentro y fuera del sector artístico por parte de quienes consideran que, al margen de que se comulgue o no con sus planteamientos o se valore o no positivamente la producción política y reivindicativa de Sierra, ha de prevalecer en este caso la libertad de expresión.
En esa línea se ha manifestado el Instituto de Arte Contemporáneo, dirigido por Isabel Durán: El IAC quiere manifestar su repulsa por esa intromisión intolerable y pronunciarse con total claridad y firmeza sobre nuestra inequívoca defensa del derecho a la libertad de expresión.
Tanto este caso como otros recientes que afectan a distintos autores y agentes del campo de la cultura nos alertan de un ambiente creciente de acoso, censura y represión a diversas manifestaciones artísticas y sus autores. Por ello, queremos manifestar una vez más nuestro rechazo a las injerencias en el mundo del arte. Esta vez, contra la libertad de expresión.
Ante la controversia, que no es nueva en ARCO ni refiriéndonos a la obra de Sierra, Clemente González Soler, Presidente del Comité Ejecutivo de IFEMA, ha enviado esta mañana un comunicado a las galerías participantes en la feria en el que, por un lado, recordaba las potestades de dicho Comité (único órgano competente en la evaluación de los contenidos) y, por otro, pedía disculpas (lamentamos y pedimos sinceras disculpas ante la controversia que se ha producido a consecuencia de la petición a una galería de la retirada de una obra, que en ningún caso perseguía ejercer ninguna censura a la creación, aun cuando la percepción pública haya sido esta. No hubo mala fe en esta acción, y aceptamos las críticas recibidas, comprendiendo que debemos evitar en el futuro cualquier circunstancia de esta naturaleza).
Esta mañana se ha presentado en ARCOmadrid el Consejo Internacional de la Fundación ARCO, integrado por los galardonados en años anteriores con los Premios A al Coleccionismo; hace 22 que se conceden.
Lo presidirán Mariana y Eduardo Hochschild (Colección Hochschild, Lima) y lo forman la Colección Bar-On (Bogotá), la Colección Eduardo Costantini (Buenos Aires), la Fundación EDP (Lisboa), el Elgiz Museum (Estambul), la Colección Dakis Joannou (Atenas), la Colección Han Nefkens (Barcelona), Inhotim, Centro De Arte Contemporánea (Minais Gerais), el Pamm Museum (Miami), la Colección Sandretto Re Rebaudengo (Turín/Madrid) y la Ekaterina Cultural Foundation (Moscú).
La labor del Consejo será poner de manifiesto la relevancia de la labor de la iniciativa privada en cuanto a apoyo a la creación, conservación y difusión del arte actual.
El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y la Fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO) han firmado hoy un Memorando de Entendimiento para la creación de un espacio expositivo que albergue en Madrid la Colección de Arte Contemporáneo de las Américas en el edificio de Tabacalera. Así se pone en marcha la donación de parte de las obras de la Colección Ella Fontanals-Cisneros, muy rica en arte latinoamericano, al Estado español.
Esos fondos cuentan con más de 3000 piezas de pintura, vídeo y fotografía contemporánea; entre sus autores figuran Carmen Herrera, Cildo Miereles, Jesús Soto, Grete Stern, Horacio Coppola, Leo Matiz o Paulo Pires.
A partir de ahora, el Gobierno y la Fundación CIFO iniciarán una colaboración destinada a la adecuación de la planta segunda al completo del edificio Tabacalera de Madrid para albergar la que se llamará Colección de Arte Contemporáneo de las Américas. A día de hoy, el Ministerio está desarrollando un proyecto de rehabilitación de este edificio, y sabemos que se destinarán 5.000 metros cuadrados a la exposición de la colección Cisneros.
Por tanto, en Tabacalera convivirán los próximos años los colectivos que actualmente ya utilizan parte del edificio, una zona expositiva del Museo Reina Sofía, otra dedicada a exposiciones de artistas emergentes y el espacio expositivo de la Colección de Arte Contemporáneo de las Américas.
Ayer, martes, se falló en la recién inaugurada feria JustMAD el Premio Residencia Fundación ENAIRE, que beca a tres artistas que exhiben su obra fotográfica en la novena edición de esta cita.
Los seleccionados han sido la creadora portuguesa Ana Linhares, de la Galería Kubik; nuestra fichada Gema Rupérez, representada por la Galería A del Arte, y Javier Viver, representado por la galería gallega Marisa Marimón. Además, el jurado ha decidido destacar el trabajo de Laura Salguero, de La Gran, con una mención especial.
En abril de este año, los tres seleccionados por los responsables de la programación cultural de la Fundación ENAIRE y los directores de JustMAD, Semíramis González y Daniel Silvo, disfrutarán de una residencia en Madrid en la que desarrollar su trabajo contando con la tutoría de la artista Rosell Meseguer. Se les ofrece, además, un mes de alojamiento en la residencia Felipa Manuela de Madrid, una bolsa de producción de 1.000 euros a cada uno y la participación, con una selección de obra creada durante la residencia, en la exposición que la Fundación ENAIRE realizará en PHotoEspaña a partir de junio.
El primer premio concedido en ARCOmadrid 2018, que hoy a las 12:00 abre sus puertas, ha sido madrugador. La artista burgalesa Asunción Molinos Gordo ha obtenido el galardón concedido por Solán de Cabras por Ocultamiento, Falsa Escasez o Escasez Fingida, una escultura de madera pintada a mano y de formato mediano que representa un barco granelero. Remite a los que Gran Bretaña y Estados Unidos usaron en la II Guerra Mundial con el patrón de camuflaje dazzle, pero su significado no tiene que ver con los conflictos bélicos sino con la industria alimentaria: según la artista, esta pieza versa sobre las formas de esconder grandes cantidades de alimentos en el mar, para crear una ausencia en el mercado y provocar artificialmente la subida del precio de determinados cultivos. Podemos ver la obra en el stand de la Galería Travesía Cuatro.
Este año, el Premio Solán de Cabras, que cumple tres ediciones, tenía como eje la sostenibilidad, y el respeto al medio ambiente está muy presente en la producción de Asunción en fondo y forma: la ventaja de haber crecido en un pueblo en una familia de campesinos me hizo entender, desde muy pequeña, que no se trata siempre de innovar e innovar, sino de conservar las condiciones para que lo que ya ocurre pueda seguir repitiéndose, para que se mantenga en el tiempo como una cultura rural viva.
El jurado ha estado formado por Enric Pastor, director de la revista AD; la crítica y comisaria Bea Espejo, Elisa Hernando, en representación de ARCO, y Manuel Patiño, Brand manager de Solán de Cabras.
No es el primer premio que recibe en una feria Molinos Gordo: ganó el Premio de la Bienal de Sharjah en 2015 con su proyecto WAM (World Agriculture Museum).
El inicio del año ha traído nuevos directores a varios museos internacionales; hoy damos cuenta del relevo en la dirección del Noguchi Museum neoyorquino: Brett Littman, hasta ahora al frente del Drawing Center, sucederá a Jenny Dixon, que se retiró del cargo el pasado diciembre tras catorce años.
Los retos de Littman, que también fue subdirector del MoMA P.S.1., serán ampliar y diversificar el público del centro. El año pasado recibió la Orden de las Artes y las Letras del Gobierno francés.
El MoMA de Nueva York ha anunciado el nombramiento de Inés Katzenstein como primera directora del Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros, que se centrará en el estudio del arte latinoamericano moderno y contemporáneo.
Creado y financiado por Gustavo Cisneros y Patricia Phelps, este organismo buscará consolidarse como centro de investigación en este ámbito partiendo de la dilatada experiencia del MoMA adquiriendo y exhibiendo obras de artistas de la región. Concederá becas, programará simposios y ciclos de conferencias, organizará programas educativos y también desarrollará publicaciones sobre la creación latinoamericana tanto impresas como digitales.
Katzenstein, que trabajó en este museo en los inicios de su carrera, ha sido también nombrada comisaria de Arte Latinoamericano. Su misión será organizar exposiciones, supervisar el montaje y la exhibición de la colección de arte latinoamericano del MoMA trabajando en colaboración con todos los departamentos curatoriales y desarrollar programas de adquisición de nuevas obras.
De origen argentino, fundó en 2008 el Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella de Buenos Aires y ha comisariado muestras internacionales dedicadas a Liliana Porter, David Lamelas o Marcelo Pombo. También comisario el pabellón argentino en la 52ª edición de la Bienal de Venecia, donde presentó un proyecto de Guillermo Kuitca.
Hasta el 20 de mayo y bajo el comisariado de Martina Millà, la Fundació Miró de Barcelona presenta “Beehave”, una muestra que refleja cómo la problemática de la desaparición de abejas productoras de miel y el creciente interés por la apicultura en las ciudades han pasado a formar parte de los intereses de ciertos artistas contemporáneos.
La exhibición consta sobre todo de instalaciones, pero en ella encontramos, además, obras de técnicas y formatos variados a cargo de autores españoles e internacionales que invitarán al público a participar de una aproximación sensorial al mundo, cercano pero bastante desconocido en general, de las abejas.
Los artistas participantes son Joan Bennàssar, Luis Bisbe, Alfonso Borragán, Joana Cera, Gemma Draper, GOIG (Pol Esteve & Miquel Mariné) & Max Celar, Vadim Grigoryan & Marcos Lutyens, Jerónimo Hagerman, Marine Hugonnier, Anne Marie Maes, Melliferopolis (Ulla Taipale & Christina Stadlbauer), Joan Miró, Anna Moreno, Àlex Muñoz & Xavi Manzanares, Luis Fernando Ramírez Celis, Toni Serra (Abu Ali), Ulla Taipale, Andrés Vial, Pep Vidal y Philip Wiegard, y sus propuestas se completarán con diversas intervenciones didácticas sobre la importancia de las abejas en la ciudad de Barcelona.
Esas intervenciones se desarrollarán del 15 de marzo al 17 de junio.
La arquitecta mexicana Frida Escobedo, que se ha dado a conocer internacionalmente por sus proyectos dinámicos que buscan reactivar el espacio urbano, diseñará este año el Pabellón de la Serpentine Gallery de Londres. Está previsto que utilice en su diseño materiales tomados de la arquitectura doméstica de su país y que su planteamiento se inspire en la historia británica y en el Meridiano de Greenwich.
Escobedo, nacida en Ciudad de México en 1979, es el décimoctavo arquitecto y el más joven (hombre o mujer) en aceptar el reto de diseñar el Pabellón temporal de la galería de Kensington Gardens. Esta iniciativa comenzó a llevarse a cabo en 2000, de la mano de otra arquitecta, Zaha Hadid, y desde entonces se han sumado a ella Sou Fujimoto, selgascano o Bjarke Ingels (el de estos daneses fue el proyecto más visitado).
Han seleccionado a Frida Escobedo Hans Ulrich Obrist, director artístico de la Serpentine; su CEO Yana Peel y David Adjaye y Richard Rogers como asesores.
Parece que el Pabellón tendrá forma de patio cerrado (los patios internos son un elemento habitual y distintivo de la arquitectura popular mexicana) y estará formado por dos volúmenes rectangulares que formarán un ángulo. Las paredes exteriores estarán alineadas con la fachada este de la Serpentine y el eje del patio interno estará orientado al Meridiano de Greenwich, estándar internacional para la medición de tiempos y distancias geográficas.
Sabremos que una gran celosía formará los muros y que dos elementos reflectantes enfatizarán la incidencia de las luces y las sombras dentro del Pabellón en el transcurso del día, haciendo consciente al espectador del transcurso del tiempo y convirtiendo la construcción en un reloj. Podremos visitarlo del 15 de junio al 7 de octubre.
La Galería Moisés Pérez de Albéniz ha anunciado hoy que la próxima primavera presentará proyecto en Nueva York: durante dos semanas, ofrecerá otras tantas exposiciones consecutivas en el Lower East Side de Manhattan, en el número 2 de Rivington Street.
La primera de las muestras estará dedicada a Santiago Giralda, que trabaja actualmente en el Pratt Institute gracias a una beca Fullbright, y permanecerá abierta del 24 al 29 de abril; en la segunda participarán todos los artistas representados por la galería que viven en Nueva York: Dennis Adams, Victoria Civera, de nuevo Santiago Giralda, Carlos Irijalba, Antoni Muntadas, Tony Oursler y Juan Uslé. Podrá verse del 1 al 6 de mayo.
Hasta el 1 de abril podemos visitar en la sala Vimcorsa de Córdoba la exposición del IX Premio Bienal Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler y una monográfica dedicada a Erica Nyholm, ganadora de la octava edición de este certamen. En la novena y última el premio fue para José Guerrero por Carrara #1 y, junto a su proyecto, podremos ver trabajos de Cecilia Paredes, Carlos Irijalba, Roberto Aguirrezabala Martínez, Aitor Ortiz Viota, Miguel Ángel Tornero, Sonia Navarro, Matías Costa, Jorge Fuembuena Loscertales, Dionisio González, Cecilia de Val, Manolo Laguiño, Israel Ariño, Linarejos Moreno y Gonzalo Puch.
Nyholm trabaja con la simbología de los lugares y también ocupa un lugar importante en su obra el universo femenino y la vivencia de la maternidad. Su exhibición se titula “We are temporary reality” y resume dieciocho años de trayectoria.
Valentín Vallhonrat y Rafael Levenfeld, miembros de la dirección artística del Museo de la Universidad de Navarra, han recibido las Medallas de Plata de esa institución por sus 25 años de servicio.
Corría 1992 cuando la Universidad de Navarra recibió el legado de José Ortiz-Echagüe, formado por cerca de 1.500 fotografías, 28.000 negativos y 1.000 ejemplares al carbón. Desde entonces, Vallhonrat y Levenfeld han trabajado en la ampliación de ese fondo fotográfico inicial y en buscar su reconocimiento nacional e internacional.
Como fruto de esa labor, en 1998 se realizó la primera exposición monográfica de Ortiz Echagüe en el Museo Reina Sofía, una muestra que después se exhibió en el Museo Nacional de Arte de Cataluña y en París, antes de llegar a Pamplona.
La colección fotográfica del Museo ha estado en constante crecimiento desde entonces y entre sus autores figuran hoy De Launay, Fox Talbot, Beaucorps, DeClerq y Disdéri, Cartier-Bresson, Català Pic y Robert Capa, Joan Fontcuberta, Cristina de Middel o Pierre Gonnord. En total, componen esos fondos más de 15.000 fotografías y 200.000 negativos.
PAC. Plataforma de Arte Contemporáneo y Swinton & Grant han puesto en marcha el proyecto #NOPORAMORALARTE con el fin de apoyar profesional y económicamente a artistas plásticos, fotógrafos, actores, ilustradores, escritores, diseñadores… profesionales que suelen enfrentarse a muchas dificultades a la hora de percibir una remuneración económica por su trabajo.
Han diseñado una camiseta con el lema #NOPORAMORALARTE que puede comprarse a través de la tienda online de Swinton & Grant (cuesta 29 euros); la recaudación que se obtenga por su venta irá destinada a la realización de proyectos creativos, en palabras de los organizadores, transparentes.
PAC y Swinton nos animan, al margen de que decidamos hacernos o no con la camiseta, a compartir con nuestros contactos el proyecto, difundirlo en redes o acompañarlos en la fiesta de presentación de #NOPORAMORALARTE este viernes en el espacio Swinton & Grant de la calle Miguel Servet, en Madrid. Será a las 20:00 horas. Su objetivo es divulgar la idea de que los trabajadores del arte, como los empleados de cualquier sector, deben percibir una remuneración (mejor si es justa) por su labor.
Tras su paso por el Meadows Museum de Dallas, la Frick Collection de Nueva York presenta, hasta el 22 de abril, la serie de trece obras de Zurbarán Jacob y sus doce hijos, pertenecientes al castillo inglés de Auckland. Datan de 1640, nunca antes se habían expuesto en Estados Unidos y, como paso previo a estas muestras, han sido sometidas a un análisis técnico en el Kimbell Art Museum de Fort Worth.
La iconografía de las piezas está tomada de las bendiciones de Jacob recogidas en el capítulo 49 del Génesis: en su lecho de muerte, el patriarca convocó a sus hijos, los futuros fundadores de las doce tribus de Israel, y les concedió a cada uno una bendición que resultaría premonitoria de su futuro y el de sus tribus. En sus composiciones, Zurbarán se inspiró en grabados del norte de Europa.
La serie probablemente estaba destinada a exportarse al Nuevo Mundo, porque en la España del siglo XVII se manejaba la creencia de que los pueblos indígenas americanos descendían de las tribus israelitas. Sin embargo, estas pinturas no vieron la luz hasta 1720 y en Inglaterra, donde fueron subastadas y adquiridas por un comerciante judío.
En 1756 pasarían a manos de Richard Trevor, obispo de Durham, quien colgó la serie en el comedor del Castillo de Auckland, donde han permanecido dos siglos y medio. Una restauración del castillo, que durará dos años, ha permitido su gira internacional.
