El pasado 11 de mayo Jaume Plensa ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con un discurso titulado Del “Yo” al “Nosotros”, que fue contestado por el historiador Víctor Nieto.

La candidatura del escultor como académico de número en la sección de esa disciplina fue presentada en 2022 por el también escultor Juan Bordes Caballero y los catedráticos Simón Marchán Fiz y Víctor Nieto Alcaide.

Desde hace cuatro décadas, Plensa ha dado forma a una producción diversa: esculturas de grandes dimensiones, encargos públicos para espacios abiertos, escenografías y vestuarios para ópera y teatro; también ha llevado a cabo piezas de formatos más íntimos: dibujos, estampas, libros de artista y obras múltiples sobre papel. Esta heterogeneidad, y los significados múltiples que impregnan su trabajo, se asocian siempre a una triada compuesta por el signo, la palabra y el cuerpo.

En su discurso intercaló Plensa poemas, reflexiones, memorias, dudas y deseos y exaltó la belleza como “vínculo que nos une a todo y a todos”, un “lugar” de encuentro. También defendió la importancia del arte en nuestros días y la necesidad de crear un entorno de luz y belleza en el entorno cotidiano en el que cada individuo pueda encontrar sus capacidades para crecer.

En las últimas semanas, el Museu Nacional d´Art de Catalunya ha recibido dos importantes donaciones. Una de ellas, realizada por Antonio Sagnier, contribuirá a la formación de la colección de arte catalán de posguerra y segunda vanguardia en este centro: se trata de la escultura Première mère, de Parvine Curie (Nancy, 1936), fechada en 1969-1970.

Fue adquirida por ese coleccionista con la intención de donarla al MNAC, se ejecutó en bronce y es característica del estilo de un momento pleno de Curie. En la senda de Oteiza, Chillida o Barbara Hepworth, esta artista exploraba el potencial expresivo del objeto tridimensional: volumen, masa, superficie y vacío, pero esos aspectos formales se completan con una dimensión simbólica, consistente en la referencia a la maternidad a través de estructuras arquitectónicas que aluden a casas o edificios sólidos que protegen su núcleo interior, un tema recurrente en las creaciones de la francesa.

No hace mucho la obra de Curie se sumó al fondo permanente del Centre Pompidou parisino, que también la incluyó en la reciente exposición “Elles font l’abstraction”. Y el MNAC había ingresado otras obras suyas últimamente: una serie de tres esculturas de cerámica a través de la Col·lecció Nacional d’Art Contemporani de la Generalitat de Catalunya, y un conjunto de dibujos donados por la propia artista. Son creaciones de su primera época, cuando vivía en Cataluña, trabajando bajo la influencia del románico catalán, y aún firmaba como Arlette Martí.

Asimismo, ha recibido el MNAC un conjunto de media docena de óleos, veintisiete dibujos y un libro de Helios Gómez procedentes de la colección personal que el artista conservaba en su poder. Esas piezas, correspondientes a distintas etapas del autor, habrán ahora de documentarse y estudiarse y se suman a las tres pinturas, igualmente propiedad del hijo de Gómez, que han sido adquiridas por el Museu, aunque previamente estaban en depósito: Evacuación, Agro Andaluz y Dolor aerotransportado (paracaídas con ojo).

Esta última donación enriquecerá el acervo de este centro en torno a la Guerra Civil y la dictadura, que ya supone un referente para el arte de ese período y que se nutre de un centenar de obras de cuarenta creadores.

El sevillano, pintor, cartelista y poeta, fue un relevante artista gráfico y se ocupó de cerámicas, escenas religiosas o publicitarias. Viajó por distintas ciudades europeas, por razones de exilio político o a causa de revoluciones artísticas y sociales, hasta asentarse en Barcelona, donde impulsó distintas causas hasta su muerte bajo el signo del anarquismo y el comunismo antiestalinista. Es responsable de la Capilla Gitana de la prisión Modelo de Barcelona, que pintó entre 1945 y 1954, estando él encarcelado, y que actualmente se está restaurando.

La artista madrileña Almudena Lobera transforma, hasta el 8 de junio de 2025, la tercera planta de CentroCentro modificando su estructura mediante una intervención sensorial. A través del color ha hecho suya la franja definida por la barandilla de vidrio que delimita las salas expositivas, dando lugar a una especie de piscina cuyo nivel de agua se eleva hasta el cuello, proponiendo al espectador una experiencia de inmersión.

Este gesto deviene un punto de partida para su exhibición, “Secuencia Plano Secuencia”, que, además, dialoga con la arquitectura del edificio al generar una simetría bilateral. Ha articulado Lobera una atmósfera de palíndromo y déjà vu, atendiendo a las características de este conjunto de salas, a las que se puede acceder desde dos puntos distintos. El recorrido del espectador se convierte, así, en una reflexión permanente entre dos estados contrarios: el de lo objetivo y racional y el de lo subjetivo y espiritual.

Contemplaremos también la serigrafía Donde comienza el interior (2021), que contiene claves necesarias para adentrarse en la muestra: representa una piscina que contiene en su interior un universo, junto a una escalera que conecta con el exterior. En esta pieza, el agua se extiende infinitamente, proponiendo una meditación sobre la inmensidad. Dicha imagen de la piscina, plena de simbolismo, pasa a ser el centro de la propuesta, consolidándose como metáfora de los límites de la percepción y de las tensiones entre lo finito y lo infinito.

Asimismo, a través de nuevas obras de dibujo, escultura, instalación y vídeo, Lobera despliega una iconografía representativa de sus obsesiones, que pasan por lo ambiguo, lo transitorio y las delgadas divisiones entre lo real y lo ficticio. Se propone, en definitiva, al público poner en cuestión sus percepciones y participar en una inmersión expositiva que trasciende la observación.

Nacido en 1982 en Reino Unido y residente entre Berlín y Copenhague, Ed Atkins ha sido reconocido por sus vídeos y animaciones generados por ordenador. Empleando tecnologías contemporáneas por caminos inesperados, su obra explora la creciente brecha entre el mundo digital y los sentimientos humanos y adopta técnicas de la literatura, el cine, los videojuegos, la música y el teatro para examinar los nexos entre la realidad, el realismo y la ficción.

Hasta el próximo 25 de agosto, una muestra en la Tate Britain revisa toda su carrera, recorriendo sus proyectos con imágenes en movimiento de los últimos quince años, escritos, pinturas, bordados y dibujos. Unos y otros confrontan la ingravidez de la vida digital con los condicionamientos físicos del peso y el tacto.

Este autor se vale de sus propias experiencias, sentimientos y de su cuerpo para indagar en temas ligados a la intimidad, el amor y la pérdida. La exhibición, justamente, representa para él una reinvención de las realidades desordenadas y desmoronadas de su existencia.

La Fundació Joan Miró ha anunciado hoy la concesión del Premio Joan Miró a la artista francocanadiense Kapwani Kiwanga (Hamilton, 1978), en reconocimiento a una trayectoria artística singular en la que ha conjugado la investigación académica, el comentario social y la generación de formas visuales complejas e innovadoras.

Radicada en Europa (en París) desde hace más de dos décadas y antropóloga de formación, aborda en su producción asuntos como la religión comparada y la antropología a través de instalaciones, esculturas, vídeos y performances.

El jurado del galardón, presidido por Marko Daniel, director de la fundación barcelonesa, ha estado compuesto por Hoor Al Qasimi, presidenta y directora de la Sharjah Art Foundation en los Emiratos Árabes Unidos y actual comisaria de la Bienal de Sídney; Pablo Lafuente, director artístico del Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro (MAM); Ann-Sofi Noring, antigua codirectora del Moderna Museet de Estocolmo y actual miembro de la junta de gobierno de la Real Academia Sueca de Bellas Artes; Marie Hélène Pereira, comisaria en jefe de prácticas performativas en la Haus der Kulturen der Welt (HKW) de Berlín; y Jorge Diez, director de diseño de CUPRA. Han resultado finalistas Jumana Emil Abboud (Palestina, 1971), Arahmaiani (Indonesia, 1961), Bonnie Devine (Canadá, 1952) y Christodoulos Panayiotou (Chipre, 1978).

En Kiwanga han valorado la precisión y el rigor con que formaliza procesos históricos y sociales que han configurado las realidades contemporáneas. Concibe su obra, basada en la investigación, como un archivo experimental que analiza los desequilibrios de poder del pasado y del presente y sus instalaciones proponen al público reflexionar sobre el impacto que tienen los espacios que habitamos en sus usuarios, por su diseño y por su historia.

Con estudios en la Universidad McGill de Montreal y en la École des Beaux-Arts de París, construye sus obras a partir de una investigación exhaustiva, a menudo a partir de historias olvidadas o silenciadas. Entremezcla deliberadamente la realidad y la ficción para desestabilizar narrativas hegemónicas y abrir espacios en los que caben los discursos marginales.

Su obra no es muy conocida en España, pero ha podido verse en el New Museum de Nueva York, el MOCA de Toronto, la Haus der Kunst de Múnich, el Kunstmuseum de Wolfsburg, el CAPC de Burdeos o el Museu Serralves de Oporto. En 2024 representó a Canadá en la Bienal de Venecia, donde presentó la instalación Trinket (Baratija), que suponía una reflexión poética y crítica sobre el comercio global y los intercambios desiguales a través de la historia de las perlas de cristal.

Entre otros reconocimientos, ha recibido el Premio Marcel Duchamp (2020), el Sobey Art Award (2018) y el Zurich Art Prize (2022).

El Premio Joan Miró se plantea como homenaje a la herencia de este autor, tanto a su contribución fundamental al arte moderno como a su compromiso con los artistas más jóvenes a lo largo de su andadura. Con una convocatoria bienal, el galardón se concede a creadores contemporáneos que, a través de su obra reciente, reflejen el espíritu de investigación, innovación y compromiso que definió sus prácticas.

En esta edición, la novena, en colaboración con el Colegio Pau Sans de L’Hospitalet, este proyecto promoverá la participación activa de los estudiantes mediante actividades creativas inspiradas en las exposiciones de la ganadora del premio.

Este reconocimiento apareja una dotación de 50.000 euros y la oportunidad para el artista ganador de producir una exposición individual en la Fundació Joan Miró en el año siguiente a la recepción del galardón, además de una pieza elaborada por el diseñador barcelonés André Ricard, que para crearlo se inspiró en el espíritu y la identidad de Joan Miró y de su Fundació.

Helen Oyeyemi, la próxima primavera, y Mathias Énard, en otoño, serán los autores que participarán este 2025 en el programa “Escribir el Prado”, un proyecto que el museo emprendió en 2023 con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español y que permite a prestigiosos escritores internacionales investigar la historia y las esencias de la pinacoteca.

Hasta ahora se han sumado a esta iniciativa John M. Coetzee, Chloe Aridjis, Olga Tokarczuk y John Banville; y ya han sido publicados los relatos de los dos primeros: El vigilante de sala y El nivel del aire, respectivamente.

Oyeyemi y Mathias Énard fijarán su residencia en la capital española haciendo del Prado su base de actividad y de contemplación. Como fruto de su proceso creativo, escribirán un texto relacionado con el museo explorando los vínculos expresivos entre la ficción y las artes plásticas, que más tarde se publicará también en la colección del centro. Asimismo, durante su estancia mantendrán un coloquio abierto con el público.

Helen Oyeyemi (Nigeria,1984) es una escritora británica, afincada en Praga. Sus textos, considerados profundos y originales, de narrativa experimental, se han traducido a catorce idiomas. Entre sus once novelas publicadas destacan Gingerbread (2019), Parasol Against the Axe (2024) y, más recientemente, A New New Me. Ha sido galardonada con el Somerset Maugham Award y el Open Book Award del PEN, y su obra Peaces fue preseleccionada para el Goldsmiths Prize.

Mathias Énard (Francia, 1972), por su parte, cursó estudios de árabe y persa, y tras residir extensos periodos en Oriente Próximo, en 2000 se estableció en Barcelona, donde participó activamente en varias revistas culturales, entre ellas la desaparecida Lateral. Miembro del consejo de redacción de la revista Inculte en París, en 2005 fue elegido escritor residente en la Villa Médicis de Roma.

Ha sido profesor de árabe en la Universidad Autónoma de Barcelona y es autor de las novelas La perfección del tiro (2004), Remontando el Orinoco (2006), El manual del perfecto terrorista (2007), Zona (2008), Habladles de batallas, de reyes y elefantes (2011), El alcohol y la nostalgia (2012), Calle de los Ladrones (2013) Brújula (2016) y El banquete anual de la Cofradía de Sepultureros (2020). Entre sus galardones podemos citar el Premio de la Francofonía 2004, el Prix Décembre, el Prix du Livre Inter, el Premio Goncourt de los Estudiantes en 2010 y el Premio Goncourt 2015, por Brújula.

El Patronato de la Fundación Helga de Alvear, principal órgano gestor del museo cacereño que lleva su nombre, acordó por unanimidad, el pasado 25 de abril, formalizar el nombramiento de Patricia de Alvear, hija de la galerista fallecida, como su vicepresidenta. Ya formaba parte de este organismo como vocal, desde diciembre de 2023, y ocupa ahora el cargo que antes ostentaba su madre, tal y como la propia Helga de Alvear dejó dispuesto.

Asimismo, el Patronato anunció la incorporación como nuevo miembro de Ángeles González-Sinde, actual presidenta del Patronato del Museo Reina Sofia, que participó en la inauguración del entonces Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear en 2010, cuando era ministra de Cultura. Ocupa la posición de vocal que deja libre Patricia de Alvear.

Patricia de Alvear trabajó en los ochenta en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York como assistant curator, y más tarde en el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres. A principios de los noventa, regresó a Estados Unidos para prestar su colaboración al equipo que inició las conversaciones para el proyecto que daría lugar a la apertura de la sede del Guggenheim en Bilbao y colaboró con la Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon en sus inicios.

González-Sinde, por su parte, es guionista y directora de cine y televisión. Licenciada en Filología Clásica, hizo un MFA en el American Film Institute de Los Angeles con una beca Fullbright. También es autora de teatro y de novelas tanto infantiles como para adultos.

El Patronato de la Fundación Helga de Alvear, presidido por Victoria Bazaga Gazapo, consejera de Cultura, Turismo, Jóvenes y Deportes de la Junta de Extremadura, es el órgano superior de gobierno, representación y administración de la Fundación Helga de Alvear. Está compuesto en la actualidad por nueve miembros: además de Bazaga Gazapo y Alvear, Rafael Antonio Mateos Pizarro, alcalde de Cáceres; Miguel Ángel Morales Sánchez, presidente de la Diputación Provincial; Pedro M. Fernández Salguero, rector de la Universidad de Extremadura; Francisco José Palomino Guerra,  secretario general de Cultura de la Consejería de Cultura, Turismo, Jóvenes y Deportes de la Junta de Extremadura; Yolanda Romero Gómez, conservadora del Banco de España; y María Jesús Ávila, coordinadora del Museo Helga de Alvear.

En 1845, sólo seis años después de la presentación al mundo de la fotografía en la Academia de las Ciencias de Francia, el entonces joven Francisco Leygonier emprendía viaje de Burdeos a Sevilla; allí se convertiría en el primer fotógrafo de la ciudad donde había nacido. En el más precoz de los fotógrafos profesionales sevillanos.

Hasta el 8 de junio, una exposición en el Museo de Bellas Artes de la capital andaluza recuerda cómo introdujo en su estudio las más avanzadas técnicas que esa disciplina fue progresivamente incorporando. Tomó vistas de la ciudad que fueron, a menudo, las primeras imágenes que los viajeros pudieron adquirir y se le deben, asimismo, los más primitivos calotipos que podemos contemplar de Sevilla. En suma, contribuyó en buena medida a difundir la fisonomía de Sevilla y de Andalucía entre los numerosos viajeros que ya en el siglo XIX visitaban esta región.

El recorrido incluye 76 obras, procedentes de las colecciones de los Fernández Rivero, Narbona Algara y de Carlos Sánchez Gómez.

Está comisariada esta muestra por Juan Antonio Fernández Rivero y María Teresa García Ballesteros. Puede visitarse hasta el 8 de junio de 2025.

Hasta el próximo septiembre, el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo. MARCO dedica una retrospectiva al pintor madrileño Alfonso Galván.

Su obra inicial ofrece un elevado contenido social; más adelante realizó imágenes de naturaleza onírica que conjugaron referencias culturales,  símbolos y juegos. Trabaja sin bocetos previos: como explica Miguel Fernández-Cid, comisario de este proyecto, se adentra en la tela o el papel buscando habitarlo y dejar registro de lo que ocurre; de hecho, crea paneles con intención narrativa, incluso componiendo un recorrido circular.

La exhibición, no estrictamente cronológica, establece dos áreas o atmósferas: una centrada en animales sumidos en escenas densas, cerradas, y de contenido ficticio, tomando como punto de partida documentos y fotografías familiares captadas en África en los cincuenta; otra, aparentemente más lírica, con paisajes abiertos y referencias orientalistas, en la que veremos textos en chino, en especial tomados del Daodejing, que Galván tradujo, ilustró y caligrafió.

Quienes desde ayer se acercan a la plaza de Cibeles de Madrid encuentran en ella un habitante inesperado: una escultura de nueva creación de Rafael Canogar, titulada Hermes y ejecutada en acero corten. Mide 4,5 metros de alto y 3,6 de ancho, pesa más de cinco toneladas y representa, como indica su nombre, al dios de la comunicación en la mitología griega, a través de una cabeza deconstruida. El artista viene experimentando con esa forma desde los ochenta, bajo la influencia de Julio González, tanto en este ámbito de la escultura como en el de la pintura.

La disposición de Hermes en Cibeles viene a poner el broche final a la exposición “Rafael Canogar [I]Realidades [Obras 1949-2024]”, antología que se puede visitar en CentroCentro hasta el próximo 18 de mayo. Comisariada por Alfonso de la Torre, ha recibido más de 38.000 visitantes desde finales de enero y cuenta con  sesenta obras -en su mayoría pinturas, pero también collages, relieves escultóricos y una escultura exenta-, procedentes algunas de la colección personal del artista, de modo que rara vez habían podido verse hasta ahora. Se estructura esta retrospectiva en cinco secciones, no estrictamente cronológicas, que dan cuenta del tránsito del autor toledano desde una figuración temprana a la abstracción y de su continua cercanía a los debates artísticos de su tiempo, o sus tiempos, que son ya varios desde 1949.

Canogar presta esta escultura a la ciudad de Madrid para su exhibición en este punto hasta el 30 de junio; a continuación, el Museo de Arte Contemporáneo de la capital adquirirá la pieza, que se trasladará a la que será su ubicación permanente: el distrito de Carabanchel, concretamente la confluencia entre las calles Antonio Leyva y Josefa Fernández Buterga.

Conocemos el precio de compra de esta obra: será de 55.000 euros, cifra que se corresponde con el coste de su producción; el Ayuntamiento ha señalado que su valor de mercado se cuantifica en torno a 300.000 euros.

Colnaghi, considerada la galería comercial más antigua a nivel internacional, abrió el pasado 23 de abril un nuevo espacio en Bruselas, en el número 30 de la Rue Jacques Jordaens. La dirigirá Philippe Henricot.

Su primera muestra se llama “ESTUDIO” y puede visitarse hasta el 30 de mayo; se plantea como una exploración lúdica del trabajo de los artistas en los talleres y del propio estudio realizado por Colnaghi en sus (re)descubrimientos. Su obra central es, justamente, un hallazgo a cargo de la galería: el Triunfo de Minerva de Jacob Jordaens, maestro flamenco del siglo XVII que casualmente da nombre a la nueva dirección de la sala. Redescubierta por Colnaghi tras décadas fuera del radar público, destaca por sus líneas vigorosas y por su composición fluida, propia del Jordaens maduro.

Realizada poco después de que la Paz de Münster pusiera fin a la Guerra de los Ochenta Años, se trata de una hermosa alegoría de la prosperidad derivada de una paz bien defendida, que prueba la maestría de ese autor para los temas mitológicos. Su presentación se completa con la de una serie de nueve fotografías de Douglas Duncan con Pablo Picasso como motivo, creando en la intimidad de su estudio.

Fundada en 1760, Colnaghi está especializada en arte de todas las etapas, desde la antigüedad a la época contemporánea, y figuraron entre sus clientes Isabella Stewart Gardner y Henry Clay Frick. El resto de sus sedes se encuentran en Londres, Nueva York y Madrid.

El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona ha anunciado que extenderá, hasta el próximo 25 de mayo de 2025, su muestra “Amazonias. El futuro ancestral”, que propone al público adentrarse en la enorme riqueza natural y cultural de ese ecosistema y de las ciudades y las comunidades indígenas que lo habitan. El recorrido presta atención al arte surgido en torno a la selva, a distintas corrientes de pensamiento y a los efectos planetarios de la conservación de la Amazonia.

Uno de los objetivos de la exposición es, precisamente, reivindicar las voces autóctonas que, desde el arte, el pensamiento, la ciencia o el activismo, han planteado formas de vivir, crecer y relacionarnos con la naturaleza inspiradas en las que mantienen los moradores de esta selva. Y hacerlo esquivando tanto el fatalismo como las visiones folclóricas en la exploración de la fragilidad de ese medio y de la necesidad de preservarlo.

Hay que recordar que la Amazonia resulta inabarcable en su extensión y heterogeneidad: atraviesa nueve estados en los que viven más de treinta millones de personas, más de la mitad en áreas urbanas. Esa cifra es compatible con el hecho de que la región sea el hábitat originario de unos cuatrocientos pueblos indígenas que hablan más de trescientas lenguas distintas.

Por último, atiende la exhibición, comisariada por Claudi Carreras, a los retos que la vasta extensión amazónica enfrenta: la deforestación, los incendios, la sequía o los conflictos por el control de las materias primas. En su examen participan científicos e investigadores de la región.

La Fundación Oteiza y EITB han firmado un acuerdo de colaboración para producir una pieza audiovisual de Oskar Alegria sobre Jorge Oteiza, en la que participarán catorce figuras de la cultura de distintos contextos, que representarán la diversidad de disciplinas artísticas e intereses que pueden asociarse a la obra y el pensamiento estético del escultor de Orio (Guipúzcoa). Se llamará Oteiza 14 apostolu.

El proyecto forma parte del programa Danok Oteiza, que impulsa la Fundación Oteiza: se trata de una comunidad abierta y participativa concebida para acercar y difundir su pensamiento y su figura en la sociedad, que a su vez supone la primera colaboración entre EITB y la Fundación del artista. La cadena, mediante este convenio, difundirá Oteiza, 14 apostolu en ETB, eitb.eus y en la plataforma PRIMERAN.

14 apostolu, que se encuentra en proceso de realización, tendrá una duración completa de cerca de media hora, pero cada uno de los capítulos está concebido como una pieza autónoma. Cada participante interpretará o abordará un concepto ligado al imaginario de Oteiza propuesto por Alegría, dentro del conjunto rítmico y articulado de esta propuesta.

Los profesionales que intervendrán interactuarán con una máscara que representará un concepto concreto vinculado con Oteiza. Ya se han llevado a cabo algunas de las grabaciones, a las que se han sumado la artista Esther Ferrer (que charlará sobre el silencio y el vacío), el escritor y director de cine chileno Ignacio Agüero (explorará la relación de Oteiza y Huidobro), la artista Alicia Otaegi (hablará sobre Oteiza y la máscara), el aventurero Josu Iztueta (se referirá a los apóstoles y los montes de Arantzazu), el músico Amorante (su pieza se dedica a la melodía de los apóstoles) y el propio Alegria (que disertará sobre Oteiza y el noroeste). Alegría es, asimismo, autor de la monografía Oteiza al margen. Notas manuscritas sobre cine y arte (2017), que editaron la Fundación Oteiza y el Festival Punto de Vista, del que fue director.

Próximamente se sumarán a esta suerte de apostolado Bertha Bermúdez, investigadora de danza contemporánea, y la propia presidenta de la Fundación Oteiza, Jaione Apalategi, que se adentrarán en la relación del escultor con el gesto y la lengua euskara, respectivamente.

Hasta finales de junio de este año, fecha de finalización de la obra, se llevarán a cabo el resto de las grabaciones, en localizaciones del País Vasco, Japón, París, Chile o Nueva York.

Hasta el 26 de abril de 2025, José de la Mano Galería de Arte acoge la muestra “GEOMÉTRICAS en España [años 50, 60 y 70]”, que comisaría Isabel Tejeda y que cuenta con trabajos de Jacinta Gil, Pepa Caballero, Ana Buenaventura, Lola Bosshard o Inés Medina, que ya han protagonizado exhibiciones en esta sala en los últimos años, y de Elvira Alfageme, María Droc, Amparo Cores, o Angiola Bonanni, menos estudiadas (Bonanni es, de estas últimas, la única aún en activo).

En palabras de la comisaria, esta exposición se ha construido como un espacio que permite revisar parte de nuestra historia del arte reciente poniendo en evidencia que sus relatos pueden ser contados desde otras perspectivas; unos lugares que, lamentablemente y de forma mayoritaria, se situaron por parte de la historiografía en la marginalidad y el olvido. Aunque faltan muchas creadoras que no pueden estar representadas en una exposición de gabinete como es esta, lo relevante es que se ofrece como un primer apunte para proyectos venideros.

En menos de un mes, el próximo 30 de abril, dará comienzo PHotoESPAÑA 2025, cuyo programa contará con más de un centenar de exposiciones y la participación de trescientos sesenta artistas, algo más de la mitad de ellos españoles.

Llevará por lema esta cita “Después de todo”, en referencia a los roles de la fotografía como medio consciente del contexto y de su presente, como testigo de la contemporaneidad y herramienta ante ella. Ese será, asimismo, el título de una muestra colectiva que rendirá tributo, en Serrería Belga, al legado de Helga de Alvear a partir de fondos de su colección y que recorrerá un siglo de transformación del paisaje europeo, desde Eugène Atget hasta la Escuela de Düsseldorf y desde la Gran Guerra a la caída del muro de Berlín.

La gran novedad de PHotoESPAÑA 2025 será la incorporación de un país invitado, que en esta primera ocasión será Chile: se programarán exhibiciones de Lotty Rosenfeld, Julia Toro, Michael Mauney y Martin Gusinde, autores que han trabajado en torno a la disidencia política, la memoria visual y las culturas ancestrales. Otras dos presentaciones enlazarán la fotografía con la memoria democrática española y portuguesa: corresponderán a Marisa Flórez y Rui Ochoa.

Con el fin de hacer presente el Festival en el eje Prado–Castellana, el Museo del Prado y el Thyssen-Bornemisza se suman de nuevo a su programación (respectivamente, con “Poder esencial”, un trabajo colaborativo con mujeres del Valle del Jerte, y con un proyecto que ligará el cine de Isabel Coixet con los fotocollages de las vanguardias) y entrarán por vez primera en la Sección Oficial el Museo Nacional de Antropología y el Museo Arqueológico Nacional, lo que permitirá potenciar los lazos entre patrimonio histórico y creación visual contemporánea; ese último centro nos ofrecerá “Perpetual Present”, una propuesta de Sofía Crespo que reinterpreta el arte rupestre de Altamira desde la inteligencia artificial y la biotecnología.

Tampoco faltarán muestras de los participantes habituales, como el Círculo de Bellas Artes, la Fundación MAPFRE (que volverá a regalarnos la serie de Las hermanas Brown de Nicolas Nixon), el Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, la Fundación Canal o la Sala Canal de Isabel II.

Entrando en nombres, conocemos ya algunos de los pilares del próximo PHotoESPAÑA: figuras históricas como Julia Margaret Cameron, Dora Maar, Ruth Orkin, Edward Weston o los más contemporáneos Duane Michals, Joel Meyerowitz, Graciela Iturbide o Ayana V. Jackson. En cuanto a autores españoles, podremos contemplar los paisajes simbólicos de José Guerrero, performances fotografiadas de Miss Beige y trabajos de Nacho Criado, Joan Fontcuberta o Isidro Ferrer.

En el capítulo de nuevas voces, el Museo Nacional del Romanticismo acogerá “Adelaida”, de Mercedes Hausmann y Jorge Salgado, una conjunción de archivo fotográfico, documentos históricos e inteligencia artificial para reconstruir la vida de una mujer disidente en el Madrid de finales del XIX: Adelaida Martínez-Corera. En el Centro Arte Complutense, el proyecto “Desplazamientos. Fotografía e identidad” reunirá a diversos artistas contemporáneos que reflexionan sobre los procesos de migración y transformación, y acogerá “Marimbar”, de Nélia Dos Santos, ganadora del Premio Descubrimientos PHotoESPAÑA 2024. Partiendo de su archivo familiar, la artista portuguesa traza una narrativa en reinterpretación continua sobre el legado de la descolonización, el mestizaje y el trauma heredado.

La cita mantiene su alianza con Patrimonio Nacional y ACCIONA y traerá, igualmente, una nueva entrega de Cuadernos de campo, proyecto trienal que propone a fotógrafos consolidados dialogar en su producción con los espacios naturales e históricos de los Reales Sitios. En esta ocasión, los escogidos fueron Bleda y Rosa, que se han centrado en el Monasterio de Yuste y en las conexiones del monarca Carlos V con la astronomía, la botánica y la ingeniería renacentista; su trabajo lleva por título “Las horas del sol”.

Regresará también el Festival OFF, al que concurrirán cuarenta galerías de arte, y por primera vez podremos participar de un Circuito Abierto que nos permitirá descubrir en septiembre, último mes de celebración de PHotoESPAÑA, espacios expositivos alternativos de Madrid.

Es habitual que otras ciudades españolas se involucren en la cita; esta vez serán ocho. Toro (Zamora) se incorpora por primera vez con el encuentro La Hispanolusa, destinado a favorecer el diálogo artístico entre España y Portugal. En Segovia y Valencia se programarán exhibiciones en el Palacio Quintanar y el Espacio de Fotografía José Luis Soler en Bombas Gens, respectivamente; también estarán presentes Alcalá de Henares, Barcelona, Zaragoza, Santander —con exposiciones en junio por primera vez— y el Museo de Altamira, que mantiene su participación con un proyecto de Isabel Muñoz.

El Museo Carmen Thyssen Málaga ha anunciado hoy que prorrogará, hasta el próximo 1 de junio, su exposición “Zurbarán. Santas“, que alberga una decena de pinturas del pintor extremeño y su taller con el fin de profundizar en la configuración de un modelo de representación de la santidad femenina que alcanzó mucho éxito, tanto devocional como artístico, en el Siglo de Oro.

La muestra, abierta el pasado febrero inicialmente hasta el 20 de abril, extiende sus fechas tras haber recibido más de 47.000 visitantes.

Las composiciones reunidas son dos obras maestras únicas del pintor –Santa Marina, de la colección del Museo Carmen Thyssen Málaga, y Santa Casilda, prestada por el Thyssen-Bornemisza-; junto a ocho lienzos realizados por su taller y llegados del Museo de Bellas Artes de Sevilla, datados entre 1630 y 1650. Las obras se han instalado en la Sala Noble del centro configurando una procesión de santas, en un montaje basado en el claroscuro que favorece la intimidad al tiempo que alude a la teatralidad barroca de las creaciones de Zurbarán en sus emplazamientos originales.

“Zurbarán. Santas” será una de las exhibiciones temporales que se podrán visitar durante la Semana Santa en el Thyssen de Málaga, junto a “Pintura liberada. Joven figuración española de los 80“. En esas fechas, el Museo mantendrá sus horarios: de 10:00 a 20:00 horas de martes a domingo, sumándose el Lunes Santo como día de apertura extraordinaria.

El matrimonio Foster ha anunciado la adquisición de la que fue sede de la Galería Marlborough en Madrid, en el número 5 de la calle Orfila, con el fin de destinar ese espacio a fines educativos y culturales: los que vienen desempeñando a través de la Norman Foster Foundation (NFF) y de la editorial y galería Ivorypress.

Formará parte la antigua galería de una suerte de Campus de la Norman Foster Foundation en el barrio de Almagro de la capital, junto a los dos locales en la calle Zurbarán donde se sitúa el Norman Foster Centre for City Science, el Palacete del Duque de Plasencia, la sede principal de la fundación del arquitecto y otro espacio ligado a la escena artística madrileña que comprarán este año y comunicarán próximamente.

La antigua Marlborough fue diseñada por el neoyorquino Richard Gluckman y, si su pasado como una de las galerías más antiguas de Europa ha tenido un peso decisivo en la adquisición de los Foster, se ha señalado que la voluntad de arquitecto y galerista de desarrollar en este centro actividades culturales, artísticas y educativas hizo que el Trust propietario de la Marlborough optara por su oferta frente a otras. La Norman Foster Foundation asumirá, asimismo, la custodia y protección del archivo documental de las galerías Marlborough en España, un fondo que alberga miles de documentos y parte de su biblioteca y que cuenta con tres décadas de historia.

El Museo Reina Sofia ha reabierto hoy las terrazas del edificio Nouvel, después de una reordenación que incluye la instalación allí de tres obras que forman parte de su colección de escultura geométrica de los años sesenta y setenta; este espacio pasará así a considerarse como una nueva sala para la exhibición de los fondos del centro, dedicada al periodo en que el minimalismo dotó a la escultura de un repertorio basado en las formas elementales, pero también favoreció la interacción, y no solo la contemplación, de los espectadores.

Del venezolano Jesús Rafael Soto podrá verse allí un penetrable datado en 1982 y ejemplo de la utilización de la vibración óptica como vía de comunión con el cinetismo. Esa serie comenzó a llevarla a cabo a finales de los años sesenta: se trata de espacios llenos de piezas colgantes móviles que el público ha de atravesar. Ofrecen una condición arquitectónica; la investigadora Mónica Amor los ha relacionado, de hecho, con el urbanismo ambientalista que se desarrollaba en el espacio público en ese momento, después de las revueltas sociales de fines de los sesenta. El propio artista explicaba, en 1983: Ya no hay espectadores; no hay sino participantes. Más tarde, en 2011, definió estas obras como una idea del espacio que puede materializarse en cualquier situación y a cualquier escala… De ser posible, podrías incluso cubrir el planeta entero. Como prueba, la pieza ha sido adaptada para su presentación aquí junto con el Comité Soto.

Del colombiano Edgar Negret contemplaremos Vigilante rojo (1979), trabajo que ha permanecido expuesto en el Tribunal de Cuentas Europeo, en Luxemburgo, como depósito temporal en la última década, y hasta ahora no se había mostrado en el MNCARS, donde recientemente ha sido restaurado. Considerado una escultura-acción, que no oculta pernos y tuercas, se concibió como un ensamblado que revela la operación de organizar cuerpos y acoplamientos bajo una capa uniforme de pintura industrial mate.

Vigilante rojo -una versión mayor de la misma se halla en el Palacio Presidencial de Nariño en Bogotá – está formada por una decena de elementos columnarios en desplazamiento parabólico. Cada una de las piezas verticales gira treinta grados respecto a la anterior, para generar cinco estructuras gemelas contrapuestas: al desplegarse, nos invitan a recorrer la secuencia cinética que se experimenta al rodear la escultura. En los años cincuenta, fue Oteiza el primero en animar a Negret a desarrollar sus indagaciones escultóricas geométricas.

Por último, la pieza de Martín Chirino, fechada en 1971, forma parte de la serie Mediterráneas. El canario fue uno de los fundadores del grupo El Paso y su escultura remite al paisaje y a las formas primigenias de las islas: ese conjunto lo llevó a cabo con acero laminado, soldado y pintado con acabados industriales, casi automovilísticos.

El título hace alusión a sus viajes a Italia y a Grecia y esta obra se plantea como una estructura expansiva, con volúmenes huecos articulados con un ritmo pendulante en el espacio. Podría parecer una pieza abstracta en un primer vistazo, pero toma la forma de un paisaje cuyo acabado cromático le confiere cualidades acuáticas, ligadas de nuevo a ese archipiélago.

La reapertura de las terrazas del edificio Nouvel supone el inicio de la nueva reordenación de la colección permanente del Reina Sofía, que finalizará en 2028.

AECID ha dado a conocer hoy que el proyecto Los restos, del artista barcelonés Oriol Vilanova y comisariado por Carles Guerra, representará a España en la próxima edición de la Bienal de Venecia, que tendrá lugar del 9 de mayo al 22 de noviembre de 2026.

Su propuesta ha sido seleccionado por un jurado formado por Santiago Herrero, director de Relaciones Culturales y Científicas de AECID; Inmaculada Ballesteros, directora de Programación de Acción Cultural Española; Manuel Segade, director del Museo Reina Sofia; Agustín Pérez Rubio, comisario del Pabellón de España en la Bienal de Venecia 2024; Imma Prieto, directora del Museu Tàpies; Tania Pardo, directora del Centro de Arte Dos de Mayo; Santiago Olmo, director del Centro Galego de Arte Contemporánea. CGAC; Rosa Olivares, directora de la revista EXIT; e Ignasi Aballi, artista del Pabellón de España en la Bienal de Arte de Venecia 2022.

En una reunión inicial, a finales del año pasado, el jurado invitó a siete artistas y comisarios a ofrecer un proyecto para el Pabellón de España en la 61ª Bienal veneciana. Tras ser presentados estos en el pasado marzo y tras una deliberación, ese jurado ha determinado, unánimemente, que la propuesta ganadora sería Los restos.

Vilanova, nacido en 1980 en Manresa, ha desplegado su práctica artística a partir de un afán coleccionista destinado a meter el mundo entero en un museo. Dado que el planeta es evidentemente inabarcable, su trabajo convierte el fracaso en un remedio al que le bastan los restos; estos se materializan en un gran número de tarjetas postales que encuentra en rastros y mercados de pulgas. Con ellas genera un antimuseo desde el que pretende dar respuesta a las inquietudes contemporáneas sobre una institución, como la museística, que se ha entendido como modelo de acumulación, preservación y valorización del pasado. Los suyos son una suerte de museos metabólicos que se apoyan sobre un hábito comprador mantenido gracias a una inversión modesta pero continua.

AECID ha anunciado que, en el Pabellón español para la Bienal, se desplegará una suma de esos materiales acumulados a lo largo de más de veinte años. Carles Guerra, su comisario, es colaborador habitual de este autor, investigador y comisario independiente.

La Fundació Joan Miró de Barcelona ha anunciado que su equipo de investigadores, encabezado por Elisabet Serrat, ha hallado un retrato de Dolors Ferrà Oromí, madre del artista, bajo la obra Pintura (1925-1927), que Miró regaló a su amigo Joan Prats. El descubrimiento se ha logrado gracias a la aplicación de técnicas científicas no invasivas.

El público podrá conocer la imagen hallada de la mano del documental El secret de Miró, producido junto a la Fundación “la Caixa”, y de la exposición “Bajo las capas de Miró. Una investigación científica”, destinados a acercar a los espectadores las metodologías, el trabajo de investigación y los pormenores del estudio de las obras.

Pintura es un un óleo sobre lienzo que Joan Prats, a quien como dijimos Miró se lo regaló, atesoró en su casa hasta 1975, cuando pasó a integrarse en la colección de la Fundació. En un informe de restauración, fechado en 1978, que se conserva en la propia Fundació, se describía el mal estado de esa composición dada la presencia de pequeñas pérdidas y agrietados. Junto a este informe, se preserva además la primera radiografía que se hizo de la imagen, que atestiguaba la existencia de un retrato oculto que en los setenta no pudo identificarse.

Después de que el equipo de investigadores de la Fundació Joan Miró haya elaborado el estudio científico mediante esas técnicas no invasivas, se ha obtenido una imagen del retrato subyacente con el suficiente nivel de detalle para reconocer en él a Dolors Ferrà. Ese estudio ha contado con la colaboración de entidades como el Centro de Restauración de Bienes Muebles de Cataluña (CRBMC) y la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla (UPO), así como la Fundació Mas Miró y la Fundació Miró Mallorca.

Las técnicas de análisis no invasivas empleadas se han basado, sobre todo, en técnicas de imagen que utilizan varios rangos de radiación electromagnética, como la fotografía con luz visible rasante y luz transmitida, luz ultravioleta y luz infrarroja (anverso y reverso), la radiografía y la imagen hiperespectral. Para conocer los materiales de las capas pictóricas, se ha completado el estudio con la espectroscopia infrarroja (FTIR), la microscopia electrónica de rastreo con detector de energías dispersivas de rayos X (SEMEDX), la fluorescencia de rayos X (FRX) y la cromatografía de gases-masas (CG/MS).

Se ha confirmado, asimismo, que en Pintura el barcelonés empleó como soporte un lienzo con un retrato pintado por otro artista: no se trata, en ese sentido, de un caso aislado, dado que entre los años cuarenta y cincuenta siguió ese procedimiento sobre retratos, y entre los sesenta y setenta, sobre paisajes, siempre dejando rastro de las pinturas subyacentes, obras académicas que dejaba parcialmente al descubierto para poner de manifiesto su postura crítica respecto a ese tipo de pintura más convencional, que entendía vacía de contenido.

Los investigadores detectaron, observando con luz rasante, ciertos relieves visibles en la superficie de Pintura, que han podido identificarse como el broche y los pendientes del retrato de Dolors Ferrà Oromí. Miró podría haberlos eliminado fácilmente, pero decidió conservarlos como manifestación de la materia que surge desde debajo, y en un nuevo cuestionamiento de la pintura de caballete. La utilización de la imagen hiperespectral ha posibilitado ampliar la información sobre el proceso creativo llevado a cabo por el catalán y estudiar la dirección de sus pinceladas, en la aplicación de la preparación (verticales) y de la pintura azul (horizontales).

Los estudios estratigráficos han mostrado que la obra está compuesta por, por lo menos, siete capas, y gracias a las técnicas analíticas han podido conocerse los materiales empleados en cada una: las cinco inferiores están formadas por una de preparación a base de blanco de plomo y cuatro pictóricas que contienen, fundamentalmente, pigmentos tierra, amarillo cadmio, negro carbón, azul cobalto y blanco de cinc. Sobre ellas, Miró aplicó una preparación de blanco de cinc y barita y la capa más externa de color, a base de azul cobalto y algo de amarillo cadmio. El aglutinante utilizado es el aceite. Por su parecido, estilística y técnicamente, con otro retrato que se encuentra en Son Boter, ese retrato podría haber sido pintado por Cristòfol Montserrat Jorba.

En cuanto al documental El secret de Miró, sigue la investigación de Elisabet Serrat, jefa de Conservación Preventiva y Restauración de la Fundació Joan Miró, y explora las posibles causas que llevaron a Miró a ocultar la imagen de su madre. Se estrena hoy en la plataforma CaixaForum+ y en los canales digitales de la Fundació Joan Miró y sigue la estela de los anteriores Los tapices de Miró. Del hilo al mundo, Miró íntimo y Sert/Miró. Trazado por la luz.

La muestra “Bajo las capas de Miró. Una investigación científica”, entretanto, puede visitarse hasta el 29 de junio de 2025 y exhibe la obra Pintura (1925-1927) junto a detalles del proceso de investigación y junto al Retrato de Dolors Ferrà Oromí, de Cristòfol Montserrat, fechado en 1907.