La Comunidad de Madrid ha concedido su Premio Apertura 2023 a la artista portuguesa Fernanda Fragateiro por su pieza escultórica As Found 2, que forma parte de la muestra “Escola clandestina” en la Galería Elba Benítez. Esta obra será adquirida por el Gobierno regional y pasará a formar parte de los fondos del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles; su autora recibirá un galardón en metálico de 15.000 euros.

El Premio se destina a reconocer la calidad de uno o más artistas que participen en cada edición anual de Apertura Madrid Gallery Weekend, la cita con la que la Asociación de Galerías Arte Madrid inaugura la temporada expositiva de otoño. Se concede a trabajos en cualquier técnica y disciplina y sus ganadores tampoco tienen límite de edad.

El jurado ha valorado la contribución de Fragateiro a la investigación en la relación entre arquitectura, problemática urbana y social; también el hecho de que hasta la fecha esta artista, de trayectoria relevante, no estuviese representada en los fondos del CA2M.

Su exhibición en Elba Benítez tiene como eje esculturas creadas a partir de escombros de edificios demolidos en Lisboa en el transcurso de la actual fiebre inmobiliaria en la capital portuguesa; para Fragateiro, las huellas de memoria histórica que contienen esos fragmentos apuntan a la ruptura, frecuentemente violenta, entre las ideologías pasadas y la realidad de hoy. Al recuperarlos para componer obras escultóricas autónomas (junto a otros elementos compositivos, varios encontrados y otros de nueva fabricación) y despojarlos de su función inicial, Fragateiro incide en sus cualidades formales y materiales, además de llamar nuestra atención sobre los asuntos sociales, políticos y económicos que encapsulan.

Por otro lado, las abstracciones geométricas que contienen, a la vez toscas y delicadas, hacen referencia a veces a planos arquitectónicos: algunas están directamente basadas en planos de planta de Lotte Stam-Beese, una de las primeras mujeres en estudiar arquitectura en la Bauhaus y una figura fundamental en el desarrollo urbano de Rotterdam tras la Segunda Guerra Mundial, lo que recalca los vínculos entre los ciclos históricos y la estratificación conceptual.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado hoy que la poeta, ensayista y traductora Anne Carson, Premio Princesa de Asturias de Las Letras en 2020, ofrecerá la Conferencia José Pedro Pérez-Llorca 2023: la cita será el 19 de octubre, a las 19:00 horas, en el Auditorio de la pinacoteca, y en su taquilla podrán recogerse las entradas a partir de las 18:00 horas.

Su intervención llevará por título Duda y se basará en su contemplación del Perro semihundido de Goya, moviéndose en distintas direcciones; dice la canadiense: Cada vez que miro a este perro pienso en la duda. Y cada vez que pienso en la duda me pregunto qué es, en realidad, pensar.

Profesora de Literatura Clásica y Comparada de la Universidad de Míchigan, la trayectoria de Carson quedó marcada por el hallazgo de una edición bilingüe de los poemas de Safo en una librería: La visión de las dos páginas yuxtapuestas, una de ellas un texto impenetrable, pero de gran belleza visual, me cautivó y compré el libro.

Especialista en la cultura y las lenguas clásicas y en literatura comparada, antropología, historia y publicidad, su producción conjuga estilos, referencias y formatos, y también se caracteriza por la hibridación de lo grecolatino, lo medieval y lo contemporáneo. Equipara traducción y creación: Si supiera qué es la poesía no tendría necesidad de escribir. Es algo que busco a tientas en la oscuridad. El Museo describe sus escritos como un collage entre poesía, disertación, ensayo y drama, con aportaciones ocasionales de ópera.

Su primer libro fue Eros (1986), una meditación en torno a la naturaleza del amor romántico y el deseo erótico en forma de fragmentos en prosa que se entremezclan con versos. Después llegarían Short Talks (1992), Plainwater (1995), The Glass Essay (1995), Autobiography of Red: A Novel in Verse (1998), Economy of the Unlost: Reading Simonides of Ceos with Paul Celan (1999), Men in the Off Hours (2000), The Beauty of the Husband (2001), If Not, Winter: Fragments of Sappho (2002), Decreation: Poetry, Essays, Opera (2005), Red Doc> (2013) y Float (2016).

Doctora honoris causa por la Universidad de Toronto, además del Princesa de Asturias ha obtenido el Premio Lannan de Poesía (1996), el Pushcart (1997), el Premio T. S. Eliot (2001), el PEN Award for Poetry in Translation (2010) y el Griffin Poetry Prize (2014).

Llamazares Galería inaugura, mañana en Gijón, la primera exposición en Asturias de la fotógrafa peruana Cecilia Paredes: “El sendero de Dafne”.

Esta artista, que ya participó con ese espacio en la edición de 2022 de la feria mexicana ZonaMaco, exhibirá en Asturias un proyecto creado específicamente para Llamazares compuesto por imágenes centradas en la relación de la naturaleza y el cuerpo. Buena parte de su trabajo se basa en la yuxtaposición visual de su autorretrato con los patrones y la superficie que quedan debajo de él; podemos decir que sus composiciones aúnan la performance, la pintura, la escultura y la literatura y que en ellas la piel se hace lienzo, el cuerpo deviene escultura y la presentación del yo busca la trascendencia.

La Galería Cayón presenta, en sus dos espacios madrileños y a partir del 14 de septiembre, su segunda individual del artista holandés Jan Dibbets, considerado padre y maestro de la fotografía conceptual. Ha dedicado su producción al estudio de la representación en un mismo plano de los fenómenos visuales de la realidad.

Podremos ver algunas de sus series más relevantes en relación con el cromatismo y en evolución entre sí: hasta mediados de los setenta investigó la percepción y el carácter empírico del color a través del proyecto colorstudies, imprimiendo las imágenes al mayor formato que le permitía la tecnología de la época y, cuarenta años más tarde, valiéndose de las técnicas digitales actuales, que posibilitan ampliaciones extremas, ideó monumentales estudios de color abstractos que llamó New Color Studies (2010-2014).

Basó Dibbets esa serie en negativos de carrocerías de automóviles que tomó justamente en 1976, dando lugar a grandes superficies de color abstractas mediante la descontextualización (por su representación en primer plano) de un detalle de la imagen inicial -el capó de un Saab del que se adivinan las curvaturas de las chapas, los reflejos y otros accidentes que, contemplados en tal cercanía, inciden en el carácter conceptual de la disciplina fotográfica-.

Así, los New Color Studies se nos enseñan en combinación con los Colorstudies originales creados en los años setenta, constituyendo manifestaciones de una realidad postfotográfica en la que el sistema informático consigue tramas pixeladas y enigmáticas.

La Fundación Marta Ortega Pérez. MOP ha anunciado ya a quién dedicará su tercera muestra en el espacio expositivo con el que cuenta en el Puerto de A Coruña: se trata del fotógrafo germano-australiano Helmut Newton, de cuyo fallecimiento se cumplirán dos décadas en 2024.

La exhibición llevará por título “Newton – Fact & Fiction”, podrá visitarse del 18 de noviembre de este año al 1 de mayo de 2024 y seguirá la estela de sus anteriores proyectos sobre Peter Lindbergh y Steven Meisel. Organizada junto a la Fundación Helmut Newton, serán sus comisarios Philippe Garner, experto en fotografía; Matthias Harder, vicepresidente de dicha Fundación; y Tim Jefferies, director de la Galería Hamiltons.

Sabemos que, además de una selección de su obra centrada en la moda, podremos ver vídeos que muestran al artista trabajando o conversando; imágenes personales ligadas a su infancia, su carrera y su relación con su esposa June; y documentos como carteles, cámaras, accesorios, objetos curiosos y recuerdos. Su producción se caracterizó por un lenguaje visual osado y desacomplejado, por la querencia por el desnudo desafiante y también por su atención al retrato: por su objetivo pasaron Andy Warhol, David Bowie, Margaret Thatcher, Charlotte Rampling, Elsa Perretti, Daryl Hannah, Jerry Hall, Naomi Campbell, Yves Saint Laurent o Karl Lagerfeld. A A Coruña llegarán, asimismo, fotos menos conocidas, como las captadas en paisajes cercanos a los lugares donde transcurrió su carrera: París, Los Ángeles, Montecarlo, Berlín, Viena o Las Vegas.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy que Teresa Lanceta será la galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas de este año, dotado con 30.000 euros.

El jurado la ha escogido atendiendo a su reivindicación de las tradiciones creativas asociadas a la mujer; en palabras del Ministerio, “por una práctica artística sostenida en el tiempo que rescata un lenguaje femenino, vernacular y colectivo” y desde la voluntad de “reconocer a una generación de mujeres y a la técnica del tejer como un lenguaje, un código primigenio de la humanidad alejado de lo patriarcal mediante el cual ha entrado en contacto con las culturas de diversos colectivos, como la población romaní, las tejedoras nómadas marroquíes o las vecinas del Raval”.

Se subraya, asimismo, que “Lanceta revisa la idea moderna de autoría dirigiendo su práctica hacia formatos colaborativos; tradiciones artísticas y formas de vida con las que ha mantenido un diálogo a través de sus tapices, pinturas, dibujos y su teorización”.

Nacida en 1951 en Barcelona, esta autora es licenciada en Historia por la Universidad de Barcelona y doctora en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido docente de la Escuela de Arquitectura de Alicante y de la Escola Massana de Barcelona y, desde la década de los setenta, su producción se basa en el uso del textil como forma de expresión, desdibujando intencionadamente el límite entre la artesanía y el arte. Le interesan tanto la exploración formal como las cuestiones materiales y técnicas ligadas a los tejidos, así como las tradiciones y formas de vida vinculadas al acto de tejer.

Sus tapices, pinturas, dibujos y teorías artísticas establecen lazos con la cultura de distintas poblaciones que guardan una relación directa con la tradición textil, como la población romaní o las tejedoras nómadas de Marruecos; ha investigado, igualmente, la alfombra española del siglo XV y el trabajo de las mujeres en la industria tabaquera, y sus obras han podido verse en exposiciones organizadas por instituciones nacionales e internacionales como el MACBA, el IVAM, el MUSAC, la Academia de España en Roma, la 57ª Biennale de Venecia, la 11ª Bienal del Cairo o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

El jurado del galardón ha estado presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, y vicepresidido por Mercedes Roldán Sánchez, subdirectora general de Museos Estatales. Lo constituyeron Rogelio López Cuenca, Premio Nacional de Artes Plásticas 2022; María Jesús Martínez Pérez, directora del Institute Art Gender Nature de Basilea; Marta Rincón Areitio, gestora cultural; Javier Hontoria, director del Museo Patio Herreriano; Soledad Gutiérrez, investigadora y comisaria de exposiciones; Agustín Pérez Rubio, comisario independiente; Aurora Fernández Polanco, catedrática de Teoría e Historia del Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid y Nekane Aramburu Gil, gestora cultural, museóloga y teórica nombrada a propuesta de Mujeres en las Artes Visuales.

La próxima semana las galerías de Madrid, Barcelona, Valencia, Palma de Mallorca y Sevilla vivirán el arranque de su temporada artística, que irá acompañado una vez más por la iniciativa ARCO GalleryWalks, visitas guiadas gratuitas organizadas por la Fundación ARCO.

Las primeras tendrán lugar en Barcelona, coincidiendo con la celebración de Barcelona Gallery Weekend, cita organizada por la asociación Art Barcelona; los recorridos se desarrollarán los días 16 y 17 de septiembre.

Más tarde, una semana después de la celebración de la 14ª edición de Apertura, podremos participar en visitas a las galerías de la capital del 20 al 23 de septiembre, y del 27 al 30 del mismo mes. El público, con inscripción previa, conocerá las propuestas de las salas de los barrios de Centro, Chueca, Letras, Salamanca, Salesas, y Dr. Fourquet.

Por su parte, la nueva temporada en Valencia también será inaugurada en Abierto València –del 22 al 29 de septiembre-, evento organizado por LAVAC, y los recorridos de la Fundación ARCO discurrirán entre el 22 y el 24 de septiembre. Serán cuatro las rutas que se ofrecerán al público, diseñadas por un equipo del Máster Global Art Market de Barreira A+D.

Por último, como parte de la programación de la Nit de l´Art mallorquina, que dará comienzo el 23 de septiembre, se inician las rutas por Palma, organizadas en colaboración con Art Palma Contemporani y el Ayuntamiento de Palma, y los ARCO GalleryWalks llegarán a Sevilla los días 29 y 30 de septiembre, en el marco de Contemporánea Sevilla Gallery Weekend.

Esta es la información práctica de los recorridos:

BARCELONA
Fechas: 16 y 17 de septiembre 2023.
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: aquí

MADRID
Fechas: del 20 al 23 y del 27 al 30 de septiembre 2023
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: arcogallerywalk@ifema.es

VALENCIA
Fechas: del 22 al 24 de septiembre 2023
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: aquí

PALMA DE MALLORCA
Fechas: desde el 29 de septiembre hasta el 28 de octubre 2023
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: aquí

SEVILLA
Fechas: 29 y 30 de septiembre de 2023
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: contemporanea@sevillagalerias-agas.org.

Desde el pasado 1 de septiembre, y hasta el 14 de octubre, Santander acoge su quinta edición del Festival PHotoESPAÑA, que esta vez cuenta con una docena de exposiciones, además de una sesión de visionado de porfolios y varias actividades para todos los públicos. La fotografía española contemporánea y la hecha por mujeres adquieren protagonismo en esas muestras.

La Biblioteca Central de Cantabria alberga “Atlas”, una retrospectiva de Miguel Trillo y sus imágenes urbanas desde los setenta; el Museo de Altamira nos ofrece el proyecto “Cartographie Éphémère” de Mendia Echeverría, protagonista de una reciente exhibición en la galería madrileña Cámara Oscura, y el CDIS nos descubre los archivos de Marie Høeg y Bolette Berg, dos artistas y activistas que en el siglo XIX desafiaron roles de género y convenciones sociales.

Espacio Alexandra, Siboney y Juan Silió son las galerías que participan en el Festival OFF, con propuestas de Estíbaliz Sádaba Murgía, Ciuco Gutiérrez y Carlos Saura, respectivamente, y son sedes invitadas el Centro Botín, el Centro Cultural Doctor Madrazo, el Hotel Real, La caverna de la luz y la Librería Gil.

El primer espacio acoge “Me paraliza la esperanza“, proyecto de Roni Horn que reflexiona sobre el proceso de devenir en relación con la identidad y el lugar; Doctor Madrazo cuenta con la muestra “Paisaje, gesto y postura”, una acción fotográfica de la Asociación Rincones de Cantabria; el Hotel Real exhibe fotografías en blanco y negro de Miguel Soler-Roig en las que este autor rinde homenaje a las palmeras de la ciudad de Santander y en La caverna de la luz nos espera Xenia Fuentes Lozano. Partiendo de una fotografía intimista, y valiéndose del autorretrato y el desnudo como géneros, la artista explora los cambios sutiles que el paso del tiempo y los cambios de luz producen en el hogar.

Por último, la Librería Gil ha colgado el trabajo de Rocío Segura Mi ventana de Brooklyn, que analiza arquetipos de belleza cuidando al máximo la puesta en escena de sus imágenes.

El Premio BMW de Pintura, que este año celebra su 38ª edición, cuyo plazo de inscripción finalizó el pasado julio, cuenta con un nuevo jurado formado por figuras reconocidas del ámbito de la pintura y del arte en general: se trata de Antonio López, pintor y también escultor y dibujante; Miguel Zugaza, actuar director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, que lo fue del Prado; Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, fundadora y presidenta de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo; Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid, y Lucía Casani, directora de la Fundación Carasso desde esta misma semana (anteriormente desarrolló el mismo cargo en La Casa Encendida). Ellos serán los responsables de aportar su criterio y experiencia a la hora de seleccionar las obras premiadas entre las que se han presentado a este certamen, abierto tanto a la pintura más académica como a los formatos y lenguajes contemporáneos.

En sus casi cuatro décadas de trayectoria, el Premio BMW ha desarrollado un rol relevante como puente entre el arte y la sociedad en España, difundiendo la importancia del arte y la cultura como herramientas de comunicación y expresión social. Desde 1986, más de 24.000 autores han optado a este galardón, cuyas actuales modalidades son la Pintura y el Arte Digital; a esta última concurrieron el año pasado setecientas piezas.

Los doce finalistas de esta última edición de la convocatoria se conocerán en octubre, y de ellos ocho competirán por el Premio BMW de Pintura y cuatro por el Premio BMW de Arte Digital. El acto de entrega tendrá lugar en noviembre en el Teatro Real, como es habitual con la presidencia de la Reina Doña Sofía y acompañado de un concierto a beneficio de la Fundación Mundo en Armonía, presidida por la princesa Irene de Grecia. A la ceremonia asistirán más de 1.000 personalidades del mundo de la cultura, la sociedad y la empresa.

El Grupo BMW busca, con este proyecto, contribuir a visibilizar el talento de nuestros artistas y el valor del arte y la cultura en nuestro país, además de impulsar el desarrollo de nuevas formas de expresión artísticas. La dotación global de la convocatoria asciende a 31.000 euros.

El verano de 2023 ha sido el más exitoso, en cuanto a número de visitantes, para el Museo Guggenheim Bilbao desde su apertura en 1997. Se han acercado al centro en estos tres meses 489.946 personas, 40.469 más que en el verano de 2022, una cifra récord, y la mayor parte de ellos lo hicieron en agosto (218.087).

Un 68% de dicho público fue internacional, destacando la afluencia de franceses, italianos, alemanes, holandeses y británicos y, hasta el 31 de agosto, la cifra global de asistentes a este espacio bilbaíno ha sido de 898.513 visitantes, un 15% más que el año pasado y un 7% más que en 2018.

Los visitantes veraniegos del Guggenheim han podido disfrutar de las exposiciones “Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena” (ya clausurada); “Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso” (abierta hasta el 10 de septiembre) y “Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy” (hasta el 8 de octubre).

El joven artista Samuel Guerrero, nacido en Ciudad de México en 1997, ha obtenido el Premio Art Nou 2023, concedido desde la primera edición de esta cita por La Capella, el espacio que el Institut de Cultura de Barcelona dedica a la creación emergente.

Guerrero ha sido galardonado por “Obsesionados con encontrar señales”, muestra organizada por la Galería Cordova de Barcelona que analiza la posible apatía que pueden generar en la población asuntos como el deterioro ecológico o la desigualdad política y territorial (y la información sobre ellos), a la par que especula sobre futuros alternativos en los que quepan la intuición y la superstición.

La forman cuatro piezas: cortinas que se abren y cierran cada quince minutos, un árbol caído hallado en Montjuïc, una instalación en el suelo compuesta por hormigón agrietado que emite luz y de la que surgen plantas, y una pieza de audio que suena de manera intermitente. Con esos elementos ha alumbrado ese autor un espacio atemporal con elementos universales; la exposición puede visitarse hasta el próximo 16 de septiembre.

Asimismo, la Fundació Sorigué ha concedido en Art Nou un premio de producción a la artista sevillana Mercedes Pimiento por su exhibición “Less than Container Load”, en la Galería NoguerasBlanchard de Hospitalet, y, por tercer año consecutivo, la feria ART-O-RAMA de Marsella ha premiado una muestra con su participación gratuita en esta cita en 2024: ha sido “Todo es color”, de Xavi Ceerre, en la Galería Taché.

El Museo del Greco se suma a la celebración del Año Picasso 2023 ofreciéndonos una instalación temporal que formará parte del recorrido expositivo del centro durante todo este año y que incide en la influencia que El Greco ejerció sobre el malagueño a lo largo de toda su vida, desde su formación hasta su madurez.

Esta exposición temporal gira en torno a la visita que Picasso y su entonces esposa Olga Khokhlova realizaron, junto con su hijo Pablo, a este centro toledano en el verano de 1934, cuando efectuaban un viaje de incógnito por varias ciudades españolas. Supuso el encuentro del autor de El Guernica con su maestro, en la que fue la última vez que pisó suelo español.

Dos son los espacios en los que se presenta el recorrido (la Sala I, en la Trasera del Apostolado, y la II, en la Antesala de la Sala Polivalente). En la Trasera del Apostolado, podremos contemplar tres fotografías y un célebre dibujo; las imágenes documentan la visita, están tomadas en el Jardín Alto y no fueron publicadas en la prensa del momento. En dos de ellas aparece Picasso solo y en la otra se retrató a la pareja en actitud distendida.

En cuanto al dibujo, refleja un hecho ligado a la época de juventud y formación del artista malagueño: cuando, hacia 1898, siendo estudiante de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, se escapaba al Prado para aprender de los maestros antiguos. Es entonces cuando escribiría en una hoja llena de esbozos y dibujos una breve frase en la que tomaba posiciones: Greco, Velázquez, inspirarme.

En la Antesala de la Polivalente se exhiben otra fotografía y un artículo de periódico. En la primera vemos de nuevo al matrimonio Picasso, ahora junto al porche del Museo del Greco; el segundo corresponde a una reproducción de un artículo publicado en la revista Blanco y Negro el 23 de septiembre de 1934, a cargo del poeta Manuel Abril. Tiene de especial ser el único artículo de la prensa española que se hizo eco de la visita.

Bajo el título de “Pajarazos”, término tomado de un poema de Olvido García Valdés, el artista barcelonés David Bestué presenta un proyecto específico en la Capilla y en la Sala 9 del Museo Patio Herreriano, paralelo a la celebración de la muestra que actualmente le dedica Fabra i Coats.

Plantea este autor un ejercicio formal que pivota en torno al paisaje castellano, la historia de la ciudad de Valladolid y la deriva de su patrimonio, en la senda de investigaciones en torno a los procedimientos de transformación de los material, y las narrativas que de ellos se desprenden, en las que lleva años inmerso. Los trabajos que ahora exhibe remiten, asimismo, a la poesía de García Valdés, quien residió en Valladolid en años vitales para su trayectoria.

El Museo Nacional de Arte de Timișoara, en Rumanía, ha anunciado la apertura, el 30 de septiembre, de la exposición “Brancuși: fuentes rumanas y perspectivas universales”, que profundizará en los inicios de un artista que logró generar formas puras, muy libres aunque no carentes de influencias (Rodin fue su maestro).

El escultor fue y continúa siendo un creador que trascendió fronteras geográficas, históricas y formales, más allá de corrientes artísticas definidas pese a sus vínculos con la vanguardia parisina de la primera mitad del siglo XX. Curiosamente, la última exhibición que se le brindó en su país se organizó hace más de cincuenta años, en 1970, por lo que esta próxima antología supondrá un simbólico regreso a casa.

Analizará su recorrido el bagaje con el que Brancusi llegó a París y la metamorfosis que, ya en Francia, le llevó a convertirse en el autor universal que todos apreciamos; será su comisaria Doina Lemny. Se reunirán, por primera vez en Rumanía, piezas emblemáticas de la etapa de madurez del artista, prestadas por centros como el Pompidou de París o las Tate de Londres, y también trabajos de su juventud procedentes de museos rumanos y colecciones privadas. Serán cerca de cien las obras estudiadas, junto a fotografías y fragmentos fílmicos, y colaborarán en la presentación la Fundación Art Encounters y el Instituto Francés.

Desde su herencia rumana y su interés por el primitivismo artístico, supo extraer Brancusi las esencias de los materiales que empleó, enriqueciendo después sus formas con las ideas de vanguardia. En Timișoara, capital europea de la cultura este año, podremos contemplar obras como El Beso, Mlle Pogany, Musa dormida, La columna sin fin y Pájaro en el espacio, así como trabajos estrechamente conectados con el arte y la literatura rumanos; hay que recordar que allí se formó y participó en sus primeros eventos artísticos.

Esta antología reivindicará a Brancusi como ejemplo perfecto de artista que parte de lo real, de las figuras y objetos, para a continuación tratar de captar sus esencias a través de un largo proceso de creación y reflexión, que ya no pertenece a ningún espacio geográfico dado, sino al mundo. En una de las notas que se conservaron en su taller, probablemente escrita en una edad avanzada, compartió su visión de una cosmogonía sin barreras en la que todos los elementos naturales, desde animales y plantas hasta los fenómenos geológicos, contribuirían a la armonía de la creación: Mi tierra natal, mi familia, es la tierra que gira, el soplo del viento, las nubes flotantes, el flujo del río.

El Museo Reina Sofía ha anunciado hoy que la artista Eva Lootz, nacida en Austria en 1940 y asentada en España desde su juventud, ha donado a su Fundación 36 obras, valoradas en más de medio millón de euros, que formarán parte de sus fondos; además, se ha comprometido a donar al Museo el legado del conjunto de su producción.

Figura fundamental de las corrientes experimentales de la creación en nuestro país desde los sesenta, ha trabajado Lootz en disciplinas diversas en torno a conceptos humanos fundamentales como la memoria, el tiempo o el silencio, y las piezas que ahora dona a este espacio madrileño, dirigido por Manuel Segade, se fechan entre las últimas décadas del siglo XX y primeros de los 2000. Hasta ahora disponía el Reina Sofía de nueve sus propuestas (dibujos, esculturas e instalaciones); por tanto, este enriquecimiento de sus colecciones de Lootz permitirá al centro estudiar y catalogar mejor su trabajo, difundirlo y, en un futuro, digitalizarlo.

Once de los proyectos donados corresponden a los setenta y principios de los ochenta y se nutren de la influencia de Joseph Beuys, Mario Merz o Eva Hesse. En esa etapa, la de su obra temprana, las superficies de pared parecen cuadros sin serlo, empleó materiales inusuales en objetos híbridos y apeló a lo comestible, lo corporal y manipulable, sexual o atrayente, en las propias palabras de Lootz. Progresivamente fue incorporando otras materias alusivas a la percepción y al cuerpo y, si en sus inicios rechazaba cualquier voluntad narrativa, terminó por hacer del lenguaje un elemento relevante de sus procesos, fijándose en lo que se revela y oculta, lo que se nombra y lo que no. Política, naturaleza y feminismo son también inquietudes fundamentales de la austriaca.

Ya en los noventa incorporó a buena parte de sus trabajos pies, zapatos, suelas o guantes como metáfora de la presencia humana, a veces en un sentido alegórico y otras formal. De esa fase se suman al Reina Sofía diecisiete piezas, entre ellas la decena de fotografías que integran la serie Pequeño teatro de derivas (1994), compuesta por miniescenas de personajes solos, dúos o tríos, y carácter escenográfico.

Las obras más recientes de Lootz donadas a la Fundación Museo Reina Sofía son dos instalaciones en las que la autora dialoga con el espacio (Tú y yo II y Niña de postguerra, de 2002 y 2005) y seis audiovisuales datados entre 2002 y 2011; este tipo de piezas de la artista carecían de representación en el Museo. Hace dos décadas, en 2002, el Reina Sofía presentó en el Palacio de Cristal su instalación La lengua de los pájaros, en la que se aprovechó el parecido del espacio con una gran pajarera para generar un ambiente comunicativo basado en la forma de expresión de los pájaros: el sonido, el canto.