IFEMA trabaja ya en la organización de ARCOmadrid 2024, que se celebrará del 6 al 10 de marzo del año que viene en los pabellones 7 y 9 de Feria de Madrid, y ha anunciado hoy que el Caribe será su geografía protagonista, aunque se planteará una noción expandida de lo caribeño, no limitada solo a su territorio físico. Desde ese espíritu, se mantendrá activa la honda conexión habitual de la feria con Latinoamérica, participando una veintena de galerías llegadas del subcontinente, seleccionadas por Sara Hermann y Carla Acevedo-Yates.

Sabemos también que la que será la 43ª edición de ARCO mantendrá sus secciones tradicionales y que su Comité Organizador lo integrarán José Aloy (Polígrafa Obra Gràfica), Elba Benítez (Galería Elba Benítez), Eduardo Brandão (Vermelho), Vera Cortês (Vera Cortês), Henrique Faria (Henrique Faria), Pedro Maisterra (Maisterravalbuena), Alex Mor (Mor Charpentier), Iñigo Navarro (Leandro Navarro), Sten Nordenhake (Nordenhake), Silvia Ortiz (Travesía Cuatro) y Rosa Santos (Galería Rosa Santos).

Así, Opening tomará nuevamente el pulso a la escena internacional del galerismo joven, a través de una selección de salas escogidas por Yina Jiménez Suriel y Cristina Anglada, y el programa Nunca lo mismo. Arte latinoamericano, que será comisariado por Manuela Moscoso y José Esparza Chong Cuy, continuará investigando la diversidad de formas, prácticas y sensibilidades artísticas que se cultivan en Latinoamérica. Por su parte, ArtsLibris se mantendrá como espacio de referencia para los interesados en las publicaciones de artista, la autoedición, el fotolibro y el pensamiento contemporáneo.

En el Foro y los Encuentros Profesionales de ARCOmadrid se debatirá, además, sobre el coleccionismo y el Caribe.

La tabla que representa el infierno atrae más a menudo y con más intensidad la mirada de quienes contemplan en el Museo del Prado El jardín de las Delicias de El Bosco; así se desprende de un estudio científico realizado por la pinacoteca en colaboración con el Instituto de Bioingeniería de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

En esta investigación, se ha empleado tecnología que permite registrar la posición de los sujetos en la sala 56A, medir el tiempo que cada persona miraba la tabla y a qué parte de ella prestaban atención, además de registrar el tamaño de las pupilas, que tiene que ver con las respuestas emocionales. Los datos recogidos indican que el tiempo promedio de observación del panel del Infierno fue de 33,2 segundos/metro cuadrado, frente a los 26 de la tabla central y los 16 del Paraíso.

Una de las últimas teorías desarrolladas en torno a este tríptico, pintado hacia 1500, lo concibe como una pieza de conversación: en el Palacio de Nassau belga, su primer destino, sus dueños lo mostraban a la élite de la época y conversaban sobre él; como ocurre a diario en el Prado, donde esta pieza registra algunos de los datos más elevados en cuanto a número y tiempo de las visitas: 4:08 minutos.

Los participantes en este estudio han utilizado gafas de seguimiento ocular que, conectadas a un ordenador, registraban de manera independiente la dirección de la cabeza, la de los ojos y los movimientos sacádicos – los rápidos y simultáneos que realizan ambos ojos cuando están observando-, así como el tamaño de cada una de las pupilas. Ese recorrido visual parte, casi en la mitad de los casos, del panel izquierdo de la obra, continuando luego al central y finalizando en el derecho.

Por último, el estudio ha establecido una medición iconográfica, según el tiempo de observación de elementos más concretos dentro de la pintura, como las fuentes, algunos pájaros o el misterioso autorretrato de El Bosco, el único que se diferencia en escala del resto de los personajes. Se ha generado así un mapa de calor que capta las partes de la obra que más llaman la atención de los observadores.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado este viernes el nombramiento de Pedro González Díez como nuevo director del Museo Casa de Cervantes de Valladolid, centro de titularidad estatal.

Nacido en Ponferrada en 1980, González Díez es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de León, desde 2009 perteneció al Cuerpo de Ayudantes de Archivos, Bibliotecas y Museos del Estado y, desde 2018, al Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos. Como tal, ha participado en estancias en el Museo Arqueológico Nacional y en la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes (Madrid), y trabajado en el propio Museo Casa de Cervantes y en el Museo Nacional de Escultura, ambos vallisoletanos. Su trayectoria profesional ha estado ligada al ámbito de la programación de actividades culturales, la coordinación de muestras temporales, la conservación preventiva y la investigación de colecciones.

Desde enero de 2019, asimismo, era responsable del Departamento de Comunicación y Relaciones Institucionales del Museo Nacional de Escultura. Su incorporación al Cervantes se producirá en los próximos días.

La leonesa Galería Espacio E acoge, hasta el 2 de julio, la muestra “La voz del Bosque” de David Vimar, que a finales del año pasado se sumó a nuestros Fichados. Exhibe este autor madrileño trabajos que reflexionan sobre nuestras posibilidades de conexión con la naturaleza y sobre el poder comunicativo de los bosques; hay que recordar que la ciencia ha explorado los lazos y la mutua dependencia entre la vegetación que puebla esos ecosistemas, el tejido subterráneo complejo que componen raíces y hongos y que hace posible su mera existencia.

A esa red, de carácter simbiótico, se la llama micorriza, y en definitiva permite a los árboles compartir información sobre su estado y sus niveles de nutrición, una información que es transmitida a partir de ejemplares “madre” que, desde el centro de ese tejido, posibilitan la regeneración y la pervivencia del conjunto y también liberan compuestos químicos que se perciben a través de los estomas de las hojas cuando se producen incendios, plagas y otros males ambientales.

Interesan a Vimar, del mismo modo que ha estudiado la comunicación humana, los sistemas que permiten a los árboles funcionar cooperativamente, a veces como si compusieran una unidad, y establece analogías entre ellos y las redes neuronales y sociales del ser humano, dejándose influir en esa senda por estudios de científicos como Suzanne Simard y David George Haskell, entre otros. Entre la veintena de piezas que podemos contemplar en León encontraremos esculturas, fotografías o pinturas elaboradas con humo de vela sobre lino natural; ha tratado de emplear materiales orgánicos, haciendo referencia a sus propiedades desde las composiciones.

Hasta el próximo 10 de septiembre, el Museo Lázaro Galdiano despliega en su sexta sala 17 obras impresas o manuscritas seleccionadas entre los 20.000 volúmenes que componen el fondo histórico y patrimonial de su Biblioteca. Se trata de piezas datadas entre los siglos XIII y XX, entre las que se encuentran libros que, por razones de conservación, no suelen encontrarse disponibles para la visita del público: desde uno de los códices más antiguos, el incunable Las propiedades de las cosas (siglo XV), a una bella copia manuscrita del Corán que presenta decoración iluminada y policromada o la primera edición, publicada en Londres y elegantemente ilustrada, de El Quijote. Podemos contemplar, también, un álbum romántico de composiciones poéticas, musicales y dibujos que se dedicó a María Dolores Perinat y Ochoa de Pacheco.

José Lázaro confesó en una carta a Clarín el sentir delirio por las letras, y su Biblioteca es tremendamente variada y extensa. Según José Simón Díaz, bibliógrafo y filólogo español, sus fondos solo son comparables a las colecciones que algunas casas nobiliarias e instituciones eclesiásticas acumularon a lo largo de varios siglos.

El Museo Guggenheim Bilbao, obra de Frank Gehry, ha recibido el Premio Veinticinco Años que concede el Instituto Americano de Arquitectos, radicado en San Francisco. El jurado ha valorado que se trata “un edificio que ha sentado un precedente durante los últimos 25 años y continúa estableciendo estándares de excelencia por su diseño arquitectónico y su importancia”.

Señala también este organismo que el Museo Guggenheim fue concebido en un momento decisivo en la transición entre la práctica analógica y la digital y que, desde su apertura en 1997, constituye una parte integral de la vida urbana de la capital vizcaína. Su edificación fue posible gracias a la colaboración entre Frank O. Gehry, la Solomon R. Guggenheim Foundation y las instituciones vascas.

Por tercer año consecutivo, las galerías barcelonesas Bombon, Joan Prats y NoguerasBlanchard abren sede durante el verano en el Ampurdán. Entre el 24 de junio y el 27 de agosto, la antigua fábrica de harina La Torre del pueblo medieval de Corçà, en Girona, acogerá una muestra que reunirá a once artistas que trabajan diferentes lenguajes creativos, potenciándose las relaciones entre sus piezas y este espacio: serán Alfons Borrell, Ludovica Carbotta, Juliana Cerqueira Leite, Joana Escoval, Lara Fluxà, Joan Hernández Pijuan, Joan Miró, Ester Partegàs, Josep Ponsatí, José María Sicilia y Tadáskía.

El edificio pudo tener función defensiva en época medieval y después se convertiría en el primer enclave industrial de La Bisbal. Dejando su actividad en los años treinta del siglo pasado, este año se convertirá en galería, de 500 metros cuadrados repartidos en ocho salas.

Como novedad, las salas anfitrionas han invitado a colaborar en la iniciativa al estudio de arquitectura La Base y a la editorial Terranova, para potenciar los lazos entre arte, arquitectura, diseño y libros de artistas. Asimismo, se presentará el último trabajo del fotógrafo Oliver Frank Chanarin: el libro A Perfect Sentence.

En el marco de la programación del Festival OFF de PHotoESPAÑA, la galería madrileña Cámara Oscura exhibe el proyecto Muséum, de Mendia Echeverría. Consta de fotografías que documentan la arquitectura y la memoria del Museo Nacional de Historia Natural de París: se configuran a modo de atlas visual en el que investigar el rol de todo museo en el siglo XXI, más allá de cobijar retazos del pasado.

Entiende Echeverria que la memoria, como base de la cultura de una sociedad, ha de ser también la de su educación, y que los museos son una vía para enseñar y traer desde lugares lejanos aquello de lo que solo se tenía constancia a través de los libros.

El Ministro de Cultura y Deporte, Miquel Iceta, propondrá mañana al Consejo de Ministros el nombramiento de Manuel Segade como nuevo director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, tomando el relevo de Manuel Borja-Villel.

Segade, desde 2015 al frente del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, ha sido el candidato que ha obtenido mayor puntuación en un proceso de selección que comenzó el pasado 10 de febrero y que ha contado con las valoraciones de un Comité Internacional formado por Christophe Cherix, Conservador jefe de Dibujo y Grabado del Museum of Modern Art de Nueva York; Cuauhtémoc Medina González, conservador jefe del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de México DF; Joanna Mytkowska, directora del Museo de Arte Moderno de Varsovia; Gloria Moure, historiadora del arte, crítica, comisaria y editora, exdirectora del CGAC de Santiago de Compostela; y María Nicanor, directora del Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum de Nueva York.

Nacido en A Coruña en 1977, Segade es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y fue coordinador de programación del espacio Metrònom de la Fundación Rafael Tous d’Art Contemporani de Barcelona y comisario jefe del Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela). Ha comisariado durante dos décadas numerosas exposiciones dentro y fuera de España -la más reciente, la que Alcalá 31 dedica actualmente a Juan Muñoz– y también ha impartido docencia en el Magasin Centre National des Arts Plastiques de Grenoble (Francia) y en centros universitarios de Sudáfrica y Brasil.

Asimismo, es miembro fundador del European Art Assembly, un punto de encuentro de varios directores de instituciones dedicadas al arte contemporáneo en Europa, y del European Forum For Advanced Practices.

El Patronato de la Fundació Antoni Tàpies ha anunciado hoy el nombramiento de Imma Prieto como directora de esta institución en los próximos cinco años, tras ganar por unanimidad el concurso internacional que se convocó el pasado septiembre. La comisión de expertos que la ha seleccionado ha estado formada por María Dolores Jiménez Blanco y por los miembros del citado Patronato Ferran Rodés, Manuel Borja-Villel, Toni Tàpies, Àlex Nogueras, Marta Clari y Sònia Hernández Almodóvar.

Prieto, comisaria, investigadora y escritora, ha sido directora de Es Baluard. Museo de Arte Contemporáneo de Palma en los últimos cuatro años, docente durante más de una década en varias universidades catalanas y mánager del grupo de investigación europeo ELAA (European Live Art Archive, 2008-2012), formado por la Universidad de Oxford, la Universidad de Girona y la residencia de artistas Glogauair de Berlín. También ha colaborado con otros grupos de investigación internacional, como Emergence del arte vidéo en Europe (1960-1980), formado por la Université Paris 8.

Según un comunicado de la Fundación, la comisión de expertos ha tenido en cuenta, además de su formación académica y trayectoria profesional, su conocimiento de la obra de Antoni Tàpies y su experiencia en el ámbito internacional. Su incorporación tiene lugar en un año importante para la institución, que inaugura el próximo diciembre la conmemoración del centenario del nacimiento del artista catalán.

La dirección de la Fundación llevaba vacante desde enero de 2020, tras la marcha de Carles Guerra. En estos años, el equipo gestor del centro ha asumido la labor de dirección.

El artista norteamericano de origen vietnamita Tuan Andrew Nguyen ha resultado ganador de la octava edición del Premio Joan Miró, que este año otorga la Fundació Joan Miró con la colaboración de la Stavros Niarchos Foundation y que se ha consolidado como uno de los galardones más prestigiosos internacionalmente en el ámbito del arte contemporáneo. El jurado ha valorado el compromiso social, político y ambiental de su obra, dedicada a asuntos relacionados con la historia, la memoria colectiva y el impacto del colonialismo, así como el rigor y poesía de sus proyectos, en los que Nguyen conjuga imagen en movimiento y escultura. La Stavros Niarchos Foundation se hará cargo de la dotación del premio y de la producción de la exposición monográfica que el autor protagonizará el año próximo en la Fundació.

Este reconocimiento se otorga cada dos años y anteriormente ha recaído en Olafur Eliasson (2007), Pipilotti Rist (2009), Mona Hatoum (2011), Roni Horn (2013), Ignasi Aballí (2015), Kader Attia (2017) y Nalini Malani (2019). Su jurado esta vez lo han formado Hoor Al Qasimi, presidenta y directora de la Sharjah Art Foundation; Katerina Gregos, directora artística del Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Atenas; Haeju Kim, jefa de Conservación del Singapore Art Museum; Ann-Sofi Noring, antigua codirectora del Moderna Museet de Estocolmo y miembro de la junta de la Real Academia Sueca de Bellas Artes; y Marko Daniel, director de la Fundació Joan Miró.

Entienden que el compromiso, la profundidad y la imaginación características de la producción de Nguyen, nacido en 1976 en Ho Chi Minh, lo conectan con rasgos de la obra de Joan Miró.

ARCOlisboa finalizó su sexta edición el pasado domingo tras recibir 13.000 visitantes, superando cifras previas a la pandemia. Han participado en la cita 86 galerías de 23 países, lo que supone un aumento del 32% de salas respecto al año anterior y un récord de participación en estos seis años. 150 coleccionistas llegados de Europa y América recalaron en la Cordoaria Nacional.

Entre las compras conocidas, se encuentran las de la Câmara Municipal de Lisboa, que ha adquirido 22 obras de una decena de artistas: Andreia Santana (Filomena Soares), António Bolota (Vera Cortês), René Tavares (This is not a White Cube), Jorge Molder (Miguel Nabinho), Maria Trabulo (Presença), Luísa Jacinto (Quadrado Azul Galeria), Yonamine (Cristina Guerra Contemporary Art), Adriana Molder (Galeria 111), Dayana Lucas (Lehmann + Silva) y Daniela Ângelo (Francisco Fino Galeria).

La Fundaçao EDP, por su parte, se ha hecho con piezas de Eugénia Mussa (Monitor), René Tavares (This is not a White Cube), Sara Chang Yan (Madragoa), Ana Manso (Pedro Cera), Bruno Cidra (Bruno Múrias), Hugo Brazão (Balcony Gallery) y Maria Durão (Kubikgallery), mientras la Fundación ARCO, con la asesoría de Manuel Segade y João Laia, ha anunciado adquisiciones de Yuli Yamagata (Madragoa) y Alejandra Venegas (Dürst Britt & Mayhew), que pasarán a formar parte de la Colección Fundación ARCO, situada en el CA2M de Móstoles. Por último, Vieira de Almeida ha incrementado sus fondos con la compra de una obra de Fernanda Fragateiro, en Filomena Soares.

Como novedad, y con un jurado formado por Filipa Oliveira y Ángel Calvo Ulloa, se ha concedido el Primer premio Fundação Millenium BCP al mejor stand de la feria, que ha sido para la Galería Vera Cortês, mientras el Premio Opening Lisboa, que cumple cuatro ediciones, ha recaído en la sala rumana Anca Poterasu. Su jurado ha estado formado por Beatriz Alonso, Ela Bittencourt, Lucía Casani, Natxo Checa, Bárbara Rodríguez, de nuevo Manuel Segade y Luis Silva.

Conocemos ya las fechas de la séptima edición de ARCOlisboa: se celebrará del 22 al 25 de mayo de 2024, también en la Cordoaria Nacional.

La comisaria y gestora portuguesa Sandra Guimarães será la primera directora del Museo Helga de Alvear de Cáceres, tras ganar el concurso público internacional convocado por el centro en noviembre del 2022. La ha seleccionado una Comisión de Valoración presidida por la galerista Helga de Alvear y compuesta por Manuel Borja-Villel, anterior director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Udo Kittelmann, director artístico del Museo Frieder Burda de Baden-Baden; Ute Meta Bauer, directora del NTU Centre for Contemporary Art de Singapur; Nuria Enguita, directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno; Mercedes Roldán Sánchez, Subdirectora General de Museos Estatales del Ministerio de Cultura; Ana Jiménez del Moral, Técnica de Arte de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura; y María Jesús Ávila, Coordinadora del Museo Helga de Alvear, esta última en calidad de secretaria.

Han atendido, según ha anunciado el Museo, a “la carrera internacional de la candidata, que le aporta una amplia experiencia y una red de contactos con instituciones museísticas, artistas y profesionales que se consideran determinantes para la proyección internacional que se pretende dar al Museo Helga de Alvear, y que se completa con su conocimiento y experiencia en Portugal, considerado un país clave en el ámbito de relaciones a propiciar en la nueva fase que se abre para el Museo”. También han valorado su bagaje como comisaria de exposiciones y su conocimiento de los fondos de la Colección Helga de Alvear.

Guimarães, que se incorporará al equipo del centro cacereño en los próximos meses, era desde 2020 directora artística de Bombas Gens (Valencia) y ha sido comisaria en el Museu Serralves de Oporto, su ciudad, entre 1998-2010, así como directora de programas en Remai Modern (Saskatoon, Canadá) entre 2015 y 2019.

Hasta el próximo 29 de julio y bajo el comisariado de Paco Barragán, Blanca Berlín se suma al Festival OFF de PHotoESPAÑA de la mano de la muestra colectiva “IN SUB/URBIA”, que cuenta con trabajos de artistas internacionales que ofrecen visiones críticas, poéticas u oníricas sobre distintas tipologías urbanas: espacios interiores más o menos intimistas y captados desde enfoques, a veces, pictorialistas (Alexandra Ranner, José Manuel Ballester) y lugares de culto como iglesias (Darren Siwes, Chus García-Fraile), urbanizaciones de playa sin personalidad (Sergio Belinchón), aparcamientos y puentes (Igor Mishiev, Aitor Ortiz), andamios o azoteas (Martin Liebscher, Brad Temkin), hangares (Rosemary Laing) y no-lugares (Íñigo Lasheras).

Propone a su vez esta exhibición una investigación sobre las diversas estéticas y lenguajes fotográficos frecuentes en la fotografía escenificada (Laing), la manipulada con Photoshop (García-Fraile, Mishiev, Ballester, Ortiz), la documentalista-conceptual (Belinchón, Temkin, Lasheras), la realizada a partir de maquetas (Ranner) o la que surge a raíz de la manipulación del tiempo de exposición (Siwes, Liebscher).

Hasta el próximo 15 de julio, la Galería Elvira González de Madrid presenta el proyecto “Las Islas Vírgenes” de Jorge Macchi. El artista argentino, autor de ficciones visuales en las que se vale del humor como vía de acercamiento al espectador, ha utilizado objetos, signos y conceptos, y muy diversas técnicas y materiales, para generar imágenes abiertas al recuerdo, la poesía y el misterio.

En las piezas ahora reunidas, ha querido llamar nuestra atención sobre aquello que no vemos y sobre los límites que separan lo asible de lo inasible; a veces, la arquitectura ejerce ese rol.

La comisaria e historiadora del arte belga-británica Zoë Gray será directora de exposiciones en el BOZAR de Bruselas desde el próximo 1 de septiembre. Cuenta con un amplio bagaje en instituciones de arte contemporáneo tanto nacionales como internacionales y, desde 2015, era comisaria senior en WIELS, también en la capital belga. En este último espacio ha desarrollado un programa de exhibiciones caracterizadas por conjugar arraigo local y atractivo internacional.

Anteriormente trabajó en Francia como directora artística de la Bienal de Rennes (2014) y como directora de proyectos de la Fundación LUMA en Arlés (2012-2013); fue, asimismo, comisaria en el Kunstinstituut Melly (antes Witte de With) en Rotterdam (2006-2012) y organizó varias exposiciones internacionales como curadora invitada.

John M. Coetzee, Premio Nobel de Literatura hace justo dos décadas, será el primer autor en formar parte del proyecto Escribir el Prado, una propuesta anunciada por la pinacoteca, en colaboración con la Fundación Loewe, por la que se invitará a escritores internacionales de prestigio a desarrollar narrativas a partir de las colecciones del Museo.

El autor de Esperando a los bárbaros, de origen sudafricano, convertirá el Prado en su centro de actividad y contemplación durante tres semanas, desde finales de junio hasta mediados de julio, y escribirá un texto vinculado al Museo que será el primero de una serie que se centrará en la exploración de los lazos expresivos entre la ficción y las artes plásticas. Durante su estancia en Madrid, Coetzee mantendrá igualmente un coloquio abierto al público con su traductora al español, la filósofa y escritora Mariana Dimópulos.

Nacido en Ciudad del Cabo en 1940, el escritor ha publicado hasta ahora diecinueve novelas, así como crítica literaria, cultural y traducciones, y ha recibido el premio Booker en dos ocasiones, además del Nobel. Reside actualmente en Adelaida (Australia), en cuya universidad es profesor, y ha sido asimismo docente invitado a las de Harvard, Johns Hopkins y Stanford.

El Museu Nacional d´Art de Catalunya ha anunciado el inicio, en este mes de mayo, de los trabajos para incorporar a sus conjuntos pictóricos de Sant Climent de Taüll, Sant Pere del Burgal y Sant Joan de Boí fragmentos de pintura mural que este centro conservaba hasta ahora en la reserva. Una vez finalizadas las obras, explica el MNAC que se habrá enriquecido de forma significativa la lectura de uno de los mayores tesoros de sus fondos.

Los diversos equipos técnicos del Museu han colaborado en la recuperación de estos fragmentos, con el fin de identificarlos, estudiarlos y restaurarlos. Una vez conocida su ubicación original, se incorporarán paulatinamente a las salas de exposición, en una operación que está previsto que acabe en septiembre.

En los casos concretos de Sant Climent de Taüll y Sant Pere del Burgal, se sumarán a los fragmentos expuestos figuras de gran tamaño y cuya iconografía se conserva muy íntegra, como la de Caín en el ábside de Taüll. En cuanto a Sant Joan de Boí, sus pinturas se completarán con ornamentaciones que correspondieron a las columnas de la iglesia.

El añadido de estas pinturas a las salas de la colección abiertas al público ha implicado la realización de unas actuaciones previas complejas y extensas: el estudio de los fragmentos, su historia y localización, la consolidación y limpieza de los materiales, la realización de calcos de las imágenes para comprobar su posible encaje y la realización de análisis químicos que han ofrecido información sobre la naturaleza de los pigmentos, además de datos inéditos sobre el proceso de ejecución original de las pinturas utilizado por los maestros medievales.

Este proyecto coincide con la celebración de los nueve siglos transcurridos desde la consagración de Sant Climent y Santa Maria de Taüll y con el centenario del redescubrimiento, arrancamiento y musealización de las pinturas murales y de la formación del núcleo principal de la colección actual de arte románico del MNAC. La conmemoración continuará hasta 2025 e incluye, en el año en que estamos, la apertura de un nuevo espacio dedicado al Maestro de Cabestany, un proyecto en los valles de Àneu y un simposio internacional organizado conjuntamente con la Sapienza Università di Roma y la Universitat Autònoma de Barcelona, que tendrá lugar en septiembre en el centro barcelonés y en Boí.

Además, el MNAC prepara una página especial dedicada a estas nuevas aportaciones en su web (museunacional.cat/mesromanic), que contará con un diario de campaña.

La expansión internacional de Opera Gallery, fundada en 1994 por Gilles Dyan, llega a Madrid, donde el galerista acaba de inaugurar su nueva sede, que constituye la decimoquinta en el mundo. Ubicada en el número 56 de la calle Serrano, en el barrio de Salamanca, la galería abre sus puertas con la exposición colectiva “Loving Picasso”, un homenaje al malagueño, coincidiendo con la celebración del 50 aniversario de su fallecimiento. En ella se puede ver una selección de obras de grandes maestros del siglo XX, que subrayan el potencial de este artista universal como factor determinante en la historia del arte de los siglos XX y XXI.

Un retrato de Picasso pintado por Botero, a partir de una foto de Picasso en su estudio realizada por Brassaï, da la bienvenida al imponente espacio de la galería, que cuenta con un total de 1000 metros cuadrados para exposición repartidos en tres plantas. Obras de Picasso, Chagall, Léger, Miró, Soluages o Calder, se distribuyen por el espacio generando un diálogo con piezas de otros artistas de generaciones más jóvenes como Saura, Manolo Valdés, Genovés (cuyo patrimonio está ahora representado internacionalmente en exclusiva por Opera Gallery), Barceló, George Condo, David Kim Whittaker, Alex Katz, Lila Cabellut o Andy Denzler.

La responsable de dirigir esta galería especializada en arte moderno y contemporáneo será Belén Herrera Otino, que llega a Opera Gallery desde Marlborough, donde ha desarollado su carrera profesional durante las últimas dos décadas.