ARCOlisboa 2020 tendrá edición online, desde el 20 de mayo

ARCOlisboa 2020 tuvo que suspender su edición física a causa de la pandemia de coronavirus, pero sí tendrá desarrollo online, a partir del 20 de mayo y durante cuatro semanas, hasta el 14 de junio. Podremos acceder a las propuestas de las galerías participantes en arcolisboa.com, con la colaboración de artsy.net, y no solo tendrán presencia las salas pertenecientes a su Programa General, sino también las de las secciones Opening y Africa en Foco. A ello se sumará un completo programa de Foro con conversaciones entre profesionales del arte contemporáneo que conectarán la escena portuguesa con una audiencia internacional.

A ARCOlisboa 2020 acudirán, virtualmente, las portuguesas Cristina Guerra, Filomena Soares, Pedro Cera, Vera Cortês, Balcony, Bruno Murias, Madragoa y Nuno Centeno. Entre las galerías españolas, no faltarán Elba Benítez, Elvira González, Heinrich Ehrhardt, Helga de Alvear o Juana de Aizpuru, y también participarán las internacionales Balice Hertling (París), Georg Kargl (Viena), Greengrassi (Londres), Marcelo Guarnieri (São Paulo) o Sokyo (Kyoto).

La sección Opening, comisariada por primera vez por Kunsthalle Lissabon, ofrecerá una selección de galerías que se estrenan en la feria, presentando nuevos contenidos para la ocasión. Por su parte, Paula Nascimento selecciona por segundo año las galerías del programa África en Foco.

Artsy.net permitirá explorar ARCOlisboa 2020 y descubrir la selección que cada galería ha preparado especialmente para esta edición digital, además de las obras que diferentes comisarios y coleccionistas invitados destacarán semanalmente con la iniciativa Curators and Collectors Pick, entre ellos Luiza Teixeira de Freitas, Bruno Leitão y João Laia.

El Foro de ARCOlisboa, al que se accederá a través de arcolisboa.com, presentará un promedio de tres charlas semanales transmitidas en directo. De esas conversaciones formarán parte coloquios con artistas, dirigidos por Kunsthalle Lissabon – João Mourao y Luis Silva-, Paula Nascimento y Filipa Oliveira, con la participación de creadores como Nadia Belerique o Diana Policarpo. También se preparan diálogos con coleccionistas portugueses, como Armando Cabral y António Cachola, dirigidos por Tiago de Abreu Pinto, además de un análisis de las instituciones portuguesas de arte contemporáneo y la dinámica escena del arte contemporáneo del país, en sesiones dirigidas por Miguel Mesquita y João Ribas. El programa contará asimismo con la colaboración de la Consejera de Cultura de la Câmara Municipal de Lisboa, Catarina Vaz Pinto, y de Tobi Maier, director de Galerias Municipais da Egeac, y se completará con conversaciones sobre publicaciones de arte contemporáneo dirigidas por Arts Libris.

Vista de la Cordoaria Nacional portuguesa
Vista de la Cordoaria Nacional portuguesa

El Centro Botín de Santander reabre al público el 12 de mayo

La reapertura del Centro Botín de Santander, tras su obligado cierre por la crisis del coronavirus, ya tiene fecha: podrá ser visitado desde mañana, 12 de mayo. La Fundación Botín ha tomado la decisión de reiniciar su actividad de cara al público lo antes posible, según un comunicado, desde el convencimiento de que las artes contribuyen al desarrollo personal y de la creatividad y con el fin de contribuir a la reactivación de la economía y a la progresiva recuperación del turismo en Cantabria. Para ello, adaptará su funcionamiento y el desarrollo de sus actividades a las recomendaciones sanitarias.

Su horario provisional será de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas y las exposiciones que podrán visitarse son las que el centro tuvo que cerrar el pasado marzo: “Anri Sala: As you go (Châteaux en Espagne)”, “Coleccionando procesos: 25 años de Itinerarios” y “Retratos: Esencia y Expresión“. Por el momento, recordamos, podrán disfrutar de ellas los ciudadanos residentes en Santander y Cantabria.

Anri Sala. As you go, 2019. Cortesía de Anri Sala
Anri Sala. As you go, 2019. Cortesía de Anri Sala

La web del Museo del Prado supera los 12,5 millones de visitas desde el inicio de nuestro confinamiento

Desde el pasado 12 de marzo, día en el que el Museo del Prado cerró sus puertas y muchos madrileños iniciaron su confinamiento debido a la crisis sanitaria derivada del COVID-19, la página web del centro ha superado los 12,5 millones de visitas, siendo la sección que ha suscitado más interés Explora la Colección, y su versión en inglés, Explore the Collection. De hecho, esa adaptación al inglés del explorador de los fondos de la pinacoteca online ha sido la página más visitada del portal del Prado, con un incremento del 360% de usuarios.

En su conjunto, el número de visitas a la web del Museo se ha incrementado en un 232% con respecto al mismo periodo del año pasado y en un 250% respecto a los meses de enero y febrero de este 2020.

Por otro lado, el programa de acciones online #PradoContigo ha permitido al centro garantizar el acceso al conocimiento de sus obras y artistas y que estas piezas se muestren más accesibles que nunca en la distancia: junto a España, los países de donde proceden la mayor parte de los usuarios son Italia, Estados Unidos, México y Argentina.

Bajo ese hashtag, #PradoContigo, se reúnen acciones como Descubriendo la colección, una nueva serie de vídeos en la que especialistas de todas las áreas explican obras, que sin ser muy conocidas, resultan fundamentales para profundizar en aspectos esenciales del acervo del Prado; Conversaciones en directo, que tienen lugar los viernes a las 12:00 horas en Instagram (en ellas los responsables de las distintas colecciones del Prado y su conservación comentan las obras que tienen a su cargo y responden las preguntas que los usuarios envían durante la semana al correo redes@museodelprado.es) o la nueva etapa de #PradoEducacion, que da continuidad virtual a las actividades presenciales que se desarrollaban en el Museo antes de su obligado cierre, como El Prado en familia, El Prado para todos o recorridos e itinerarios.

Son más de tres millones los seguidores del Museo en Twitter, Facebook e Instagram que pueden disfrutar a diario de estos proyectos desde sus casas.

El Bosco. La exposición del V centenario del Museo del Prado gana el Global Fine Art Award 2016
El Bosco. La exposición del V centenario. Museo del Prado

JUST ONE DAY: JUSTMAD organiza una subasta en Instagram

JUST ONE DAY es una iniciativa puesta en marcha por JUSTMAD que pretende apoyar a las galerías y los artistas participantes en la feria madrileña en este periodo incierto a raíz de la crisis del COVID-19. Se trata de una subasta de obras que tendrá lugar en Instagram, en el perfil de esta muestra: @justfairs.

El próximo 14 de mayo, de 11:00 a 21:00 horas, podremos encontrar en dicho perfil las imágenes de los trabajos por los que podrá pujarse, junto a sus datos: autoría, año de realización, tamaño, técnica y soporte. Todas las piezas partirán de un precio de salida de 200 euros y las pujas se efectuarán, de 20 en 20 euros, mediante comentarios en las imágenes. Finalmente, cada obra se adjudicará a quien, a las 21:00 horas, haya ofrecido la suma más elevada.

JUST ONE DAY: JUSTMAD organiza una subasta en Instagram

Muere Paul Kasmin, el galerista ecléctico

Paul Kasmin, galerista británico que estableció un pequeño pero selecto conjunto de galerías propias en Nueva York, falleció el pasado 23 de marzo en esa ciudad a causa del cáncer. Tenía 60 años.

Sus espacios de exhibición en Manhattan, alrededor de la intersección de 10th Avenue y West 27 Street, han presentado en los últimos treinta años exposiciones que se mantenían, en buena medida, al margen de tendencias y que ofrecían visiones menos estandarizadas que las de otras firmas de galerías con mayor número de sedes. En ellos podían encontrarse desde nuevas abstracciones de Frank Stella a las pinturas kitsch y salvajemente populares de Mark Ryden, de exhibiciones de corte académico dedicadas a Brancusi o Duchamp a las centradas en el falso estilo naturalista de Walton Ford. Por las salas Kasmin también pasó la producción fotográfica de Andy Warhol, Peter Hujar, Ron Galella o David LaChapelle.

La amplitud de su gusto parecía muy británica (algunas de sus elecciones fueron cuestionadas por los comités de selección de más de una feria de prestigio), pero él no consideraba decisivo su origen, sino la influencia de otro galerista, Robert Miller, con quien entabló amistad en los ochenta, cuando Kasmin aún trabajaba en Londres ocupándose, sobre todo, de fotografía vintage.

Roxy Paine. Thermoplastic Flux. Cortesía del artista y la Paul Kasmin Gallery
Roxy Paine. Thermoplastic Flux. Cortesía del artista y la Paul Kasmin Gallery

 

ART PARIS cancela su edición de 2020

Atendiendo a las últimas medidas adoptadas por el gobierno francés para prevenir la expansión del coronavirus, entre ellas la prohibición de eventos que impliquen reuniones públicas hasta mediados de julio, ART PARIS ha anunciado la cancelación de su 22ª edición, inicialmente anunciada para la primera semana de abril y después pospuesta a mayo.

La organización de la feria trabajó hasta el último momento en una tercera posibilidad, la de presentarla del 1 al 5 de julio, pero finalmente no ha podido ser. Iban a participar en la cita 150 galerías de una veintena de países en torno a dos ejes temáticos, centrados en la escena francesa y en la Península Ibérica.

Ya conocemos, eso sí, las fechas de su próxima edición: se celebrará del 7 al 11 de abril de 2021 en el efímero Grand Palais del Campo de Marte, una estructura temporal diseñada por Jean-Michel Wilmotte, dado que el Grand Palais, su sede habitual, permanecerá cerrado por obras hasta el verano de 2024 (su reapertura coincidirá con la celebración de los Juegos Olímpicos en la capital gala).

ART PARIS agradece el apoyo de galerías, instituciones culturales y patrocinadores en esta coyuntura y manifiesta su solidaridad hacia las víctimas del coronavirus y hacia quienes luchan directamente contra la enfermedad.

Michael Biberstein. Cedars, 2008. Galerie Jeanne Bucher Jaeger
Michael Biberstein. Cedars, 2008. Galerie Jeanne Bucher Jaeger

Antes de volver a su casa, el Cordero Místico pasará por las nuestras gracias a la iniciativa digital ”Stay at Home Museum”

Jan van Eyck. Detalle del Altar del Cordero Místico de la Catedral de San Bavón de Gante
Jan van Eyck. Detalle del Altar del Cordero Místico de la Catedral de San Bavón de Gante

El pasado mes de febrero se abría en Gante la mayor exposición de Van Eyck con motivo de la celebración del año temático dedicado al genial pintor flamenco. Como otros museos del mundo, el Museo de Bellas de Artes de la ciudad belga también ha tenido que cerrar sus puertas al público debido a la alerta por la expansión del COVID-19. Sin embargo, “Van Eyck: una revolución óptica” se vuelve virtual gracias a la propuesta “Stay at Home Museum”, lanzada por VISITFLANDERS, que pone a disposición de los internautas las obras de Jan van Eyck.

Para hacer más especial esta experiencia online, el miércoles 8 de abril, a las 19 horas, el co-comisario de la muestra, Till-Holger Borchert, ofrecerá una visita guiada a través de un vídeo en Facebook Live. Después, la experta en arte Frederica Van Dam responderá personalmente a las preguntas en una sesión de preguntas y respuestas en vivo. Los que no podáis seguir la visita en directo, no os preocupéis, ya que tendréis la posibilidad de verla con posterioridad en el canal de Youtube de VISITFLANDERS.

Esta iniciativa puesta en marcha por Turismo de Flandes no se quedará solo en la exposición de Van Eyck, sino que se trabaja ya en otros contenidos especiales sobre la obra de maestros como Bruegel, Rubens o Ensor. Como ha señalado Peter De Wilde, CEO de VISITFLANDERS: “nuestros museos pueden estar cerrados pero nuestra pasión por los Maestros Flamencos no disminuye”.

 

The Stay at Home Museum. Turismo de Flandes

 

 

Elige y crea tu visita ideal en el Rijksmuseum

Seguimos compartiendo algunos recursos online que los museos de arte ponen a nuestra disposición y uno de nuestros favoritos, por entretenido y útil, sobre todo si además de visitarlo virtualmente tenéis en mente desplazaros hasta él, y seguro que seréis muchos los que podáis hacerlo en unos meses…, es el Rijksstudio del Rijksmuseum de Ámsterdam. La magnífica colección del museo y su avanzada web, pionera y modelo en el que otras potentes webs han buscado (y encontrado) inspiración, nos permite crear nuestras propias colecciones de obras que después, a través de la app del museo, se pueden convertir en recorridos reales, ofreciéndonos la ubicación de las piezas en un plano del museo, en caso de que se encuentren expuestas, y una audioguía de las obras escogidas.

Más allá de publicar nuestras colecciones y de visitar las propuestas por el museo, podemos navegar por las de multitud de usuarios que han hecho las suyas, explorando así la colección del Rijksmuseum desde diferentes puntos de vista, estilos e intereses temáticos.

Os animamos a bucear por las más de 675 mil obras que forman parte de la colección, de las que en salas se exponen hasta 8 514, y a crear vuestras visitas ideales u ofrecer alternativas originales. Nosotros ya hemos dado forma a nuestro primer recorrido y estamos pensando en nuevas propuestas temáticas para todos los que las quieran disfrutar.

 

Recorrido masdearte en el Rijksmuseum

 

 

Freud en sus autorretratos

El Museum of Fine Arts Boston presenta, hasta el 25 de mayo, una muestra que examina la evolución artística de Lucian Freud a partir de sus autorretratos. El británico es mejor conocido por sus retratos de terceros, pero aplicó a las representaciones propias el mismo ojo crítico e idénticos rigor y virtuosismo.

Regresó una y otra vez al género durante siete décadas: fue una de las claves temáticas de su carrera; de hecho, en Boston se presentan ahora cuarenta trabajos entre pinturas, dibujos y grabados fechados entre los años cuarenta y el siglo XXI. Trazan la evolución de su técnica y estilo: desde sus primeras obras lineales y gráficas hasta la carnosidad que se convirtió en el sello distintivo de su producción posterior. Estudió Freud el proceso de envejecimiento y los cambios que infligió el tiempo en su propia forma física.

Lucian Freud. Reflection (Self.portrait), 1985. Colección privada

El joven Rembrandt, en Oxford

El Ashmolean Museum de Oxford nos invita a rastrear el ascenso meteórico de Rembrandt en su carrera desde las primeras pinturas que realizó, siendo adolescente, en su ciudad natal de Leiden hasta las obras maestras que produciría en Ámsterdam una década después. Se trata de la mayor muestra dedicada, hasta ahora, a su producción de juventud: consta de una treintena de pinturas y noventa grabados procedentes de colecciones internacionales y privadas. Puede visitarse hasta el 7 de junio.

Pia Camil: Velo Revelo

El Clark Art Institute de Williamstown exhibe, hasta el 3 de enero del año próximo, una instalación específica y dos esculturas de tela a gran escala de Pia Camil. La primera consiste en una cortina elaborada con medias transparentes que viste la sala de lectura Manton, cubriendo parcialmente tanto una ventana como una pintura de los fondos de este centro, seleccionada por la propia Camil.

Las dos esculturas, por su parte, pertenecen a la serie Skins y se fechan entre 2015 y 2016: se trata de Telluride Tunic y Valparaiso Green Cloak for Three y están elaboradas con desechos de fábricas textiles. Incorporan referencias a la artesanía tradicional mexicana y a las pinturas de Frank Stella. Los proyectos de esta artista abordan la dualidad entre los espacios públicos y los privados y asuntos como cuerpo, género e identidad.

Pia Camil. Valparaiso Green Cloak for Three, 2016
Pia Camil. Valparaiso Green Cloak for Three, 2016

Elena Goñi: Exponer es exponerse

Tras presentar una selección de su obra en Utopía Parkway, en Madrid, Elena Goñi recala, hasta el 17 de abril, en Espacio Marzana (Bilbao). Presenta dibujos dedicados a entornos cotidianos y a su propia intimidad, con un componente abstracto y un aire ensoñado que permite que siempre sean posibles lecturas diversas por parte del espectador.

Elena Goñi en Espacio Marzana
Elena Goñi en Espacio Marzana

Guillermo Peñalver, de dentro a fuera

A partir de mañana, y hasta el 9 de mayo, Guillermo Peñalver presenta en la Galería Gema Llamazares de Gijón “De dentro a fuera”, un compendio de trabajos recientes en los que, como viene siendo común en su trayectoria, convierte su propia biografía en material y tema de trabajo. Muestra dibujos y obras de “marquetería con papel y cartulinas” en las que sus escenas domésticas y privadas adquieren el carácter de alegorías existenciales.

En conjunto hablamos, en última instancia, de un autorretrato elaborado desde una completa libertad en lo formal y en los procesos.

Guillermo Peñalver. Dentro de la montaña,  2020 Papel (recortado), grafito y lápiz de color sobre papel 120x100. Galería Gema Llamazares
Guillermo Peñalver. Dentro de la montaña, 2020

 

Diego Benéitez y Marta S. Luengo dialogan en BAT Alberto Cornejo

La Galería BAT Alberto Cornejo presenta, desde mañana, la décima edición de sus Diálogos. Confronta esta vez paisajes de Diego Benéitez y esculturas de cariz escenográfico de Marta S. Luengo; los primeros llaman nuestra atención sobre la belleza de lo simple y cotidiano y las segundas, sobre lo subjetivo de nuestra percepción del paso del tiempo y sobre la pervivencia de nuestra individualidad en el marco de las relaciones sociales.

El zamorano presenta el proyecto El presente del pasado, y la autora madrileña, Instantes acontecidos. La muestra puede visitarse hasta el 9 de mayo.

Diego Benéitez. De ayer hacia el mañana, 2020
Diego Benéitez. De ayer hacia el mañana, 2020

Adiós a Ulay: doce años junto a Marina Abramovic

Esta semana fallecía, a los 76 años de edad y a consecuencia de un cáncer linfático, el performer alemán Ulay (Frank Uwe Laysiepen), a quien todos conocemos por los proyectos que desarrolló junto a Marina Abramovic en los doce años transcurridos entre 1976 y 1988: acciones artísticas en las que ambos dejaban a un lado sus individualidades para conformar una suerte de ente artístico único en el que también dejaban de tener sentido las fronteras entre lo público y lo privado y entre el cuerpo y la creación. De hecho, muchas veces sus obras implicaban dolores físicos casi extremos, en un intento por enlazarlos, o enfrentarlos, a los sufrimientos mentales o emocionales.

Uno de sus más célebres trabajos conjuntos fue el que, precisamente, puso fin a su andadura como pareja sentimental y creativa: en 1988, cada uno caminó por la Muralla China desde uno de sus extremos para terminar encontrándose, y después despedirse, sin decirse más palabra que “adiós”. Antes habían explorado las (¿diferentes?) resistencias al padecimiento, exterior e interior, de hombres y mujeres en la serie Relation Works o habían indagado en las posibilidades de fusión entre lo masculino y lo femenino, en That self. Dado que se había formado como fotógrafo, Ulay documentó a menudo esas performances en polaroids.

Ya trabajando en solitario, continuó desarrollando piezas en las que profundizaba en las relaciones entre cuerpo y espacio. Más de dos décadas después de su separación, Ulay y Marina volvieron a encontrarse al participar el artista en su propuesta para el MoMA “The artist is present”, en la que la serbia compartió minutos de miradas y silencios con un sinfín de visitantes, entre ellos su expareja. Fueron instantes de gran emoción, para ellos y para la mayoría de quienes disfrutaron del documental.

 

En 2016, Marina fue condenada a abonar a Ulay 250.000 euros por los derechos generados por sus obras junto a él. A su muerte, ha subrayado la vigencia de su trabajo: Me he enterado con gran tristeza de que mi amigo y excompañero Ulay ha fallecido hoy. Él era un artista y un ser humano excepcional y lo echaremos mucho de menos. Hoy me reconforta saber que su legado vivirá para siempre.

Marina Abramovic. Selected early works en La Fábrica
Marina Abramovic y Ulay. Relation in time

Hao Jingban, también en Profundidad de campo

Hasta el próximo 26 de abril, Hao Jingban, Premio de Producción de Vídeoarte Fundación Han Nefkens – ARCOmadrid 2019, protagoniza la nueva exposición del programa Profundidad de campo en Matadero. Este galardón está dotado con la producción de un trabajo de videoarte y Jingban resultó seleccionada por la fuerza estética y la capacidad de autorreflexión crítica de su obra, que, según el jurado, “resulta estéticamente impecable y proyectada hacia la práctica a largo plazo” y “se mueve suavemente entre realidades caóticas y tradiciones placenteras, creando historias poderosas con varios niveles de lectura”.

Dicho jurado estuvo formado por Han Nefkens, fundador de la Han Nefkens Foundation; Ana Ara, responsable de Programación de Matadero Madrid; Manuel Segade, director del Centro de Arte Dos de Mayo; Sunjung Kim, Presidente de la Fundación Bienal de Gwangju y Rein Wolfs, director del Stedelijk Museum de Ámsterdam.

En línea con el que ha sido tema central de ARCOmadrid 2020, “Es solo cuestión de tiempo”, desde el que se han expuesto prácticas artísticas a partir de la obra de Félix Gonzáles-Torres, la autora china ha producido Opus One, una obra que toma como referencia el título simbólico de la obra de Gonzáles-Torres Perfect Lovers y que puede contemplarse en la Nave 0 de Matadero.

Se trata de una videoinstalación de dos canales, que entrelaza dos puntos aparentemente distintos en tiempo y espacio, en la historia de la música y su movimiento. El punto de partida es Harlem en los años treinta, cuando los diferentes estilos de baile de swing, como Lindy Hop o The Charleston, devinieron muy populares conforme la gente recuperó el interés en el baile, tras la Gran Depresión. El siguiente punto tiene como protagonista a una joven pareja china en el Pekín actual: buscan el “jazz auténtico”, coreografiando una serie de bailes, mientras exploran referencias de tópicos de bailes callejeros que se pueden encontrar en la plataforma TikTok.

En diálogo con Opus One, una obra anterior de esta artista completa la exposición: se trata de From South Lake Park to Red Flag Street (2018), una videoinstalación de dos canales que aborda el pasado del Nordeste de China, zona formada por tres provincias que comparten una cultura y un dialecto común. Allí se sitúa la Asociación de cine Manchukuo, que actuó como altavoz propagandístico desde 1937 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Jingban llevó a cabo en ese escenario varias entrevistas a trabajadores chinos y japoneses, con la intención de dar voz a las difíciles relaciones que históricamente existen entre ambos países.

Hao Jingban. Opus One, 2020
Hao Jingban. Opus One, 2020

Los patronos de la Fundación Museo Reina Sofía donan al centro 80 obras

Marta Minujín. Amor a primer vista, 2007
Marta Minujín. Amor a primer vista, 2007

La Fundación Museo Reina Sofía ha recibido de sus patronos más de ochenta obras de 39 artistas contemporáneos que contribuirán al desarrollo de los proyectos de investigación del MNCARS relativos al arte latinoamericano desde los sesenta, sobre todo al mesoamericano, o vinculados al eje artístico del Mediterráneo.

Los trabajos donados se fechan entre la última década del siglo pasado y la actualidad y corresponden a artistas como Fernando Bryce, Ana  Mendieta, Marta  Minujín, Claudia Coca, Asier  Mendizabal, Benvenuto Chavajav, Karlos Cárcamo, Natalia Domínguez, Antonio Pichillá, Kutluğ Ataman o Nil Yalter. Destacan las donaciones efectuadas por Jorge Pérez (que entregará una docena de obras por 1.045.490 euros) y Mario Cáder-Frech, que realiza una donación valorada en 174.238 euros.

De la mano del primero, se incorporan al Reina Sofía figuras hasta ahora no representadas en su colección, como las de Fernando  Bryce, Jorge  Eduardo  Eielson, Eugenio Dittborn o Juan Carlos Alom,  uno de los principales renovadores de la  fotografía cubana. Trabajos de Ana Mendieta y Marta  Minujín completan la presencia de nombres imprescindibles de la historia del arte latinoamericano en su donación y permitirán al Reina Sofía ampliar los cánones predominantes hacia el feminismo.

El activismo tiene también un peso notable en los fondos donados de Jorge Pérez: de una manera más sutil, en el caso de Dittborn o de los dibujos a carboncillo de Claudia Coca, o más directa, apelando a personajes reales, en los de Jonathas de Andrade o Juan Carlos Alom. También es explícito el activismo en Magdalena Jitrik o en el mural colaborativo de Marcel Dzama y Raymond Pettibon. Además, este patrono ha adquirido para el Reina Sofía la obra de Asier Mendizabal Not all that moves is  red  (tangram) #3 y 4, (2012), que propone una  reflexión sobre el discurso ideológico a partir de una  escultura que remite a un elemento constructivo ideado  por el arquitecto Ramón Estalella para un proyecto de poblados racionalistas en Guinea Ecuatorial en los sesenta.

La donación de Mario  Cáder-Frech se centra en la creación de artistas contemporáneos mayas y en artistas salvadoreños: destacan las obras de Waltercio Iraheta, Guadalupe Maravilla, Simón Vega, Marilyn Boror, Edgar Calel, Benvenuto Chavajay, Manuel Chavajay, Antonio Pichillá, los hermanos Ángel y Fernando Poyón o Carlos Mérida.

Además, el eje mediterráneo se refuerza en los fondos del Reina Sofía con la incorporación de las obras de los artistas turcos Kutluğ Ataman y Nil Yalter y el artista libanes Abu Hamdan donadas  por  Francesca de Habsburgo y Mercedes Vilardell. Por su parte, Patricia  Phelps  de  Cisneros ha donado obras de Antonio Pichillá y de los salvadoreños Ernesto Bautista y Abigail Reyes, y Juan Antonio Pérez-Simón, grabados y dibujos de Ramón Alva de la Canal.

La biblioteca del Museo se enriquece con la llegada a sus fondos de 15 publicaciones diseñadas por Carlos Cruz-Díez, donadas por Diana López y Herman Sifontes; se incorpora también a la colección del Museo la pintura Banana Absolut, de Moisés Barrios; los artistas Rolando Castellón y Luciano Figueiredo donan dos piezas fundamentales en sus respectivas trayectorias (Rito pagano (Serie  Pos-Colombina) y), y, ya al margen de donaciones, la Fundación ha decidido comprar para el Museo una serie de obras de los guatemaltecos Moisés Barrios y Jorge de León.

Claudia Coca. Otorongo, 2017
Claudia Coca. Otorongo, 2017

93.000 visitas y balance positivo en ventas en ARCO 2020

ARCOmadrid 2020 cerró ayer su 39ª edición con un balance positivo en ventas según su organización y tras haber recibido a cerca de 93.000 visitantes.

Participaron esta vez en la feria 209 galerías procedentes de 30 países y algunas de ellas han manifestado su satisfacción por la calidad de los coleccionistas nacionales e internacionales que visitaron IFEMA. Desde Leandro Navarro, se afirma que “ha habido un nivel excelente del mejor coleccionismo español”; en Casado Santapau se resalta también el “estupendo nivel de coleccionistas” y se subraya la solidez de esta cita y desde José de la Mano, que presentaba un proyecto de seis artistas escasamente difundidas hasta ahora, han informado de la venta de todas las piezas importantes de su espacio, logrando mejores resultados que en ediciones anteriores: Entre nuestros compradores figuran el Museo Reina Sofía y la Fundación María Cristina Masaveu Peterson.

En Perrotin señalan que su selección de artistas ha sido bien recibida por coleccionistas y visitantes y, desde la sección Opening, la Galería The Pill califica su primera participación en ARCO como “muy dinámica; ha habido una gran respuesta a nuestra propuesta por parte de comisarios, profesionales y coleccionistas”. Thomas Schulte subraya la venta de tres piezas importantes mientras que desde Lelong explican que han vendido bien obras de artistas españoles como Jaume Plensa, Joan Miró o Juan Uslé. También desde Elvira González y 1 Mira Madrid confirman estar satisfechos con sus ventas.

En cuanto a adquisiciones institucionales, y como avanzábamos, la Fundación ARCO ha ampliado sus fondos con la compra en ARCOmadrid 2020 de nueve obras de seis artistas, con la asesoría de Vincent Honoré y María Inés Rodríguez. También un año más, el Museo Reina Sofía ha ampliado su colección con la adquisición de obras procedentes de galerías participantes en la feria; esta vez, una selección de trece trabajos de Cabello/Carceller, Victoria Gil, Sara Ramo, Henrik Olesen, Daniela Ortiz, Jacqueline Mesmaeker y Ana Buenaventura. El valor total de esas adquisiciones asciende a unos 206.000 euros.

DKV Seguros ha comprado, entre otras, piezas de Irma Álvarez-Laviada (Galería Luis Adelantado), Belén Rodríguez (Alarcón Criado), Clara Sánchez Sala (ATM), Kiko Pérez (Heinrich Ehrhardt), Itziar Barrio (Àngels Barcelona) y Gala Knörr (T20).

La Fundación Helga de Alvear, por su parte, ha adquirido piezas de Roy Lichtenstein, Larry Bell, Albrecht Schnider, Ania Soliman, Miguel Ángel Campano, María Droc, Vera Chaves Barcellos, David Claerbout, Tobías Rehberger y Etel Adnan. También la Fundación Maria Cristina Masaveu Peterson ha comprado obra de Joan Hernández Pijuán (Galería Cayón),  Ángela de la Cruz (Carreras Múgica), Miguel Ángel Campano (Juana de Aizpuru), María Luisa Fernández (Maisterravalbuena), Alicia Viebrock (Heinrich Ehrhardt), Túlio Pinto (Senda), Aurelia Muñoz (José de la Mano), Pepe Espaliú (García Galería), Pablo Gargallo y Darío Villalba (Leandro Navarro) y Equipo 57 (Guillermo de Osma).

Además, Abadía Retuerta compró una pieza de Miguel Marina en el stand de la Galería Nordés.

93.000 visitas y balance positivo en ventas en ARCO 2020

Joan Fontcuberta, Premio ARCO-BEEP de Arte Electrónico en ARCOmadrid 2020

La Colección BEEP de Arte Electrónico ha concedido su premio 2020 en la actual edición de ARCOmadrid al artista Joan Fontcuberta, por la obra titulada “Prosopagnosia”, expuesta en el stand de la Galería Angels Barcelona.

Se trata de una serie de fotografías de rostros, generados a través de algoritmos en colaboración con Pilar Rosado. Fontcuberta es uno de los más rigurosos fotógrafos y teóricos de la imagen de su generación y, en su producción, ha planteado una lúcida y lúdica reflexión sobre el estatuto de la imagen, las mutaciones de la fotografía y lo que ha calificado como “furia de las imágenes”.

Más allá de la concepción referencial de esa disciplina, este autor ha subrayado que la imagen tiene siempre un componente ficcional y “Prosopagnosia” es un proyecto reciente que viene a demostrar la complejidad de los rostros contemporáneos, partiendo de la situación cognitiva que supone no poder reconocer adecuadamente al otro. Se trata de una secuencia de caras, aparentemente fluidas (mutando en la secuencia del vídeo que revela el proceso que está sedimentado en las fotografías) e incluso informes; conducen, en conjunto, hacia una especie de “retrato robot”.

Joan Fontcuberta. Prosopagnosia
Joan Fontcuberta. Prosopagnosia

 

Disponible la primera guía de lectura fácil del Museo del Prado

Para completar su acercamiento a los distintos colectivos con dificultades de acceso al Museo del Prado, por el que la pinacoteca ha recibido el premio CERMI.ES 2019 en la categoría de Accesibilidad Universal – Fundación Vodafone España, el centro madrileño ha elaborado su primera guía de lectura fácil con una selección de diez obras que se pueden ubicar en el plano accesible que la acompaña. Se trabaja para ampliarlas a cincuenta.

Una treintena de personas de Plena Inclusión Madrid, la Federación de Organizaciones de personas con discapacidad intelectual o del desarrollo de Madrid, ha participado en la elaboración de un diagnóstico de accesibilidad cognitiva en los servicios básicos del Museo dirigidos a acoger e informar al público y en la evaluación y validación del plano y los textos, para confirmar que son comprensibles.

Virginia Garde, Coordinadora General de Desarrollo de Públicos y Seguridad del Museo, ha señalado que el Prado es una organización comprometida en materia de responsabilidad social, de ahí su esfuerzo para eliminar las barreras cognitivas y contribuir a la comprensión y el disfrute no sólo de los contenidos y relatos del Museo, sino también de sus espacios y servicios.

La lectura fácil, metodología de estos recursos en cuya normalización España es pionera a nivel internacional, beneficiará a los visitantes que tienen dificultades para orientarse en el espacio y para entender e interpretar textos, facilitando la visita autónoma de las personas con discapacidad cognitiva y perfiles con dificultades de comprensión.

Por otro lado, el Prado ha hecho público que el programa de exposiciones temporales organizadas con motivo de la celebración del Bicentenario del Museo del Prado ha atraído a más de 1.623.000 visitantes, siendo  “Velázquez, Rembrandt, Vermeer. Miradas afines” la muestra más concurrida.

El Museo del Prado ha presentado esta mañana un informe en el que analiza su impacto económico en la economía española