El Museo Reina Sofía recibirá cinco arpilleras chilenas procedentes del colectivo Conflict Textiles; simbolizan la reflexión y la denuncia de varios grupos de mujeres que en el periodo de la dictadura en ese país contribuyeron con su trabajo a la memoria colectiva.

Las piezas, que se depositarán de forma indefinida en los fondos del MNCARS, han sido adquiridas por la Fundación Museo Reina Sofía, y el pasado sábado fueron presentadas durante la jornada Coser para curar. La arpillera como lenguaje y resistencia, por Carolina González Castro, directora de la Fundación; la fundadora de la colección Arpilleras Conflict Textiles, Roberta Bacic; y el profesor Brandon Hamber.

La primera de las cinco piezas es No al plebiscito, No podemos ni opinar (1980), que fue adquirida por la comisaria de Conflict Textiles, Roberta Bacic, en Alemania en 2009, y que hace referencia al Plebiscito Nacional realizado en 1980. La segunda es Caín, ¿dónde está tu hermano? (1983), que posibilita que nos aproximemos al modo en que los grupos de la iglesia en Chile trabajaron en torno a las violaciones de derechos humanos.

Por su parte, No tenemos acceso a los servicios públicos (1984) fue realizada en un taller comunitario en Santiago, y Carabineros reprimiendo pobladores con carro lanza agua la elaboró en 1987 el Taller Vicaría de la Solidaridad. Por último, Roberta Bacic ha ofrecido en donación al Museo una quinta arpillera más reciente, Mapa de Chile (2009), un regalo personal de la artista Aurora Ortiz.

La bilbaína Marisa González es una de las artistas pioneras en nuestro país en el ámbito de la investigación de las relaciones entre arte y nuevas tecnologías desde que en 1971 cursara en Chicago un Máster en el Departamento de Sistemas Generativos dirigido por Sonia Sheridan. Cuatro años más tarde, presentó en el Washington Projects for the Arts su primera videocreación y, desde entonces, ha mostrado en múltiples exposiciones individuales y colectivas proyectos a medio camino entre el low tech y el high tech, transitando entre los sistemas de reproducción mecánica y el vídeo.

La serialización de sus trabajos deriva de su empleo de programas informáticos para investigar sobre asuntos como la clonación, la fragmentación o la multiplicación de lo real; en algunos de ellos, atrapa azarosamente imágenes o las captura con un rigor casi científico pretendiendo invitar con ellas al espectador a contemplar la belleza de la simplicidad.

Aproximadamente desde hace dos décadas viene gestándose un cambio notable en su producción: ha adoptado un tono más comprometido socialmente y ha apostado por el reflejo de las transformaciones sociales, urbanas y económicas propias de la actual sociedad global en documentos que tienen carácter testimonial. También son características de su obra reciente las referencias recurrentes al drama de la violencia sobre las mujeres, al posible valor combativo del lenguaje, la recuperación de la memoria histórica, los transgénicos o los usos posibles de edificios abandonados. Y es igualmente común en sus proyectos últimos la búsqueda de soluciones para responder tanto a problemas actuales como a las eternas preguntas sobre qué es el arte y qué rol puede desempeñar en el mundo de hoy.

La autora ha sido hoy galardonada con el Premio Velázquez de Artes Plásticas de este año, dotado con 100.000 euros, en palabras del jurado por “su amplia trayectoria como artista multimedia, pionera en la utilización de nuevas tecnologías desde los años 70 hasta la actualidad”, y por su labor como “espigadora incansable de archivos, documentos y arqueologías industriales, siempre comprometida frente a las desigualdades sociales y las amenazas ecológicas en nuestro mundo globalizado”.

Comenzó trabajando con fotocopiadoras a principios de los setenta, y más tarde con faxes, ordenadores y vídeo. En esa simbiosis entre el arte y la tecnología, y teniendo como método el ensamblaje de diferentes técnicas, ha generado un nuevo lenguaje codificado por ella misma, atendiendo a la reproducción de las imágenes, el empleo del fragmento y su repetición, que entiende como valores clave de lo contemporáneo.

El jurado que la ha premiado, presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, ha estado compuesto por Gloria Reguero Mélida, presidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España y artista; Luis Fernández-Galiano Ruiz, doctor arquitecto y catedrático de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid; Álvaro Rodríguez Fominaya, director del MUSAC; Claude Bussac, directora de Estudios Artísticos de la Casa de Velázquez; Rocío de la Villa, profesora titular y catedrática de Estética de la Universidad Autónoma de Madrid; Cristiana Collu, directora de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporánea de Roma; y Emiliano Valdés Melendreras, comisario jefe del Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM).

ESTAMPA 2023, que tiene lugar hasta el 22 de octubre en el cuarto pabellón de IFEMA, se acompaña una vez más de la entrega de premios de adquisición por parte de diferentes instituciones y empresas.

Como avanzamos, el concedido por la Comunidad de Madrid ha recaído en Mercedes Pimiento e Irene Infantes, mientras que el Premio Colección Studiolo ha sido para Rafael Trapiello, de la Galería Arniches 26, y Christian Fuchs, de Espacio Valverde. DiGoodCollection ha reconocido de nuevo a Trapiello, además de a la creadora María José Gallardo, de La Gran, y Lluís Hortalà, en el stand de RocioSantaCruz, ha recibido el Premio FPAC.

La Colección Navacerrada, por su parte, ha reconocido a Teresa Moro, de la Galería Siboney, mientras que la Colección Keels ha otorgado su galardón a Ubay Murilla García, de Artizar, y LUCE, de 1miramadrid. Gema Quiles, de Herrero de Tejada, ha obtenido el Premio Colección Aldebaran.

Además, la Colección Casa de Indias ha distinguido a Javier Ruiz Pérez, de la Galería Víctor Lope, y la Colección Julián Castilla ha premiado a Pierre Gonnord, en Juana de Aizpuru.

Dedé Lins, de Zielinsky, y Robert Ferrer i Martorell, de Pep Llabres, han sido los seleccionados por el Premio Colección La Escalera, al igual que Javier Ruiz Pérez, de Victor Lope, por la Colección Manuel Expósito. Por su lado, la Galería Artnueve ha recibido el Premio Cervezas Alhambra.

Por último, la adquisición del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid será de obra de Elvira Amor, en la Galería Moisés Pérez Albéniz, y 1miramadrid ha sido reconocida con el Premio al Mejor Stand ESTAMPA 2023.

El Museo Arqueológico Nacional, dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte, ha recibido esta misma mañana uno de los tres vehículos motorizados que la Fundación Vivir Sin Barreras ha aportado a los Museos Estatales, con el patrocinio de la firma Ecopilas, para que puedan ser prestados a personas con movilidad reducida que deseen visitar este centro.

La iniciativa se enmarca en un convenio de colaboración firmado entre el Ministerio y esa Fundación que va a permitir, asimismo, que el Museo Nacional de Antropología y el del Traje puedan ofrecer, a partir de ahora, un servicio destinado a mejorar la accesibilidad de la visita a sus instalaciones y, por tanto, el acceso al conocimiento de sus colecciones. Esta nueva acción se suma a propuestas ya desarrolladas por otros museos estatales para que todas las personas puedan acercarse a sus fondos, dando respuesta a las necesidades de los colectivos que mayores dificultades tienen en esa aproximación.

En paralelo, los Museos Estatales colaboran con asociaciones como Empower Parents, que trabaja para facilitar el disfrute del patrimonio por parte de familias con niños con Trastorno del Espectro Autista, o con el Alto Comisionado contra la Pobreza Infantil, para ofrecer programas para menores procedentes de entornos vulnerables, en el marco del proyecto “Cultura que Transforma”.

En paralelo, los Museos Estatales están mejorando sus infraestructuras y recursos técnicos para favorecer la plena accesibilidad: trabajan en la actualización de los bucles magnéticos o en guías accesibles multimedia, de las que ya disponen algunos centros. Se trata de una solución digital de entrada universal a los contenidos que se ha diseñado para el uso de todos los públicos, independientemente de sus capacidades, y que incluye recursos como el subtitulado, la lengua de signos, la audiodescripción y la audionavegación, entre otros.

En ocasiones, además, estos centros ofrecen recorridos táctiles para personas con discapacidad visual, o cuentan con educadores que aportan información oral de apoyo en exposiciones temporales.

La Comunidad de Madrid ha premiado hoy en la Feria ESTAMPA 2023 a Mercedes Pimiento por su escultura Sin título, de la serie Superficie neutra, que puede verse en el espacio de la Galería Isabel Hurley, y también a Irene Infantes por su pieza textil Sin título, en el stand de la Galería Alarcón Criado.

La obra de Pimiento está realizada en cera de abeja, silicona y acero, y el jurado ha valorado en ella que se trata de un ensayo formal en torno a las convergencias entre el cuerpo, la arquitectura y las materias que circulan entre ellos. Se materializa en un sistema de objetos modulares que, por su tamaño y morfología, evoca elementos constructivos y los propios del espacio doméstico.

Respecto a Infantes, se ha valorado su exploración de la plasticidad de los materiales, texturas y superficies con el fin de inquietar al espectador y llamar su atención a partir de la materialidad de las piezas, su color y la claridad compositiva. Su obra textil es un gran jeroglífico que remite a los textiles andaluces y a la cosmología de los nasa, un pueblo indígena de la zona andina de Colombia que concibe el tejer como parte fundamental del crecimiento y desarrollo del pensamiento en la mujer. Esta propuesta cuenta con unas pequeñas bolsitas que recuerdan a las jigras, las herramientas que las mujeres indígenas ofrecen a sus hijos y esposos como símbolo del tejido de la vida. Así alude Infantes a que todo tiene un origen, una historia y una proyección.

El jurado del galardón lo han compuesto María Paz de Corral López-Dóriga, miembro de la Comisión Asesora para la Adquisición de Obras de Arte de la Comunidad de Madrid; Beatriz Alonso, comisaria y editora; el director general de Promoción Cultural del Gobierno regional, Gonzalo Cabrera Martín; la subdirectora de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid, Asunción Cardona, y la asesora de este mismo organismo, Juana Arana; así como la subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, Tania Pardo.

Hasta el próximo 16 de noviembre, la Galería Daniel Cuevas de Madrid presenta la muestra “Universo Bipolar (De la Habana a Moscú)” de José Manuel Ballester, un repaso a las imágenes que ha realizado en los últimos meses en la capital cubana y de otras tomadas en Brasil, China, Emiratos Árabes, Sudáfrica y Rusia.

El título del proyecto tiene que ver con los continuos intentos de cambio que el artista percibe en esos países, un propósito de evolución que, a nuestros ojos, no llega a dar frutos o incluso se enfrenta a involuciones. Se ha fijado Ballester en las arquitecturas e infraestructuras de las ciudades que ha visitado con el propósito de establecer una relación profunda entre estas y la naturaleza humana.

La escritora Chloe Aridjis, que obtuvo el Premio PEN/Faulkner de Ficción 2020, será la sucesora de Coetzee en el proyecto Escribir el Prado, que pusieron en marcha el Museo y la Fundación Loewe, en colaboración con la revista Granta, la pasada primavera. Esta propuesta invita a escritores de prestigio internacional a desplegar su imaginación narrativa a partir de las colecciones de la pinacoteca.

Aridjis pasará nueve semanas en Madrid, desde principios de este mes de octubre a finales de noviembre, conociendo los fondos del Museo, colecciones privadas y públicas de la ciudad, artistas, galerías y edificios; asimismo, participará en una serie de conferencias, como un coloquio abierto al público con la editora y cofundadora de Granta en español, Valerie Miles, que tendrá lugar en noviembre en el Prado.

Esta autora, de nacionalidad mexicana y estadounidense, se ha relacionado estrechamente con la esfera artística, escribe para publicaciones especializadas y es autora de tres novelas: El libro de las nubes, Premio al mejor libro extranjero publicado en Francia, en la modalidad de novela; Desgarrado, que se desarrolla en la National Gallery de Londres; y Monstruos Marinos, que recibió el citado Premio PEN/Faulkner de Ficción 2020. Además, en 2014 participó en el comisariado de una exposición que la Tate Liverpool dedicó a Leonora Carrington y recibió una beca de la Fundación Guggenheim y, en 2020, se le concedió el Premio de Literatura Eccles Centre & Hay Festival.

Hoy se han abierto las puertas del nuevo espacio expositivo de la galería Pedro Cera en Madrid, ubicado en el número 13 de la calle Barceló. La expansión de la galería portuguesa coincide con la celebración de sus primeros 25 años de actividad y supone un paso importante en la internacionalización de la galería y también una apuesta por el mercado español.

“Hemos debatido esta idea en la galería y lo más natural ha sido elegir la ciudad de Madrid como sede para esta expansión, llevamos muchos años trabajando con el mercado español de arte contemporáneo”, afirma Pedro Cera.

Para la inauguración, Pedro Cera ha escogido la obra del  artista David Claerbout (Kortrijk, Bélgica, 1969), que presenta dos sugerentes vídeos de reciente creación: The Close (2022) y Birdcage (2023). El primero, ambientado en la década de los años veinte, periodo en el que la cámara se incorpora a la vida pública, se basa en imágenes de aficionados reconstruidas y representaciones en 3D de dichas imágenes. A través de esta pieza el artista cuestiona el papel de la memoria en la percepción visual. Tras una primera parte en silencio, que evoca las películas de cine mudo, los últimos minutos son de una gran intensidad emocional al introducir una interpretación de la pieza musical Da Pacem Domine de Arvo Pärt.

Por su parte, Birdcage, que se estrena con motivo de la exposición, toma como punto de partida las nociones de verdad óptica y materialidad digital para abordar los cambios y consecuencias de nuestra percepción alterada del tiempo y la realidad en la era digital. En esta película de 20 minutos una explosión silenciosa rompe la tranquilidad de un pintoresco jardín, transmitiendo una sensación de emergencia, una imagen perturbadora de violencia y dolor que se retrata como una experiencia meditativa: la vida y la muerte, la belleza y la destrucción.

La exposición incluye también una selección de pinturas inéditas sobre papel realizadas a lo largo del proceso de producción de las respectivas obras de vídeo, y cuya existencia física y naturaleza táctil crean una oposición material, temporal y conceptual a lo digital.

La programación de la galería, que representa a una nómina intergeneracional de 22 artistas de Europa, América Latina y Estados Unidos, se desarrollará indistintamente entre Madrid y Lisboa. Con la inauguración de la sede madrileña se multiplica la oportunidad de mostrar el trabajo de estos creadores, al mismo tiempo que abre la posibilidad de incorporar nuevos artistas a la programación actual.

Manuel Segade, nuevo director del Museo Reina Sofía, ha presentado su proyecto de Museo para los próximos cinco años; el que le hizo merecedor del cargo al imponerse al resto de candidatos en un concurso internacional el pasado mes de junio. Segade (A Coruña, 1977) reconoce recibir con agrado dos herencias: un museo que es una referencia internacional en el ámbito del arte contemporáneo ―no ha faltado en su intervención la mención a los que le han precedido en el cargo― y una programación para los próximos dos años concebida por su antecesor, Borja-Villel. Lejos de encontrar esto último un inconveniente, Segade señala que le permitirá trabajar con un poco más de tiempo en su propio proyecto y en la programación de los años siguientes, de la que no ha querido aún desvelar nombres, aunque sí ha avanzado que en esta nueva etapa se atenderá más a los artistas y la escena local. También a comisarios y agentes jóvenes de media carrera, que contribuirán con su participación a la renovación del panorama laboral de la cultura contemporánea en el país. Asimismo, ha señalado que el trabajo del director no solo se deja ver en la programación sino también en toda una serie de mutaciones en todos los ámbitos del Museo, que se irán haciendo palpables en los próximos meses, desde aquellas que tiene que ver con aspectos laborales del equipo a otras como pueden ser el diseño de mobiliario público para las zonas de descanso, la mediación o la acción social.

De lo que no hay duda es de que en esta nueva fase, además de trabajar por ofrecer un programa de arte y cultura contemporánea de calidad, la transparencia, la sostenibilidad, el consenso, el diálogo y la visibilización de las minorías serán destacados protagonistas.

“Los museos de arte contemporáneo no se vuelven feministas o preocupados por los temas de género, no se vuelven interesados por la diversidad étnica, racial o económica, ni se interesan súbitamente en demandas sociales concretas, sino que estos temas están en el corazón de las prácticas artísticas que definen su sujeto ―que no objeto― institucional”, señala Segade.

La colaboración con agentes, instituciones y centros de investigación y pensamiento, así como la multiplicación de vínculos y redes entre los diferentes departamentos del Museo, estarán entre las líneas de actuación prioritaria, así como incentivar la participación de la sociedad civil y la construcción de redes.

Habrá cambios en la Colección, comenzando por hacerla más accesible al público en lo que a su recorrido se refiere, racionalizando el espacio y utilizando como salas de Colección aquellas plantas de obligado recorrido circular. Se revisará la articulación de los más de 24 000 fondos para ofrecer todos los relatos posibles; y, frente a la temporalidad lineal de la Historia convencional, se atenderá a otras modalidades temporales subalternas, como la de los trabajadores culturales, los flujos coloniales, las lecturas de género o la historia regresiva que deben permitir ampliar las narrativas de presentación. Entre las novedades más significativas estará la introducción de las artes vivas en las salas del centro, activando performances que formen parte de la Colección.

En este sentido, el nuevo director del Reina Sofía contempla que en la programación del Palacio de Velázquez, en el Retiro, que seguirá dedicada a exposiciones monográficas, tengan más peso las artes vivas y la performance. El Palacio de Cristal, por su parte, continuará reservándose para proyectos específicos de artistas, estimulando así la producción y fomentando la supervivencia del tejido creativo.

La apertura del Museo a los diferentes públicos será también prioridad en esta nueva andadura. Entre las acciones para lograrlo se plantean, por ejemplo, hacer más visible al público general el trabajo del departamento de restauración, aumentar las visitas a los talleres o, una de las medidas que seguro más llamará la atención del público joven, la inclusión de otros formatos de exposición y actividades vinculados a la cultura popular y a fenómenos musicales como el trap. Transversalmente, la nueva web semántica, el refuerzo de los múltiples canales de comunicación y formas discursivas o la inclusión de voces procedentes de los distintos ámbitos de la cultura española con los que los diferentes públicos se puedan identificar serán otros vehículos para llegar a más personas.

Segade, que otorgará un papel más destacado a la arquitectura poniendo en valor los edificios, trabajando en una mayor sostenibilidad en los mismos y permitiendo un mayor uso público de espacios como las terrazas y el jardín, ha anunciado también la creación de un Comité Asesor de Arquitectura y Diseño, del que forman parte Juan Herreros, Andrés Jaque y Marina Otero Verzier.

El artista valenciano Manu Blázquez es el ganador del décimo Premio Ankaria al Libro de Artista, por su obra Grand pas de deux, en la que ha continuado sus investigaciones artísticas en torno a la búsqueda de sistemas que conjuguen conceptos fundamentales de espacio y tiempo.

El segundo galardón ha reconocido a la autora catalana Mercè Soler, por Cosas que nunca te dije, mientras que el Premio Javier Rosón, destinado a obras de jóvenes creadores menores de 28 años, ha distinguido a la argentina Carla Gaparrini por Camino.

A esta convocatoria de la Fundación Ankaria concurrían 290 propuestas de otros tantos artistas, procedentes de una treintena de países.

El Premio está dotado con 3.000 euros para la primera obra seleccionada, 1.500 euros para la segunda y 1.000 para el ganador de la modalidad Javier Rosón, además de la inclusión de las piezas premiadas en la exhibición itinerante “La Palabra Pintada”. Hasta ahora han recibido el galardón Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016), Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018), Ana Soler (2019), Carlos Irijalba (2020), Rosa Velasco Ringeling (2021) e Ignasi Abasí (2022).

Bajo el comisariado de Nerea Ubieto y hasta el 10 de noviembre, la Galería de Arte A Ciegas presenta la exposición “Enhebrar el vacío”, de María Ortega. Consta de creaciones textiles en las que la artista experimenta con volúmenes y cuerpos casi escultóricos para ahondar en aquello que concede a las personas, y a su fisicidad, fragilidad y vulnerabilidad.

Resultan especialmente significativos, en ese sentido, los proyectos Transformaciones, Autorretrato y Blackout. El primero muestra dos momentos de un capullo de flor, lleno y vacío, en referencia al propio proceso de gestación de la artista; el segundo, una escultura de seda y algodón, vuelve a hacer alusión a su cuerpo y a la protección de los órganos que sentimos más relevantes, y el último, una serie fotográfica, aborda nuestra necesidad de comunicación y calma tanto hacia dentro como hacia fuera.

El pasado 16 de septiembre, Abel Azcona presentó en el Círculo de Bellas Artes de Madrid el proyecto VEINTICUATRO ACCIONES DE VANGUARDIA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX. Deriva, discurso y reacción, un homenaje al pasado de la performance española que comisarió Óscar García García.

El artista navarro reactivó esas veinticuatro piezas, concediéndoles un peso discursivo renovado y sin distanciarse de sus procedimientos, durante ocho horas consecutivas; los homenajeados fueron Esther Ferrer, Fina Miralles, Jordi Benito, Pepe Espaliú, Joan Casellas, Walter Marchetti, Marceli Antunez, Juan Hidalgo, Bartolomé Ferrando, Itziar Okaritz, Isidoro Valcarcel Medina, Santiago Sierra, Paz Muro, Tere Recarens, Concha Jerez, Angels Ribé, Nieves Correa, Carles Santos, Pere Noguera, Cabello/ Carceller y Pedro Gahrel.

Esta propuesta llega poco después de que Azcona cerrará 2022 con sendas muestras en la Sala Amós Salvador de Logroño y el Real Teatro Carré de Ámsterdam; en la primera abordó la complejidad de sus relaciones con su padre y en la segunda, comisariada por Marina Abramović, cerró el diálogo continuo que en sus obras y exposiciones viene manteniendo con su madre biológica, prostituta y heroinómana. Una retrospectiva del conjunto de sus acciones en torno a la paternidad, la maternidad, el maltrato y el abandono podrá verse en el Centro de Arte La Panera de Lleida a partir del 28 de octubre.

Hasta el próximo 28 de octubre, F2 Galería acoge la muestra de Pere Llobera “Los mecanismos del humor”. Este artista barcelonés la ha concebido como ensayo pictórico sobre la relevancia y capacidad subversiva del humor, al que concede una relevancia fundamental como componente de nuestra personalidad.

A través de él, explica, pueden romperse expectativas: Cazarlo demuestra reflejos intelectuales así como capacidad de reformulación. También se trata de un importantísimo filtro entre las personas, que no involucra al dinero, el sexo, la raza, sino la capacidad de transgresión.

La Fundació Mies van der Rohe de Barcelona, junto a LAB 36 y la Galería Senda, presenta hasta el 8 de octubre Psicoarquitectura, una intervención temporal del artista y arquitecto Óscar Abraham Pabón que profundiza en la materialidad de este Pabellón desde una dimensión interpretativa y psicológica. Relaciona este autor los dibujos de sus paredes con las manchas del test de Rorscharch; sobre el estanque de este espacio podremos contemplar un muro de tierra cocida en cuya superficie cala el dibujo de una nueva mancha reflejada en el agua.

Para Pabón, el bloque de arcilla será un objeto de interpretación: aborda el muro como una superficie capaz de trasladar al exterior dimensiones internas. Su presencia remite, además, al pasado constructivo del material y a su papel en la arquitectura y el urbanismo del siglo XX.

De Appel, centro de arte contemporáneo en Ámsterdam fundado en 1975 por Wies Smals y abierto a la investigación, ha anunciado que en 2024 trasladará su sede de Schipluidenlaan 12 a Tempel Broedplaats, espacio cultural situado en el barrio de Diamantbuurt de la capital holandesa. En su nueva ubicación continuará con sus proyectos culturales en curso y lanzará, también, nuevos programas.

La zona de Diamantbuurt se caracteriza tanto por la diversidad de sus habitantes como por la de sus iniciativas en materia cultural; el equipo de De Appel seguirá interactuando con las comunidades locales y con escuelas.

La Comunidad de Madrid ha concedido su Premio Apertura 2023 a la artista portuguesa Fernanda Fragateiro por su pieza escultórica As Found 2, que forma parte de la muestra “Escola clandestina” en la Galería Elba Benítez. Esta obra será adquirida por el Gobierno regional y pasará a formar parte de los fondos del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles; su autora recibirá un galardón en metálico de 15.000 euros.

El Premio se destina a reconocer la calidad de uno o más artistas que participen en cada edición anual de Apertura Madrid Gallery Weekend, la cita con la que la Asociación de Galerías Arte Madrid inaugura la temporada expositiva de otoño. Se concede a trabajos en cualquier técnica y disciplina y sus ganadores tampoco tienen límite de edad.

El jurado ha valorado la contribución de Fragateiro a la investigación en la relación entre arquitectura, problemática urbana y social; también el hecho de que hasta la fecha esta artista, de trayectoria relevante, no estuviese representada en los fondos del CA2M.

Su exhibición en Elba Benítez tiene como eje esculturas creadas a partir de escombros de edificios demolidos en Lisboa en el transcurso de la actual fiebre inmobiliaria en la capital portuguesa; para Fragateiro, las huellas de memoria histórica que contienen esos fragmentos apuntan a la ruptura, frecuentemente violenta, entre las ideologías pasadas y la realidad de hoy. Al recuperarlos para componer obras escultóricas autónomas (junto a otros elementos compositivos, varios encontrados y otros de nueva fabricación) y despojarlos de su función inicial, Fragateiro incide en sus cualidades formales y materiales, además de llamar nuestra atención sobre los asuntos sociales, políticos y económicos que encapsulan.

Por otro lado, las abstracciones geométricas que contienen, a la vez toscas y delicadas, hacen referencia a veces a planos arquitectónicos: algunas están directamente basadas en planos de planta de Lotte Stam-Beese, una de las primeras mujeres en estudiar arquitectura en la Bauhaus y una figura fundamental en el desarrollo urbano de Rotterdam tras la Segunda Guerra Mundial, lo que recalca los vínculos entre los ciclos históricos y la estratificación conceptual.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado hoy que la poeta, ensayista y traductora Anne Carson, Premio Princesa de Asturias de Las Letras en 2020, ofrecerá la Conferencia José Pedro Pérez-Llorca 2023: la cita será el 19 de octubre, a las 19:00 horas, en el Auditorio de la pinacoteca, y en su taquilla podrán recogerse las entradas a partir de las 18:00 horas.

Su intervención llevará por título Duda y se basará en su contemplación del Perro semihundido de Goya, moviéndose en distintas direcciones; dice la canadiense: Cada vez que miro a este perro pienso en la duda. Y cada vez que pienso en la duda me pregunto qué es, en realidad, pensar.

Profesora de Literatura Clásica y Comparada de la Universidad de Míchigan, la trayectoria de Carson quedó marcada por el hallazgo de una edición bilingüe de los poemas de Safo en una librería: La visión de las dos páginas yuxtapuestas, una de ellas un texto impenetrable, pero de gran belleza visual, me cautivó y compré el libro.

Especialista en la cultura y las lenguas clásicas y en literatura comparada, antropología, historia y publicidad, su producción conjuga estilos, referencias y formatos, y también se caracteriza por la hibridación de lo grecolatino, lo medieval y lo contemporáneo. Equipara traducción y creación: Si supiera qué es la poesía no tendría necesidad de escribir. Es algo que busco a tientas en la oscuridad. El Museo describe sus escritos como un collage entre poesía, disertación, ensayo y drama, con aportaciones ocasionales de ópera.

Su primer libro fue Eros (1986), una meditación en torno a la naturaleza del amor romántico y el deseo erótico en forma de fragmentos en prosa que se entremezclan con versos. Después llegarían Short Talks (1992), Plainwater (1995), The Glass Essay (1995), Autobiography of Red: A Novel in Verse (1998), Economy of the Unlost: Reading Simonides of Ceos with Paul Celan (1999), Men in the Off Hours (2000), The Beauty of the Husband (2001), If Not, Winter: Fragments of Sappho (2002), Decreation: Poetry, Essays, Opera (2005), Red Doc> (2013) y Float (2016).

Doctora honoris causa por la Universidad de Toronto, además del Princesa de Asturias ha obtenido el Premio Lannan de Poesía (1996), el Pushcart (1997), el Premio T. S. Eliot (2001), el PEN Award for Poetry in Translation (2010) y el Griffin Poetry Prize (2014).

Llamazares Galería inaugura, mañana en Gijón, la primera exposición en Asturias de la fotógrafa peruana Cecilia Paredes: “El sendero de Dafne”.

Esta artista, que ya participó con ese espacio en la edición de 2022 de la feria mexicana ZonaMaco, exhibirá en Asturias un proyecto creado específicamente para Llamazares compuesto por imágenes centradas en la relación de la naturaleza y el cuerpo. Buena parte de su trabajo se basa en la yuxtaposición visual de su autorretrato con los patrones y la superficie que quedan debajo de él; podemos decir que sus composiciones aúnan la performance, la pintura, la escultura y la literatura y que en ellas la piel se hace lienzo, el cuerpo deviene escultura y la presentación del yo busca la trascendencia.

La Galería Cayón presenta, en sus dos espacios madrileños y a partir del 14 de septiembre, su segunda individual del artista holandés Jan Dibbets, considerado padre y maestro de la fotografía conceptual. Ha dedicado su producción al estudio de la representación en un mismo plano de los fenómenos visuales de la realidad.

Podremos ver algunas de sus series más relevantes en relación con el cromatismo y en evolución entre sí: hasta mediados de los setenta investigó la percepción y el carácter empírico del color a través del proyecto colorstudies, imprimiendo las imágenes al mayor formato que le permitía la tecnología de la época y, cuarenta años más tarde, valiéndose de las técnicas digitales actuales, que posibilitan ampliaciones extremas, ideó monumentales estudios de color abstractos que llamó New Color Studies (2010-2014).

Basó Dibbets esa serie en negativos de carrocerías de automóviles que tomó justamente en 1976, dando lugar a grandes superficies de color abstractas mediante la descontextualización (por su representación en primer plano) de un detalle de la imagen inicial -el capó de un Saab del que se adivinan las curvaturas de las chapas, los reflejos y otros accidentes que, contemplados en tal cercanía, inciden en el carácter conceptual de la disciplina fotográfica-.

Así, los New Color Studies se nos enseñan en combinación con los Colorstudies originales creados en los años setenta, constituyendo manifestaciones de una realidad postfotográfica en la que el sistema informático consigue tramas pixeladas y enigmáticas.