El galerista Álvaro Alcázar acaba de abrir un nuevo espacio y ha elegido para su estreno, como exposición inaugural, un conjunto de obras recientes de Peter Krauskopf, en las que el color es protagonista. Además, puesto que las dimensiones de la sala lo permiten, ha querido también que otros artistas habituales de la galería, como Luis Canelo, Rafael Canogar, Anthony Caro, Simon Edmondson, Juan Garaizabal, Kepa Garraza, Nigel Hall, Mari Puri Herrero, Antonio Murado, Guillem Nadal, David Nash, Miguel Sbastida y Bosco Sodi, estén presentes dando forma a una muestra colectiva. La sala –que sorprende por la elevada altura de sus muros, poco habitual en galerías de Madrid–, cuenta con una pared divisoria de 550 x 800 cm, que será empleada en uno de sus lados para desarrollar proyectos específicos. En esta ocasión, el galerista ha querido rendir homenaje al artista Eduardo Arroyo, fallecido el pasado mes de octubre.

En los tiempos que corren, el nuevo proyecto de Alcázar es doblemente valiente pues supone además una apuesta fuera de las zonas con más tradición galerística de la ciudad, trasladándose desde el barrio de Salamanca al de Guindalera, en cuya calle Ferrer del Río nº 5 se localiza el nuevo espacio (con la estación de metro Diego de León a pocos pasos de la puerta). Os recomendamos la visita.

Hoy ha sido desvelado que el madrileño Rubén Martín de Lucas será el artista invitado en la 14ª edición de Art Madrid, que se celebrará del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019. Durante la feria, que por sexto año tendrá como marco la Galería de Cristal de CentroCentro, mostrará su nuevo proyecto –otra entrega de Repúblicas Mínimas– y realizará distintas acciones pensadas para que el público pueda participar en su proceso creativo.

El artista, uno de los miembros fundadores del colectivo Boa Mistura, que desde 2015 desarrolla su carrera en solitario, se suma así a la lista de autores que han participado en ediciones anteriores de la feria, como Ouka Leele, Carmen Calvo, Riera i Aragó y, más recientemente, Okuda San Miguel.

Para Martín de Lucas su elección ha sido “una agradable sorpresa”, ya que, según ha apuntado, “mi recorrido, como artista en solitario, aunque intenso, es aún breve. Y no todos están dispuestos a apostar por una carrera en un estadio tan temprano. Especialmente las ferias que suelen buscar perfiles más consolidados. Ha sido una elección valiente que agradezco”.

Por su parte, la organización de la feria ha destacado de su trabajo “la conexión del individuo con la naturaleza y el territorio, una constante que marca el trabajo de este artista desde sus inicios y le otorga, no solo una gran coherencia interna, sino también una clara voluntad de desarrollar un discurso crítico y de plena vigencia”, además de su indiscutible proyección.

Coincidiendo con este anuncio, os recordamos que hasta el 17 de febrero, la galería segoviana APgallery exhibe parte de la producción más reciente de Martín de Lucas, desarrollada en Groenlandia y que se enmarca también dentro de la serie “Stupid Borders”. Hasta allí se desplazó el artista, junto al expedicionario Hilo Moreno y al realizador y director de fotografía Fernando Martín Borlán, para dar forma a Iceberg Nations, un proyecto que documenta, a través de vídeos y fotografías, una serie de acciones sobre el paisaje para cuestionar la validez y naturaleza del concepto de nación.

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No sabemos si alguna vez os habréis preguntado a qué saben los cuadros del Thyssen, pero si habéis tenido tal curiosidad ahora podéis obtener algunas respuestas. El museo madrileño acaba de presentar El Thyssen en el plato, un proyecto que aúna arte y cocina y que ha dado como resultado un conjunto de 25 recetas inspiradas en otras tantas obras de arte de la colección del museo, creadas por algunos de los mejores cocineros del país. Tras recibir la invitación por parte del museo, los chefs recorrieron sus salas en busca de aquella obra que más les sedujera para ser reinterpretada en sus cocinas. No se trataba solo de hacer una traslación directa de la obra al plato, aunque encontramos algunos ejemplos de replicas casi literales como los de Carme Ruscalleda o Paco Torreblanca, sino que esta pudiera aparecer a través de los colores y las texturas presentes en las elaboraciones.

Esta es la relación de obras y de cocineros que han participado en el proyecto. Todos los platos están ilustrados en un libro junto a la reproducción de los cuadros y se incluye además un breve texto de cada uno de los artifices, explicando los motivos de la elección de las piezas y los ingredientes empleados:

Andoni Luis Aduriz – Lucio Fontana, Venecia era toda oro, 1961

Samy Alí – Max Pechstein, Verano en Nidden, hacia 1919-1920

Víctor Arguinzoniz – Asher B. Durand, Un arroyo en el bosque, 1865

Juan Mari y Elena Arzak – Piet Mondrian, Composición de colores, 1931

Sura Ascaso – Juan de Flandes, Catalina de Aragón (¿), hacia 1496

Oriol Balaguer – Sonia Delaunay, Vestidos simultáneos, 1925

Martín Berasategui – Jacob Philipp Hackert, Paisaje con el palacio de Caserta y el Vesubio, 1793

Juan Manuel de la Cruz – Joan Miró, Pintura sobre fondo blanco, 1927

Quique Dacosta – Max Beckmann, Quappi con suéter rosa, 1932-1934

Andrea Dopico- Petrus Christus, La Virgen del árbol seco, hacia 1465

Lucía Freitas – Georgia O’Keeffe, Lirio blanco, n. 7, 1957

Gonzalo García y Luis G. Búa- Friedrich Vordemberge-Gildewart, Composición n. 104. Blanco sobre blanco, 1936

Diego Guerrero – Mijail Larionov, El panadero, 1909

Sacha Hormaechea – Jackson Pollock, Marrón y plata, hacia 1951

Ángel León – Paul Klee, Omega 5 (Objetos de imitación), 1912

Roberto Martínez Foronda – Salvador Dalí, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor

de una granada un instante antes del despertar, 1944

Paco Morales – Jasper Francis Cropsey, El lago Greenwood, 1870

Toño Pérez – Domenico Ghirlandaio, Retrato de Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, 1489-1490

Albert Raurich – Nicolas Lancret, La tierra, antes de 1732

Roberto Ruiz – Natalia Goncharova, El bosque, 1913

Carme Ruscalleda – László Moholy-Nagy, Segmentos de círculo, 1921

Jesús Sánchez – Pablo Picasso, Arlequín con espejo, 1923

Ricardo Sanz – Edgar Degas, Caballos de carreras en un paisaje, 1894

Paco Torreblanca – Wassily Kandinsky, Tensión suave n. 85, 1923

Manuel Urbano- Mark Rothko, Sin título (Verde sobre morado), 1961

La vinculación del Thyssen con la comida no es ninguna novedad. El museo tiene establecido un recorrido gastronómico a partir de algunas obras de la colección permanente y hace tiempo que en su tienda vende productos de alimentación bajo la línea denominada Delicathyssen, que incluye productos locales de calidad. Por lo tanto, este proyecto en forma de libro es un paso más en ese diálogo establecido entre arte y cocina, desde el gusto y desde la estética.

El Museo del Prado y la Fundación Botín han presentado esta mañana, en el Centro Botín de Santander, el primer tomo del Catálogo razonado de los dibujos de Francisco de Goya, que recoge la obra sobre papel del aragonés en la primera etapa de su carrera, desde su viaje a Italia (1769-1771) hasta los primeros años de la década de 1790, cuando comenzó sus libros de dibujos y los aguafuertes de los Caprichos. El Catálogo completo constará de cinco tomos.

José Manuel Matilla, jefe del departamento de Dibujos y Estampas, y Manuela B. Mena Marqués, jefa del Área de Conservación de Pintura del siglo XVIII y Goya, ambos del Museo del Prado, han sido los directores de esta publicación.

Se han catalogado 520 dibujos del artista pertenecientes al Prado y otros 400 pertenecientes a colecciones privadas y públicas españolas e internacionales, la mayoría representativos del mundo interior y de la visión de Goya de la vida y del mundo. Hay que recordar que la importancia, en cuanto a número y calidad, de los dibujos en la obra del de Fuendetodos es similar a la de sus pinturas y estampas.

Son cuatro los conjuntos de obra reunidos en este primer tomo, llamado Volumen II: el Cuaderno italiano, los contenidos en las cartas a Martín Zapater, los dibujos preparatorios para sus pinturas y cartones de tapices y los relacionados con el grabado, que culminarían en los dibujos preparatorios para sus aguafuertes basados en las pinturas de Velázquez.

Tras esta obra, el Museo del Prado y la Fundación Botín presentarán otros tres tomos que estudiarán cronológicamente sus libros de dibujos (A-H), los dibujos preparatorios para sus series de estampas (Caprichos, Desastres de la guerra, Tauromaquia y Disparates) y el resto de dibujos singulares o que forman series para distintos proyectos. La culminación del proyecto llegará con el primer volumen, que será fruto de los demás aunque los encabece: analizará la técnica, el valor funcional del dibujo en el proceso creativo de pinturas y estampas de Goya, el carácter secuencial de muchos de ellos, su sentido ideológico, la historia de su dispersión y su coleccionismo.

No solo en este catálogo razonado se materializarán los estudios que ambas instituciones desarrollan en torno a los dibujos del artista: está prevista la realización de una exposición en el Prado, en noviembre de 2019, que completará la que ya se presentó en el Centro Botín coincidiendo con su apertura.

Ayer se  inauguró en Barcelona la segunda edición de Dart – Festival de Cine Documental sobre Arte Contemporáneo, que nació con el objeto de acercar a la ciudadanía un género aún poco explorado en los festivales de cine, así como para apoyar a la industria nacional e internacional de documentales y estimular la investigación en este campo artístico por parte de profesionales del sector. Desde la organización de Dart creen, además, que este tipo de iniciativas permiten generar nuevas formas de experimentar y explorar el arte, ofreciendo un marco diferente más allá de galerías, museos, escuelas y libros. Su programa, que incluye varios estrenos a nivel nacional, busca en este sentido proveer reflexiones cruciales sobre la creatividad y la inspiración alrededor del arte contemporáneo.

Entre las proyecciones que hasta el 2 de diciembre podrán verse en las salas de Cinemes Girona (175 Carrer de Girona, Barcelona) están El espíritu de la pintura, de Isabel Coixet (2017, España); Intorno a Marisa, de Simona Confalonieri (2013, Italia) y Michelangelo Pistoletto, de Daniele Segre (2013, Italia) –ambos documentales, que forman parte de una proyección conjunta, se estrenan en España con ocasión de Dart–; Alberto García-Alix. La línea de sombra, de Nicolás Combarro (2017, España); La vida secreta de Portlligat. La casa de Salvador Dalí, de David Pujol (2017, España); Kusama – Infinity (2018, USA), de Heather Lenz; On the Edge of Glory: The life and works of Pino Pascali, de Maurizio Sciarra (2017, Italia); Hockney – Time Reclaimed, de Michael Trabitzsch (2017, Alemania); Love, Cecil, de Lisa Immordino Vreeland (2017, EE.UU) y Megalodemocrat: The Public Art of Rafael Lozano-Hemmer, de Benjamin Duffield (2018, Canadá).

En la web del festival podéis ampliar datos de cada una de las piezas, conocer los días y horas de proyección e incluso adquirir las entradas online.

En más de una ocasión os hemos hablado aquí de la producción de Antonio R. Montesinos, que fue uno de nuestros primeros fichados y que viene trabajando inspirándose en nuestras experiencias cotidianas y en los espacios en que se desarrollan en medios muy diversos: dibujo, fotografía, instalación, medios digitales…

Hasta el próximo 7 de diciembre, presenta su segunda exposición individual en la sala malagueña Isabel Hurley: “Loop-hole”, un proyecto en el que, manteniendo sus habituales procesos de trabajo (uso de objetos y materiales encontrados en sus paseos urbanos, investigaciones fotográficas) ha abordado cómo, en los resquicios de las estructuras ordenadas de nuestros entornos urbanos, continúa siendo posible el juego libre, las experiencias no regladas.

Las piezas que ahora presenta en Málaga subvierten los elementos del espacio público que determinan día a día nuestros movimientos (señalética, cercados, vallas, materiales siempre cercanos) y propone un nuevo diálogo entre esos objetos y un ciudadano con renovada capacidad crítica. Estas obras se abren a la noción vanguardista del azar, a las derivas críticas de la Internacional Situacionista y su amor por la impermanencia (recordamos la Nueva Babilonia de Constant, no hace mucho en el Museo Reina Sofía) y también a la búsqueda de fisuras donde sea posible introducir la disidencia frente a lo normativo y heterogéneo, lo regulado por los poderes públicos. Literalmente, loop-hole quiere decir en inglés agujero en un bucle, expresión que no deja de ser bella, pero puede interpretarse también como vacío legal, como escapatoria.

Ha trabajado Montesinos como artista ludens proponiendo una urbe ludens de habitantes no alienados ni alineados: un espacio de acción colectiva donde sean posibles coreografías y movimientos infinitos y podamos hacer algo más que sobrevivir siendo sumisos y disciplinados.

Según Isabel Hurley, las obras presentes en la exposición constituyen una propuesta, entre la infinidad de posibilidades, sobre cómo alterar lo que se nos presenta como definitivo e incuestionable, con una clara intención de generar desorientación y estimular la inclinación hacia lo lúdico y el potencial creativo, asociado a él, que poseemos todos, mas o menos evidente o latente.

Vincula también su trabajo con La invención de lo cotidiano de Michel de Certeau, estudioso de los huecos para la disidencia existentes entre la producción de objetos y su consumo: El consumidor, en su asimilación y apropiación del entorno, reinterpreta el orden dominante y desvía las directrices propuestas. A una producción racionalizada, expansionista y centralizada, ruidosa y espectacular, corresponde otra producción astuta, silenciosa y casi invisible, que opera no con productos propios sino con maneras de emplear los ya existentes.

Carlos Urroz, director de ARCOmadrid, ha comunicado a IFEMA su decisión de iniciar nuevos proyectos profesionales una vez finalice ARCO 2019, que tendrá a Perú como país invitado. En la próxima edición de esta cita, y abriéndose así una etapa de transición, lo acompañará en sus labores Maribel López, quien ha trabajado codo con codo con él al frente de la feria desde 2011.

López fue subdirectora de la Galería Estrany-de la Mota barcelonesa entre 1999 y 2007 y, entre ese año y 2010 dirigió una nueva galería con su nombre en Berlín. Además, ha sido fundadora y miembro de dos equipos de comisariado: Creatures, en Barcelona (1994-2000) y The Office, en Berlín (2007 – 2010), y fue la primera responsable de la sección Opening antes de convertirse en directora comercial y de programas comisariados de la feria.

El director general de IFEMA, Eduardo López-Puertas, ha anunciado que el nombramiento de López como codirectora de ARCO 2019 supone el inicio del relevo de Urroz y también un respaldo a su gestión: Apostamos por el talento interno y por la excelencia de las personas que trabajan en nuestra organización, reconociendo sus méritos y la pasión que ponen en el desempeño de su actividad. Estamos convencidos de que este modelo de transición en la dirección de ARCO aporta todas las garantías de éxito para dar continuidad al fuerte impulso que ha venido experimentado el proyecto ARCO, liderado por Carlos Urroz en estos últimos años.

Os recordamos que ARCO 2019 tendrá lugar del 27 de febrero al 3 de marzo.