El proyecto Pinacoteca migrante, de la artista Sandra Gamarra y comisariado por Agustín Pérez Rubio, representará a nuestro país en la 60ª edición de la Bienal de Arte de Venecia, que tendrá lugar del 20 de abril al 24 de noviembre del año que viene.

Ha seleccionado su propuesta un jurado formado por Nuria Enguita, directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno; Bea Espejo, crítica de arte y comisaria del Pabellón español en 2022; Cabello/Carceller, equipo de artistas presentes en el Pabellón de España en la Bienal de 2015; Carlos Urroz, crítico y exdirector de la Feria ARCO; Peio H. Riaño, historiador del arte y periodista; Elvira Dyangani Ose, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y Blanca de la Torre, comisaria y crítica de arte contemporáneo. Votó, asimismo, un representante de la Dirección de Relaciones Culturales y Científicas de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), entidad organizadora de la participación española en la Bienal.

En una primera reunión, a inicios de este año, el jurado invitó a cinco artistas a presentar un proyecto para el Pabellón de España y, finalizado el plazo establecido, se recibieron sus propuestas. Tras una votación hace unos días, se determinó por unanimidad que el proyecto ganador era Pinacoteca migrante.

Gamarra, de nacionalidad peruana y española, maneja una concepción de la historia en la que no hay pasados cerrados con consecuencias presentes, conforme a una relación de linealidad y coherencia, sino formas de poder y de violencia que se manifiestan con mayor o menor vehemencia en unas etapas u otras. Hace dos años presentó en la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid su proyecto “Buen gobierno”, que ofrecía una genealogía del peso del colonialismo en Perú, camuflado bajo distintas ópticas: desde las reproducciones de pinturas de historia, en su característico formato monumental, hasta las escenas ligadas a la cultura popular que dispuso en una suerte de gabinete de incomodidades coloniales, pasando por pinturas de castas, bodegones o noticias tomadas de La República.

La comisión de valoración del concurso público convocado el pasado noviembre para proveer el cargo de Administrador del Museu Nacional d´Art de Catalunya ha propuesto a su Patronato nombrar a Josep Desquens Farrés. El nombramiento cuenta tanto con el acuerdo de ese organismo como con la aprobación de la Junta de Museus de Catalunya.

Directivo con experiencia en instituciones públicas y privadas, y en los sectores de la cooperación y de la cultura, Desquens ha sido subdirector-gerente del Centro de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), director general de Cooperación al Desarrollo de la Generalitat catalana y responsable de programas en ese área de la Unión Europea. Licenciado y máster en Administración y Dirección de Empresas por ESADE, cuenta también con un master en Relaciones Internacionales por la School of Advanced International Studies de la John Hopkins University. Su incorporación al MNAC se realizará en mayo.

Al concurso se presentaron treinta candidaturas, cuatro de las cuales pasaron a la fase final. La comisión de valoración la formaron representantes de las tres administraciones consorciadas, el presidente, el director y la secretaria del patronato del Museu.

Hasta el 20 de mayo, Mar Reykjavik ofrece su segunda exposición individual en la sede madrileña de la Galería Rosa Santos: muestra una escultura, una instalación cinemática y una película que prueban su interés por ensayar con las formas del presente o con los modos en los que emergen presencias. En ese afán ha creado La Voltereta, un sistema que se autoconstituye a partir de sus preocupaciones sobre las relaciones entre estructura y contenido, entre archivo y repertorio, repetición y unicidad.

La producción de esta autora valenciana se despliega desde el videoensayo y a partir de construcciones existentes que busca comprender desde dentro.

Por su parte, el Centro Párraga de Murcia exhibe “Miya Sama Miya Sama”, la versión de una versión, una vuelta de tuerca a un trabajo que Reykjavik ya presentó en Can Felipa (Barcelona) y que se inspiraba en la opereta El Mikado de Arthur Sullivan y W.S Gilbert, en su desarrollo por la compañía de teatro catalán Dagoll Dagom en 1985. Los guiones de la grabación podrán ser performados por los visitantes y la exhibición puede verse hasta el 4 de mayo.

¿Tienen que estar desnudas las mujeres para conseguir entrar en el Metropolitan Museum of Art? fue una de las primeras y más celebradas preguntas que se hizo el colectivo Guerrilla Girls tras constatar que, en 1989, menos del 5 % de los artistas representados en las secciones dedicadas al arte moderno en el MET eran mujeres, pero a ellas correspondían el 85 % de los desnudos.

Este grupo de creadoras anónimas se formó en 1985 en Nueva York, desde una vocación feminista, y su primera acción fue una manifestación delante del MoMA, donde entonces se mostraba la gran exposición “An International Survey of Recent Painting and Sculpture”, en la que participaban solo trece mujeres de un total de 169 artistas y casi ninguno era de color.

Célebres por emplear máscaras de gorilas para ocultar su rostro, sus miembros se identifican con el nombre de creadoras fallecidas, como Frida Kahlo, Eva Hesse, Paula Modersohn-Becker, Käthe Kollwitz, Gertrude Stein o Georgia O’Keeffe, omitiendo de esta forma su identidad real y reivindicando los logros de las homenajeadas.

Hasta el próximo junio, bajo el comisariado de Yolanda Torrubia y Santiago Olmo, el CGAC de Santiago de Compostela repasa las acciones y obras de las Guerrilla, que, desde hace 38 años, han intentado contrarrestar las tradiciones patriarcales en el ámbito cultural desde un discurso analítico y crítico, pero también reforzado mediante la ironía y el sentido del humor. Podremos contemplar algunos de sus pósteres, libros, pegatinas, proyectos de dibujo, ediciones gráficas y revistas, medios que han utilizado para señalar el sexismo y la discriminación de las mujeres en el mundo de las artes visuales, el cine y la cultura en general; unos contenidos que, en las propias palabras del colectivo, “no están listos para agradar”.

San Borondón, como muchos gallegos conocen, es el nombre de la isla mítica en la que recalaría Brandán el Navegante en su periplo por el Atlántico en busca del llamado Otromundo, y ha dado pie a muchos debates entre quienes creen en su existencia y quienes piensan que aquel fue un viaje simbólico. Su relato, en todo caso, se trenza con la leyenda de Jasconio, un monstruo marino que emerge a la superficie o se oculta según las intenciones de quien lo aviste.

Para su primera exposición individual en la Galería The Goma de Madrid, que puede visitarse hasta el 28 de mayo, Christian García Bello ha partido de esa aventura iniciática para idear otras leyendas en torno a las tradiciones marineras de la costa atlántica en las que se enhebren el pasado, el presente y el futuro; exhibe trabajos, de estética austera, en los que las pieles, la madera, los tejidos o el hueso se relacionan con reminiscencias de las antiguas expediciones marítimas; y la anatomía de sus esculturas, con las geometrías de las embarcaciones o con los órganos que tendría Jasconio.

El relato sin tiempo que articula esta muestra comienza en las costas portuguesas y finaliza en los acantilados de las islas Sisargas, aglutinando las tradiciones irlandesas y gallegas y presentándonos elementos materiales propios de esta geografía y de su historia pesquera. Las esculturas de la serie Bellow, por ejemplo, nacen del empleo de antiguos métodos de fabricación de velas y atuendos marineros, como el teñido con corteza de roble y el encerado con espermaceti de cachalote; contemplaremos, asimismo, rastros cetáceos en Currach, piezas que hacen alusión a las antiguas embarcaciones irlandesas, elaboradas con madera y cubiertas con pieles de animales. En su interior podremos descubrir cordones de algodón, como los que se usaban en la manufactura de redes de pesca, encascados con tintes vegetales para preservar sus fibras y facilitar su camuflaje cuando se lanzasen al mar.

Los propios títulos de algunas obras -y sus etimologías- nos aproximarán, igualmente, a los órganos mitológicos de Jasconio, mientras algunas ferroacetatografías -unas falsas fotografías reveladas mediante una técnica inventada por el artista, inspirada en el suminagashi japonés- nos propondrán imaginar la orografía de San Borondón, descrita por João de Sousa en sus notas, dibujos y grabados como una piel rugosa, como de una arcilla ocre, granítica y pedregrosa. Esos documentos también podrán consultarse en la exposición.

En definitiva, este último proyecto de García Bello navega entre la realidad y la ficción, del mismo modo que las culturas desarrolladas en torno al Atlántico tienen un despliegue tanto terrenal como abierto a lo oculto.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado este fin de semana el nombramiento de Isabel Izquierdo Peraile como nueva directora del Museo Arqueológico Nacional, dependiente de esa institución por su titularidad estatal.

Nacida en Valencia en 1970, Izquierdo Peraile ha dedicado su carrera a la investigación, la docencia y la difusión de la arqueología, desempeñando además cargos vinculados a la gestión cultural, como los de conservadora de museos y coordinadora de proyectos. Doctora en Historia -con especialidad en Arqueología- por la Universidad de Valencia (1998), sus campos habituales de estudio y publicaciones han sido la cultura ibérica, la arqueología de género y la planificación museológica.

Conservadora de Museos del Estado desde 2001 y Máster en Dirección Pública por la UIMP-INAP (2014-2016), ha gestionado y coordinado distintos proyectos de reforma de museos, sobre todo arqueológicos, entre ellos el del propio Museo Arqueológico Nacional entre 2002 y 2014. Fue, asimismo, vocal asesora en la Dirección General de Bellas Artes de 2015 a 2020 y ha desempeñado desde ese año el rol de directora de programación de Acción Cultural Española (AC/E).

El perfil del Museo del Prado en TikTok ha sido nominado a los Webby Awards por la International Academy of Digital Arts & Sciences, en la categoría de Arte y Cultura. Estos galardones, que cumplen su vigésimo séptima edición, darán a conocer sus ganadores el próximo 25 de abril y se conceden desde 1996.

También la nueva web del Museo Guggenheim Bilbao, presentada el pasado noviembre coincidiendo con el 25º aniversario del centro, ha sido seleccionada para los premios. El portal se concibió para ofrecer una experiencia digital inmersiva, que contribuya al conocimiento y disfrute del arte, y es candidato en la categoría de Instituciones Culturales; el voto popular decidirá si se alza con el premio.

Las webs que compiten con la del Guggenheim Bilbao en esa categoría son las de la actual exposición de Vermeer en el Rijksmuseum de Amsterdam, la David Collection de Copenhague, la Trienal de arte indígena de la National Gallery de Australia y los museos de Bellas Artes de San Francisco.

El plazo para votar termina, en ambos casos, el 20 de abril y los usuarios pueden apoyar el proyecto que deseen en la página web de los Webby Awards.

Desde hoy y hasta el 25 de junio, la Comunidad de Madrid dedica una muestra a la imagen de Picasso que ofrecieron destacados fotógrafos de su tiempo: 65 instantáneas pueden verse en la nueva sede del Museo Picasso-Colección Eugenio Arias de Buitrago del Lozoya, con entrada gratuita.

La exhibición lleva por título “Picasso por los maestros: de Cecil Beaton a Irving Penn”, la ha comisariado Cristina Carrillo de Albornoz y se enmarca en la conmemoración del medio siglo del fallecimiento del malagueño. La presencia y el carisma de Picasso evidentes en estos trabajos nos hablan de su conciencia del poder de la imagen en su proyección pública y del culto que mantuvo hacia su personalidad, pero también suelen asomar en estas fotos los talleres y espacios donde trabajaba o donde discurría su vida íntima.

Los autores representados en el recorrido son Cecil Beaton, Irving Penn, Robert Capa, David Seymour, Man Ray, Willy Rizzo, Gjion Mili, Michel Sima, David Douglas Duncan e Irving Penn. La más temprana de las imágenes muestra a un Picasso joven, de 26 años, en el barrio de Montmartre; las últimas lo presentan a los 86 en Mougins, en el Sur de Francia, donde se trasladó al final de los cuarenta. Encontraremos instantáneas con su primera esposa, Olga Khlokova, en París; con Dora Maar en la playa, con Françoise Gilot y Jacqueline Rocque; en sus estudios parisinos de la rue Boetie o de Grands Agustins y en sus distintas residencias del Sur de Francia: el castillo Grimaldi en Antibes, la Villa Galloise en Vallauris–donde comenzó a cultivar la cerámica–, La Californie o su última residencia en Mougins, Notre Dame de Vie.

En el marco de este mismo aniversario, la Galería Blanca Berlín acoge, también desde hoy pero hasta el 20 de mayo, una selección de retratos del artista tomados por Antonio Cores en la primavera de 1966. Corresponden a negativos que permanecieron en una caja hasta que vieron la luz en 2007 y, en este caso, el encuentro entre Picasso y ese fotógrafo lo propició Luis Miguel Dominguín, que era amigo de ambos. Se tomaron estas fotos en Mougins, Cannes y Vallauris.

El Patronato del Museu Nacional d’Art de Catalunya, compuesto por la Generalitat de Catalunya, el Ministerio de Cultura, el Ayuntamiento de Barcelona y personas e instituciones vinculadas a la cultura y el mecenazgo, ha decidido que Manuel Borja Villel, último director del Museo Reina Sofía, sea el coordinador del Programa temporal para el desarrollo y encaje en el sistema museístico de arte del proyecto de ampliación e impulso del MNAC, un nuevo instrumento de asesoramiento y reflexión al servicio de este centro barcelonés, puesto en marcha por la Generalitat.

La decisión se ha tomado, según un comunicado del Museu, por su experiencia en la materia y en el ámbito internacional y la contratación será efectiva a partir del mes de septiembre de este año.

Dicho programa de asesoramiento se inscribe en un Plan de trabajo más amplio que el MNAC inició en mayo de 2022, cuando el Patronato aprobó el inicio de las actuaciones necesarias para la conceptualización y definición de futuro del Museo. Esta etapa incluye la realización de trabajos técnicos ya iniciados (un plan de viabilidad o un plan de impacto económico y social, entre otros) y un proceso de análisis, diálogo y participación que conllevará consultas y sesiones de trabajo con expertos, museos y otras instituciones o colectivos.

El pasado 19 de marzo abrió sus puertas en la localidad mallorquina de Llucmajor el Centro Internacional de Fotografía Toni Catany, obra del arquitecto Josep Lluís Mateo y situado en el espacio que ocupaban las viviendas del propio Toni Catany y de Tomàs Monserrat.

Este Museo abordará las relaciones entre la producción de este autor y otras disciplinas creativas y su primera gran muestra plantea confluencias entre su trabajo y el de Michael Kenna, a partir de seis ejes temáticos: la naturaleza muerta, las estatuas, el desnudo, el sudeste asiático, Mallorca y Venecia.

En el marco de su muestra “Gravedad Zero”, Chillida Leku exhibe temporalmente en una de sus campas la obra de Chillida Lugar de encuentros IV, escultura perteneciente a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Concebida para quedar suspendida y de 13,5 toneladas de peso, se ha utilizado para ella una nueva estructura en el centro vasco, diseñada por Tecnalia y ejecutada e instalada con la colaboración de Loire Gestamp y otras empresas.

El escultor la llevó a cabo entre 1973 y 1974, utilizando hormigón armado, y forma parte de una serie de siete obras, la mayoría de ellas de escala monumental y planteadas para mostrarse en lugares públicos. La donó al espacio bilbaíno en 1982 y permanecerá en Hernani hasta 2024, cuando está previsto que finalicen las labores de ampliación del Bellas Artes.

Lugar de encuentros IV remite a la obsesión de Chillida por la lucha contra la gravedad y también a su frecuente trabajo en conexión con la esfera industrial y las técnicas propias de la ingeniería. Las piezas de la serie a la que pertenece, que se pueden ver en ciudades como Madrid, Toledo o Palma de Mallorca, fueron creadas entre 1964 y 1974 y, salvo las dos primeras que se llevaron a cabo en madera y acero corten, el resto se elaboraron en hormigón armado en colaboración con el ingeniero de Caminos, Canales y Puertos José Antonio Fernández Ordóñez. Junto a él, el artista probó hormigones de diferentes elasticidades.

De las siete piezas, solo Lugar de encuentros III y Lugar de encuentros IV se pensaron para ser suspendidas en el aire, desafiando las leyes gravitatorias. Además, son las primeras esculturas públicas que Chillida crea con este material, subrayando sus cualidades expresivas; se refirió a ellas como “lugares de encuentro, espacios para el diálogo y la convivencia”.

El Museo del Prado ha elevado a setenta el número de obras de sus fondos que procederían de los envíos de la Junta de Incautación y Protección del Tesoro Artístico -tanto a este centro como al Museo de Arte Moderno, cuyos fondos se adscribieron a la pinacoteca en 1971- y de las entregas en depósito del Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional.

Se ha podido encontrar la procedencia de una decena de pinturas con origen concreto: propietarios como Pedro Rico -alcalde de Madrid en dos ocasiones (1931-1934 y 1936)-; la iglesia de Yebes o la de Pareja, en Guadalajara; o el Marqués de Villalonga. De dos piezas más constan direcciones exactas, pero no referencia al propietario.

El Museo continúa investigando y a ese número se podrían sumar siete medallas ingresadas en 1936, procedentes del Palacio de Exposiciones del Retiro, y 89 dibujos depositados en 1971 por el Ministerio de Educación y Ciencia, sin referencia a propietarios anteriores; estudia estos casos el área de Documentación y Archivo del Prado, con María Luisa Cuenca al frente.

Once de estas obras pueden verse en la Galería Baja Norte del edificio Villanueva, hasta el 2 de mayo, y el listado completo puede consultarse aquí.

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, y el presidente de la Fundación “la Caixa”, Isidro Fainé, han firmado hoy un acuerdo para establecer un nuevo centro cultural CaixaForum en la ciudad andaluza, cuya apertura está prevista para 2026. Ambas instituciones ya llevaban años colaborando en iniciativas de ámbito social, cultural, científico y educativo, incluyendo exhibiciones dedicadas a Sebastião Salgado, Leonardo da Vinci, Cristina García Rodero o los fondos de National Geographic sobre los polos.

Este espacio se situará en la plaza Manuel Azaña, en una de las entradas más frecuentadas de Málaga, que conecta con la avenida de Andalucía; y será el sexto emplazamiento de los CaixaForum, tras sus sedes de Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla y Zaragoza.

La programación de estos centros incluye exposiciones, música, conferencias y debates, jornadas sociales, talleres educativos y familiares y su arquitectura se distribuye en dos salas expositivas, un auditorio, aulas polivalentes, zonas educativas, un bar-restaurante y una tienda-librería.

El concurso de fotoperiodismo más célebre internacionalmente, World Press Photo, ha anunciado sus 24 ganadores regionales de la media docena de zonas en que divide el mundo en sus cuatro categorías, además de seis menciones de honor. El 20 de abril conoceremos los cuatro ganadores globales, elegidos entre estos seleccionados, y la exposición en Barcelona de los trabajos triunfadores en los galardones, organizada por la Fundación Photographic Social Vision, se podrá visitar del 9 de noviembre al 17 de diciembre en el CCCB.

El concurso ha distinguido a dos fotógrafos españoles: el joven madrileño César Dezfuli, en la categoría de Formato Abierto de la región Europa, por Passengers, un proyecto iniciado en 2016 que relata las historias personales de migrantes que cruzan el Mediterráneo; y Emilio Morenatti, que recibe una mención de honor por War Wounds, un personal reportaje sobre los civiles amputados en la guerra de Ucrania.

Las consecuencias de la invasión rusa se encuentran entre los asuntos más abordados por los autores nominados, junto a las protestas en Irán, el Afganistán controlado por los talibanes y los efectos de la crisis climática.

La Fundació Joan Miró ha anunciado hoy que Sara Puig Alsina ha sido renovada como presidenta de esta institución por votación unánime del Patronato y por cuatro años más. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona y máster en Administración de Arte (Museos) por la de Nueva York, Puig es miembro de dicho Patronato desde 2013, de la Comisión Delegada desde 2014 y su actual cargo lo ocupa desde 2019.

Asimismo, se ha aprobado la incorporación al Patronato de Rafael Pardo, director de la Fundación BBVA, con la que ese centro barcelonés mantiene una colaboración estratégica constante desde 1989, materializada en más de 25 exposiciones. El organismo queda, por tanto, compuesto por 23 miembros, entre ellos representantes del Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Cataluña y el Ministerio de Cultura, el ámbito artístico y la sociedad civil. Anteriormente fue presidido por Joaquim Gomis (1972-1975), Joan Teixidor (1975-1981), Oriol Bohigas (1981-1988), Eduard Castellet (1989-2009) y Jaume Freixa (2009-2019).

Según el balance de la actividad de la Fundació en 2022, este espacio recibió el año pasado casi 289.000 visitantes, con una media diaria próxima a los 1.000. Además, y con la celebración de su medio siglo en el horizonte, se ha impulsado el Plan estratégico 2023-2026, que comprende las líneas estratégicas de la institución para los próximos años: la actividad de la Fundació se centrará en el visitante y el conocimiento del público, para consolidar una programación innovadora, promover la investigación y el conocimiento y desarrollar una oferta pública y social comprometida con la sociedad; se impulsará la presencia de Joan Miró y la institución más allá de sus instalaciones; se buscará asegurar la sostenibilidad futura, desarrollando y diversificando las fuentes de ingresos; y se promoverán iniciativas para fomentar “una cultura de talento, priorizando la cohesión y el bienestar del equipo”.

Estampa, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ha anunciado que su 31ª edición, a celebrarse en IFEMA del 19 al 22 de octubre, tendrá a Secundino Hernández como artista invitado. En esta cita, el autor madrileño exhibirá algunos de sus trabajos recientes vinculados a la investigación sobre el medio pictórico.

Hernández ha centrado sus dos décadas de trayectoria en la exploración de los límites y posibilidades de esta disciplina, abordando la densidad de lo matérico o la ligereza de la superficie “lavada” valiéndose de los métodos propios de esta técnica y de algunos característicos de la serigrafía; su producción en esa senda podrá verse en IFEMA. En sus “cuadros paleta” o sus pinturas analíticas, el artista plantea dualidades fundamentales, conceptuales y formales, entre el color y lo monocromático, el gesto y la geometría. Conjuga inscripciones, manchas y líneas en la construcción de un imaginario vertebrado en torno a la abstracción, el paisaje y la figura.

El próximo 30 de marzo, el Museo Nacional de Artes Decorativas inaugura “Cassandra”, una muestra dedicada a las creaciones en seda de Kima Guitart en las que esta autora ha volcado su visión del mito de la sacerdotisa de Apolo, quien, a cambio de un encuentro carnal, le concedió el don de la profecía y luego, viéndose rechazado, le retiró la posibilidad de hacerse creer.

Diseñadora y artesana, Guitart ha interpretado su historia a la luz del feminismo de tercera ola y también inspirándose en sus viajes por diferentes países. La seda es el material que viene empleando como soporte de sus obras desde 1971, sea como murales o en forma de vestimenta, o bien en esculturas textiles e instalaciones.

Cheim & Read acoge, desde el 25 de marzo, “Following Sea”, una exposición de nuevas pinturas de Peter Shear abierta hasta mayo. Pintor autodidacta nacido en 1980 en Beverly Farms, Massachusetts, es autor de lienzos de tonos profundos que elaboró a escala humana, la mayoría de ellos montados en paneles que miden 11 x 14 pulgadas.

Se basan en una clara ausencia de dogma: escurridizos y sobrios, parecen flotar en un espacio intermedio entre la abstracción y la representación, incorporando elementos de ambos; pueden sugerir figuras, paisajes o arquitecturas, o simplemente existir como configuraciones espontáneas de líneas y colores.

En la pintura de Carlos Morago encontramos siempre espacios despojados, serenos e iluminados con una luz tenue; sus tonalidades recurrentes son los grises y los blancos y elabora escenas de gran intensidad lírica y también misterio. Le interesan los espacios deshabitados y silenciosos, en los que puede sugerir ausencias, y especialmente los interiores, que frecuentemente representa desde puertas o ventanas entreabiertas que revelan y a la vez ocultan. En otras ocasiones elige llevar a sus lienzos vistas panorámicas de ciudades, jardines y patios, donde algunas plantas le permiten desarrollar una armonía de colores y formas.

Estas suelen aparecer, asimismo, en sus bodegones, muy poéticos, junto a cerámicas que destacan por sus tonos sobre fondos austeros. Hasta el 14 de mayo, sus composiciones recientes nos esperan en la Sala Parés de Barcelona, donde viene exponiendo desde 2009.