La trayectoria de la artista americana Jay DeFeo se caracterizó por la experimentación constante. La conocemos fundamentalmente por su monumental pintura La rosa, pero desplegó sus asociaciones visuales y poéticas en una gran variedad de disciplinas y materiales.

El San Jose Museum of Art californiano dedica hasta julio una muestra a sus prácticas fotográficas, una faceta poco explorada de esta autora pero crítica en su evolución. El eje de la exposición son cuatro trabajos que pertenecen a la colección del centro, pero también se exhiben obras no publicadas e inéditas.

Pionero de la videoinstalación, Fabrizio Plessi permaneció durante tres décadas ligado a Mallorca, donde tenía residencia. Recordando esa vinculación y anticipándose a la apertura de su centro de interpretación en S´Abeurador en Santanyí, de cuyo desarrollo científico y curatorial se encargará Es Baluard, este museo de Palma presenta desde hoy en su Gabinet una muestra que estudia las obras que realizó inspirándose en la isla.

A medio camino entre el barroco y el minimalismo y siempre moviéndose en escalas humanistas, la obra de Plessi se caracteriza por la hibridación de lenguajes y la exploración de las relaciones del individuo con la sociedad y la naturaleza.

Hasta el próximo 16 de abril, la Galería Blanca Soto de Madrid acoge el proyecto de Urtzi Ibarguen “No hay incendio sin cenizas”: piezas que llaman nuestra atención sobre las distancias entre el trabajo manual y el tecnológico, dentro y fuera de la escena artística.

Utiliza Ibarguen el ordenador desde la ironía, subrayando que nuestros pasados proyectos humanistas pueden haber quedado convertidos en datos con los que comerciar, en referentes simbólicos de nuestra apariencia que él emplea a modo de cimientos para levantar otra identidad que se adapte a los paradigmas de una nueva etapa histórica. Una etapa en la que asistimos a una gran transformación tecno-económica y a una conceptualización de la sociedad como una red uniforme en la que la subjetividad se ha perdido.

Hasta el próximo 20 de abril, Vítor Mejuto presenta en la Galería Trinta de Santiago de Compostela “Naturales y Sociales”, una selección de trabajos que extraen los valores plásticos de las ilustraciones del naturalista alemán Carl Friedrich Philipp von Martius, de la Carta Geométrica de Galicia de Domingo Fontán, las ilustraciones botánicas de Ramón de la Sagra y las cartas estadísticas de Charles Joseph Minard.

Ha buscado señalar la intuición artística de investigadores más interesados en explicar el mundo que en representarlo, movidos por la inocencia y la fe.

Desde el pasado 5 de marzo, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando cuenta con una sala específica de fotografía. Actualmente muestra una selección de las más de 3.000 imágenes comprendidas en los fondos de esta institución: obras de Charles Clifford, Ramón Masats, Paco Gómez, Gabriel Cualladó, Castro Prieto, García-Alix, Isabel Muñoz, Ouka Leele, Manuel Outumuro, Chema Madoz o Carlos Pérez Siquier.

A finales de este año, la Fundació Suñol se trasladará a un nuevo espacio en el distrito de Les Corts de Barcelona, que albergará las sedes de esta institución y de la Fundació Glòria Soler, creada esta última por Josep Suñol Soler en 2015 para impulsar programas solidarios en los ámbitos del arte, la asistencia sanitaria y la investigación científica. Los dos organismos trabajarán conjuntamente en proyectos de arte y ciudadanía.

Esta nueva sede contará con un espacio expositivo de 220 metros cuadrados y con un punto de consulta de la gran biblioteca que Josep Suñol ha reunido desde los inicios de su trayectoria como coleccionista a principios de los setenta, que en la actualidad cuenta con unos 10.000 volúmenes. La nueva ubicación de la Fundació Suñol contará también con un espacio polivalente donde realizar talleres, conferencias, presentaciones y otras actividades.

Miguel Fernández Cid, hasta ahora director de la Fundación Torrente Ballester, es el nuevo responsable del Museo de Arte Contemporáneo de Vigo. Así lo anunció el alcalde de la ciudad, Abel Caballero, en una reciente rueda de prensa.

Lo ha seleccionado por unanimidad un jurado formado por Miguel Zugaza, director del museo de Bellas Artes de Bilbao; Juan Manuel Bonet, exdirector del Instituto Cervantes; Antón Castro, profesor de la Universidad de Vigo y Lucas García Guirao, subdirector adjunto de Museos Estatales del Ministerio de Cultura y Deportes.

Fernández Cid sustituye en el cargo a Iñaki Martínez Antelo, que cesó como director en 2017. Es licenciado en Geografía e Historia por la Universidad Complutense de Madrid y ha sido profesor en las facultades de Bellas Artes de Salamanca y Pontevedra, jefe de redacción de Buades, periódico de arte y crítico en revistas especializadas y periódicos como Diario 16, ABC, El País y El Mundo.

Ayer conocíamos la triste noticia del fallecimiento de Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canaria en 1925), a los 94 años de edad recién cumplidos. Solo la enfermedad pudo apagar el entusiasmo vital que siempre caracterizó al escultor canario, que fue artista y artesano del hierro –material del que supo extraer toda su potencialidad, trabajando para alcanzar la mayor expresividad con la menor materia posible–, y que gozó del reconocimiento de sus coetáneos y de generaciones posteriores que siempre vieron en él un gran maestro.

Además de su intensa labor artística, por la que en 1980 fue reconocido con el Premio Nacional de Artes Plásticas, entre 1983 y 1990 desempeñó el cargo de presidente del Círculo de Bellas Artes de Madrid y desde 1989 hasta 2002 fue director del Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas de Gran Canaria. En el 2014 fue nombrado Académico Honorífico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

A lo largo del día de hoy hemos podido ver las numerosas manifestaciones de condolencia expresadas por miembros de la comunidad artística, pues el vacío que Martín Chirino deja es grande y se le echará de menos, sobre todo como persona. Su legado artístico e intelectual podrá seguir disfrutándose en la sede de su fundación, en El Castillo de La Luz.

A comienzos del año pasado, Phelps de Cisneros donó al Museo Reina Sofía 39 obras de artistas latinoamericanos fechadas entre los sesenta y la actualidad y este 2019 lo ha iniciado con una nueva donación: de 45 piezas realizadas por 33 autores, brasileños y venezolanos en su mayoría. Además de enriquecer con ellas sus fondos, el MNCARS podrá impulsar así sus investigaciones sobre el arte de la región desde la segunda mitad del siglo XX. La mayoría de ellas se fechan, además, desde los noventa, el periodo menos representado en sus fondos.

Las piezas donadas corresponden a Jaime Castro Oróztegui, Marcos Coelho Benjamin, Sigfredo Chacón, Paulo Climachauska, Eduardo Costa, José Damasceno, José Dávila, Danilo Dueñas, Iran do Espírito Santo, José Gabriel Fernández, Magdalena Fernández, Teresita Fernández, Héctor Fuenmayor, Rubens Gerchman, Fernanda Gomes, Alí González, Ester Grinspum, Arturo Herrera, Oscar Machado, Fabian Marcaccio, Roberto Obregón, Rosana Palazyan, Paulo Pasta, Nuno Ramos, Rosângela Rennó, Miguel Ángel Ríos, Mauricio Ruiz, Valeska Soares, Edgard de Souza Javier Téllez, Marcia Thompson, Angelo Venosa y Augusto Villalba.

La Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) fue fundada en los setenta por Patricia Phelps de Cisneros y Gustavo A. Cisneros. Tiene sedes en Caracas y Nueva York y busca promover una mayor apreciación de la diversidad, sofisticación y variedad del arte de América Latina y favorecer su estudio.

Las obras, en técnicas diversas, de Christian Kosmas Mayer se basan en una investigación detallada de la historia y la sociedad contemporáneas, sujetas a una reevaluación crítica. Pretende ubicar los fenómenos evolutivos y naturales en el marco de la historia cultural y la ciencia y explorar cómo los trabajos de conservación y archivo pueden transformar el rumbo y la consideración de los acontecimientos.

Hasta el próximo junio, presenta en el MUMOK de Viena la muestra individual “Aeviternity”, en la que investiga las relaciones dinámicas entre criaturas vivas y objetos inanimados y lo que de natural y de artificial tienen los procesos de archivo.

La sede londinense de la Marlborough Gallery exhibe, hasta el 30 de marzo, una selección de trabajos de Victor Pasmore, uno de los artistas y arquitectos fundamentales del panorama británico tras la II Guerra Mundial. Pueden verse algunas de las piezas que formaron parte de su retrospectiva de 1965 en la Tate y otras creadas en los años inmediatamente anteriores y posteriores a aquella exhibición, poniéndose luz a una etapa fundamental en la carrera de este autor.

Muchas de estas obras no habían podido ser vistas desde aquel 1965, como una pintura mural sobre lienzo concebida específicamente para la Tate que se creía destruida hasta su reciente descubrimiento.

Tras su paso por el Pompidou parisino, el pasado 20 de febrero recaló en la Tate Modern de Londres una retrospectiva de Franz West, pionero en la introducción de la estética punk en los pulcros espacios que eran las galerías de arte hasta los sesenta. Sus esculturas abstractas, muebles, collages y obras a gran escala son directos, toscos y sin pretensiones.

Los visitantes de esta antología, abierta hasta junio, podrán manejar réplicas de sus Passstücke (Adaptives), piezas de papel maché concebidas para ser manipuladas y trasladadas, que supusieron un punto de inflexión entre la relación del arte y su público e influirían en creadores posteriores, y también encontrarán sus lúdicas esculturas realizadas con objetos cotidianos, como un sombrero, una escoba o una botella de whisky.

En sus últimos años produjo West grandes esculturas de colores brillantes tanto para interiores como para exteriores y colaboró con numerosos artistas, músicos, escritores y fotógrafos; de hecho, su amiga y ayudante Sarah Lucas ha contribuido al diseño de esta exposición.

Nobuyoshi Araki, Kōji Enokura, Takashi Hamaguchi, Hiroshi Hamaya, Daidō Moriyama, Tamiko Nishimura, Akira Satō, Yutaka Takanashi, Kikuji Kawada y Shōmei Tōmatsu son algunos de los fotógrafos japoneses representados en la muestra “La mirada de las cosas. Fotografía japonesa en torno a Provoke”, que puede verse hasta febrero de 2020 en Bombas Gens (Valencia).

La muestra recuerda cómo, entre fines de los cincuenta y principios de los setenta, Japón asistió a una revolución radical en su fotografía de la mano de autores que se habían iniciado en el medio tras la II Guerra Mundial. Las obras expuestas proceden de la Colección Per Amor a l’Art, el fondo privado más extenso de fotografía nipona fuera de ese país.

El Van Gogh Museum de Ámsterdam ha adquirido recientemente 91 grabados de Camille Pissarro, entre ellos un autorretrato. Dan fe de la vertiente experimental de su obra y proceden de la colección de Samuel Josefowitz, que ha sido comprada al completo por el centro.

Pissarro fue uno de los más asiduos cultivadores del grabado en el impresionismo: trabajó en aproximadamente dos centenares durante su carrera y se sabe que algunos inspiraron a Van Gogh. Cuarenta y dos de esos trabajos recientemente incorporados a los fondos del museo holandés pueden contemplarse allí hasta el 26 de mayo en una presentación especial.

Desde el próximo mes de abril, Philippe Vergne será director del Museo Serralves de Arte Contemporáneo de Oporto; así lo acaba de anunciar su Patronato. En los últimos cuatro años, Vergne, que cuenta con una trayectoria de 25 años en centros de creación actual, había estado al frente del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.

Han asesorado al Patronato del Museo Serralves en su decisión Frances Morris, directora de la Tate Modern de Londres; Suzanne Cotter, directora del MUDAM de Luxemburgo; Jochen Volz, director de la Pinocateca del Estado de Sao Paulo; Laurent Le Bon, presidente del Museo Nacional Picasso de París y Vicente Todolí, director artístico de Pirelli Hangar Bicocca, en Milán.

El pasado domingo quedó clausurada la 14ª edición de ART MADRID en el Palacio de Cibeles y la organización de la feria ha resaltado que tanto la muestra como su programa de actividades paralelas, dedicadas al videoarte, han contado con un importante respaldo del público y del sector profesional; también ha señalado el aumento de jóvenes coleccionistas y el apoyo de instituciones y corporaciones.

Se cifran en más de 20.000 los asistentes a esta cita, que este año se ha estructurado atendiendo a un criterio de selección nuevo y más cualitativo y ha logrado la satisfacción de un buen número de galerías en cuanto a nivel de ventas. Nerea Ubieto comisarió el programa One Project, con sello femenino; Pachi Santiago, de la Galería Zielinsky, realizó la performance Copying Claudia y Rubén Martín de Lucas, como artista invitado, presentó una instalación audiovisual ligada a su serie Repúblicas Mínimas.

Según Alfonso de la Torre, miembro del Comité de ART MADRID, la feria se ha convertido en un espacio de esencia inclusiva, permitiendo el acceso a diversas audiencias, muy en especial del conocedor más joven, destacándose la existencia de artistas emergentes y, junto a ellos, nuevos coleccionistas que se han incorporado a la pasión coleccionista.

Anoche falleció José Pedro Pérez-Llorca a los 78 años de edad. Además de uno los padres de la Constitución, ha sido desde 2012 y hasta su muerte Presidente del Real Patronato del Museo del Prado. La pinacoteca ha emitido hoy el siguiente comunicado lamentando su muerte:

Hoy es un día triste para el Museo del Prado. Anoche, rodeado de sus seres queridos, fallecía José Pedro Pérez-Llorca, presidente del Real Patronato del Museo del Prado, cargo que ha ejercido con generosidad, entusiasmo y acierto hasta el último instante.

Su brillantez intelectual que demostró en todas las etapas de su fecunda vida pública la supo trasladar al ámbito de la cultura y de la gestión de la primera institución cultural del país. En sus años al frente del Patronato supo hacer valer su talento, su fina inteligencia y también su capacidad de liderazgo para conducir al Museo del Prado al lugar de privilegio que hoy ocupa en el corazón de los españoles.

Hombre de tremenda energía vital, acompasada con una infatigable voluntad de diálogo, acometió el reto de la necesaria nueva ampliación del Museo con la incorporación del Salón de Reinos y supo encauzarla con el apoyo de todos. Ese será uno de los grandes legados de su presidencia que él, con toda seguridad, extendería a todos los miembros del Patronato y a los sucesivos gobiernos con los que convivió.

Amante del arte, discreto como era, no podía reprimir sin embargo un brillo de satisfacción cuando hablaba de la adquisición de La Virgen de la Granada de Fra Angelico, que consideraba su aportación al enriquecimiento de la Colección del Museo del Prado. Porque José Pedro Pérez-Lorca estaba en todo, su implicación era absoluta y su entusiasmo, contagioso.

De su empeño vital es ejemplo el programa de actividades para conmemorar el actual Bicentenario del Museo del Prado, proyecto en el que se implicó al máximo y en el que tenía una ilusión especial por acercar la institución a la sociedad y refrendar su papel como símbolo de la identidad de España.

José Pedro deja un Museo del Prado mucho más grande y querido que cuando asumió las riendas de la institución en octubre de 2012. Y es mérito suyo que el respeto y cariño que los españoles sienten hacia la institución es similar al que todos los trabajadores del Museo del Prado sentimos hoy hacia su figura, su legado y su ejemplo.

El Museo Reina Sofía ha restaurado el lienzo de Miró Portrait II, que marcó en 1938 un punto de inflexión en la evolución del lenguaje plástico del artista hacia su madurez y que es, a su vez, una de las obras más significativas de la colección del centro desde su ingreso en 1988.

La intervención ha contado con la tecnología más puntera y se ha llevado a cabo tras un exhaustivo estudio de la obra y una limpieza integral que recuperase sus colores y retirara algunos materiales ajenos al original.

Ese estudio ha permitido profundizar en el conocimiento de las técnicas de ejecución de Miró, y en él han sido descubiertas tres firmas del autor con varias fechas, lo que nos ha permitido saber que la obra permaneció durante largo tiempo en manos del pintor catalán y que retomó su elaboración en diversos momentos.

La restauración se inició en 2017 y ha sido posible gracias a los fondos concedidos por el Bank of America dentro de su Proyecto de Conservación de Arte, un programa global que otorga subvenciones a museos e instituciones internacionales sin ánimo de lucro para ayudarles en la conservación de obras de arte relevantes desde el punto de vista histórico o cultural y en peligro de deterioro.

Luis Gordillo, presente en ARCO 2019 en el stand de la Galería Marlborough, ha sido el ganador de la última edición del Premio de Arte Catalina d’Anglade por su lienzo Paisajes por placas (2017), en el que, en la estela de su producción reciente, la abstracción de formas se conjuga con un intenso estudio cromático y con la superposición de capas, aunando lo cerebral con lo íntimo y visceral.

Este premio, que en sus anteriores ediciones recayó en Secundino Hernández y Fernanda Fragateiro, consta de dos fases: la primera es la propia entrega del galardón, que consiste en la adquisición de la pieza premiada; en la segunda, el artista desarrolla un proyecto inédito en el que arte y diseño convivan. Ese trabajo se presentará a principios de 2020.