El pasado 28 de diciembre, el Israel Museum de Tel Aviv abrió al público la primera muestra importante dedicada a la vanguardia rusa en aquel país. “Victory over the Sun” explora la revolución radical que supuso la abstracción de Malévich en los últimos años de la década de 1910 y la influencia de su producción suprematista en artistas posteriores, y también hace hincapié en las creaciones inconformistas, tras la muerte de Stalin, de Ilya Kabakov, Erik Bulatov, Michail Grobman, Vitali Komar y Alexander Melamid, que se opusieron al realismo socialista oficial.

Forman parte de la muestra libros de artista y abundante documentación, entre cartas, invitaciones o fotografías. Han cedido obras para la ocasión la Galería Tretyakov, el Hermitage de San Petersburgo, el Pompidou de París o la colección Michail Grobman de Tel Aviv.

A partir de otoño del año que acabamos de estrenar, el Gemeentemuseum de La Haya cambiará su denominación: pasará a llamarse Kunstmuseum Den Haag, un término que, según su director, Benno Tempel, expresa con más claridad que este espacio fue cofundado por artistas y que el propio edificio que lo alberga, obra de estilo art decó del arquitecto H.P. Berlage, forma parte de su colección.

El todavía Gemeentemuseum cuenta con los fondos internacionales más extensos sobre Mondrian y alberga cada año entre 30 y 35 exposiciones, pero si por algo destacan sus dimensiones y propuestas es por sus dimensiones asequibles, su escala humana. El cambio de denominación se produce tras efectuarse varias encuestas internacionales que habrían demostrado que el centro no es bien conocido fuera de Holanda por su nombre actual, de difícil pronunciación para los extranjeros. Se ha tenido en cuenta, además, que la de Kunstmuseum es una denominación frecuente en Europa, pero no hay ningún museo en Holanda llamado así.

La nueva denominación se hará oficial a partir de octubre, coincidiendo con la inauguración, el día 12, de la muestra dedicada a Monet “The Garden Paintings”.

Los centros CosmoCaixa y CaixaForum y las exposiciones organizadas por “la Caixa” recibieron el año pasado 6,9 millones de visitas, cifra que supone un aumento del 17,5% en el conjunto de los centros propios y las exposiciones itinerantes de “la Caixa” en España respecto a 2017.

El incremento más significativo se ha dado en CaixaForum Madrid, con más de 947.000 visitantes en 2018, un 52% más que el año anterior. En este espacio las muestras más exitosas fueron las dedicadas a Warhol (ha sido la más frecuentada en el centro en cinco años, con 257.000 espectadores) y Disney.

Como ya os adelantamos, durante este año podremos contemplar en CaixaForum Madrid muestras dedicadas a Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre (del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019), a la presencia de pasión, poder y política en la historia de la ópera, en un proyecto organizado junto al Victoria & Albert de Londres (del 26 de abril al 18 de agosto) y a la etapa de Picasso junto a Olga Khoklova (del 19 de junio al 22 de septiembre).

3.672.853 personas se acercaron a conocer las colecciones del Museo del Prado en 2018, en su sede madrileña y en las exposiciones que el centro organiza dentro y fuera de España; de ellas casi 2,9 visitaron la propia pinacoteca, lo que supone un incremento del 2,43 % respecto a 2017. Se trata de la segunda mejor cifra para el Prado en la última década, solo superada en 2016 debido al éxito de su muestra de El Bosco.

La mayor parte de los visitantes del Prado en su sede central, durante 2018, fueron no residentes en España (un 59,39%) y, entre los españoles, quienes más cruzaron sus puertas fueron los madrileños, seguidos de andaluces, valencianos y castellanoleoneses.

Los ingresos recibidos por el Prado en concepto de venta de entradas el pasado año se aproximaron a los 19.200.000 euros.

El último Consejo de Ministros aprobó el pasado 28 de diciembre, atendiendo a algunas de las recomendaciones del informe de la Subcomisión de Cultura del Congreso para la elaboración del Estatuto del Artista, medidas relativas a la fiscalidad y la cotización a la Seguridad Social de profesionales de la creación artística. Su objetivo, según el Ministerio de Cultura y Deporte, es garantizar un adecuado desempeño de la actividad artística, sobre la base de la consideración de sus peculiaridades características que la hacen merecedora de un régimen fiscal, laboral y de la Seguridad Social que garantice su desarrollo adecuado.

Un Real Decreto-Ley baja del 21 al 10% el IVA aplicable a los servicios prestados por intérpretes, artistas, directores, técnicos que sean personas físicas, a los productores y organizadores de obras y espectáculos culturales. También se baja del 19 al 15% el tipo de retención e ingreso a cuenta del Impuesto sobre la Renta de las Personas Físicas (IRPF) aplicable a los rendimientos del capital mobiliario procedentes de la propiedad intelectual cuando el contribuyente no sea el autor, medida que podrá beneficiar a los herederos de los creadores.

El Real Decreto-Ley añade un nuevo artículo, dentro de una sección llamada “Artistas en espectáculos públicos”, en el texto refundido de la Ley General de la Seguridad Social, en el que se prevé que los artistas en espectáculos públicos podrán continuar incluidos en el Régimen General de la Seguridad Social durante sus periodos de inactividad de forma voluntaria, siempre y cuando acrediten, al menos, 20 días en alta con prestación real de servicios en dicha actividad en el año natural anterior.

En lo relativo a la compatibilidad de la pensión de jubilación con los ingresos por derechos de propiedad intelectual de los creadores, el Decreto-Ley da un plazo de seis meses al Gobierno para que regule esta materia.

Cada vez sabemos más de ARCOmadrid 2019, que tendrá a Perú, recordamos, como país invitado. En su sección de Proyectos Especiales, destinada a instalaciones u obras que requieren de unas condiciones particulares de tiempo y espacio para su visualización y que por eso se exhibirán en emplazamientos destacados de ARCO, veremos una treintena de piezas de gran formato, a cargo de artistas como Jaume Plensa (Lelong), Fernando Bryce (Espaivisor), Finnbogi Pétursson (Taik Persons), Teresa Margolles (Mor Charpentier), Sol Calero (Barbara Gross), Waqas Khan (Sabrina Amrani), Chiara Fumai (Rosa Santos), Anna-Eva Bergman (Jérôme Poggi), Pepe Espaliú (García Galería), o David Zink Yi (König Galerie).

Por otro lado, de la Sala VIP de la feria se encargará esta vez Lázaro Rosa Violán Studio en colaboración con El Corte Inglés. En su interior, el espacio Audemars Piguet presentará la pieza del artista Andrea Galvani ganadora del VII Premio Audemars Piguet a la Producción de una Obra.

El Museo del Prado distribuirá, el domingo 23 de diciembre en la prensa española, el mayor encarte cultural de su historia: 1,2 millones de ejemplares que llegarán a todas las comunidades a través del periódico líder en cada provincia. Será un documento de ocho páginas que acercará a los lectores las transformaciones del Museo, reflejo de la propia historia de España, en los últimos dos siglos, además de datos, anécdotas y una recopilación de las principales obras de arte de sus fondos.

El director del Prado, Miguel Falomir, ha explicado la iniciativa: el Bicentenario es un momento único que queremos aprovechar para llevar a cabo iniciativas extraordinarias como esta. Sabemos que conocer el Museo es amarlo y por eso orientamos nuestra estrategia para seguir reforzando los vínculos afectivos de los españoles con el Prado. Este es el gran regalo que la nación española se ha hecho a sí misma y nos encanta pensar que en cientos de miles de hogares este documento se guarde, casi como un álbum familiar.

El encarte se distribuirá en 36 cabeceras de información general, 34 de ellas regionales, como Levante, La Nueva España, Hoy, Información, Sur, La Verdad, El Norte de Castilla y las Tribunas de Albacete, Ciudad Real, Guadalajara, Toledo y Cuenca, entre otras; en la Feria Internacional de Turismo (Fitur), que se celebrará en Madrid del 23 al 27 de enero; y en las oficinas de turismo madrileñas.

La artista Marina Anaya ha creado en exclusiva un grabado, titulado Ningún humano es ilegal, para colaborar con la Comisión Española de Ayuda al Refugiado (CEAR) en su lucha a favor de los derechos de las personas obligadas a abandonar sus países. El beneficio íntegro de lo recaudado con la venta de esta pieza, que tiene un coste de 200 euros, se destinará a los programas de CEAR. Los interesados pueden adquirirlo en la tienda online de la web de Marina y la edición consta de 75 ejemplares y 7 pruebas de autor.

En su última serie de pinturas, Darren Almond se refiere al tiempo en su doble condición de abstracción teórica y de realidad concreta en el marco de la cultura humana, y también alude a los números como signos que nos ayudan a hacer visible lo invisible. No solo cuantifican el tiempo, también componen el lenguaje de la economía, el de la codificación informática o el de la astrología.

Sus trabajos recientes son cuadrículas formadas por paneles rectangulares y representan dígitos fragmentados semejantes a los que vemos cada día en el paisaje urbano: en los centros de transporte, en horarios, señales y relojes. Generan un campo de formas parciales que parecen flotar a través de la superficie de las pinturas, emergiendo y desapareciendo, permitiendo que la percepción del espectador se desplace entre la presencia figurativa de los números y un espacio que se abre al inconsciente. White Cube Bermondsey los expone hasta el 20 de enero.

El C3A de Córdoba presenta, hasta el 5 de enero de 2019, la muestra “Tiempo y memoria”. Consta de dos grandes videoinstalaciones de su colección, obras de Fiona Tan y Haris Epaminonda, que plantean cómo viaja el pasado hasta el presente, cuáles son las imágenes que lo representan y qué relación establecemos con ellas hoy.

La pieza de la indonesia Fiona Tan explora la memoria, el tiempo y la historia; se trata de Thin Cities (Ciudades diluidas), un estudio de los archivos de retratos como herramienta de categorización del “otro”.

Por otro lado, la serie Chronicles de Epaminonda es un proyecto audiovisual basado en la documentación de conceptos como la memoria y el paso del tiempo por medio de fragmentos o poemas visuales. Evitando cualquier línea narrativa, la artista chipriota recurre a las imágenes fragmentadas que analizan la naturaleza del tiempo y certifican la permeabilidad de los recuerdos.

Tras su paso por la Fundación MAPFRE en su sede de Bárbara de Braganza, el pasado 17 de noviembre recaló en el San Francisco Museum of Modern Art  una retrospectiva de Brassaï que repasa temáticamente su producción, haciendo hincapié en su amor por la noche parisina y por sus moradores: amantes, prostitutas, asistentes a cafés, bares y salones de baile. Los retrató con una inusitada franqueza. La exposición también incluye retratos de sus amigos artistas: Pablo Picasso, Salvador Dalí y Henri Matisse, entre otros. Puede verse hasta el 17 de febrero de 2019.

La artista y activista cubana Tania Bruguera presenta, hasta el 24 de febrero de 2019 en la Tate Modern, su proyecto comisionado por Hyundai: “10,148,049”. Ese título corresponde al número de personas que en 2017 se vieron obligadas a emigrar, incluidas las que murieron antes de llegar a su destino.

Bruguera ha reunido a 21 voluntarios que viven o trabajan en el distrito postal de la Tate y les ha encargado explorar cómo el museo puede adaptarse a esa comunidad local: han cambiado el nombre de la Sala de Turbinas por el de Natalie Bell, activista social británica, y también han escrito un manifiesto que los visitantes del centro pueden leer al iniciar sesión con el Wifi del museo.

El suelo de ese espacio de las Turbinas, sensible al calor del cuerpo humano, revela, cuando se encuentra sobre él un número suficiente de público, un retrato de Yousef, joven que salió de Siria para alcanzar Londres. En una pequeña sala cercana, un compuesto orgánico en el aire provoca lágrimas, lo que Bruguera llama “empatía forzada”. A la cubana le interesa la vertiente más política y útil del arte.

Desde los noventa, la artista estadounidense Diana Thater ha combinado nuevas tecnologías de la imagen en movimiento con formas que desafían las convenciones narrativas del video y el cine. Ha manipulado el color en los espacios expositivos y usado pantallas y monitores como soporte visual para proponer diálogos con los grandes hitos de la historia del arte, desde el impresionismo al minimalismo. Sus entornos, inmersivos y saturados de color, transforman la arquitectura que los acoge y crean dicotomías entre belleza y espíritu crítico, según la artista, “tensión entre ciencia y magia”.

Entre los temas clave de la obra de Thater están las condiciones de vida animal como resultado de la acción humana. En el Museo Guggenheim Bilbao pueden verse, hasta el 3 de marzo, una selección de sus trabajos, entre ellos Un mundo a la fuga (2016-2017), que consta de dos instalaciones gemelas, recientemente producidas en Kenia, en las que la artista observa la vida y los hábitats de dos especies en peligro de extinción, elefantes y rinocerontes, y evoca los negocios que amenazan su supervivencia. También Tiempo comprimido (2017), un video mural expuesto en la antesala de la exposición en el que superpone lo abstracto y lo descriptivo, provocando una confrontación entre los planos de color y las imágenes documentales.

El Museo Universidad de Navarra profundiza en el paso a la abstracción de Jorge Oteiza partiendo de los dos grandes murales presentes en su colección: Homenaje a Bach y Elías y su carro de fuego, así como de otras piezas cedidas por la Fundación Museo Jorge Oteiza de Alzuza, entre ellas esculturas, dibujos, bocetos, collages y documentación.

La muestra “Génesis de la abstracción en los murales de Jorge Oteiza” contextualiza ambas obras, realizadas en 1956 por encargo de María Josefa Huarte y que fueron donadas a la Universidad de Navarra. En ambas, el escultor analizó las posibilidades espaciales del muro aplicando dos técnicas distintas: relieve en positivo y relieve inciso, respectivamente. Puede visitarse hasta el 10 de febrero.

La colección de arte moderno del Museu Nacional d´ Art de Catalunya cuenta con  más de 1.200 obras de 260 artistas y ofrece un relato sobre el nacimiento de la modernidad y el papel que juegan en ella el arte y los artistas. Desde este mes, se ofrecerá a sus visitantes con un planteamiento renovado y varias incorporaciones: habrá nuevas  salas para el arte de posguerra y de la llamada segunda vanguardia (1940-1980), Picasso se integrará en estos fondos del MNAC, gracias a la donación de tres de sus obras por parte del Museu Picasso barcelonés, y a ellos también se sumará el proyecto Habitación, de Pedro G. Romero, en el espacio dedicado a la Guerra Civil.

Las tres obras de Picasso que ahora ingresan en el MNAC se fechan en su época temprana, los años catalanes. Un autorretrato de cuando Picasso tenía catorce años, realizado durante su periodo académico en la escuela Llotja, se integrará en la Sala 40 y las otras dos obras se expondrán en la Sala 41. Se trata del óleo de una academia al natural que muestra a un hombre desnudo y de una copia parcial que realizó Picasso de una obra de Arcadi Mas i Fondevila que se encuentra en la colección permanente de Arte Moderno del centro.

Por último, hasta el 28 de abril de 2019, el Museu Nacional expone en las salas dedicadas al arte producido durante la Guerra Civil los trabajos realizados por Pedro G. Romero en torno a las llamadas Chekas psicotécnicas de Alphonse Laurencic, los centros de detención que funcionaron entre 1937 y 1939 en los templos de las calles Vallmajor y Zaragoza, de Barcelona, y en el convento de Santa Úrsula, de Valencia.

El Museu Nacional d’Art de Catalunya, el Museu de l’Empordà, el Museu Episcopal de Vic y el Museu d’Art de Girona han presentado cuatro nuevas apps basadas en Second Canvas, una plataforma que permite ofrecer experiencias multimedia que combinan imágenes en alta resolución con un storytelling interactivo.

Second Canvas, una herramienta desarrollada por la empresa española Madpixen, permite crear y publicar contenidos que ayudan a explorar e interpretar las obras de arte, a dar a conocer historias, hablar sobre la técnica de los artistas y a aportar un contexto que ayuda a completar su visualización. Las imágenes, en súper alta resolución, cuentan con un formato al que es posible aplicar el zoom, añadir luz ultravioleta, infrarroja o de rayos x, y el resultado se puede publicar en diferentes formatos, como web, aplicaciones (iOS, Android, TVOS), dispositivos de interpretación de sala y exposiciones virtuales.

En 2019, año en que el Museo Guggenheim de Nueva York celebrará su 60º aniversario, este centro abrirá sus puertas al público todos los días de la semana, con horario de tarde también los martes y los sábados.

Se trata de una iniciativa puntual, que se suma a las actividades y exposiciones con las que el Solomon R. Guggenheim Museum conmemora su efeméride. El año próximo podremos visitar allí muestras especiales dedicadas a su colección y a las relaciones entre arte y arquitectura.

El Museo Sorolla acogió hace pocos días la presentación de la nueva Norma UNE 302002. Museos. Requisitos para la prestación del servicio de visitas, desarrollada por un comité técnico de normalización de expertos presidido por el Ministerio de Cultura y Deporte a través de la Subdirección General de Museos Estatales y coordinado por el Instituto para la Calidad Turística Española (ICTE) y la Asociación Española de Normalización (UNE).

Esta Norma establece una serie de requisitos para garantizar la experiencia satisfactoria de los usuarios de los museos durante su visita y se refiere a aspectos como la accesibilidad, la información que ofrecen a los visitantes, el trato recibido, las facilidades para la planificación y organización de la misma o el estado general de los espacios e instalaciones. Además, se establecen unos niveles mínimos para los espacios y servicios básicos para garantizar una visita satisfactoria, y se dan opciones de mejora mediante recomendaciones y a través de la implantación de un sistema de evaluación que incluya la opinión del público.

Se trata de una norma pionera internacionalmente. El primer museo que obtiene la certificación “Q de Calidad”, por cumplir con las recomendaciones que establece, es el MARQ de Alicante.