Si hace pocos días nos avanzaba el Museo del Prado el nuevo discurso presente en sus fondos de pintura gótica (salas 51 A y 51 B), hoy presenta la pinacoteca las intervenciones que se han llevado a cabo en los últimos meses en los espacios 52 A, 52 B y 52 C, ubicados en el recorrido de las colecciones del Románico al Renacimiento de sus fondos, en el área norte norte de la planta baja del edificio Villanueva.

La actual disposición de estas salas responde a una propuesta de David Garcia Cueto, Jefe del departamento de pintura italiana y francesa hasta 1800 del Prado; de Ana González Mozo, Técnico Superior de Museos en el Gabinete de Documentación Técnica y Joan Molina Figueras, Jefe de Departamento de Pintura Gótica Española, y tiene como fin ofrecer al público una visión aún más enriquecedora de este acervo.

Con la copia de la Mona Lisa conservada en el Museo como eje, la sala 52 C y la primera parte de la 52 B acogen ahora un diálogo inédito entre autores flamencos, italianos y españoles que tuvieron en común su fascinación por Leonardo da Vinci; esta presentación ha propiciado que se complete la restauración de la Sagrada Familia del italiano Bernardino Luini, obra que representa la influencia del genio en torno a Milán.

Hay que recordar que la producción de Leonardo tuvo un hondo impacto en la Europa de su tiempo, a través de sus discípulos pero también de quienes emularon su estilo (tratamiento pictórico de la luz, densidad atmosférica, rasgos de la figura humana…). Los enclaves donde arraigó con más fuerza su influencia fueron la citada ciudad de Milán, donde el artista residió y dirigió un importante taller, y la corte de Francia, que lo acogió al final de su vida. Más allá de esa geografía, el interés por su obra alcanzó igualmente a algunos artistas flamencos y llegó a diversas zonas de la península Ibérica, en este caso de la mano de Fernando Llanos y Fernando Yáñez de la Almedina, los llamados “los Hernandos”.

Por su parte, el segundo espacio de la sala 52 B acoge actualmente obras de algunos de los pintores más célebres en nuestro país entre 1530 y 1600: elaboraron cada uno personales fórmulas pictóricas a partir de determinados aspectos de las escuelas flamenca e italiana, contribuyendo a la renovación artística en España. Destaca el Autorretrato de Pedro de Campaña, inigualable en nuestra pintura del Renacimiento, que el Museo pudo adquirir gracias al legado de Carmen Sánchez, y también el sfumato leonardesco del Divino Morales, autor especializado en pinturas de signo devocional.

Además, Juan Correa de Vivar, el maestro de retablos más prolífico en la diócesis de Toledo hasta su muerte en 1566, se dejó influir por los modelos rafaelescos y Alonso Sánchez Coello fue asimismo sensible a las fórmulas italianas, muy presentes en el monasterio de El Escorial. Conocido por sus retratos en la corte de Felipe II, llevó a cabo pinturas religiosas de gran riqueza cromática y en las texturas. Por último, en el Toledo de fin de siglo trabajó Blas de Prado, otro autor atento a las propuestas del clasicismo romano.

En cuanto a la Sala Várez Fisa, coronada por un artesonado llegado de la iglesia de Santa Marina de Valencia de Don Juan (León), se exhibe aquí aún un singular conjunto de obras de arte español datadas entre 1200 y 1500 y donadas por la propia familia Várez Fisa, pero ese conjunto se ha enriquecido, temporalmente, con la exposición de La Virgen de las Batallas, la obra que, cuenta la leyenda, Fernán González llevaba en el arnés de su caballo al campo de batalla para asegurarse su protección. Fue adquirida y depositada en el Museo de Burgos por el Prado en 1998.

El Museo del Prado ha llevado a cabo diversas intervenciones para la reordenación de sus salas 51 A y 51 B, correspondientes a la pintura gótica, con el fin de ofrecer al público una visión renovada de esta parte, no demasiado conocida, de sus fondos. A partir de ahora esos espacios se articulan en propuestas temáticas, destinadas a brindar una lectura más armónica y sugestiva de la colección.

Las paredes se han pintado de un azul luminoso, para potenciar el intenso cromatismo presente en la mayoría de las pinturas góticas: así puede apreciarse, sobre todo, en la sala dedicada al gótico internacional. Además, se recupera así uno de los aspectos que sabemos eran más valorados estéticamente en la Edad Media, el empleo de colores vivos y suntuosos.

También se busca, con esas tonalidades, ofrecer al público una experiencia inmersiva: es casi imposible reproducir los efectos sensoriales derivados de los olores, luces o sonidos que contextualizaban la contemplación de las pinturas medievales, pero sí se ha pretendido reforzar la idea que las obras expuestas no se concibieron únicamente como objetos autónomos, sino también como piezas integradas en entornos de fuerte dimensión sinestésica.

Por otro lado, en cuanto a los discursos expositivos, en la sala dedicada a la pintura de la segunda mitad del siglo XV obtendremos desde ahora una impresión ordenada del conjunto a partir de varios puntos focales de carácter, como decíamos, temático. Según Joan Molina, Jefe de Departamento de Pintura Gótica Española de la pinacoteca, ya no se trata de colocar en una sala obras de un periodo unas junto a otras, sino de explicar ideas y conceptos, de contar historias a través de una serie de argumentos que nos proponen nuevas formas de mirar y comprender diversas realidades de la pintura gótica.

Encontraremos agrupaciones de tablas referidas, en ese sentido, a las expresiones visuales del culto a los santos, el concepto del retrato, la noción de alteridad, el significado de los gestos, la preeminencia del tema sobre el estilo, las múltiples apariencias del diablo o la libertad creativa de los artistas medievales. Se abordan estos asuntos con rigor científico, pero también desde una perspectiva amena.

La preparación de esta nueva instalación en las salas se ha desarrollado en paralelo a una intensa actividad de investigación y recuperación de la propia colección de pintura gótica española del Prado; esos trabajos han derivado en nuevas atribuciones para la autoría de algunas tablas, en la propuesta de localizaciones hasta ahora inéditas o incluso en la de promotores desconocidos. Las indagaciones en torno a algunas obras y autores continúa, no obstante, abierta, y se espera que de resultado en los próximos meses y años. En cuanto a la recuperación de piezas, se han restaurado diferentes pinturas y marcos sacados ahora de los almacenes y depósitos y algunas más están aún siendo intervenidas o lo serán en el futuro.

Estefanía Martín Sáenz ha recibido el primer premio correspondiente al I Concurso Real Fábrica de Tapices, en la categoría de tapiz, por su obra Ligaduras.

El jurado, presidido por Jaime Lavagne, ha valorado en esta pieza su capacidad de innovación estética y su reflexión sobre los medios empleados, y ese trabajo se reproducirá en un tapiz de 2 x 1,5 metros realizado en urdimbre de algodón, con trama en lana, y posteriormente se mostrará junto con las más de cincuenta obras preseleccionadas en una exposición en la Real Fábrica de Tapices.

En la categoría de alfombra de nudo turco, el galardón ha sido para María Cano, por No pisar la raya, y en la de alfombra de nudo español, para Concha García, por Desencaje.

Un mes después de la apertura de su nuevo edificio, el Museo Helga de Alvear ha anunciado la renovación de la exposición inaugural que cobija, que recogía cerca de un 5% de las más de 3.000 obras que forman parte de los fondos del centro, con el fin de dar a conocer gradualmente al público estas colecciones.

Desde esta misma semana, podremos comprobar en el Museo cacereño que la totalidad de las salas de su planta -3 han sido renovadas, en cuanto al diseño arquitectónico y al discurso expositivo, y encontraremos obras que, en su mayor parte, no se habían exhibido antes aquí.

De las 17 propuestas que ocupan las salas de la última planta podemos destacar uno de los iglús de Mario Merz, La casa del giardiniere (1983 – 1985), adquirido por Helga de Alvear en la última edición de ARCO; se exhibe junto a otras del autor povera que ya formaban parte de la colección, como la pintura collage Animale 418 (1998).

Pueden contemplarse también piezas que ofrecen un nuevo acercamiento a los cruces entre el arte, el paisaje y la naturaleza desde el acervo de Helga de Alvear, como proyectos de Gordon Matta-Clark, fotografías de Joan Foncuberta y Roni Horn o piezas de videoarte de Jason Rhoades y Willie Doherty.

La pintura de Carmen Laffón que ya se exponía en el anterior montaje del Museo se acompaña ahora de una escultura también de esta artista sevillana; mientras que la escultura próxima al land art de Richard Long comparte actualmente espacio con una instalación de pinturas creadas con lodo del Río Avon, también del británico.

Según ha explicado José María Viñuela, conservador de la Colección y responsable de la museografía del diseño del montaje, el Museo, como organismo vivo, seguirá mutando a lo largo del tiempo. Por eso, la palabra permanente nunca será la adecuada a la hora de referirnos a la exposición de la Colección Helga de Alvear. Dada la calidad, cantidad y diversidad de las obras que forman parte de la Colección, podemos realizar exposiciones temporales de forma periódica, pero también creemos necesario ofrecer nuevas experiencias desde los espacios dedicados a la Colección. Algunas de las obras más icónicas del Museo, como la famosa lámpara de Ai Weiwei, Descending Light (2007), ubicada en el hall de entrada, o Faux Rocks (2006) de Katharina Grosse, que continúa en exposición en esta última planta recién renovada, permanecerán a disposición del público durante los próximos años. Otras de las obras de las diferentes salas, irán variando en un Museo en constante transformación.

Cervezas Alhambra ha fallado, por sexto año consecutivo, su Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente. Se invita a participar en su convocatoria a artistas emergentes a nivel nacional para que desarrollen obras de creación inédita, inspiradas en Granada, y en concreto en la Alhambra, como fruto de un proceso de producción artesanal reinterpretado en clave contemporánea. Esas piezas pueden verse en el stand de la firma en ARCOmadrid.

Su ganadora esta vez ha sido Laia Estruch Mata, por su trabajo Zócalo, realizado en colaboración con el artesano Eloi Bonadona: hablamos de una estructura de cerámica cilíndrica, basada en la tradición alfarera local de Quart, en Girona, que evoca un instrumento de viento y que parte de las cubiertas horadadas y abovedadas de los baños del Palacio de Comares.

En Zócalo, algunos de los elementos se organizan libremente en la superficie de las piezas articulando un lenguaje, el propio de la cerámica popular, que adquiere sentido a partir de su continua repetición en el tiempo.

El jurado del galardón lo han compuesto Javier Hontoria, director del Museo Patio Herreriano; Juan Antonio Álvarez Reyes, director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo; Jimena Blázquez Abascal, coleccionista, comisaria y crítica de arte; Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, Presidenta de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo; Imma Prieto, directora de Es Baluard Museu; Martina Millà, jefa de exposiciones de la Fundación Joan Miró de Barcelona; Rocío Díaz, directora general del Patronato de la Alhambra y Generalife y Álvaro Trujillo, Brand Manager Territory de Cervezas Alhambra. Los finalistas han sido Álvaro Albaladejo, Fuentesal Arenillas (Julia Fuentesal y Pablo M. Arenillas), Nadia Barkate y Lois Patiño.

Hoy ha tenido lugar en ARCO la entrega del quinto Premio de Arte Catalina D’Anglade: ha sido para la artista navarra June Crespo, por su obra Cuando nuestros ojos se tocan. Consta de dos gorras fundidas directamente en acero en las que se aprecian partes del proceso de fundición, como bebederos y revestimientos de cerámica. Explica Crespo que los dos elementos soldados entre sí y anclados en la pared funcionan como receptáculos enfrentados generando un espacio vacío activo entre ellos, como el espacio entre dos manos, dos cabezas… El título es extraído de una cita de Derrida: “Cuando nuestros ojos se tocan, ¿es de día o de noche? Un momento concreto, cuando nuestras miradas se encuentran, verse mirar al otro y verse mirado por el otro. Un momento concreto que abre a su vez un espacio de indefinición”. Parece hablar del encuentro entre la vista y el tacto, de sus cualidades hechas una. En la pieza lo conocido se vuelve otra cosa, se produce un extrañamiento.

Esta artista, que expone la pieza en el stand de CarrerasMúgica, ha sido este año, además, invitada a participar en la exposición central de la Bienal de Venecia.

El Premio de Arte Catalina D’Anglade consta de dos fases: la primera es la entrega del galardón, que consiste en la adquisición de la pieza premiada por parte de la promotora, y la segunda supone el desarrollo de un proyecto inédito en el que arte y diseño conviven. Ese proyecto desarrollado por la pamplonesa como segunda fase del galardón verá la luz en 2023.

Su producción suele partir de un gesto afectivo-asociativo sobre materiales compilados y extraídos del sistema de producción y consumo; ella los une o ensambla generando nuevas relaciones que, a su vez, alumbran distintas formas de extrañamiento, apropiación y recontextualización. Sus instalaciones escultóricas son fruto de investigaciones sobre la relación del cuerpo con el espacio expositivo, el gesto, la presencia y el citado extrañamiento y están realizadas con hormigón, textiles, resina, cerámica o materiales gráficos.

Los ganadores de las anteriores ediciones del galardón fueron Daniel Steegmann Mangrané (2020), Luis Gordillo (2019), Secundino Hernández (2018) y Fernanda Fragateiro (2017).

El premio Martin Miller’s Gin al mejor stand SOLO/DÚO de ARCO, en su primera edición, ha sido para el proyecto de la artista Marta Palau expuesto en el stand de la Galería Walden de Buenos Aires (7C09). Su jurado lo han compuesto Rosa Ferrer, directora de Matadero Madrid, y Andrea Bellini, director del Centre d’Art Contemporain de Ginebra.

Marta Palau, nacida en la localidad ilerdense de Albesa en 1934 y nacionalizada mexicana, alcanzó reconocimiento internacional gracias a sus tapices: en su trayectoria se valió del textil para repensar las posibilidades de la pintura y la escultura.

La feria de arte emergente JUSTMAD y la Fundación ENAIRE han concedido, un año más, el Premio Fotografía Joven Fundación ENAIRE, destinado a impulsar la carrera del artista en quien recae a través de la producción de obra y una exposición en el marco de PHotoESPAÑA.

En su quinta edición, este galardón ha recaído en el zamorano Antonio Guerra por el proyecto La luz que nos ciega, que puede verse en esta cita en el stand de la Galería Marisa Marimón de Ourense. Se trata de una serie fotográfica iniciada en 2014 en la que el artista toma como punto de partida el concepto de naturaleza para abordar la disociación entre mito y ciencia y alumbrar un relato vinculado a asuntos universales como la muerte, la enfermedad o el dolor. Como es habitual en su obra, el entorno natural de las zonas rurales de la España interior deviene espacio simbólico y de reflexión en el que trazar un viaje entre la ficción científica y los mitos, apelando a los lazos entre cultura y paisaje.

El jurado que ha fallado el premio ha estado formado por Beatriz Montero de Espinosa, directora gerente de la Fundación ENAIRE; Ángeles Imaña Marcos, directora de Conservación y Proyectos Culturales de la Fundación ENAIRE; Semíramis González, directora artística de JUSTMAD; Estela de Castro, segunda galardonada con el Premio de Fotografía Fundación ENAIRE y Pedro Quijano, coordinador de Proyectos Culturales de esa institución.

Han valorado en Guerra “su acercamiento interdisciplinar al medio fotográfico, donde explora las diferentes capas presentes en el entorno natural y su imaginario visual”.

El Museo Picasso Málaga anunció ayer que se sumará al discurso renovado de sus fondos, Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023, como obra invitada, un lienzo cubista de este artista: El remero, que llevó a cabo en Cadaqués en el verano de 1910 y que conserva The Museum of Fine Arts de Houston. Se considera pieza fundamental del movimiento, junto a otros trabajos del malagueño como Mujer con mandolina (en el Museum Ludwig de Colonia) o Desnudo femenino (en la National Gallery of Art de Washington), que en los inicios del siglo pasado transformaron por completo la representación de la figura humana.

Puede verse El remero en la sala II, cerca del tapiz Las Señoritas de Aviñón en su versión de Jacqueline Dürrbach, porque si en la imagen de esas prostitutas de 1907 Picasso vertebró figuras femeninas a partir de segmentos curvos planos, pero disponiendo sobre ellas máscaras que desafiaban las tres dimensiones, en la tela llegada de América, tres años más tarde, reconstruyó la figura en torno a una nueva estructura cubista de figuras curvadas y facetadas. Los componentes individuales del cuerpo se sugieren a través de planos curvos y en ángulo que, o se expanden, o se inclinan hacia delante y hacia atrás en el espacio.

Dibujó Picasso la figura mediante líneas de pintura negra y después la dotó de textura incorporando trazos blancos horizontales, de forma rectangular, parcialmente sombreados con tonos ocre, gris y negro.

La última vez que El remero pudo verse en Europa fue hace más de treinta años, cuando se expuso en la Öffentliche Kunstsammlung de Basilea en 1989. Por su título, se ha interpretado que representa a un hombre remando, junto a su reflejo en el agua y ondas que indicarían el movimiento de un remo, pero otras visiones aprecian en la figura a una mujer sentada, lectura que, desde los estudios más recientes, parece más probable.

La pieza podrá verse hasta mayo en Málaga, como intercambio con el MFAH por la obra Cabeza de toro (1942), que fue cedida por el Museo Picasso para su participación en la exposición itinerante “Calder-Picasso”. Esa exhibición recaló en el Fine Arts Museum of San Francisco – de Young, en el High Museum de Atlanta y en el propio Museum of Fine Arts de Houston entre febrero de 2021 y enero de este año.

Con motivo de la gran exposición que la Fundación Beyeler suiza dedica actualmente a Goya, una selección importante de obras del aragonés han viajado desde el Museo del Prado a Basilea, circunstancia que ha favorecido la realización de varias intervenciones en las salas 34 a 38 de la pinacoteca, dedicadas a este artista. Su objetivo ha sido ofrecer al público un discurso expositivo y narrativo renovado en torno a parte de su colección en el Museo; además, se han abierto los balcones de las salas 34 y 38, dos de ellos dirigidos hacia el Paseo del Prado y el último al Jardín Botánico, para acentuar la entrada de luz natural y se ha creado una nueva sala de mayores dimensiones al fusionar las numeradas como 37 y 38, demoliendo el tabique entre ellas.

En ese nuevo espacio se exhiben ahora la Maja desnuda y la Maja vestida junto al retrato de la Marquesa de Santa Cruz y, por primera vez, también junto a una de las pinturas de Tiziano que representan a Venus, en concreto Venus recreándose con el Amor y la Música, datada hacia 1555. Procede esta pintura de la Colección Real y su ubicación aquí tiene que ver con la evocación de la decoración propia de uno de los gabinetes del palacio de Manuel Godoy, valido de Carlos IV, en el que se encontraban las citadas Majas de Goya junto a representaciones de la diosa del amor, como la Venus del espejo velazqueña (hoy en la National Gallery de Londres) y otra de Tiziano, recogida en una pequeña copia. La sala evidencia ahora, además, la novedad inherente a las composiciones de la Majas, desnudos que carecen de toda referencia mitológica y cuya modelo no esquiva, en su rostro, la mirada del espectador.

Por otro lado, la nueva ordenación se completará, en la sala 34, dedicada a pintura religiosa, con la muestra que reunirá durante un año dos bocetos goyescos de la colección de la Fundación Tatiana Pérez de Guzmán el Bueno, ambos preparatorios de su cuadro de altar de San Bernardino de Siena, situado en la basílica de San Francisco el Grande en Madrid; los visitantes podrán así conocer el proceso creativo de esta obra y la precisión aplicada por Goya a la creación de una composición, como esta, de gran complejidad. En esta misma sala, presidida por su Cristo crucificado de 1780, que le permitió el ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, se ubican otros tres bocetos de cuadros de altar para iglesias, como las catedrales de Toledo y Sevilla, y pinturas destinadas a oratorios o pequeños altares de clientes particulares.

El conjunto nos permitirá, así, adentrarnos en el desarrollo estilístico de Goya durante cinco décadas, así como en su concepción original y realista de los hechos religiosos y de las acciones de santos y divinidades y en su muy novedoso empleo de la luz.

Las salas 35 y 36, por su parte, continuarán el recorrido por los retratos pintados por el genio a partir de la década de 1780 y hasta la de 1800, haciendo hincapié en el número y diversidad de sus clientes cuando ya se había consolidado como el retratista más importante en la corte de su tiempo. En estos trabajos apreciaremos que desaparece parcialmente el idealismo y la búsqueda de atemporalidad que habían caracterizado hasta entonces el género, que se busca profundizar en el carácter de los modelos y también que su autor quiso conferir a estas imágenes un carácter diferenciado entre sí, en cuanto a composición y expresividad.