El Astrup Fearnley Museet de Oslo dedica su muestra veraniega a Synnøve Anker Aurdal, uno de los más significativos artistas textiles noruegos. Se repasa su producción entre los cuarenta y los noventa a partir de piezas de los propios fondos del autor y de otras colecciones de ese país, algunas inéditas para el público hasta ahora.

Profundamente conocedor tanto de técnicas artesanales tradicionales en el ámbito nórdico como del discurso contemporáneo, se adentró en el campo de las Bellas Artes, donde encontró un amplio reconocimiento y contribuyó significativamente a la comprensión de los textiles como medio artístico. Evolucionó paulatinamente hacia una menor figuración y se situó a la vanguardia de la abstracción en Noruega en los cincuenta, conjugando aquel legado pasado con los lenguajes del arte moderno para descubrir nuevas formas de reflexionar sobre el mundo.

En sus palabras, la tradición no es solo algo antiguo, sino también algo nuevo que se crea constantemente. Una tradición tiene que romperse para renovarse al ritmo del pulso, las posibilidades y las ideas de una época. El hilo de colores se convirtió en una herramienta natural para expresar sus ideas, similar al pincel de un pintor, y no vio ninguna razón por la que el tejido debiera ser un medio de expresión menos adecuado que la pintura. Gracias a su insistencia en las posibilidades del arte textil, radical en ese momento, logró en buena medida el respeto por esa disciplina en Noruega.

Además de tapices en formatos rectangulares, alumbró Aurdal obras escultóricas espaciales valiéndose de materiales como hilos de cobre, poliéster, fibra de vidrio, nylon y cadenas metálicas, generadores de texturas y superficies sorprendentes. Podemos considerar la propia materialidad de sus piezas como un tema por derecho propio en su trabajo: empujó los límites de lo que un tapiz podía ser y, aunque hizo énfasis en lo formal, también abordó problemas sociales; incluso introdujo burlas políticas y humor satírico.

Otra de sus fuentes de inspiración fue la poesía. Cuando no eran los versos los que desencadenaban procesos creativos, trataba de convertir en poemas sus propios hilos y colores. Por eso se ha invitado a ocho poetas noruegos contemporáneos a escribir textos para una antología que se publicará coincidiendo con esta muestra.

Puede visitarse hasta el 4 de septiembre.

La Exposición de arte naif europeo regresa a la Galería Eboli. Bajo el título “Alegría cromática para estos tiempos”, en alusión a los duros momentos atravesados como consecuencia de la pandemia, la muestra reúne a medio centenar de artistas, con sus respectivos cuadros, que con sus temas amables y su alegre colorido quieren brindar al espectador un poco de esperanza.

El arte naif abarca todos los ámbitos temáticos, desde el doméstico y cotidiano, al paisaje urbano o campestre, pasando también por el retrato, como podemos ver en las obras seleccionadas para esta ocasión. Entre los artistas presentes figuran destacados representantes del género, como Tito Lucaveche, Gracia Risueño, Cristina de Jos’h, Jean Delêtre o Elisabeth Davy Bouttier, por citar algunos. Junto a los artistas europeos, hay que señalar la presencia de Brasil como país invitado.

La Galería Eboli, dirigida por Amalia Fernández de Córdoba, también pintora naif, se ubica en el singular espacio que ocuparon en su día las nobles caballerizas del Palacio de la Cruzada, en la madrileña plaza de Ramales. Allí permanecerá abierta hasta el próximo 10 de junio esta nueva muestra del también llamado arte ingenuo, visión paradisíaca o arte feliz.

Cuando camina por Manhattan, David Reed se fija especialmente en los paseantes y los vehículos cuando doblan esquinas y desaparecen; ese instante suspendido entre la presencia y la evaporación, explica, guarda cierta relación con su pintura, cuyo proceso define como perder y encontrar, intuición e instinto.

Nada más llegar a Nueva York en 1966, procedente del sur de California, se encontró con el escepticismo de la crítica y de sus profesores de la New York Studio School ante la vigencia de la disciplina, pero también con su devoción por la gestualidad. El panorama lo llevó a trabajar, en los setenta, en lienzos abstractos de altura no menor en los que predominaban los trazos rojos o negros realizados de izquierda a derecha, de arriba a abajo y, a veces, en diagonal.

A partir de la ejecución de esas imágenes basadas en pinceladas, centró su atención en los procedimientos de la escultura minimalista y posminimalista, alejándose de la pintura y concediendo valor a esta únicamente como testimonio de su tiempo; también hizo uso de las técnicas sugestivas del cine y el vídeo.

Pero los lienzos no lo han abandonado. Hasta el próximo 21 de mayo, Gagosian presenta en su sede en Basilea una muestra que reúne varios de ellos y que enlaza con el espíritu de las que Reed ofreció en 2017 y 2020 en sus espacios neoyorquinos: emplea nuevos materiales, el estarcido y el raspado y ha hecho suyas plantillas cortadas con láser producidas digitalmente; en algunas piezas, una pincelada estarcida puede compararse directamente con la marca pintada a mano en la que se basa. Entiende el artista que replicar una marca pictórica es imposible, pero que fallar abre nuevas posibilidades.

Su vibrante paleta también es novedosa, pero conserva los fuertes contrastes cromáticos de imágenes anteriores y, ocasionalmente, el color surge del gesto: el negro aplicado sobre el amarillo, por ejemplo, da como resultado un sorprendente tono de verde. Le interesa la capacidad de esos gestos para generar algo inesperado, no los aborda como fines en sí mismos.

Aún en otros trabajos, se desvía del formato esbelto y vertical que le permitía mover sus obras sin ayuda durante el confinamiento en favor de una mayor amplitud. Formas superpuestas o que generan intersecciones remiten a rollos de película y están marcadas por gestos estarcidos; de nuevo, lo que al principio sugiere una adición espontánea a menudo resulta haber sido cuidadosamente producido y localizado para suscitar una determinada tensión. Así activa Reed las superficies de las piezas, construyéndolas y esculpiéndolas para subrayar la separación fundamental de cada elemento mientras los dispone en diálogo entre sí. Al yuxtaponer lo opaco y lo translúcido, lo improvisado y lo planificado, evoca la coexistencia de diferentes metodologías, narrativas y cronologías.

Si todo marcha según lo previsto, CaixaForum Valencia abrirá sus puertas al público el 22 de junio; sus obras ya se encuentran en la fase final y en los próximos días comenzarán a montarse las que serán las muestras inaugurales. Podrán visitarse tres: “Faraón. Rey de Egipto”, “Horizonte y límite. Visiones del paisaje” y “#LaNube{IA}”, esta última una experiencia inmersiva.

La sala grande de exposiciones acogerá la dedicada al antiguo Egipto, fruto de la colaboración que la Fundación ”la Caixa” mantiene desde 2016 con el British Museum y abierta hasta principios de 2013. Se analizará el simbolismo y el ideario propios de la monarquía egipcia a través de 140 piezas, entre obras de orfebrería, contundentes bustos o bellos relieves de templos que acercarán al público a la vida real y al ejercicio del poder en aquella civilización.

Por su parte, la Sala 2 albergará “Horizonte y límite. Visiones del paisaje”, proyecto que tendrá como punto de partida la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, pero se acompañará de un buen número préstamos de instituciones como el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía o el Musée d’Art et d’Histoire de Ginebra, así como de otros fondos corporativos y privados. Su objetivo será ahondar en el modo en que la creación del paisaje ha forjado nuestra percepción de la naturaleza durante los últimos siglos y podremos contemplar trabajos de Gustave Courbet, Joan Miró, Ramon Casas, Tacita Dean, Sophie Ristelhueber, Bleda & Rosa o Cristina Lucas.

Por último, la propuesta La Nube, ideada específicamente para el espacio familiar y educativo de CaixaForum Valencia, nos invitará a conocer el potencial educativo de la Inteligencia Artificial y a identificar las claves de su implementación entre los estudiantes, los docentes, las familias, las instituciones, los investigadores y las empresas. A medida que esta tecnología se expande en nuestras vidas y en la sociedad, se hace necesario preguntarnos cuáles son los beneficios y los desafíos que presenta, especialmente en campos como el de la formación.

Constará esta muestra de un recorrido concebido para experimentar y debatir ese empleo de la Inteligencia Artificial en los procesos de aprendizaje a partir de seis proyectos de investigación punteros ligados a aplicaciones de educación impulsadas por las universidades de Memphis, Carnegie Mellon (Melbourne), el Instituto de Investigación en Inteligencia Artificial (IIIA) del CSIC, la Universidad Pompeu Fabra y Starlab-Neuroelectrics.

Para celebrar con los valencianos la puesta en marcha de este espacio, la Fundación ”la Caixa” realizará jornadas de puertas abiertas desde el 22 hasta el 30 de junio.

El próximo mes de junio, se estrenará en Palma de Mallorca la Galería Fermay, espacio dedicado al arte contemporáneo que dirigirá Antoni Ferrer y que expondrá obras de artistas emergentes y consolidados; algunos de ellos se estrenarán en nuestro país.

La sala tendrá su sede en un antiguo espacio industrial del barrio de Blanquerna y representará y colaborará con autores locales, nacionales e internacionales, centrándose en aquellos cuyas prácticas desafían formas de expresión convencionales y que se encuentran en sus inicios o en su etapa de media carrera. Conocemos ya algunos nombres: Julio Varela, Elisa Braem, Damaris Pan, el dúo Carla Arocha + Stephàne Schraenen o Alejandro Corujeira.

Además, la galería buscará convertirse en un punto de encuentro que impulse el estudio y la reflexión en torno a las prácticas artísticas contemporáneas y tratará de impulsar el coleccionismo entre un público diverso.

El Concurso de Arquitectura Richard H. Driehaus, una iniciativa de INTBAU y el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana, en la que colaboran el Ministerio de Cultura y Deporte y el Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España (CSCAE), ha celebrado este año su quinta edición premiando con 50.000 euros proyectos de arquitectura y urbanismo que destacan por preservar e impulsar las tradiciones locales y promover la conservación de nuestro patrimonio cultural.

Pretende fomentar este galardón la identidad propia de cada lugar, la economía circular, el trabajo artesano de calidad y el uso de materiales y soluciones procedentes del entorno próximo, y por tanto sostenibles y reutilizables.

Los proyectos arquitectónicos escogidos han sido seleccionados entre 39 propuestas internacionales y responden a las necesidades planteadas por los tres municipios elegidos por el jurado internacional en la primera fase del concurso. Ese jurado, formado por representantes de las distintas instituciones que colaboran en esta iniciativa, los ha destacado teniendo en cuenta los siguientes criterios: calidad y sostenibilidad, adecuación al contexto e integración en la cultura local, impacto en la comunidad y capacidad para convertirse en modelo para otras comunidades y viabilidad y eficiencia, procurando aumentar los beneficios para la población y su patrimonio cultural. Se han priorizado, asimismo, proyectos en el medio rural, que puedan contribuir a generar en este entorno nuevos recursos y actividades y, con ello, a fijar y atraer habitantes.

El desarrollo del concurso se articula en dos fases sucesivas: en la primera, se convoca a los municipios españoles a presentar posibles temas y emplazamientos de recuperación, preservación y dinamización de sus localidades y, entre la treintena de propuestas recibidas, se escogen las tres que mejor se ajustan a los objetivos y criterios de la convocatoria. En la segunda fase, con carácter internacional, se invita a estudios de arquitectura a presentar propuestas de diseño arquitectónico y urbano para los tres lugares elegidos.

Las propuestas seleccionadas han sido el diseño de Susana Granizo Polo y Silvia N. Gómez Díaz en el municipio burgalés de Valpuesta (plantea la recuperación de un conjunto edificado en el principal espacio público del pueblo, para albergar un centro de estudios sobre el origen de la lengua castellana); el proyecto del arquitecto Javier Senosiain Jauregui en Buitrago de Lozoya, que propone la reconstrucción y recuperación de una manzana completa de su casco histórico para disponer alojamientos turísticos municipales y la alternativa de Francisco Sánchez Salazar, Miguel Antonio García y Jesús Llanos Jiménez para recuperar un gran edificio de piedra situado junto al Camino de Santiago en Zubiri (Navarra).

La plataforma MAR, formada por el Museo Reina Sofía, la Fundación Daniel y Nina Carasso y la asociación cultural hablarenarte, ha finalizado el proceso selectivo de proyectos para la realización de seis residencias de mediación en Planta Alta, tras examinar las casi trescientas solicitudes presentadas. Esta ha sido la primera convocatoria pública de ese programa, que a partir de ahora se organizará anualmente.

MAR tiene como finalidad generar acciones de cambio relevantes para las instituciones culturales contemporáneas a través de propuestas de mediación artística cultural y estas residencias buscan estimular y consolidar la investigación sobre pedagogías críticas y la mediación experimental, así como articular colectivamente un foro o comunidad en el que quepan distintas propuestas en este campo.

El acompañamiento del programa de residencias, llamado “notar”, correrá a cargo, como decíamos, de Planta Alta, donde se hospedarán los residentes en Madrid.

La primera de las seis propuestas escogidas ha sido Dragones x el reina, a cargo de Dolores Galindo Fontán y Rocío Gómez (Dragonas de Lavapiés). Aborda la crisis existencial e identitaria de jóvenes y adolescentes que caen en las redes de la violencia urbana en el centro de Madrid y se enmarcará en la línea de “malestares contemporáneos” del Museo, que tiene como fin investigar sobre las condiciones del ciclo histórico actual.

Contubernio para una filosofía útil en las aulas, de ​​​​Marta Álvarez Guillén y AnaNan, establecerá un puente entre espacios educativos formales, los museos como centros de producción de cultura contemporánea y educación no formal y la sociedad civil. Su centro será la filosofía, como materia que vertebra las disciplinas de humanidades, en crisis en la enseñanza.

Por su parte, Concejo abierto: aprendizajes del comunal para habitar el provenir, de Silvia Teixeira, analizará aspectos de la mediación en las entidades menores locales, juntas vecinales y concejos abiertos de la montaña oriental leonesa. Estos organismos, según la autora, exploran otros modos de construcción de la vida en común, recursos naturales, patrimonio y aprendizajes colectivos, así como también afectos, vínculos y silencios que sostienen lo común.

Rodrigo Vera Cubas es el artífice de Modo de no-hablar. Palabra e infancia en poéticas experimentales de España y Latinoamérica, proyecto que pretende articular un espacio de investigación, intercambio y experimentación en torno a prácticas artísticas experimentales surgidas desde la década de los sesenta en Perú, Chile, México, Argentina, Uruguay y España. Su investigación busca mediar los trabajos seleccionados con experiencias periféricas a la institución artística, registrados en documentos que testimonian procesos de alfabetización en escuelas o fuera de ellas, archivos que testifican estrategias de pedagogía crítica, alfabetización y poesía en centros de educación popular, etc.

Asimismo, La Parceria + Conciencia Afro desarrollarán Intersticios, un análisis de las prácticas artísticas efectuadas por personas racializadas que, según recogen, vienen ocupando posiciones subalternas o han sido excluidas de los espacios de representación cultural y de creación en la ciudad de Madrid. También estudiarán las relaciones establecidas entre creadores, comunidades, nuevos públicos en el marco de nuevas organizaciones culturales primarias.

Por último, en Proyecto Seleccionado, Renata Cervetto llevará a cabo un archivo basado en el recorrido pedagógico del Museo Reina Sofía, en diálogo con otras instituciones y agentes radicados en España, entre el 2008 y el 2020. Igualmente, rastreará los cruces y resonancias entre nuestro país y Latinoamérica en torno a estas prácticas, atendiendo sobre todo a la influencia de ciertas bienales.