Con motivo de la gran exposición que la Fundación Beyeler suiza dedica actualmente a Goya, una selección importante de obras del aragonés han viajado desde el Museo del Prado a Basilea, circunstancia que ha favorecido la realización de varias intervenciones en las salas 34 a 38 de la pinacoteca, dedicadas a este artista. Su objetivo ha sido ofrecer al público un discurso expositivo y narrativo renovado en torno a parte de su colección en el Museo; además, se han abierto los balcones de las salas 34 y 38, dos de ellos dirigidos hacia el Paseo del Prado y el último al Jardín Botánico, para acentuar la entrada de luz natural y se ha creado una nueva sala de mayores dimensiones al fusionar las numeradas como 37 y 38, demoliendo el tabique entre ellas.

En ese nuevo espacio se exhiben ahora la Maja desnuda y la Maja vestida junto al retrato de la Marquesa de Santa Cruz y, por primera vez, también junto a una de las pinturas de Tiziano que representan a Venus, en concreto Venus recreándose con el Amor y la Música, datada hacia 1555. Procede esta pintura de la Colección Real y su ubicación aquí tiene que ver con la evocación de la decoración propia de uno de los gabinetes del palacio de Manuel Godoy, valido de Carlos IV, en el que se encontraban las citadas Majas de Goya junto a representaciones de la diosa del amor, como la Venus del espejo velazqueña (hoy en la National Gallery de Londres) y otra de Tiziano, recogida en una pequeña copia. La sala evidencia ahora, además, la novedad inherente a las composiciones de la Majas, desnudos que carecen de toda referencia mitológica y cuya modelo no esquiva, en su rostro, la mirada del espectador.

Por otro lado, la nueva ordenación se completará, en la sala 34, dedicada a pintura religiosa, con la muestra que reunirá durante un año dos bocetos goyescos de la colección de la Fundación Tatiana Pérez de Guzmán el Bueno, ambos preparatorios de su cuadro de altar de San Bernardino de Siena, situado en la basílica de San Francisco el Grande en Madrid; los visitantes podrán así conocer el proceso creativo de esta obra y la precisión aplicada por Goya a la creación de una composición, como esta, de gran complejidad. En esta misma sala, presidida por su Cristo crucificado de 1780, que le permitió el ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, se ubican otros tres bocetos de cuadros de altar para iglesias, como las catedrales de Toledo y Sevilla, y pinturas destinadas a oratorios o pequeños altares de clientes particulares.

El conjunto nos permitirá, así, adentrarnos en el desarrollo estilístico de Goya durante cinco décadas, así como en su concepción original y realista de los hechos religiosos y de las acciones de santos y divinidades y en su muy novedoso empleo de la luz.

Las salas 35 y 36, por su parte, continuarán el recorrido por los retratos pintados por el genio a partir de la década de 1780 y hasta la de 1800, haciendo hincapié en el número y diversidad de sus clientes cuando ya se había consolidado como el retratista más importante en la corte de su tiempo. En estos trabajos apreciaremos que desaparece parcialmente el idealismo y la búsqueda de atemporalidad que habían caracterizado hasta entonces el género, que se busca profundizar en el carácter de los modelos y también que su autor quiso conferir a estas imágenes un carácter diferenciado entre sí, en cuanto a composición y expresividad.

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, ha anunciado hoy la incorporación de Catalina Lozano como su próxima comisaria jefe. Trabajará en colaboración estrecha con los departamentos de contenidos y la dirección de este centro de Vitoria.

De origen colombiano y nacida en 1979, Lozano ha desarrollado proyectos de arte contemporáneo como comisaria independiente y en distintas instituciones. En los últimos dos años, ha sido directora de Programas para Latinoamérica en KADIST (2020-2022) y antes ocupó el cargo de curadora asociada en el Museo Jumex de Ciudad de México (2017-2019). Asimismo, ha comisariado muestras monográficas dedicadas a artistas como Mariana Castillo Deball (objeto de reciente exposición en Artium), Santiago Borja, Beatriz Santiago Muñoz y Fernanda Gomes, entre otros, y sus proyectos se han presentado en espacios como Pivô São Paulo, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, el Museo Jumex y la Casa del Lago, en Ciudad de México; el Museo de Arte Moderno de Medellín; Gasworks y el Freud Museum (Londres); el CRAC Alsace y CAPC Bordeaux. Además, es co-comisaria del Pabellón de México en la próxima Bienal de Venecia.

En cuanto a su formación, Lozano es historiadora del arte por la Universidad de Bogotá, máster en Teorías y prácticas del lenguaje y de las artes por la EHESS de París y máster en Historia del Arte (Siglo XX) por el Goldsmiths College de la Universidad de Londres. Su incorporación a Artium llega tras un proceso de selección abierto con publicidad y libre concurrencia en el que han participado más de sesenta candidaturas, varias de ellas internacionales.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha avanzado las muestras que formarán parte de su temporada expositiva del 2022.

Su elenco de propuestas comenzará con la jovencísima artista malagueña Carla Hayes Mayoral, que en el marco del programa Kora, y en “Memorias mestizas”, llevará a cabo desde el 14 de febrero indagaciones identitarias en relación con el pasado colonial español y europeo. Basándose en la rafia, material muy propio de la cultura africana, y en referencias visuales del imaginario colectivo occidental, tratará de deconstruir relatos hegemónicos.

La segunda de ellas, organizada junto a TBA21 y a inaugurarse el 22 de febrero, será “Ragnar Kjartansson. Paisajes emocionales” y reunirá por primera vez cuatro de las más más celebradas videoinstalaciones del islandés (The Visitors, The Man, The End y God), junto a una serie de acuarelas; el autor ha plasmado en ellas su fascinación por la música y los paisajes de América del Norte. Estos trabajos podremos relacionarlos, además, con las obras de los siglos XIX y XX presentes en la exhibición “Arte americano en la colección Thyssen”.

Desde el 16 de marzo podremos visitar “Hiperreal. El arte del trampantojo”, gran muestra que este centro dedicará a la revisión de ese género entre los siglos XV y XXI. Contemplaremos una selección de obras concebidas para que no puedan diferenciarse de la realidad ordenadas por materias y escenarios, no cronológicamente, de modo que se subrayará la continuidad en el tiempo de esos propósitos. Las secciones que vertebrarán el recorrido serán Puestas en escena, Figuras, encuadres y límites; Huecos para curiosos, Muros fingidos: tablones y paredes, Desorden perfecto, Llamada a los sentidos y Juegos de apariencia.

De cara al verano, la gran apuesta del Thyssen será Alex Katz. De junio a septiembre, el Museo nos ofrecerá la primera retrospectiva española sobre este pintor estadounidense, para muchos precursor del Pop Art y aún en activo. Formarán parte de esa antología, comisariada por Guillermo Solana y preparada junto al artista, treinta óleos de gran formato y algunos dibujos dedicados a retratos en solitario, duplicados y de grupo; flores y paisajes de fondos planos y vivo cromatismo.

En octubre inaugurará este centro sus últimas muestras del año. Serán “Picasso y Chanel”, que explorará la relación entre ambos con el cubismo, Olga Khokhlova y los ballets como nexos de unión (hay que recordar que colaboraron profesionalmente en dos ocasiones en los años veinte, ambas con Jean Cocteau, en Antígona y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev Le Train Bleu) y una exhibición dedicada a Himali Sighn Soin, organizada de nuevo junto a TBA21.

El Van Gogh Museum de Ámsterdam enriquece sus fondos impresionistas: acaba de anunciar la adquisición de cuatro grabados apenas conocidos de Mary Cassatt, que fue contemporánea del holandés y miembro de la primera generación de pintores de aquel movimiento. Se trata de tres aguafuertes de gran formato en color y de una litografía; la decisión de aplicar tonos a esas piezas fue en aquel momento atrevida y sabemos que la autora se implicó por completo en su proceso, laborioso, de elaboración; de hecho, diseñó e imprimió ella misma la mayoría de sus trabajos gráficos.

La adquisición de las obras, largamente añorada en este centro, ha sido posible gracias a VriendenLoterij, la Mondriaan Fund, la Rembrandt Association y el círculo The Yellow House y formarán parte del recorrido expositivo de la colección permanente. Se encuentran en perfecto estado de conservación y pueden situarse entre los grabados más logrados de fines del siglo XIX.

Inicialmente escéptica al principio respecto a las posibilidades de la obra gráfica, sería hacia 1879 cuando reconoció Cassatt el atractivo de estas técnicas, como sus compañeros Edgar Degas y Camille Pissarro.

Su litografía adquirida por el museo holandés, In the Theatre (hacia 1880), es fruto de los primeros experimentos de la americana en ese medio: presenta a una mujer en un palco mirando el auditorio a través de unos prismáticos, mientras el resto del público la observa a ella misma. Se sabe que existe un número muy limitado de impresiones de esta imagen.

El resto de los grabados (The Fitting, The Letter y Woman Bathing) datan de 1890-1891 y forman parte de una serie llamada The Ten, un conjunto de diez trabajos con los que Cassatt afianzó su prestigio como grabadora. Se inspiró para su realización en una colorida serie de impresiones japonesas sobre madera que se mostraron en 1890 en París y de las que habló a Berthe Morisot: Podríamos ir a ver los grabados japoneses en el Beaux-Arts. En serio, no te lo puedes perder. Tú que quieres hacer impresiones en color, no podrías soñar con nada más hermoso. Lo sueño y no pienso en otra cosa que en color sobre cobre.

Exploró en estas piezas los rituales íntimos y cotidianos de una mujer de clase media-alta. En 1891, la decisión de producir grabados en color sería cuanto menos atrevida: era este un procedimiento complejo y laborioso que los artistas solían subcontratar. Sin embargo, Cassatt participó en todas sus fases: pasó meses trabajando en estrecha colaboración con el maestro Leroy en la impresión, el acabado, el entintado…

Los grabados en color finalizados de esta autora son extremadamente escasos y menos de una docena han salido a la venta en las últimas décadas, de ahí el valor de los cuatro ahora llegados a Holanda, que reúnen sutileza técnica, carácter experimental y atención a la intimidad de las modelos.

Ha muerto, a los 82 años, Jonathan Brown, el gran hispanista estadounidense que dedicó el conjunto de su trayectoria a estudiar la pintura del Siglo de Oro español y, especialmente, a Velázquez. Dirigió la tercera edición de la Cátedra del Museo del Prado y en el mismo centro comisarió exposiciones históricas como “Velázquez, Rubens y Van Dyck” (1999) o “La Almoneda del Siglo. Relaciones artísticas entre España y Gran Bretaña. 1604-1655” (2002).

Miguel Falomir, director de la pinacoteca, le ha dedicado hoy este obituario: El fallecimiento de Jonathan Brown es una gran pérdida para la historia del arte español y una tristísima noticia para el Museo del Prado. El mejor modo de resumir la larga y fecunda relación entre el hispanista estadounidense y la institución es afirmando que el Museo del Prado ha sido tan importante para Brown como Brown lo ha sido para el Museo del Prado. Brown visitó el Prado por primera vez en 1958 y ahí surgió su amor por el arte español, a cuyo conocimiento y difusión contribuyó de forma decisiva. Fue uno de los mayores especialistas en nuestro Siglo de Oro, autor de decisivos trabajos sobre Murillo o Ribera y máxima autoridad en Velázquez, pero su curiosidad le llevó igualmente al Renacimiento, Goya o Picasso. Dos ideas recorren estos escritos: salvar la separación entre arte y sociedad imperante en nuestra historiografía hasta entonces, y resituar el arte español en su contexto europeo y global, inquietudes plasmadas en publicaciones como Imágenes e ideas en la pintura española del si­glo XVII (1981) o El triunfo de la pintura: sobre el coleccionismo cortesano en el siglo XVII (1995), y en su interés último por una aproximación integral al arte hispánico que incluyera el realizado en los virreinatos americanos. De este magisterio intelectual se han beneficiado generaciones de historiadores y, muy particularmente, quienes disfrutaron de su generoso tutelaje en el Institute of Fine Arts de Nueva York, entre ellos varios profesionales del Museo del Prado.

La relación de Brown con el Museo del Prado se dilató durante 64 años y evolucionó a la par que lo hacía su trayectoria vital y profesional. Empezó visitándolo como turista y estudiante, después como estudioso de sus fondos, y mantuvo con él una relación aún más estrecha como miembro de su consejo científico y comisario de las exposiciones “Velázquez, Rubens y Van Dyck” (1999) y “La almoneda del siglo: relaciones artísticas entre España y Gran Bretaña, 1604-1655”, (2002), esta última realizada en colaboración con su íntimo amigo y recurrente colaborador sir John Elliott. Asiduo conferenciante en el museo, en 2012 fue titular de la Cátedra del Prado, dejándonos unas interesantísimas Reflexiones de un hispanista a la sombra de Velázquez, cuya lectura revela hasta qué punto el Prado fue fundamental en su vida.

Pero más allá de esta dilatada relación profesional e institucional, Brown sintió el Prado como algo propio. Sufrió con sus malos momentos y contribuyó decisivamente a superarlos a través de un decidido activismo en los medios y discretas pero eficaces gestiones personales. Ahora que parece inminente el inicio de las obras del Salón de Reinos, conviene recordar que sin Brown y Elliott, que dedicaron en 1980 a este espacio palaciego uno de los libros más bellos e influyentes sobre el siglo XVII español (Un palacio para el rey: el Buen Retiro y la corte de Felipe IV), probablemente nunca hubiera sido una realidad. Su inauguración será el mejor modo de recordar y agradecer su gran contribución al Museo del Prado y a nuestro país.

Hasta el 19 de febrero, la sala James Cohan de Nueva York presenta “Drawn to water”, una selección de nuevas pinturas de Byron Kim, quien desde mediados de los noventa viene debatiéndose entre lo figurativo y lo abstracto, en amplios campos de color que expresan realidades tanto personales como de cariz más amplio. Le interesa investigar los fenómenos perceptivos, con el mundo natural o el cuerpo humano como sujetos primarios.

Las obras que forman parte de esta exposición pertenecen a una nueva serie titulada B.Q.O., abreviatura de Berton, Queequeg y Ulises, tres personajes clave de cuentos oceánicos célebres: Solaris de Stanisław Lem, Moby Dick de Herman Melville y La Odisea de Homero. Kim las inició mientras releía esos relatos para estimular su imaginación, durante una residencia en Captiva Island, en Florida, en enero de 2020.

Encontramos en estos trabajos reflejos de experiencias de lo sublime, dado el carácter liberador o abrumador del agua. Cada una de las pinturas consta de tres paneles, que representan distintas zonas visuales: el panel inferior captura vistas desde el agua; el central, la misma superficie de esta y sus reflejos, y el superior el cielo. Kim halla en estas imágenes segmentadas analogías con la estructura del cuerpo humano y la mente, llegando a preguntarse si alcanzamos estados de trascendencia gracias o a pesar de la carne; en cualquier caso, en conjunto, generan en la galería una sensación de inmersión en la naturaleza.

Al llevar a cabo estas piezas, observó el artista el océano directamente, pero también con imaginación, por eso sugieren sensaciones entre la tristeza, la curación y el miedo. Encontró en la contemplación de la naturaleza poderes curativos durante la pandemia, pero también encarnan sus mares las amenazas del cambio climático y las ansiedades contemporáneas, que no hacen sino intensificar el espíritu del océano simbolizado en los citados cuentos literarios icónicos.

A lo largo de su carrera, el californiano ha investigado las relaciones entre las partes y el todo como forma de entender los vínculos interpersonales y el universo mismo. Entre sus proyectos más celebrados hasta ahora, destaca Synecdoche, que pudo verse en la Bienal de Whitney de 1993: se trata de cientos de paneles monocromáticos cuyos tonos coinciden con el color de piel de diversos individuos. Por su parte, en sus Pinturas dominicales, en las que ha trabajado todas las semanas desde 2001, registra la aparición del cielo junto con una entrada de su diario, yuxtaponiendo lo cosmológico a lo cotidiano.

Con B.Q.O. se ha embarcado, por tanto, en un nuevo cuerpo de trabajo que fundamenta la abstracción en la experiencia física del mundo que nos rodea, entrelazando su perspectiva personal como observador con las fuerzas elementales de la naturaleza.

Recorrer su trayectoria, desde mediados del siglo XIX a los primeros tres años del XX, es rastrear el nacimiento del arte contemporáneo en Francia, sin embargo, los manuales de Historia del arte sitúan a menudo a Camille Pissarro en un papel subsidiario.

Sesenta años después de que un museo suizo le dedicara una exposición relevante, Kunstmuseum Basel repasa su carrera, hasta el 23 de enero, poniendo el foco en sus relaciones con otros pintores contemporáneos como amigo y mentor: mantuvo estrechos contactos con autores de diversas generaciones, como Paul Cézanne, Claude Monet, Paul Gauguin, Edgar Degas y Mary Cassatt, y los sostenidos intercambios de ideas que entabló con ellos pueden considerarse catalizadores de los desarrollos seminales de su disciplina, la pintura, en época contemporánea.

Fue, seguramente, el único autor impresionista que cultivó la figura humana y el paisaje con semejante asiduidad y, en la década de 1880, cuando este movimiento encontró el favor de los coleccionistas y sus artífices adquirían creciente reconocimiento, decidió alinearse con una segunda revolución artística: sus contribuciones al neoimpresionismo probaron su voluntad creadora. Pissarro entendía su propia producción como un proceso de aprendizaje y entre sus temas predilectos se encuentran los caminos que se estrechan a lo largo de un paisaje. No podemos considerar sus trabajos como narrativos, porque no reproducen argumentos sino estados, y sus vistas no pueden calificarse como espectaculares o epatantes: parece que los motivos se le aparecían casualmente.

Interesado en aquel momento por el anarquismo, la medida en que su trabajo ha manifestado esas inquietudes ha sido a menudo objeto de estudio: sabemos que no deseaba que sus imágenes se interpretaran como visualizaciones de un programa político.

Para Kunstmuseum Basel, Pissarro es un autor de peculiar importancia: en su colección cuenta con ocho pinturas suyas y numerosos trabajos en papel, de hecho, Un coin de l’Hermitage, Pontoise (1878) fue la primera pintura impresionista en ingresar a la Öffentliche Kunstsammlung Basel, la colección de arte público de Basilea; fue adquirido en 1912 por iniciativa de varios artistas y aficionados al arte en la ciudad. Aquella decisión, que entonces algunos vieron con escepticismo, sentó las bases de la colección de arte de aquella corriente del propio Kunstmuseum.

El número de visitantes del Reina Sofía creció un 30% en 2021 con relación al ejercicio de 2020: acudieron al Museo 1.643.108 personas, casi 400.000 más que el año anterior. El flujo de público, según apunta el MNCARS, fue ascendiendo paulatinamente desde mayo hasta finalizar el último cuatrimestre del año, que se cerró con cifras similares a las de antes de la pandemia.

El Guggenheim Bilbao valora como una cifra positiva sus 530.967 espectadores del año pasado, pues supera en un 6% sus expectativas. Un 57% de los visitantes procedía de España y un 43% de otros países, como Francia (16%), Alemania (4%), Estados Unidos (3%), Gran Bretaña (2%), Italia (2%) y Portugal (1%).

El Museo Picasso Málaga, por su parte, registró un aumento de público del 56% con respecto a 2020: se acercaron al centro un total de 254.133 personas que pudieron visitar las muestras “Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023“, “Miquel Barceló. Metamorfosis” y “El París de Brassaï. Fotos de la ciudad que amó Picasso“.

Por último, los 16 Museos Estatales dependientes de la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte atrajeron en 2021 a 1.650.033 visitantes, lo que representa un aumento del 55,8% con respecto a 2020.