Quedan apenas unos días para visitar “Zodiac Machine”, la primera exposición en España del artista interdisciplinar Justin Caguiat (Tokio, 1989). Organizada por la Fundación Sandretto Re Rebaudengo Madrid y comisariada por Hans Ulrich Obrist, la muestra podrá verse hasta el 1 de abril en la Parroquia de Santa Ana y la Esperanza, antes de viajar a la Serpentine en otoño de 2026.

Concebida específicamente para este enclave, la exposición se despliega tanto en el interior de la iglesia como en su entorno urbano, extendiéndose por plazas, escaparates y espacios del cercano Mercado de Moratalaz. El edificio que la acoge —levantado entre 1965 y 1971 en el contexto de renovación litúrgica tras el Concilio Vaticano II— fue diseñado por Miguel Fisac, una de las figuras clave del movimiento moderno en España. Su arquitectura, basada en formas puras, horizontalidad y una organización radial del espacio en torno al altar, buscaba una participación más activa de la congregación. La nave, definida por curvas convexas que optimizan la acústica, junto a patios y volúmenes anexos, configura un entorno singular que potencia la dimensión sensorial inmersiva del proyecto de Caguiat.

En este contexto, el artista articula una instalación expandida que combina pintura, escultura, fotografía, cine y sonido, y que dialoga tanto con la arquitectura como con el tejido cotidiano del barrio. La muestra encuentra además una referencia clave en la figura de Justo Gallego Martínez y su Catedral de Justo, ejemplo de creación radical y autodidacta que inspira la dimensión más libre y procesual del proyecto.

“Zodiac Machine” forma parte del programa con el que la Fundación Sandretto Re Rebaudengo Madrid viene activando espacios singulares de la ciudad desde 2020, con proyectos de artistas como Ian Cheng, Michael Armitage, Lucas Arruda, Precious Okoyomon o Pol Taburet, que desbordan el formato expositivo tradicional y se integra de lleno en el tejido urbano.

“Folia” designa a las hojas de los vegetales en latín, y también puede aludir a cada una de las partes iguales que surgen de doblar un papel.

A partir de las dos acepciones ha planteado Nico Munuera la serie Folia Natura, que ahora presenta en la galería La Caja Negra de Madrid y que recoge fotografías realizadas en la naturaleza junto a pinturas sobre papel. Se articulan en composiciones dobles que se relacionan de manera sencilla y se exhiben como si integraran un catálogo en el que, al pasar las páginas, la única lectura posible está guiada por la intuición ante esa dualidad de realidades formales diferentes.

Munuera sitúa al mismo nivel dos momentos temporales distintos: la experiencia y la observación del medio natural, en el que habitualmente lleva a cabo fotos que van componiendo desde hace años una suerte de archivo geológico y botánico; y el tiempo de la pintura, en la que se sumerge en su estudio cada día. El mundo vegetal y el acto de pintar se hacen, así, cercanos; se impulsan mutuamente.

El Museo del Prado ha anunciado hoy que la escritora francomarroquí Leïla Slimani será la próxima autora en sumarse a su programa Escribir el Prado, que propone a figuras literarias de prestigio internacional tomar las colecciones y la historia de la pinacoteca como fuente de inspiración. Cuenta con el patrocinio de la Fundación LOEWE y el apoyo de Granta en español.

En esta iniciativa, que arrancó en 2023, ya han participado John Coetzee, Chloe Aridjis, Olga Tokarczuk, John Banville, Helen Oyeyemi y Mathias Énard. Slimani, Premio Goncourt en 2016 por Canción dulce, comenzará su residencia el 19 de abril en Madrid y a partir de su estancia en el museo desarrollará un texto inédito que se publicará en edición bilingüe, en español e inglés. Tendrá, para ello, acceso a las salas de exposición, los talleres de restauración, los laboratorios y almacenes, e interlocución directa con los equipos de conservación e investigación del Prado.

Además, la autora de En el jardín del otro mantendrá un coloquio abierto al público durante su residencia, que tendrá lugar el 5 de mayo de este año.

Nacida en Rabat en 1981, Slimani estudió en el Instituto de Estudios Políticos de París (Sciences Po) y en la Escuela Superior de Comercio, y ejerció como periodista en L’Express y Jeune Afrique antes de dedicarse por completo a la literatura. Ha alumbrado, entre otros títulos, Sexo y mentiras (2017), El perfume de las flores de noche, basado en su paso por Punta della Dogana (2021) y el ciclo El país de los otros, cuya trilogía terminó con Me llevaré el fuego, publicada en español por Cabaret Voltaire. Por estos últimos trabajos recibió en España el Premio de los Libreros de Madrid 2021 y el Premi Llibreter 2021. En todo caso, su relato más conocido es Chanson douce (Canción dulce), que se alzó con el Goncourt por su amplitud temática y su capacidad para interrogar de forma incisiva asuntos de calado social.

El propósito de Escribir el Prado es favorecer un diálogo sostenido entre la literatura y las artes plásticas, en el marco de la estrategia del museo por abrir lecturas contemporáneas y novedosas de su patrimonio.

Chillida Leku, el museo y parque de esculturas dedicado al artista en Hernani, ha anunciado esta mañana que Mikel Chillida será director de este centro a partir del 1 de abril.

Nieto del escultor, Mikel Chillida ocupa desde 2019 el cargo de director de Desarrollo de Chillida Leku, desde el que esta institución señala que ha favorecido el crecimiento del museo, el desarrollo de alianzas estratégicas y su proyección internacional. Mireia Massagué, de la que toma el relevo y que ha sido su responsable en los últimos siete años, seguirá vinculada a este espacio desempeñando labores de asesoría.

La familia Chillida, a través de su portavoz, Luis Chillida, ha recalcado su confianza en el nuevo director: Tiene la convicción de que el profundo conocimiento de Mikel del legado artístico de Eduardo Chillida, junto con su firme compromiso con la misión del museo, lo sitúan en una posición idónea para liderar Chillida Leku en su próxima etapa (…). Estamos seguros de que, bajo su dirección, el museo seguirá consolidando los importantes logros alcanzados en los últimos años, al tiempo que abrirá nuevos caminos para fortalecer la conservación y la difusión de la obra de Eduardo Chillida a las nuevas generaciones. 

El museo reabrió al público en 2019, tras unos años de cierre, y desde entonces se trabaja en el fortalecimiento de su proyección internacional, el impulso de alianzas estratégicas con el sector a nivel local y nacional, la puesta en marcha de programas expositivos de alcance y la consolidación de un programa dinámico de actividades para el público. Se ha prestado atención, especialmente, a los proyectos educativos, de mediación, de inclusión y de investigación del Leku, que en 2023 obtuvo el Premio del Museo de Portimão a la Acogida, la Inclusión y el Sentido de Pertenencia, concedido por el European Museum Forum en el marco de los galardones EMYA; y, en 2024, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura.

Mikel Chillida afirma asumir la dirección desde el compromiso de preservar, investigar y compartir su extraordinaria obra con públicos cada vez más amplios, manteniendo al mismo tiempo un diálogo activo con el presente y el futuro.

Hasta el próximo 19 de marzo, MECC Maastricht acoge una nueva edición, la trigésimo novena, de TEFAF, la principal y más prestigiosa feria europea de Bellas Artes. 278 galerías procedentes de los cinco continentes exhiben, como siempre, piezas arqueológicas, clásicas y contemporáneas.

No faltan trabajos representativos del simbolismo, el impresionismo y el expresionismo a cargo de Odilon Redon, Berthe Morisot, Claude Monet, Max Pechstein, Ernst Ludwig Kirchner y Paul Gauguin; obras redescubiertas de Jacob Jordaens o Giuseppe Bonito y dibujos de Bartolomeo Bandinelli y Dora Maar.

En cuanto a la pintura contemporánea y moderna vinculada a la abstracción, la gestualidad y la espiritualidad, la muestra reúne a autores como Arnulf Rainer, Léon Spilliaert, Emily Kam Kngwarray y Heisch; y en el terreno de la fotografía podemos citar a Robert Mapplethorpe, Sohei Nishino y el dúo formado por Anna y Bernhard Blume, que propusieron respectivamente lecturas del cuerpo, la naturaleza, la memoria y el paisaje urbano.

En el campo de la escultura, en TEFAF podremos trazar una historia material y simbólica de este lenguaje, desde la Antigüedad hasta el siglo XX: pueden contemplarse piezas funerarias del ámbito grecolatino y egipcio, como la estela ático-griega de Medeia o la estatuilla de Ptah-Sokar-Osiris, que apelan a la vertiente ritual y espiritual del medio.

El Renacimiento y la Edad Moderna están representados en la feria por relieves en cera y mármol muy delicados, como un retrato memento mori de Matthäus Carl, mientras que la modernidad escultórica llega a Holanda con piezas de Barbara Hepworth y Eduardo Chillida, en las que el espacio, el vacío y la relación táctil con las creaciones cobran protagonismo. Contemplaremos, igualmente, bustos y esculturas en bronce refinados, como el retrato de Suzanne Lion realizado por Bourdelle antes de 1929, que estrecha lazos entre la tradición artesanal y el lenguaje moderno.

En cuanto a instalaciones y obras conceptuales contemporáneas, el espectador puede acercarse a las vitrinas Necesidad VI de Berlinde De Bruyckere, que transforma el espacio expositivo en un teatro íntimo donde vida, muerte y fragilidad corporal se entrelazan a través de materiales orgánicos, espejos y referencias religiosas.

Las salas españolas en TEFAF son Bernat, Caylus, Colnaghi, DELAMANO Old Masters, Deborah Elvira, Mayoral, Montagut y Artur Ramon Art, que exhiben piezas de Alonso Cano, Jacinto Meléndez, Francisco de Goya, Diego Velázquez, Sorolla, Salvador Dalí o Pablo Picasso. Una de las imágenes estrella la presenta la inglesa Agnews: se trata de un Salvator Mundi del taller de Leonardo da Vinci.

Por otro lado, TEFAF ha anunciado que la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde será el centro beneficiario del Fondo de Restauración de Museos TEFAF (TMRF) de este año. Desde 2012, esta subvención anual apoya a museos internacionales en la conservación y el estudio de obras de arte significativas.

En concreto, con la financiación de TEFAF, la Gemäldegalerie Alte Meister restaurará La caza del jabalí (1616-1618), una pintura en formato monumental de Rubens. Es muy posible que esta composición fuera adquirida directamente al artista en 1627 por George Villiers, primer duque de Buckingham, antes de pasar a formar parte de la colección imperial de Praga. En 1749 se integró en los fondos de Federico Augusto II de Sajonia y desde entonces ha sido atesorada en Dresde, sobreviviendo a su traslado a la URSS durante la II Guerra Mundial; permaneció una década almacenada en Moscú antes de retornar a Alemania a mediados de la década de los cincuenta.

La caza del jabalí está actualmente oscurecida por múltiples y vastas capas de barniz amarillento (probablemente del siglo XIX) que ocultan la paleta original de Rubens. El análisis técnico por imagen ha confirmado la presencia de una ampliación bajo la que no continúa el dibujo original, lo que plantea dudas sobre cuándo se realizó esa extensión y quién fue su autor. Las primeras pruebas indican que la adición pudo haberse realizado bajo la dirección del flamenco y la investigación en curso explorará las posibles contribuciones de figuras de su entorno, como Jan Wildens, Lucas van Uden o Anthony van Dyck.

Además, TEFAF ha colaborado en su actual edición con la Kunsthaus de Zürich, el Centraal Museum de Utrecht, el Fondo Príncipe Claus y la Fundación Rey Balduino, instituciones todas ellas que presentan una exposición temática en la feria con préstamos de sus colecciones.

Las últimas semanas han sido ricas en noticias sobre incorporaciones a las colecciones del Museo del Prado. Se ha sumado a sus fondos Feria francesa (hacia 1876), una composición inédita del pintor puertorriqueño Francisco Manuel Oller Cestero, uno de los escasos autores latinoamericanos ligados a la vanguardia parisina del siglo XIX: tuvo relación con Camille Pissarro y Paul Cézanne y conjugó trazos cercanos al impresionismo con motivos ligados a la sensibilidad caribeña.

Su entrada en la colección del Prado posibilitará contextualizar mejor el diálogo artístico entre España, Francia y los territorios del Caribe en la segunda mitad de ese siglo XIX; por ahora, la pieza se expone en la sala 62B del edificio Villanueva, tras ser adquirida en subasta (con fondos propios de esta institución) y restaurada.

Feria francesa representa una parada de circo sumido en plena actividad, con un tiovivo, el anuncio del espectáculo circense, tenderos y visitantes que se disponen en distintos planos de profundidad. Oller se vale de una pincelada ágil y en su pieza predominan los grises, ocres y los colores suaves que evocan la atmósfera húmeda y cambiante de la capital francesa en esos años. Los edificios, ejecutados con trazos rápidos, actúan como marco para los personajes, cuidados en cuanto a gestos, indumentarias y relaciones entre ellos.

Por otro lado, María y Luisa, las hijas del pintor, de Luis Paret, puede verse ya en la sala 20 del museo; es parte del legado del historiador del arte Juan José Luna, y se expone junto al retrato de María de las Nieves Micaela Fourdinier, esposa de ese pintor, con el que formó originalmente una única plancha de cobre antes de ser dividida.

Datada en 1783, la composición pertenece a un periodo en el que Paret experimentaba con el óleo sobre cobre, un soporte que logra acabados precisos y brillantes. En ella, el artista enmarca la escena con un elaborado trampantojo que se asemeja a un marco de piedra adornado con cortinas doradas, un sombrero de paja, hiedra y flores, elementos que tiene en común con el retrato de su esposa y que subrayan el aire bucólico de la pieza.

Las protagonistas son María y Luisa, hijas del pintor, de tres y dos años en ese momento. Paret las representa aquí como ninfas en un paisaje natural: María porta una pandereta y abraza a su hermana, mientras Luisa juega con un perrillo y lleva una chichonera. La escena, como dijimos en plena naturaleza, puede asociarse con las ideas educativas de Rousseau, influyentes en el ambiente ilustrado que el artista conocía. En la esquina superior izquierda vemos un fragmento de columna cuyo basamento cuenta con un mascarón de función protectora, relacionado con figuras como Bes — divinidad ligada a la infancia y la fertilidad— o Medusa. Este detalle, junto a la inscripción en latín que identifica a las niñas (y en griego en el caso del retrato de la madre), probaría el interés de Paret por la Antigüedad clásica y las lenguas antiguas, rasgo raro entre sus contemporáneos españoles.

El doble retrato de las niñas y el de Fourdinier fueron elaborados sobre la misma plancha de cobre, que después se separó. Las dos obras se encontraban entre los materiales de taller que Paret planeaba trasladar a Madrid en marzo de 1787, algo antes de su retorno definitivo, revocada su pena de alejamiento. Fue en el pequeño formato donde este autor condujo a su máxima expresión la minuciosidad y el brillo propios de su talento.

Tras dos incorporaciones, una prolongación. La obra Trece riendo unos de otros del escultor Juan Muñoz, que quedó instalada en el acceso peatonal a la Puerta de Jerónimos del Museo del Prado al comenzar su exposición “Historias de arte”, continuará dos años más en su actual ubicación, gracias a la generosidad de la institución que gestiona la obra y los derechos del artista madrileño. La instalación ya ha recibido una prórroga temporal de los preceptivos permisos del Ayuntamiento.

Entre las compras institucionales y corporativas confirmadas en esta edición de ARCOmadrid figuran las de la propia Fundación ARCO, que ha ampliado sus fondos con la adquisición de siete obras financiadas con la recaudación de la Cena Fundación ARCO, celebrada el pasado martes. Las piezas escogidas, con la asesoría de Tania Pardo, directora del Museo CA2M, y Joanna Zielinska, conservadora del Museum of Contemporary Art Antwerp (M HKA), corresponden a Abraham Cruzvillegas (Chantal Croussel), Lia D Castro (Martins & Montero), Katinka Bock (Meyer Riegger), Janis Rafa (Callirrhoë), Ana Laura Aláez (The Ryder), Amparo de la Sota (galería Alegría) y Sheida Soleimani (Harlan Levey Projects).

En cuanto a la Comunidad de Madrid, ha concedido su premio ARCO 2026 al dúo Los Bravú, a Federico Miró y LUCE. Las obras que ha seleccionado, y que se sumarán a las colecciones del citado CA2M de Móstoles, han sido la pintura En la grieta brilla el deseo (2025), de la galería El Apartamento; el biombo con intervención pictórica Sin título (2026), de F2 Galería; y las fotografías Toldo Cruces Almería (2024), de la galería 1Mira Madrid.

El Ayuntamiento de Madrid, por su parte, ha adquirido cuatro trabajos en ARCO, por algo más de 70.000 euros, que pasarán a formar parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo de la capital. Se trata de Ritmo del mundo (1984), de la artista madrileña Patricia Gadea; la escultura Hemos traído al mundo a todo el mundo. Y jamás mejor dicho (2002), de Elena Blasco; la instalación Old Master (Cézanne) (2017), de Oriol Vilanova; y Wayward (2022), de Daniel Canogar.

En el caso de la Junta de Andalucía, el incremento del 45% del presupuesto para adquisiciones ha permitido a esta institución comprar once piezas, en nueve galerías, que completarán los fondos públicos del CAAC de Sevilla y el C3A de Córdoba. Con una inversión de 145.000 euros, la selección reúne creaciones de Victoria Gil, Christian Lagata, Julia Llerena, Regina de Miguel, Cristina Mejías, Julia Santa Olalla, Fernando Clemente, Natalia Domínguez y María Alcaide, compradas a Alarcón Criado, Rafael Ortiz, Àngels Barcelona, ArtNueve, Formato Cómodo, House of Chappaz, Maisterra, Sabrina Amrani y T20.

El Instituto Valenciano de Arte Moderno. IVAM refuerza su colección con una treintena de obras en las que ha invertido 555.000 euros, cifra superior a la manejada este año por el Museo Reina Sofía. Se han repartido en las adquisiciones de composiciones de veintitrés artistas: Lola Bosshard, Ana Peters, Esther Boix i Pons, Patricia Gadea, Isabel Villar, Elena Blasco, Eva Lootz, Francis (Pitti) Bartolozzi Sánchez, Nils-Udo, Juan del Junco, Luciana Novo, Sandra Monterroso, Ana Teresa Barboza, Marinella Senatore, Tania Candiani, Cristina Mejías, Marina González Guerreiro, Noemi Iglesias Barrios, Laura Palau, Lara Ordóñez, Alex Francés, Javier Garcerá e Inma Femenía.

En cuanto a Es Baluard Museu, el centro de Palma, dirigido por David Barro, incorpora cinco obras de  Damaris Pan (Fermay), Fermín Jiménez Landa (Florit/Florit), Valeria Maculan (Jorge López), Belén Rodríguez (Alarcón Criado) y Ana Laura Aláez (Pelaires).

Otra de las instituciones que habitualmente compra en ARCO, la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, se ha hecho con catorce piezas de Alicia Martín y Susana Solano (Rafael Pérez Hernando), Esther Chacón (José de la Mano), Amparo de la Sota (Alegría), Belén Rodríguez (Alarcón Criado), Sonia Navarro (T20), Darío Villalba (Leandro Navarro), Esther Ferrer y Enrique Aznar (Guillermo de Osma), Teresa Lanceta (1 Mira Madrid), Nuno Nunes Ferreira (Juan Silió) y Eduardo Chillida (Mayoral).

En el caso de la Fundación Sorigué, y con la participación de sus trabajadores en la selección de los trabajos, se suman a su colección obras de Adolfo Bimer (ATM),  Lucía C. Pino (PratsNoguerasBlanchard), Juan Asensio (Artnueve), Leo Burge, David Martínez Suárez y Diego Paonessa (ethall) y Miguel Rotschild (Jorge López).

Por último, el Centro de arte Fundación María José Jove ha comprado composiciones de Miguel Marina (Nordés), Irma Álvarez-Laviada (Luis Adelantado) y la mencionada Damaris Pan (Fermay).

En la segunda jornada de celebración de ARCOmadrid 2026, hemos conocido ya algunas de las salas y artistas premiados con los galardones que diferentes instituciones y firmas otorgan en la feria. Hasta una decena han recibido ya reconocimientos.

La galería Monitor (stand 9C17) ha logrado el Premio Lexus al Mejor Stand y contenido artístico. Estrella de Diego y Cuauhtémoc Medina han formado el jurado del galardón, dotado con 8.000 euros.

El XXI NEWARTaward@ARCO, fallado en colaboración con la Arts Connection Foundation, se ha entregado a la pieza Avi Loeb, de la artista Julia Scher, representada por la galería Esther Schipper; y a la obra Movimiento, de Jonas Englert, en la galería Anita Beckers.

Entretanto, la vallisoletana Esther Gatón ha sido la ganadora del X Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente, por su proyecto Lazos y Calles. Su trabajo conjuga la investigación en biomateriales flexibles con la tradición artesanal de las marionetas, y parte de la danza del paloteo para generar una experiencia visual y performativa pensada para ser disfrutada con calma.

Y June Crespo, representada por Ehrhardt Florez, ha sido la artista galardonada con la primera edición del Premio Adquisición Catapulta, concedido en colaboración con la National Gallery of Canada.

Además, la primera edición del Premio Engel & Völkers. Perfiles | Arte Latinoamericano ha recaído en la galería Commonwealth and Council+Patron y el II Premio Talento Joven en Opening. Nuevas galerías, con la colaboración de la Fundación Banco Sabadell, ha sido para Julia Padilla, representada por la galería Linse, y Venuca Evanan, de la galería madrileña Enhorabuena Espacio.

El más veterano Premio Opening. Nuevas galerías lo ha obtenido la galería senegalesa Selebe Yoon, con proyectos de los artistas Alioune Diouf y Fatim Soumaré. En este mismo galardón, la catalana Spiritvessel se ha llevado una mención especial por su proyecto de Víctor Jaenada.

Luis Gordillo, en Prats Nogueras Blanchard, recibe el III Premio ENATE-ARCOmadrid 2026; su propuesta galardonada se encuentra en el Guest Lounge y pasará a formar parte de la colección ENATE, mientras que el Premio Pilar Forcada ART Situacions – ARCOmadrid 2026 ha sido entregado a Cristina Lucas, representada por la galería Albarrán Bourdais, por la obra D.A.N.C.E. (Dynamic Algorithm, Neural Creative Evolution) 3.

El IX Premio Catalina d´Anglade ha sido para la pieza Compasso de la artista portuguesa Dalila Gonçalves, en la galería Mais Silva. Según la autora, explora la relación entre tiempo y espacio a partir de la doble lectura de esta palabra: el compás como instrumento de dibujo, que mide y estructura el espacio, y el compás musical, que organiza el tiempo y sostiene el ritmo.

Por su parte, Lola Lasurt, representada por la galería Prats Nogueras Blanchard y actualmente exponiendo en Conde Duque, ha recibido el Premio de adquisición de la Fundació Vila Casas.

La Fundación ARCO, impulsada por IFEMA, ha concedido sus Premios “A” al Coleccionismo, que este año, en su 30ª edición, suman una nueva categoría: son para Juan Antonio Pérez Simón (Premio A Helga de Alvear), Laurent Dumas (Premio A Colección Internacional), Gabriel Calparsoro (Premio A Colección Privada Nacional) y MACBA Studio (Premio A Coleccionismo Joven). Estos galardones reconocen el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones, así como el apoyo de éstos a la difusión del arte contemporáneo.

El acto de entrega de los premios se realizó el 3 de marzo en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde a continuación tuvo lugar la tradicional cena de la Fundación ARCO, con la colaboración de Cartier, destinada a recaudar fondos para la adquisición de obras en ARCOmadrid 2026 para su colección, que alberga el CA2M de Móstoles.

Comenzando por la colección Pérez Simón, ésta comprende más de 4.000 piezas de pintura, escultura y dibujo, además de numerosas obras de artes decorativas. Igualmente, cuenta con una biblioteca de más de 50.000 volúmenes, con un fondo documental ligado a la propia colección.

Parcialmente expuestos en 2024 en CentroCentro, estos fondos integran trabajos de los maestros antiguos, obras medievales y del Renacimiento europeo y piezas barrocas y contemporáneas. Destaca la pintura italiana (Spinello Aretino, Benvenuto di Giovanni, Canaletto, Tiepolo, Bronzino o Veronese), junto a un rico conjunto flamenco y holandés del siglo XVII. Reúne igualmente a maestros de la pintura novohispana, como Rodríguez Juárez, Miguel Cabrera, José de Páez, José de Alcíbar o Manuel de Arellano, y a prerrafaelitas como Waterhouse, Millais, Rossetti o Burne-Jones. Entre los nombres españoles, figuran El Greco, Murillo, Ribera, Goya, Sorolla, Picasso, Dalí, Miró, Saura, Tàpies, Barceló o Genovés.

La colección de Laurent Dumas, gestada durante dos décadas, se ha consolidado, por su parte, como un referente para entender la evolución del arte en Francia desde los sesenta hasta hoy. Tendente a los formatos monumentales, establece un recorrido histórico desde la adaptación del arte a la sociedad mediática de los sesenta, pasando por el resurgir de la pintura y la escultura en los ochenta y noventa, hasta las nuevas prácticas del siglo XXI.

Cuenta con piezas de Jean-Michel Alberola, Erik Dietman, Fabrice Hyber, Annette Messager, Jean-Pierre Pincemin, Adel Abdessemed, Dove Allouche, Nina Childress, Hélène Delprat, Damien Deroubaix, Bruno Perramant, Georges Tony Stoll o Claire Tabouret; también con otras de creadores internacionales establecidos en Francia, como Barthélémy Toguo, Ulla von Brandenburg o Thomas Hirschhorn.

Dumas se ha comprometido, además, con los jóvenes artistas, adquiriendo obras significativas y convocando desde 2014 la beca Bourse Révélations Emerige. Y el próximo otoño abrirá el centro de arte contemporáneo Pointe des Arts, en Île Seguin, concebido para potenciar la proyección de esta escena francesa en diálogo con autores internacionales.

En cuanto a la colección Calparsoro, ésta se ha desarrollado a lo largo de los últimos quince años y consta de 170 obras, entre fotografías, esculturas, pinturas y vídeos, en su mayoría ligados a discursos sociales y políticos, como el de Isaac Julien que ahora se exhibe en el Lázaro Galdiano.

No faltan entre sus nombres Nan Goldin, Zoe Leonard, Wolfgang Tillmans, Peter Hujar, Ana Mendieta, Carrie Mae Weems, Isa Genzken, Kara Walker, Mónica Mays, Lucía Bayón, Carol Bove, Rachel Whiteread, Theaster Gates, Lorna Simpson, Glenn Ligon, Barbara Hammer, Tourmaline o P. Staff.

Recientemente se ha constituido la Fundación Calparsoro, para activar la colección a través de colaboraciones con instituciones públicas y privadas y estimular proyectos filantrópicos.

Por último, MACBA Studio, impulsado por la Fundació MACBA en 2022, se ha asentado en estos años como una plataforma pionera de jóvenes mecenas interesados en el arte contemporáneo y su papel transformador. Destinado a menores de 35 años, este proyecto fomenta el nuevo coleccionismo y la consolidación de una comunidad activa que entienda el arte como un instrumento capaz de alumbrar pensamiento crítico, inspirar nuevas miradas y abrir formas alternativas de comprender el presente.

El grupo reúne a jóvenes que emprenden su camino en el coleccionismo y a otros ya iniciados, todos vinculados por su compromiso con el museo y con el ecosistema artístico local, nacional e internacional. A través de visitas privadas a estudios de artistas, encuentros con comisarios y creadores, rutas por galerías, acceso preferente a ferias y viajes culturales, MACBA Studio ofrece a sus integrantes una experiencia que permite vivir el arte desde dentro y fortalecer la participación activa de sus miembros.

Ha contribuido a recientes adquisiciones de obras de Teresa Solar, Thomias Radin, María Teresa Hincapié, Esther Ferrer o Iñaki Bonillas, piezas que, además de engrosar el fondo artístico del museo barcelonés, representan un modelo de mecenazgo joven e implicado, que se vincula con la ciudad de Barcelona y con los retos del arte actual. A ellas se suman compras realizadas individualmente por algunos socios durante ferias como ARCO.

En un momento muy delicado para esta institución, víctima del conocido robo de joyas napoleónicas en octubre de 2025, de filtraciones de agua que han afectado a su patrimonio bibliográfico, de un fraude importante en la venta de entradas (y de huelgas en demanda de mejoras salariales), Laurence des Cars, hasta ahora directora del Musée du Louvre, ha presentado su dimisión y esta vez sí ha sido aceptada por las autoridades francesas, que hace unos meses rechazaron su retirada.

En el comunicado en el que Des Cars daba a conocer su decisión, recalcaba que, durante sus cinco años de mandato, ha recordado en varias ocasiones que, pese a ser el Louvre el museo más grande del mundo y albergar un número elevadísimo de obras maestras, es sin embargo un complejo frágil, y que su transformación requiere aunar esfuerzos y energías en torno a objetivos comunes y dotarlo de los recursos suficientes.

Su sustituto será Christophe Leribault, presidente hasta la fecha del Palacio de Versalles y antes de Orsay, según ha anunciado hoy Emmanuel Macron. Especialista en el periodo barroco, ha sido, asimismo, director adjunto del Departamento de Grabados y Dibujos del propio Louvre y director del Musée Eugène Delacroix.

En su etapa en Versalles, se han puesto en marcha allí mejoras destacadas en la modernización de las instalaciones y la seguridad, para la protección de las colecciones y la prevención de incendios; probablemente no se trate de un dato menor a la hora de su elección.

En la misma jornada hemos conocido que Annick Lemoine, hasta ahora al frente del Petit Palais, dirigirá los museos de Orsay y de l’Orangerie, que están integrados dentro de un mismo organismo público. En su caso sustituye a Sylvain Amic, fallecido el pasado verano.

Doctora en Historia del Arte por la Sorbona, con anterioridad dirigió el Musée Cognacq-Jay y el Departamento de Historia del Arte de la Academia Francesa en Roma y es experta en Caravaggio y los caravaggistas.

La Fundació Iluro de Mataró ha anunciado que la última edición, la undécima, del Premio de Pintura Torres García- Ciutat de Mataró, que por primera vez organiza esa institución, ha recaído en Antoni Forcada, por su obra Camí de Comellans.

Forcada (El Vendrell, 1950) ha conjugado su labor profesional como arquitecto técnico con la creación artística y desde su juventud ha participado en diferentes muestras internacionales. En su veintena trabajó en los que llamó desmontables, construcciones de grandes dimensiones que trascienden el formato de los lienzos, y desde los ochenta redujo su actividad expositiva para centrarse en la investigación en torno a su propia obra. Fue el pasado 2025 cuando volvió a protagonizar muestras: en La Destil·leria de Calafell y en la Fundació Vila Casas (Can Mario).

Resultaron, asimismo, seleccionados en la convocatoria Benet Dalmau, por la obra Pujada del Cinto; Jordi Lafon, por L’interès desplaçat; Neus Martín, por Lost Poblenou; Sílvia Martínez, por Renaudie quadrat; y Guillermo Peñalver, por Paisaje nocturno. La jarana. Sus trabajos, y los del resto de finalistas, podrán verse hasta el 18 de mayo en el Ateneu Centre Cultural de la Fundació Iluro.

El galardón, dotado con 9.000 euros, ha sido concedido por un jurado compuesto, esta vez, por Juan Manuel Bonet, exdirector del IVAM valenciano, del Museo Reina Sofía y del Instituto Cervantes; Anna Capella, directora del Museu de Mataró; Emmanuel Guigon, director del Museo Picasso de Barcelona; Julio Vaquero, artista y asesor artístico de la Fundación Sorigué; y Marga Viza, directora de Cultura de la Fundación Catalunya – La Pedrera.

En anteriores ediciones, los escogidos fueron Gustavo Díaz Sosa, Antoni Perna, Marc Llacuna, Rafael Guerrero, Martín Carral, Ruth Morán, Mònica Vilert, Jo Milne y Gonzalo Elvira, cuyas creaciones pueden contemplarse en el Espacio Torres García de la Universidad Tecnocampus de Mataró.

Apoyan la concesión de este premio el Ayuntamiento de Mataró, la Fundación Torres García de Montevideo (Uruguay) y el Consulado de Uruguay, además de la Associació Sant Lluc per l’Art Mataró, fundadora de la iniciativa.

El yacimiento arqueológico romano del Museo Carmen Thyssen Málaga se abrirá al público el próximo 3 de marzo, y ya pueden adquirirse las primeras entradas a este enclave, situado en el subsuelo del Palacio de Villalón y hallado en varias campañas de excavaciones entre 2005 y 2018. Cuenta con una extensión de setecientos metros cuadrados.

Se ofrece a los visitantes un recorrido con el que podrán acercarse a los espacios de la vida cotidiana de la Malaca romana: una domus (casa), una factoría de salazones y un ninfeo o fuente -llamado Ninfeo de los peces- que conserva algunos restos de pintura mural, además de parte del trazado viario antiguo de esta zona y tres piletas. El conjunto, datado entre el siglo I y el IV d.C., formaría parte de un entorno de trabajo en la ciudad.

Podemos ver muros de opus quadratum (sillares) que podrían corresponder con la fachada de la domus, en la zona de acceso donde el dominus (propietario) recibía a los visitantes. Una de estas estructuras sigue el trazado de la actual calle Compañía, y en ella se aprecia el vano de entrada y una escalinata descendente al interior. La otra está desplazada desde su posición original. Separadas del área residencial por un pasillo quedaban cuatro piletas para la producción de conservas de pescado, aquella fábrica de salazones. En el siglo III ésta dejó de estar activa por razones desconocidas y sólo algunas piletas siguieron utilizándose para autoconsumo de la casa.

La domus estaba distribuida en torno a un patio con pavimiento de ladrillo; se articulaba en un posible comedor con un banco perimetral (a la derecha), un espacio porticado con pilares de ladrillo (a continuación), lo que pudo ser la cocina con restos de fogones (al frente) y un espacio (a la derecha de ésta) de enlace con la zona productiva. El ninfeo, por su parte, tuvo una función práctica (de abastecimiento de agua para la zona de aseo y la cocina) y de ostentación social; quizá también un sentido religioso. Su estructura original, con tres naves rematadas en hornacinas, se ha conservado parcialmente y contaba con lujosos revestimientos: mármol, mosaicos geométricos de teselas y decoración pictórica. Y del siglo IV datan una nueva casa y otra fábrica de salazones.

En el trabajo de musealización, se han incluido tanto un espacio previo de interpretación como varios soportes informativos analógicos y dos vídeos 360, a los que se accede mediante un código QR y que enseñan la reconstrucción virtual del Ninfeo de los peces y una tienda-pescadería, para conocer con mayor detalle el yacimiento.

El yacimiento es accesible físicamente, contando con ascensor y rampas, y la proyección del espacio de interpretación cuenta con audio en español y subtítulos en inglés. Por medio de un QR se puede acceder, además, a una versión subtitulada en español para personas sordas.

Por razones de conservación del conjunto, las visitas al enclave se desarrollarán en grupos de veinte personas cada media hora, siendo imprescindible la reserva previa en alguno de los tramos disponibles. La entrada incluye la visita al museo, siendo la tarifa general de 15 euros y la reducida de 10. De esta tarifa reducida son beneficiarios los mismos grupos contemplados en el propio museo: mayores de 65 años y pensionistas, estudiantes menores de 26 años, residentes en la provincia de Málaga, familias numerosas y poseedores del Carné Joven Euro.

En cuanto al acceso gratuito, pueden beneficiarse los menores de 18 de años, las personas con discapacidad superior al 33%, los desempleados inscritos en el Servicio Público de Empleo Estatal, los estudiantes de la UMA, los profesores y alumnos de enseñanza reglada en Bellas Artes o Historia del Arte, los guías y los periodistas con acreditación oficial y los miembros del ICOM, así como los Amigos del Museo.

Asimismo, y al igual que el propio Museo, los domingos a partir de las 16:00 horas el acceso es gratuito para todos los públicos, aunque se mantendrán los criterios de aforo.

La Fundación Calparsoro, creada recientemente por el empresario y coleccionista Gabriel Calparsoro, ha presentado hoy en el Museo Lázaro Galdiano Once Again… (Statues Never Die) (2022), una de las últimas instalaciones cinematográficas realizadas por el artista británico Isaac Julien para abordar asuntos relevantes en los debates recientes sobre el arte y la cultura. Comisaría el proyecto, que puede verse hasta el 29 de marzo en pantalla doble, Bartomeu Marí.

En sus instalaciones y propuestas fílmicas, este artista trabaja para difuminar las fronteras entre el cine, la danza, la fotografía, la música, el teatro, la pintura o la escultura, y en concreto esta pieza supone en sus palabras un ejercicio de “restitución poética” respecto al peso del arte africano en las vanguardias artísticas de principios del siglo XX.

La narrativa de Once Again… (Statues Never Die) imagina diálogos entre el filósofo Alain Locke, impulsor del movimiento Harlem Renaissance, que combatió el racismo y procuró transformar la percepción de los afroamericanos en los veinte y los treinta, y el coleccionista y filántropo Albert C. Barnes, que fundó hace un siglo la Barnes Collection. En su trabajo les ponen voz los actores André Holland (Moonlight) y Danny Huston (Succession).

Ambos conversaron a través de textos y ensayos, que tuvieron eco histórico, y Julien ha buscado trasladar su conversación a la pantalla, haciéndoles hablar sobre ese rol del arte africano en el relato más difundido de la modernidad occidental. Explica Julien que le interesa reorganizar aquello que suele considerarse marginal para mostrar que no es un margen, sino el núcleo de la historia del arte moderno.

Saldrá a nuestro paso en el Lázaro Galdiano un collage visual que conjuga imágenes rodadas en instituciones como la Barnes Collection, el Pitt Rivers Museum de Oxford y la Pennsylvania Academy of Fine Arts, y fragmentos de dos películas: de Looking for Langston (1989), del mismo Julien, y de otro film de los setenta del cineasta ghanés Nil Kwate Owoo, ambientado en los almacenes del British Museum de Londres, donde se conservan objetos de arte africano.

El recorrido comienza con la visita, ficticia, de una conservadora a las salas de un museo (el mencionado Pitt Rivers Museum), que cuenta con un buen número de armas y artefactos rituales africanos. A partir de ahí, la obra traza paralelismos entre las empresas coloniales en África y las actuales colecciones de los museos occidentales, sumando referencias a la expedición militar británica en Benín en 1897, capitaneada por George Leclerc-Everton, y a los lazos entre Locke y el artista Richmond Barthé.

Para incorporar a nuestro país a este proyecto se recuerda que el poeta Langston Hughes -el protagonista de Looking for Langston (1989), que Julien considera una precuela de Once Again… (Statues Never Die), vinculado a Harlem Renaissance– pudo conocer a Federico García Lorca durante su visita a la Universidad de Columbia en 1929. Años más tarde, el americano colaboró con su hermano, Francisco García Lorca, que fue profesor en esa misma universidad, en la traducción al inglés del Romancero gitano. Además, Hughes visitó España en 1937 como corresponsal de guerra, para dar cuenta de la actividad de los voluntarios afroamericanos en las Brigadas Internacionales.

La presentación de esta obra en el Lázaro Galdiano implica, asimismo, un fuerte contraste histórico entre la colección del museo de la calle Serrano y la de Albert C. Barnes. Mientras éste fue pionero en coleccionar las vanguardias europeas de inicios del siglo XX, las élites españolas se mostraron más reticentes a apoyar la renovación en las artes visuales.

El pasado reciente es, por tanto, el punto de partida de Julien en Once Again… (Statues Never Die), a medio camino entre el activismo y la experimentación artística. Quienes se queden con ganas de más podrán acudir, el sábado 7 de marzo en el Cine Doré de la Filmoteca Española, a la proyección de Looking for Langston (1989) y Les Statues Meurent Aussi (1953), de Chris Marker, Alain Resnais y Ghislain Cloquet. Tras la sesión, tendrá lugar una conversación entre Isaac Julien, Gabriel Calparsoro y Bartomeu Marí.

Hasta el próximo 15 de febrero de 2026, el Project Room de la galería Max Estrella acoge la instalación de Ana María Caballero Entre domingo y domingo, título que también fue el de su primer libro de poesía, que replicaba en su estructura la cadencia de los días de la semana.

La exhibición en la galería recoge la propuesta creativa del poemario, transformando prendas cotidianas en espacios de lectura y a sus propias costuras en márgenes de interpretación. Equipara escribir a hilvanar, entendiendo que hacerlo con nuestras semanas es dotarlas de densidad y, quizá, de significado.

La obra adquiere la forma de dos trípticos, seis piezas en total, cada uno con un poema diferente. Ambos trípticos conservan el orden camiseta, camisa, camiseta, y las mangas apenas rozándose inciden en la unidad del conjunto. Las prendas cuelgan sobre cuerdas de tenderos con pinzas de madera, dispuestas a doble altura, para facilitar la lectura en capas.

La segunda muestra de Arturo Berned en la galería Fernández-Braso puede visitarse hasta el 21 de febrero. Su título es “18 + 6” y cuenta con ese mismo número de esculturas, pero la cifra hace referencia, además, a la importancia de los guarismos en la producción de este artista madrileño, formado como arquitecto; una obra que no podríamos entender sin tener en cuenta las leyes matemáticas, la geometría precisa y la proporción áurea de los clásicos.

El eje de esta exposición son dieciocho piezas concebidas como variaciones en torno a un mismo tema: el de la cabeza. Elaboradas en planchas de acero al carbono y acabado oxidado, conjugan formato reducido y expresividad, y como apunta Mariano Navarro en el catálogo de este proyecto, surgen de una primera, del movimiento de una cinta de grosor variable que va envolviéndose en el espacio. El desarrollo de esa pieza, deformando los vacíos, genera la escultura. Ciertamente, las diferencias son mínimas. Hay una estrecha relación matemática, numérica en los distintos planos que genera el movimiento.

Ese conjunto destaca por su sobriedad y contención, en tanto que la media docena de trabajos restantes apuntan a cierto hedonismo por incorporar colores más o menos saturados e intensos: esas tonalidades les conceden ligereza.

La base de casi todas las composiciones de Berned es la línea recta, así como un particular manejo del vacío: sus obras emergen del corte de planchas regulares y de volumen más o menos homogéneo, aunque en su contemplación resulta fundamental atender a lo que falta y ha sido eliminado, en un proceso del que forma parte el ordenador, pero también maquetas que efectúa en madera o cartón, dibujos o impresiones 3D.

A piezas longitudinales y largas, este autor las pliega y les da volumen conforme a mecanismos nunca aleatorios que responden a bocetos geométricos previos y a cálculos numéricos precisos. Estas cabezas tienen por origen anteriores esculturas verticales que bautizó como soldados o damas y que se remataban con el ensamblaje de planos entrecortados; años más tarde, abandonó esa base o fuste.

Las creaciones ahora en Fernández-Braso se asientan sobre tres puntos de apoyo (obtenidos tras esos citados cálculos), pero su apariencia final tiene tanto que ver con esta meticulosidad como con la luz. Y, si las formas pueden resultarnos frías, para Berned el acabado aportaría los rasgos particulares de cada una. En aquellas que ofrecen color, éstos son pulidos e industriales, a veces casi opacos, pero nunca del todo. Suponen un matiz más, aéreo.

Hasta el próximo 14 de marzo, la galería Silvestre madrileña dedica a Salvador Cidrás la muestra “El gesto prestado”, integrada por trabajos, en su mayor parte pictóricos pero también instalativos, que pivotan en torno a tramas. Éstas, sin embargo, al contrario de nuestra noción habitual, no se nos presentan como estructuras estables ni rígidas, sino como campos fragmentados, líquidos y elásticos.

Se componen de filamentos entrelazados que, aquí, más que articular, desajustan: no parten de un orden propio, sino de la fricción buscada entre el concepto de control y la zozobra. Formula Juan Luis Toboso, en el texto que acompaña la exposición, que podemos vincular estas formas con las teorías que Jane Bennett propuso en su ensayo Materias vibrantes: nuestras vidas estarían ligadas por fuerzas materiales de las que no seríamos del todo dueños, y seguramente podríamos estar más atentos a esa interdependencia entre lo humano y lo no humano en la que necesariamente estaríamos inmersos.

Cuando Cidrás incorpora, en algunos de estos trabajos, materiales como el aceite u otros elementos grasos que reaccionan a la temperatura, o encáustica o yeso, propondría un uso de estos componentes como agente transformador y no sólo como soporte. En esos casos, trama y sustancia se funden y resultarán indistinguibles la retícula de fondo y el entramado accidental derivado del uso de esos materiales, que no dejan de suponer capas de información.

Las tramas de este artista pontevedrés son, por tanto, deconstruidas y generan espacios intermedios, una confusión de hilos inciertos en la que, por momentos, lo orgánico gana a la geometría. En ningún momento se trata de composiciones pretendidamente acabadas, sino de imaginarios sugeridos, de puntos de fuga frente al orden que, fundamentalmente, ponen de relieve nuestro afán por dominar la técnica y la amplia libertad de la materia cuando nos desafía.

Atendiendo a la producción pasada y reciente de Cidrás, los pequeños gestos pueden resultar vitales a la hora de modificar algunas de nuestras formas de pensar, de alterar nuestra relación con los objetos. Sus reflexiones son las mismas se desenvuelva en plano o en volumen, en unas densidades u otras.

Deep Song e Immediate Tragedy son coreografías que la bailarina Martha Graham ideó como respuesta a las fotografías de la Guerra Civil española, fijas pero dinámicas, y terribles, que llegaban al público estadounidense en revistas y noticieros. El título de la primera se inspiraba en el Poema del Cante Jondo (1931) de García Lorca y los movimientos de la danza querían reflejar el sufrimiento de la población; se trata de una obra breve, de unos cinco minutos, concebida en el mismo año en que Picasso pintó el Guernica.

Ambos trabajos, danza y pintura, testimonian en cierto modo cómo la contienda —con su violencia y deshumanización— influyó en el arte moderno occidental, haciendo hincapié en el impacto del terror en el cuerpo de las mujeres. Aunque los dos aluden a un hecho histórico, con el tiempo han transcendido lo concreto para convertirse en símbolos del dolor universal.

Aquellas coreografías constituyen la base de la muestra que Lola Lasurt ofrece en Condeduque, hasta el próximo abril. Ha llevado a cabo un ejercicio de reconstrucción imaginativa de la propuesta de Graham desde la perfomance y la pintura: en la Sala de Bóvedas reproduce la fisicidad del movimiento de la danza traducida al ejercicio pictórico. La artista también ha necesitado bailar Deep Song antes de tomar los pinceles, y ese proceso se nos presenta en un vídeo.

Un clásico entre nuestros pintores, Luis Gordillo, representado por la galería Prats Nogueras Blanchard, recibirá el III Premio ENATE-ARCOmadrid 2026. Así lo ha decidido un jurado compuesto por Luis Nozaleda, director general de ENATE; Rosina Gómez-Baeza, presidenta y socia fundadora de YGBART; y Violeta Janeiro Alfageme, historiadora, comisaria e investigadora, en reconocimiento a una obra sin título fechada en 2010.

Para dicho jurado, Gordillo es una de las referencias indiscutibles de la pintura española del último medio siglo. La heterogeneidad de su trabajo, hecha de variaciones, superposiciones y cambios de registro, así como la aparición de matices que no se revelan a primera vista, resuena con las capas del proceso de elaboración de un vino. Su pintura no busca una imagen única y cerrada, propone un recorrido que nos permite descubrir nuevas relaciones entre fragmentos, colores y ritmos.

Este galardón está dotado con 10.000 euros y la obra seleccionada pasará a formar parte de la colección ENATE, después de presentarse en el espacio de la firma en el Guest Lounge de ARCO en marzo. Además, la pieza se convertirá en etiqueta de una botella de edición especial, limitada y coleccionable de 1.000 ejemplares numerados.

Fue en 1992 cuando Bodegas ENATE inició una colección de arte contemporáneo con obras de artistas nacionales e internacionales. Desde entonces, cada uno de los vinos de la marca se asocia a un creador de reconocido prestigio, figurando en la etiqueta una composición de su autoría realizada específicamente para ese formato.

El galardón será entregado el 5 de marzo en la feria.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado esta mañana que la obra velazqueña Pablo de Valladolid (hacia 1635) será desde hoy restaurada, con el patrocinio de la Fundación Iberdrola España, y saldrá por tanto de su ubicación habitual en la sala 15 de la pinacoteca.

Se trata de uno de los retratos en los que Velázquez llevó más lejos su austeridad de recursos con el fin de subrayar la intensidad y la expresividad de la figura representada, uno de los seis bufones que inmortalizó el sevillano. Lo describió, en palabras que pasaron a la historia y tras su visita al Prado, el 1 de septiembre de 1865, el artista Édouard Manet: El fondo desaparece, es realmente aire lo que rodea a ese pobre hombre todo vestido de negro y tan vivo.

Antes de su restauración, se llevará a cabo el análisis técnico de la pieza, que facilitará el conocimiento de su proceso creativo y de su estado de conservación.

Está documentado que Pablo de Valladolid permaneció al servicio de la Corte entre 1632 y 1648, haciendo uso de sus dotes interpretativas y su carácter burlesco. Velázquez nos lo ofrece aquí como una figura aislada, firmemente asentada pero en un espacio indefinido, construido solamente mediante la sombra que proyecta su cuerpo. Las evidentes innovaciones de este trabajo se deben justamente a la simplificación del escenario, que no tenía precedentes en la pintura de entonces.

El fondo neutro concentra nuestra atención en el gesto del personaje, captado en una actitud que parece declamatoria. La pintura está elaborada con una mezcla de seguridad y soltura propias del estilo de madurez de Velázquez, y el análisis estilístico permite datarla entre 1632 y 1635, durante los primeros años del artista también en la Corte.

Esta composición ha tenido una influencia duradera. Francisco de Goya se inspiró en ella para su retrato de Francisco Cabarrús y, como hemos dicho, Manet, en 1865, calificó ésta como la mejor de todas las pinturas, en una suerte de epifanía que transformó el rumbo del arte moderno. Lo deslumbró, sobre todo, la ausencia de fondo en la obra de Velázquez, rodeado el personaje de un espacio indeterminado, sin línea de horizonte, muebles ni habitación definida. Sólo las sombras a los pies sugieren el suelo. Escribió el autor de Olimpia a Fantin-Latour: Es quizá el trozo de pintura más asombroso que se haya hecho jamás… El fondo desaparece; es aire lo que rodea al hombre, vestido todo de negro y lleno de vida.

Manet comenzó después a depurar su estilo, como apreciamos de manera clara en El pífano (1866), llevando sus esfuerzos más allá de la imitación del mundo visible.

Ha informado el Prado de que la incorporación al museo de nuevos equipos de investigación permitirá efectuar el análisis material mediante XRF scanning y el examen por reflectografía infrarroja multiespectral. El primero es una técnica no destructiva que permite identificar los elementos químicos en la superficie pictórica; la segunda estudia la respuesta de la pintura a distintas longitudes de onda, desde el visible hasta el infrarrojo (entre 400 y 2600 nm). Alcanza a revelar detalles inapreciables a simple vista, y a ellos esperamos.

El puente que conecta el edificio principal del Museu Serralves de Oporto con su ala Álvaro Siza, inaugurado en octubre de 2023, es el centro desde hace unos meses de un programa de intervenciones específicas que comenzó con Luisa Cunha -que ideó para el lugar un proyecto sonoro- y continúa ahora con Fernanda Fragateiro.

La artista de Montijo, bien conocida en España gracias a la galería Elba Benítez, ofrece allí su propuesta “Abrir janelas à pedrada”, un muro de bloques de cemento ligero que altera radicalmente la percepción del espacio en torno a él.

Irregular y asimétrico, se nos presenta como un cuerpo extraño a la arquitectura que lo rodea, además de sugerir tensiones entre su posible peso y su posición suspendida, su densidad y su permeabilidad. Construido a partir de fragmentos de edificios demolidos en el centro de Lisboa, y recopilados por la artista a lo largo de varios años, este trabajo nace como crítica hacia las recientes transformaciones urbanísticas de la ciudad donde esta autora vive y trabaja.

En esos fragmentos se pueden leer los efectos de la gentrificación en el centro de la capital, la especulación inmobiliaria y la presión turística: procesos que han modificado el paisaje, alterado las formas de vida de los lisboetas y transformado las relaciones comunitarias, según Fragateiro. Este proyecto, por tanto, vendría a compendiar las huellas en el espacio urbano de lógicas financieras distantes de las necesidades de quienes lo habitan, probando que cada demolición añade una nueva capa de ausencia al palimpsesto de Lisboa y fragiliza la memoria de sus piedras.

Los bloques de este muro, sin conexión aparente, parecen a punto de derrumbarse, pero se apoyan entre sí, dejando huecos por donde pasan la luz y la vista. De cerca, cada piedra exhibe pistas de su origen: trozos de yeso, cemento, mortero, ladrillo, piezas desconchadas… que aquí adquieren el rol de testimonios de un colapso en curso.

La artista no ha buscado reconstruir lo perdido, sino organizar fragmentos en un tabique que preserve las pruebas de la destrucción y exponga las contradicciones de nuestros días, cuestionando cómo la ciudad gestiona su propio pasado, incluso en lo material. Su instalación funciona, de este modo, como un dispositivo de arqueología crítica, en el que la precariedad del conjunto no se agota en su dimensión formal, sino que suscita una reflexión sobre todo lo que se pierde con la desaparición de los edificios, sean históricos o autoconstruidos.

Desde los noventa, Fernanda Fragateiro ha investigado las relaciones entre la arquitectura, la ruina y la memoria urbana, utilizando elementos de la construcción civil y archivos ajenos a los circuitos institucionales. En este caso, en un espacio marcado por la autoridad de la arquitectura moderna de Siza, desliza componentes precarios y desgastados, confrontando el orden formal del lugar con lo que la historia ha excluido.