El artista vasco Ibon Aranberri ha resultado ganador en la primera edición del Premio Fundación MACBA, en el que han sido finalistas el colectivo Cabello/Carceller, Sandra Gamarra y David Bestué.

Aranberri ha sido galardonado por sus exposiciones “Vista Parcial” en el Museo Reina Sofía y “Entresaka” en Artium Museoa, valorando el jurado su habilidad para transformar los espacios museísticos en escenarios de imaginación social y la coherencia estética de su producción. Ambas exhibiciones recogieron algunos de los proyectos más representativos de su trayectoria, pero no se plantearon como retrospectivas al uso, sino como un repaso de las líneas de fuerza que han determinado su trabajo, de relatos y colaboraciones: el creador vasco ha estudiado el territorio y el paisaje como espacios de proyección de ideologías, el valor de lo incompleto o lo parcial y las nociones de fragilidad y grieta; también ha cuestionado más de una vez nuestra idea del progreso y de la modernidad, recurriendo en el camino, y también en estas muestras, a las que llama materialidades obsoletas, modelos, patrones, maquetas…

Este galardón, que como dijimos acaba de echar a andar, tiene como finalidad reconocer la excelencia de artistas contemporáneos en España y Portugal, incidiendo en su impacto en el panorama artístico actual.

El Premio Fundación MACBA 2024 ha sido posible gracias al apoyo de La Roca Village, como patrocinador oficial; Grífols, Fundación Banco Sabadell y Fundación Occident, como benefactores; a la Fundació Sorigué y la Fundación Ernesto Ventós, como colaboradores; y al Majestic Spa & Hotel Barcelona, el Hotel Alma Barcelona, Vueling y Enate, como partners.

Víctor Cageao será el nuevo director de las Colecciones Reales de Patrimonio Nacional, y de su Galería, en sustitución de Leticia Ruiz, que renunció al cargo a principios de octubre para regresar al Museo del Prado. La selección de Cageao se ha llevado a cabo tras un proceso competitivo rápido y con el asesoramiento de una comisión de expertos compuesta, entre otros, por los directores de instituciones como el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía, el Nacional Thyssen-Bornemisza, el Museo Nacional de Escultura de Valladolid o la Real Academia de la Historia.

Cageao, arquitecto de formación, pertenece al Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos del Estado y su carrera ha estado vinculada a la gestión y planificación en el ámbito museístico, con especial dedicación a la arquitectura de museos, la museografía y la conservación de colecciones. Desde la Subdirección General de Museos Estatales del Ministerio de Cultura, fue responsable de los proyectos de renovación de centros como el Museo Arqueológico Nacional, el Nacional de Arqueología Subacuática de Cartagena, el mencionado Museo Nacional de Escultura o el Museo de Málaga.

Entre 2015 y 2018 fue Cageao coordinador general de Programación en el Museo del Prado, cargo que incluía, entre otras funciones, velar por la atención al visitante y la arquitectura, por lo que asumió la gestión del concurso internacional para la rehabilitación del Salón de Reinos del Buen Retiro. Desde junio de 2022 hasta la actualidad ha desempeñado, en esta misma pinacoteca, la coordinación general de Conservación, siendo responsable de las exposiciones permanentes y temporales, de los depósitos y préstamos de colecciones, de la biblioteca y el archivo.

El próximo director de las Colecciones Reales conoce bien Patrimonio Nacional: durante casi cuatro años, entre 2018 y 2022, tuvo a su cargo la Dirección de Inmuebles y Medio Natural de la institución y, por ello, las intervenciones y mantenimiento de los palacios y jardines reales. Como director de las Colecciones Reales, Cageao asume ahora igualmente el puesto de máximo responsable de la Galería, el museo que Patrimonio Nacional inauguró en 2023 junto al Palacio Real; además, queda al frente de espacios como la Real Armería, el Archivo General de Palacio o las Reales Bibliotecas del Palacio de Madrid y el Monasterio de El Escorial.

Por su respeto hondo por la estética arquitectónica y el paisaje y por la armonía presente en sus obras de rehabilitación o de nueva construcción, sobre todo en Chinchón y sus alrededores, el arquitecto madrileño Juan Luis Camacho ha recibido el XII Premio Rafael Manzano de Nueva Arquitectura Tradicional 2024, dotado con 50.000 euros.

Buen conocedor de la arquitectura del sureste de la región, es en la propia Comunidad de Madrid donde Camacho ha desarrollado su trayectoria; incluso podemos considerar que buena parte del casco histórico del Chinchón de hoy es fruto de su labor continuada, pues ha llevado a cabo muy numerosas rehabilitaciones y ampliaciones de sus edificios históricos y también nuevas construcciones que no parecen serlo, dado que emplea materiales respetuosos con el medio ambiente y utilizados tradicionalmente en esos municipios, con el fin de mantener la identidad visual de la zona y de que sus edificios permanezcan en el tiempo.

Llevan su sello la restauración de la Plaza Mayor de Colmenar de Oreja, de estilo castellano, porticada y asentada sobre un gran túnel de piedra que data del siglo XVII; la rehabilitación del Ayuntamiento de Villarejo de Salvanés; la Casa Dusmet de Chinchón, restaurada para albergar la sede de la Fundación Arauco; y nuevos barrios de esa localidad que mantienen su estética característica siendo, a la vez, útiles para los ciudadanos. Hay que mencionar, igualmente, su labor en la construcción de viviendas de promoción pública, que organiza en torno a una plaza central y desde un enfoque muy alejado a la imagen repetitiva y anónima de este tipo de proyectos.

Camacho se ha embarcado recientemente en un intento de salvación de edificios con arquitecturas singulares en Madrid, buscando compradores para propiedades a punto de desaparecer.

Por su parte, Carmen Añón ha sido reconocida con la Medalla Richard H. Driehaus por su larga carrera centrada en la protección, restauración y conservación de jardines históricos emblemáticos, especialmente en Madrid, como los de la Casita del Príncipe de El Pardo, el Real Jardín Botánico, El Retiro, el Campo del Moro, la Zarzuela, los de la Moncloa, las Descalzas Reales y El Capricho.

Sus propuestas destacan por su rigurosidad y por su habilidad para integrar valores estéticos, históricos y funcionales, rasgos que han inspirado a varias generaciones de paisajistas. Además, Añón es la responsable de la inclusión de numerosos bienes españoles en la Lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO.

El Premio Rafael Manzano y la Medalla Driehaus están convocados por la Fundación Culturas Constructivas Tradicionales, con el apoyo de Richard H.Driehaus y la colaboración de INTBAU España y Portugal y la Fundaçao Serra Henriques. Además, cuentan con el Patrocinio del Presidente de Portugal.

Coincidiendo con la presentación en la Fundació Sorigué de Lleida de una exhibición centrada en los procesos creativos de William Kentridge, uno de sus trabajos pertenecientes a esta institución, More Sweetly Play the Dance (2015), se exhibe hasta abril de 2025 en el Museo Picasso de Málaga, como obra invitada.

Este autor sudafricano conjuga vídeo, animación, dibujo, música y performance para dar lugar en sus propuestas a experiencias inmersivas y multidimensionales, basadas en reflexiones en torno a cuestiones relativas a la historia, la política, la memoria y la identidad. Aludiendo a menudo a la caverna platónica, evoca los desplazamientos migratorios causados por las guerras, la búsqueda de utopías o las catástrofes climáticas y se vale del empleo de proyecciones múltiples, coreografías y música constante para generar la sensación de que ese flujo de movimientos y pesares no se detiene.

Las procesiones de Kentridge son metáforas de la condición humana y de las marchas históricas de los oprimidos, aunque hacen referencia, sobre todo, a la historia sudafricana y el apartheid; contienen músicos, bailarines, figuras religiosas y personajes emblemáticos, que avanzan despacio mientras una música melancólica y vibrante suena de fondo. En lo formal, el artista despliega un estilo monocromático, utilizando sobre todo el blanco y negro, que recalcan la crudeza de los temas tratados.

More Sweetly Play the Dance, de quince minutos de duración sin interrupciones, también sugiere una danza macabra medieval, pero Kentridge la convierte en un baile por la resistencia y la supervivencia, demostrando que se puede encontrar belleza y humanidad en cualquier situación. La elaboró en colaboración con la bailarina africana Dada Masilo y la Immanuel Essemblies Brass Band y su objetivo es suscitar reflexiones sobre la naturaleza cíclica de la historia y la necesidad de la esperanza.

Hay que recordar que la Fundació Sorigué cuenta con el conjunto de obras más importante del autor sudafricano en Europa.

Alfonso Borragán es el artista santanderino que ha resultado elegido como ganador de la nueva beca de residencia artística convocada por el Ayuntamiento de Santander y la Casa de Velázquez de Madrid, entre 19 candidaturas recibidas.

El autor, que inició su residencia el 11 de noviembre, desea exponer en Madrid en estas fechas y culminar en la capital un proyecto en el que lleva trabajando doce años: se llama Goalito y se centra en las piedras bezoares, que durante los siglos XVI y XVII fueron consideradas en Europa como elementos de gran valor medicinal y mágico. Se formaban en el estómago de ciertos animales y eran muy buscadas por las élites europeas, desde reyes hasta líderes religiosos, por sus propiedades curativas.

Su trabajo pretende conectar esa fascinación histórica con la realidad actual, resaltando cómo, en los Andes, dichas piedras siguen siendo valiosas en el ejercicio de la medicina tradicional y son protegidas por médicos tradicionales y líderes comunitarios. Enlaza Borragán perspectivas propias de la antropología, la historia y la ciencia, atendiendo al uso simbólico y medicinal de estos elementos en unos y otros continentes y a las dicotomías, en relación a ellos, entre lo natural y lo artificial, lo mágico y lo científico. Su producción transita habitualmente entre la fotografía, la performance y los rituales.

Borragán estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y posteriormente continuó su formación en el MFA Slade School of Fine Arts de Londres, ciudad donde actualmente reside y trabaja. Durante su residencia dispondrá de un estudio completo con taller y alojamiento proporcionados por la Casa de Velázquez y de una ayuda de hasta 10.000 euros para la producción de la obra a cargo del Ayuntamiento santanderino. Además, recibirá otros 10.000 euros para sus gastos de manutención y el Ayuntamiento otorgará a la Casa de Velázquez una ayuda de 5.000 euros para la gestión y el apoyo al creador becado. La aportación municipal del consistorio a la convocatoria suma, por tanto, 25.000 euros.

El creador cántabro participará en las actividades internas de la Casa y será incluido en la programación de su sección artística, que abarca exposiciones, visitas, encuentros y ferias. Asimismo, la Casa de Velázquez se compromete a respaldar al beneficiario de la beca con exposiciones y eventos relevantes, ampliando su alcance y exposición pública.

La artista vizcaína Damaris Pan ha resultado ganadora en la 39ª edición del Premio BMW de Pintura por su obra All monsters are human II. En la categoría de Arte Digital, que cumple su tercer año de convocatoria, el galardón ha sido para el leonés Serafín Álvarez Prieto por su pieza Spell.

El jurado que ha fallado el certamen ha estado formado por el pintor y escultor Antonio López; el director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, Miguel Zugaza; la Presidenta de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Patrizia Sandretto; el director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid, Guillermo Solana; y la directora de la Fundación Carasso, Lucía Casani. Concurrían 1700 artistas de una treintena de países, una cifra récord de participación, y un 45% de ellos eran mujeres.

La obra ganadora, All monsters are human II, forma parte de un conjunto de trabajos en los que la autora vasca busca encontrar lazos entre lo monstruoso y lo humano, centrándose en la materialidad y la tensión entre los distintos elementos de la composición para provocar un impacto visual que cuestione categorías dadas.

En cuanto a Spell, de Álvarez Prieto, propone al espectador adentrarse en un mundo onírico donde se desdibujan los límites del tiempo y el espacio, en un entorno surrealista en el que caben la magia y el absurdo.

Eran finalistas al galardón Juan Fernández Álava, con su obra BIG RITA; Amaya Suberviola, con ST24035; Víctor González, con Intro; Cecilia Sebastián de Erice, con Alfabeto en el espacio; Taxio Ardanaz, con Mendia eta Gaua/ Montaña y noche; Gabriela Bettini, con Cut Forest with an Old Fig Tree; y Daniel de la Barra, que concurría con Design for a Tablecloth. En la categoría de Arte Digital, optaban a premio Manolo Bautista, con Behaviours; Fermín Sales, con El Maestrat Filmat; y Elisa Villota, con The regal light.

El año próximo, el Grupo BMW celebrará las cuatro décadas transcurridas desde que inició su apoyo a propuestas culturales y artísticas en nuestro país.

El Nam June Paik Art Center ha anunciado que el Nam June Paik Prize será, en su octava edición, para la artista Joan Jonas, que desde los años sesenta viene llevando a cabo vídeos, performances, esculturas e instalaciones que ponen en cuestión cómo las personas ven, piensan y actúan en la era del vídeo o abordan las dicotomías, más recientemente, entre la naturaleza humana y no humana. A principios de este año le brindó una retrospectiva el MoMA de Nueva York.

Este galardón, que se concede con la colaboración del gobierno provincial de Gyeonggi, se otorga desde 2009, pero a partir de 2021 y tras una revisión de sus criterios de selección reconoce a autores que han podido contribuir con sus prácticas a la paz y el fomento de la experimentación y la innovación creativa.

Su jurado ha estado compuesto por Namhee Park, directora del Centro de Arte Nam June Paik; Frances Morris, profesora de la Universidad Femenina Ewha y exdirectora de la Tate Modern de Londres; Sungwon Kim, subdirector del Museo de Arte Leeum de Seúl; Rein Wolfs, director del Stedelijk de Ámsterdam; y Mami Kataoka, directora del Mori Art Museum de Tokio.

El premio está dotado con 50.000.000 KRW (casi 34.000 euros) y la presentación de una muestra en el Nam June Paik Art Center.

El artista Daniel Canogar, que desde principios de los noventa viene trabajando con nuevos medios y soportes para investigar los efectos de las nuevas tecnologías en nuestra vida cotidiana y en el clima, la macroeconomía y los comportamientos sociales, ingresó el pasado 10 de noviembre en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Pronunció un discurso titulado Miradas cautivas: fantasmagorías tecnológicas, electrónicas y artísticas, que fue contestado por Estrella de Diego, catedrática de arte contemporáneo.

La elección de Canogar como académico de número por la sección de Nuevas Artes de la Imagen tuvo lugar hace justo dos años y presentaron su candidatura la propia Estrella de Diego, el cineasta Manuel Gutiérrez Aragón y el pintor Hernán Cortés.

En su disertación repasó sus influencias y alternó hitos de la historia del arte audiovisual con su propia evolución artística; a modo de un juego de espejos en el que cada acontecimiento pasado refleja una reacción en su carrera, explicó que concibe su trabajo como una reflexión constante en torno al mundo que lo rodea.

El Real Patronato del Museo del Prado ha anunciado esta mañana el nombramiento de Alfonso Palacio como próximo director adjunto de Conservación e Investigación del centro a propuesta de Miguel Falomir. Toma el relevo de Andrés Úbeda, quien hace unos meses anunció su decisión de presentarse al cargo de director de la Academia de España en Roma, y completa el organigrama de la dirección de la pinacoteca junto a Marina Chinchilla, directora adjunta de administración.

Úbeda permaneció durante siete años en el rol de director adjunto y Falomir ha señalado hoy que sin su aportación no se entendería el éxito del Museo en las áreas de conservación y educación, así como la excelencia del Centro de Estudios y el altísimo nivel de las exposiciones temporales. Permanecerá en funciones en su puesto hasta que se produzca la incorporación de Palacio en el mes de febrero de 2025; ya entonces, se comunicarán las nuevas labores de Úbeda en el Área de Conservación.

Alfonso Palacio, de 49 años de edad, es doctor en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo, premio extraordinario de Licenciatura y Doctorado, y en la actualidad dirige el Museo de Bellas Artes de Asturias, un cargo al que accedió en 2013 mediante concurso. Entre 2006 y 2013 fue profesor de Historia del Arte en la citada Universidad asturiana y su trabajo científico se ha orientado al estudio del arte contemporáneo asturiano, español e internacional en los siglos XX y XXI, a los que ha dedicado diversas publicaciones.

En su década larga al frente del museo ovetense, este espacio ha acogido más de setenta muestras temporales, organizadas en solitario o junto a museos internacionales, además de cerca de 125 ciclos de conferencias, música clásica, cine y propuestas educativas. Asimismo, se ha completado una primera fase de su ampliación, culminada en 2015, la posterior reordenación de todas las colecciones y la rehabilitación y puesta a punto de los edificios históricos de esa institución. Este mismo año se ha puesto en marcha la segunda fase.

Entre 2021 y 2024, el Museo de Bellas Artes de Asturias ha incorporado veintidós depósitos procedentes de las colecciones del Museo del Prado, en el marco de la iniciativa Prado Extendido.

El Patronato del Museo Guggenheim Bilbao ha anunciado hoy el próximo nombramiento de la historiadora del arte y comisaria Miren Arzalluz como directora de este centro bilbaíno, tras finalizar el proceso de selección internacional llevado a cabo en los últimos meses. El organismo explica haber valorado la experiencia y reconocimiento internacional de Arzalluz en el sector de las instituciones culturales, su compromiso a largo plazo con el proyecto del Guggenheim y su sensibilidad ante los diversos contextos culturales, locales y globales, en los que opera el Museo.

Nacida en 1978 en Bilbao, Arzalluz, actualmente directora del Museo de la Moda de París–Palais Galliera, es Doctora en Historia por la Universidad de Deusto, Master en Historia del Arte por el Courtauld Institute of Art de Londres y Master en Política comparada por la London School of Economics. En los últimos seis años ha comandado el proyecto de renovación y ampliación del citado Palais Galliera y próximamente será nombrada Chevalière de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura de Francia; también formará parte del jurado en los premios nacionales de diseño de Estados Unidos, los 2025 National Design Awards convocados por el Smithsonian Design Museum en Nueva York.

Arzalluz es, asimismo, miembro del Comité Asesor Artístico del Museo de Bellas Artes de Bilbao y anteriormente a su estancia en París dirigió Etxepare Euskal Institutua, un ente público dependiente del Gobierno Vasco que busca impulsar la visibilidad de la cultura y la creación vasca contemporánea a nivel internacional. Durante cinco años fue igualmente comisaria jefe de la Fundación y el Museo Balenciaga.

Asumirá su nuevo cargo en el Guggenheim en marzo de 2025; durante cuatro semanas realizará un proceso de inmersión en los museos Guggenheim de Bilbao y Nueva York, conviviendo con Juan Ignacio Vidarte, hasta ahora director, y el 1 de abril se incorporará al puesto con plenas responsabilidades.

Según las bases de la convocatoria, el Guggenheim bilbaíno buscaba para su dirección un perfil que tuviera gran conocimiento del arte y del funcionamiento de los museos, competencias contrastadas de gestión y planificación dentro de este ámbito y a nivel internacional, capacidad de liderazgo y experiencia en la captación de fondos y desarrollo de audiencias, competencia comunicativa en distintas lenguas, alta formación y cualificación en materias relacionadas con el mundo museístico y conocimiento de la realidad institucional y del contexto sociocultural del Museo, entre otras cuestiones.

Se recibieron un total de 79 candidaturas de profesionales de diversa procedencia geográfica (32% internacionales, 23% del País Vasco y 45% del resto de España).

La 32ª edición de ESTAMPA, que se clausuró el pasado 20 de octubre y reunió a casi un centenar de galerías, contó con la asistencia de 17.000 personas y, según el balance de la organización de la Feria, recibió una muy positiva acogida por coleccionistas y público, cumpliendo con su objetivo de impulsar el mercado del arte en España.

Se vendieron trabajos de 263 artistas, cifra semejante a la alcanzada en 2023 y sustancialmente superior a la de 2017, cuando comenzó a medirse este dato (entonces fueron 120 los artistas que sumaron sus obras a alguna colección pública o privada en esta muestra). El 77% fueron autores españoles y cerca de la mitad se encuentran en su etapa de media carrera; las ventas de los consagrados se situaron en el 35%, y las de los emergentes en un 15%. La gran mayoría de las ventas, un 92%, correspondieron al primer mercado.

En cuanto a los habituales galardones concedidos durante la celebración de ESTAMPA, podemos repasar ganadores. El premio Comunidad de Madrid/ESTAMPA ha sido para Teresa Gancedo, en la Galería RocioSantaCruz, por su obra La Caza (1976), que se incorporará a la colección del Museo Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles. CA2M; el Premio Klasse ha recaído en Jorge Galindo, de Veta by Fer Francés; la Fundación Campocerrado ha premiado al artista Manuel M. Romero, de la galería Artnueve; y Lara Ordoñez, de la galería Vangar, fue seleccionada en el Premio La Escalera.

Por su parte, la Colección Navacerrada reconoció a Adrien Vescovi, en el stand de Albarrán Bourdais, mientras que los artistas Guillermo Velasco, de la galería T20, y Jun Martínez, de Leyendecker, recibieron el Premio Colección Kells. La Colección Aldebarán entregó un premio a Cristina Lucas, también en Albarrán Bourdais; al mencionado Manuel M. Romero, de la Galería Artnueve; y a Jiri Hauschka, de Arma Gallery.

Por último, el Premio Cervezas Alhambra fue para la obra Lana tramada de, de nuevo, Lara Ordoñez -Galería Vangar-, por su capacidad para combinar los valores de la artesanía y el arte contemporáneo, alineándose con la filosofía de esa marca, y The Ryder fue reconocida con el premio al Mejor Stand.

La Fundación MACBA da un paso más en su apoyo al arte contemporáneo y crea el Premio Fundación MACBA, una ambiciosa iniciativa —quizá en un futuro equiparable a los prestigiosos Prix Marcel Duchamp o Turner Prize— con la que reconocer a los artistas contemporáneos más relevantes de España y Portugal. De carácter bienal, está dotado con 80 000 euros: un primer premio de 50 000 y 10 000 para cada uno de los tres finalistas seleccionados por el jurado de la convocatoria.

En la presente edición, ya en marcha, un comité formado por seis expertos en el ámbito del arte contemporáneo en España ha realizado una preselección de candidatos de la que saldrán las propuestas que han de llegar finalmente el jurado. Los miembros de este Comité son: Claudia Segura, responsable de colección del MACBA de Barcelona; Agustín Pérez Rubio, comisario independiente; Manuel Cirauqui, curador del Museo Guggenheim y director de einaidea, de la Fundación Eina; Tania Pardo, directora del CA2M de Móstoles; Bárbara Rodriguez, directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín de Santander, y Gilberto González, comisario independiente y profesor de estética en Universidad de La Laguna, en Tenerife.

Por su parte, el jurado internacional de esta primera edición lo integran otros seis reconocidos especialistas: Adam Szymczyk, comisario de la oficina de cooperación internacional de la Kunsthaus de Zúrich; Manuel J. Borja-Villel, asesor de Cultura de la Generalitat de Catalunya; Elvira Dyangani Ose, directora del MACBA; Manuel Segade, director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Ángela Molina, crítica de arte, y Abdellah Karroum, curador y consultor artístico.

Los criterios que guiarán la puntuación de los seleccionados serán tanto la calidad y el carácter innovador y transformador de sus obras, como el impacto cultural y la relevancia de sus proyectos.

El nombre del ganador del primer Premio Fundación MACBA, así como de los finalistas, se dará a conocer en rueda de prensa el próximo 26 de noviembre por la mañana. Por la tarde tendrá lugar una ceremonia de gala en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y el día siguiente se celebrará un gran evento abierto a representantes de los diferentes sectores que forman parte del entorno del arte contemporáneo.

El Museo del Prado ha anunciado hoy que ha recibido en depósito, por parte del Centro de Estudios Europa Hispánica, dos pinturas cuatrocentistas centradas en el relato de Cimón e Ifigenia, una de las novelas que forman parte del Decamerón de Boccaccio. Ambas fueron realizadas en Florencia, a finales del siglo XV, por Johannes Hispanus.

La razón de la excepcionalidad de estas composiciones es que cuentan con la autoría de un pintor español activo en esa Italia cuatrocentista y que presentan una temática profana, subrayando la importancia de la cultura en el juego de la seducción, en relación con el mencionado Decamerón y con las doctrinas neoplatónicas que se difundían en los círculos humanistas de Florencia a finales del siglo XV, ambiente del que fue figura clave Piero di Cosimo. Podremos contemplar estas piezas en la sala 56 B del edificio Villanueva, oportunamente junto a La historia de Nastagio degli Onesti de Botticelli, otra narración del texto de Boccaccio.

Hispanus, un autor interesante pero poco conocido según la pinacoteca, trabajó de manera errante por la Italia septentrional y central a finales del siglo XV y comienzos del XVI. Su creación más célebre es una Deposición en el sepulcro, autógrafa, que se custodia en la Colección Saibene de Milán. Los trabajos ahora depositados en el Prado corresponden a la primera etapa florentina de su periplo italiano, en la que estuvo muy vinculado al taller de Perugino y trató de subrayar la calma silenciosa de sus paisajes y la atmósfera encantada que rodea a sus personajes.

En cuanto a la citada temática profana, es reseñable en cuanto que se trata de una rareza en la colección de pintura cuatrocentista del Prado. La narración representada cuenta que, mientras dormía en una arboleda, Ifigenia fue sorprendida por Cimón, un joven chipriota noble pero inculto. Se enamoró de ella y, para seducirla, tomó la decisión de cultivarse, convirtiéndose en un refinado cortesano.

Hispanus evoca dos momentos de este relato: en el primero, encontramos a Ifigenia sentada en el suelo, vestida y dormida, junto a una fuente. Cimón la ignora en ese momento, dándole la espalda. En la segunda pieza, ella yace semidesnuda junto a una arboleda ante la mirada obnubilada del caballero. Esta traslación pictórica de la historia de Boccaccio deriva de los mencionados círculos del neoplatonismo florentino, que defendieron el poder redentor de la belleza, sobre todo de la femenina, como símbolo de perfección y verdad.

La Fundación María José Jove ha anunciado la concesión de su IV Premio de investigación y ensayo sobre aplicaciones terapéuticas del arte a María Elisa González García, por su trabajo Proyecto Crepitantes: una práctica artística en torno a la fibrosis quística. Este galardón está dotado con 6.000 euros y la publicación de la obra, que en este caso explora cómo la creación en torno a la fibrosis quística puede visibilizar y valorar los relatos de colectivos afectados por esa enfermedad crónica. La investigación de González se centra en mejorar la experiencia de los pacientes y crear entornos comunitarios donde compartir saberes, analizando el impacto social e institucional de esas prácticas creativas.

Desarrollado desde la perspectiva personal de la autora, al tiempo paciente y artista, el proyecto ganador se basa en tres claves: la experiencia vivida, un marco crítico que integra disciplinas como el arte y la medicina, y el propio desarrollo del proyecto Crepitantes, que utiliza el humor y el color para representar la cotidianidad de esta dolencia. Valiéndose de medios como Instagram para conectar con otros pacientes, Crepitantes trata de mejorar la adherencia al tratamiento y reformular la relación con la patología, potenciando su conocimiento general. Además, propone González replicar este enfoque en otras afectaciones, incidiendo en cómo el arte puede ser una herramienta educativa en contextos sanitarios y una estrategia para sensibilizar a la sociedad en su conjunto. El objetivo último de esta propuesta es recalcar el impacto positivo de las prácticas artísticas en la experiencia del paciente, favoreciendo su identificación con la enfermedad y la inclusión de sus relatos en la historia contemporánea.

El jurado de la convocatoria ha valorado precisamente la capacidad de este estudio para ser adaptado y replicado en distintos contextos, junto a la calidad del material educativo generado. Además, consideró la creación de una comunidad en torno al proyecto, el uso de la práctica artística como testimonio de una patología y la profundidad en el análisis de las fuentes, la revisión crítica del concepto de patología gráfica y el enfoque cualitativo del ensayo. Dicho jurado ha estado presidido por Felipa Jove, presidenta de la Fundación María José Jove, y formado por María del Río Diéguez, doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid e investigadora en la Universidad Autónoma; Asun Pié Balaguer, doctora en Pedagogía por la Universidad de Barcelona y profesora en la Universitat Oberta de Catalunya (UOC); Pamela Reyes Herrera, psicóloga y doctora en Psicología por la Universidad del Salvador en Buenos Aires; y Susana González, directora del Centro de Arte Fundación María José Jove.

Elisa González García (Vigo, 1991) es artista, investigadora y activista. Se doctoró en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, donde ha trabajado como personal investigador en formación en el Departamento de Dibujo y Grabado de la Facultad de Bellas Artes (2019-2023). Asimismo, ha participado en el programa Transforma del Museo Reina Sofía (2016).

1.700 candidaturas, algo más de 1.500 de ellas en la categoría de Pintura y cerca del 45% correspondientes a mujeres artistas, han concurrido a la última edición del Premio BMW, a punto de cumplir cuatro décadas. La consolidación y el alcance internacional de esta convocatoria la subraya, además de su larga vida, el hecho de que sus participantes procedan de 39 nacionalidades.

El jurado de este año, cuyos miembros repiten por segundo certamen consecutivo, ha estado formado por el artista Antonio López; Miguel Zugaza, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao; Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, fundadora y presidenta de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo; Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid y Lucía Casani, directora de la Fundación Carasso.

La organización del galardón ha dado a conocer a los doce autores finalistas (algunos, artistas consolidados), de los que ocho competirán por el Premio BMW de Pintura y cuatro por el Premio BMW de Arte Digital.

En la primera categoría optan a premio Damaris Pan, por All monsters are Human II; Juan Fernández Álava, por BIG RITA; Amaya Suberviola, por ST24035; Víctor González, por Intro; Cecilia Sebastián de Erice Hünerberg, por Alfabeto en el espacio; Taxio Ardanaz, por Mendia eta Gaua/ Montaña y noche; Gabriela Bettini, por Cut Forest with an Old Fig Tree y Daniel de la Barra, por Design for a Tablecloth. El galardón en la segunda modalidad puede ser para Serafín Álvarez Prieto, por Spell; Manolo Bautista, por Behaviours; Fermín Sales Segarra, por El Maestrat Filmat; o Elisa Villota Sádaba, por The regal light.

El artista Pedro Torres, nacido en Brasil en 1982 y afincado en Barcelona, ha resultado ganador de la undécima edición del Premio Ankaria al Libro de Artista, convocado por la Fundación Ankaria, por su obra Roma, derivada de su experiencia paseando por la capital italiana durante su residencia en la Real Academia de España gracias a una beca de investigación y producción.

Se inspira este ejemplar en el suelo del casco histórico romano, formado por adoquines y también por muchos agujeros: Torres ha buscado trasladar esas dos formas (la retícula y el círculo) al formato del libro. Se ha valido para ello de papel milimetrado, en el que ha practicado agujeros, uno por hoja, coincidiendo con el número de días que permaneció en Roma.

En palabras del autor, los agujeros en el papel milimetrado se van enlazando unos con otros y dejan entrever la estructura estratigráfica del libro, que se remite a la de la propia ciudad. Roma son muchas capas de materia y de tiempo. Esta artista ha centrado su obra en el concepto de tiempo, explorando diferentes aspectos del mismo desde perspectivas científicas y filosóficas.

El segundo premio ha sido para Pedro Luis Cembranos (Madrid, 1973) por Páginas amarillas. Se ha valido de la célebre guía telefónica que circuló en España entre 1967 y 2021, y que llegó a contener referencias de 300.000 comercios, con una tirada de 17 millones de ejemplares; con ella ideó un soporte escultórico inspirado por la estatuaria romana clásica. El proceso de creación de su pieza surgió de la formación de un bloque de papel compuesto por esas guías, cuyas hojas fueron pegadas una a una, y de su posterior torneado, pulido y lacado. Para la realización de esta obra, el artista empleó también el alabastro.

Por último, el Premio Javier Rosón, que reconoce trabajos de creadores menores de 28 años, recae en Alejandra Espinosa (San Sebastián, 2002) por Ma mère et moi, un falso álbum familiar en el que explora la relación entre una madre y su hija a lo largo de los años. La producción parte de imágenes de un conjunto familiar anónimo, encontrado por Espinosa en la calle. A través de la reinterpretación y la recolocación de estas fotografías, y jugando con transparencias y superposiciones, ha dado lugar a una nueva narración que gira en torno a ese lazo maternofilial, enmarcado en la ficción del desconocimiento.

Tras graduarse en Bellas Artes por la Complutense de Madrid, esta artista cursa actualmente el primer año de Máster, con la intención de continuar su carrera académica y artística en el campo de la investigación y la creación en arte contemporáneo.

Concurrían al Premio Ankaria al Libro de Artista 181 obras de otros tantos creadores procedentes de más de veinticinco países. El certamen está dotado con 3.000 euros para la primera obra seleccionada, 1.500 para la segunda y 1.000 euros para el ganador del Premio Javier Rosón. A estas dotaciones se suma la inclusión de las piezas escogidas en la exposición itinerante “La Palabra Pintada”.

En las diez ediciones anteriores fueron galardonados Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016) y Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018), Ana Soler (2019), Carlos Irijalba (2020), Rosa Velasco (2021), Ignasi Aballí (2022) y Manu Blázquez (2023). El jurado este año lo componían el presidente de la Fundación Ankaria, Ricardo Martí Fluxá; los patronos de la institución Saleta Rosón, Jaime Mairata y José María Luna; y Manu Blázquez, primer premio en la edición del Premio Ankaria de 2023.

El Ministerio de Cultura ha anunciado hoy su adquisición, por oferta de venta directa y para la colección del Museo Nacional del Prado, de la obra La procesión de gigantes en Bruselas el 31 de mayo de 1615, del pintor de Bruselas David Noveliers, por algo más de medio millón de euros. Se trata de un óleo sobre lienzo a cuyo interés artístico se suma el antropológico y el histórico, dado que fue un encargo de los archiduques Alberto de Austria e Isabel Clara Eugenia, importantes mecenas en Centroeuropa a principios del siglo XVII.

La pintura, fechada en 1616 y de gran formato (118 x 237 centímetros), forma parte de un conjunto de ocho cuadros que representan las celebraciones organizadas en 1615 en la actual capital belga con motivo de la procesión de Nuestra Señora del Sablón, fundada por el Grand Serment, el gremio de los ballesteros, una de las corporaciones más prestigiosas de la ciudad.

La serie al completo fue enviada a España por los archiduques al rey Felipe III, hermano de la infanta, y sus escenas aparecen descritas en el inventario del Alcázar de Madrid de 1636. Sobre esta de Noveliers, se dice: El cuarto, de doce pies de largo y el mismo alto (que el cuadro anterior), en que están los cuatro gigantones y cuatro gigantillos que sacaron en esta fiesta, y hay una figura de un caballo muy grande encubertado de negro y encima cuatro hombres armados con sus espadas desnudas y en la ducha cubierta tres escudos de armas.

De las ocho obras que conformaban este proyecto, se conservan seis: dos en el Victoria and Albert Museum de Londres y, con esta nueva incorporación, cuatro en el Prado. Las otras tres son Fiestas del Ommegang en Bruselas: procesión de gremios; Fiestas del Ommegang en Bruselas: procesión de Nuestra Señora de Sablón; y Fiesta de Nuestra Señora del Bosque, todas ellas a cargo de Denis van Alsloot. De esta última, la Galería de Colecciones Reales conserva una importante copia.

Estas festividades, populares y religiosas, que se organizaban en torno a la procesión de Nuestra Señora del Sablón en Bruselas habían ido perdiendo relevancia desde su auge en el siglo XVI, pero el 15 de mayo de 1615, quien fuera hija de Felipe II y gobernadora de los Países Bajos meridionales, como princesa soberana junto a su esposo, participó en el campeonato anual de tiro enmarcado en ellas. Se sabe que la infanta pudo abatir el pájaro (“el papagayo”) dispuesto sobre la aguja de la torre de Nuestra Señora de Sablón, razón por la que fue proclamada reina de la cofradía y las fiestas se sucedieron varios días, regresando para ellas el esplendor que se daba por perdido.

Estas festividades supusieron una oportunidad para que los archiduques reafirmaran su soberanía en los Países Bajos y los lazos que les unían al pueblo; asimismo, reforzarían la presencia de la monarquía española en este territorio. Para que quedara constancia de lo acaecido encargaron los ocho cuadros a varios de sus pintores de corte, entre ellos, Denijs van Alsloot -este es su trabajo fundamental- y Noveliers. Como dijimos, una vez acabadas, los archiduques enviaron las pinturas a Felipe III y pasaron a formar parte de la colección real, colgándose en el Alcázar de Madrid hasta su dispersión a finales del siglo XVII.

Los lienzos juntos suman de 20 a 25 metros de largo, presentan más de 10.000 figuras e ilustran el paso de las corporaciones de los distintos oficios, las guildas, los estamentos militares, los patricios, las órdenes religiosas, el clero y la corte.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy la concesión a Francesc Torres del Premio Velázquez de Artes Plásticas 2024, a propuesta de un jurado presidido por Isaac Sastre de Diego, aún director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes (pronto será sustituido por Ángeles Albert), y formado por Marisa González, ganadora del galardón en 2023; María Concepción Gay González, artista y vicepresidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España; Rosa Brun, artista, catedrática de Pintura de la Universidad de Granada y académica de la Real de Bellas Artes de San Fernando; Martí Manen, director de Index-The Swedish Contermporary Art Foundation; José Luis Pérez Pont, director artístico de la candidatura de Las Palmas de Gran Canaria a Capital Europea de la Cultura 2031; Isabel Tejeda, catedrática de Bellas Artes de la Universidad de Murcia; Cristina de Middel, fotógrafa y presidenta de Magnum Photos; y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía.

Este premio está dotado con 100.000 euros y Torres lo recibe por “su trayectoria artística con un trabajo interdisciplinar y precursor del arte conceptual que abarca diversos medios, como la escultura, la instalación, el videoarte y la fotografía”. El jurado encuentra en sus proyectos “una reflexión profunda sobre el contexto social y político. A lo largo de su carrera, de proyección internacional, Torres ha abordado temas esenciales en nuestro tiempo como la guerra, la identidad, la memoria histórica y el impacto de los medios de comunicación en la percepción del mundo, explorando las intersecciones entre arte y política”. También se ha señalado “su compromiso con la enseñanza, habiendo sido profesor en diversas instituciones académicas y contribuyendo al desarrollo de nuevas generaciones de artistas”.

Nacido en 1948 en Barcelona, Torres trabajó como aprendiz en el taller de impresión de su padre y se formó como artista gráfico. Continuó sus estudios en la École des Beaux Arts de París en 1967 y se convirtió en asistente de Piotr Kowalski, época en la que comenzó a dar forma a su obra de línea industrial, que seguiría las estrategias formales y materiales del minimalismo. Desde mayo del 68 cambió el rumbo de su actividad y elaboró carteles para movimientos de obreros y estudiantes; su ingreso, dos años más tarde, en el servicio militar entonces obligatorio le ofrecería una fuente de información sobre los comportamientos castrenses que emplearía en su obra posterior. Más tarde se trasladó a Chicago, y después a Nueva York, donde residió hasta 2001.

Ha protagonizado exposiciones relevantes en el Illinois Center (Chicago), el Whitney Museum of American Art (Nueva York) o Los Angeles Institute of Contemporary Art, el Museo Reina Sofía, el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) y la Fundació Antoni Tàpies (Barcelona).

En aquel 2001 se trasladó a la capital catalana y, desde entonces, sus creaciones se han podido ver en muestras en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA); Artium Museoa (Vitoria) o el Museo Guggenheim Bilbao.

El Ministerio de Cultura ha concedido el Premio Nacional de Artes Plásticas 2024 a Pedro G. Romero “por una trayectoria consolidada cuya obra artística, intelectual y material abarca múltiples campos de sentido y formatos aparentemente opuestos (escultura, cine, producciones archivísticas, performances, etc.), integrando las prácticas curatoriales y de investigación en su quehacer artístico”.

Dotado con 30.000 euros, este galardón reconoce que el onubense “logra atender, rescatar y reinsertar en nuestra esfera pública la cultura popular en sus expresiones más ingobernables, investigando de manera genealógica las manifestaciones estéticas y simbólicas de aquellas comunidades a las que se les hurtó o no se les reconoció un espacio de representación. Sus metodologías han abierto nuevos campos en las prácticas artísticas más allá de la crítica institucional”.

Por su parte, Jorge Ribalta ha obtenido el Premio Nacional de Fotografía, en su caso, por “su contribución a la revisión de la fotografía documental y su historiografía desde la práctica artística, la investigación y el pensamiento, así como el asentamiento de una consideración del hecho fotográfico a partir de su historia política, estableciendo el vínculo de la fotografía con los movimientos obreros, la cultura del trabajo y la perspectiva de clase”.