Tras “Rostros del Turuñuelo. Los relieves de Casas del Turuñuelo, Guareña, Badajoz“, la muestra de gabinete que inauguró la Sala de Novedades Arqueológicas del Museo Arqueológico Nacional, este mismo espacio exhibe recientes hallazgos de la arqueología extremeña, un territorio que está siendo objeto en los últimos años de descubrimientos de gran interés e importancia.

Con la piedra como hilo conductor del montaje -el mismo soporte que los relieves del Turuñuelo- esta nueva presentación reúne, hasta el 20 de abril, cinco piezas fechadas desde el periodo calcolítico hasta la cultura visigoda.

La visita comienza con la estela diademada de Alcántara (Cáceres), que se remonta a la Edad del Cobre, para continuar con otro ejemplar de la misma tipología, pero del Bronce Final: la estela de Navalvillar de Pela (Badajoz). A la Edad del Hierro pertenece uno de los dos verracos encontrados en el embalse de Valdecañas de El Gordo (Cáceres), mientras que la presencia romana queda representada por el relieve de cabeza de grifo procedente del Pórtico del Foro de Augusta Emerita (Mérida, Badajoz), un ejemplar único en nuestro país. Por último, veremos un relieve visigodo de Finca Benavides, en Olivenza (Badajoz), cuya iconografía conjuga elementos vegetales y aves.

Desde hoy y hasta 2026, forma parte del discurso expositivo del Museo del Prado y de sus colecciones de Rubens El martirio de San Andrés de este artista, perteneciente a los fondos de la Fundación Carlos de Amberes. Puede contemplarse en la sala 16 B del edificio Villanueva mientras tienen lugar las obras de rehabilitación arquitectónica de la sede de esta última institución, privada, sin ánimo de lucro y dedicada al fortalecimiento y divulgación de la cultura y los valores europeos.

Fue un agente en Madrid de la Imprenta Plantiniana de Amberes, llamado Jan van Vucht, quien encargó al pintor flamenco este lienzo con el fin de que decorase el altar mayor de la iglesia del Real Hospital de San Andrés de los Flamencos, donde se dispondría en 1639. Se trata de una obra correspondiente a la última etapa de la producción del de Siegen, que lo llevó a cabo en los mismos años en los que se empleaba en el proyecto de la Torre de la Parada por demanda real. Aquel hospital fue fundado en la calle de San Marcos de la capital en 1606, cumpliendo la voluntad del ya difunto Carlos de Amberes de dar en él cobijo a los pobres y peregrinos que procediesen de las diecisiete provincias de los Países Bajos; en 1621 se le dotó de una nueva iglesia, coincidiendo con la reversión de la soberanía de esas provincias al rey Felipe IV. Es probable que la comisión de esta composición guardara relación con el propósito de atraer a este templo la festividad de San Andrés, que se celebraba habitualmente en la Real Capilla de los Austrias y estaba ligada a la orden del Toisón de Oro, por ser patrono de la Casa de Borgoña y los estados de Flandes.

Representó en esta tela Rubens un fragmento del martirio de San Andrés que se describe en La leyenda dorada de Jacopo de la Vorágine: ¿A qué vienes? Si es para pedir perdón, lo obtendrás; pero si es para desatarme y dejarme libre, no te molestes; ya es tarde. Yo no bajaré vivo de aquí, ya veo a mi Rey que me está esperando. Pese a esto los verdugos, por orden de Egeas, intentaron desatarle; pero no pudieron conseguirlo, más aún, cuantos osaron tocar las cuerdas quedaron repentinamente paralizados de manos y brazos. En vista de ello, algunos de los que estaban de parte del apóstol decidieron desatarlo por sí mismos, mas Andrés se lo prohibió y los invitó a que escucharan atentamente esta oración que pronunció desde la Cruz: ¡No permitas, Señor, que me bajen vivo de aquí. Ya es hora de que mi cuerpo sea entregado a la tierra! Al término de sus palabras el crucificado quedó durante media hora envuelto por una luz misteriosa venida del cielo, que ofuscaba la vista de los presentes y les impedía fijar los ojos en él.

Si La leyenda dorada es la fuente de su tema, el esquema compositivo deriva de la versión realizada por Otto Vennius para la iglesia de San Andrés de Amberes, que se conserva en un dibujo preparatorio en el Museo Boijmans van Beunigen de Rotterdam. Cuenta asimismo este Martirio con el marco original de los ebanistas Abraham Lers y Julien Beymar, criados de Felipe IV.

La Fundación ARCO y el Museo Meadows de Dallas (Texas) han anunciado que el artista sevillano Rubén Guerrero protagonizará la tercera edición del programa Meadows/ARCO Artist Spotlight, exponiendo, por tanto, en ese centro estadounidense en la primavera de 2026 y formando parte de la programación educativa que ponen en marcha conjuntamente el Museo y la Universidad Metodista del Sur (SMU). En las dos primeras ediciones, los seleccionados fueron Ignasi Aballí (2021) y Teresa Lanceta (2023). El propósito de esta iniciativa es fomentar el diálogo y las conexiones entre España y Estados Unidos a través de las artes en general y del arte contemporáneo en particular.

Rubén Guerrero (Utrera, 1976) trabaja desde hace más de 15 años con la Galería Luis Adelantado, de Valencia, y su obra forma parte de las colecciones del Related Group Collection (Miami), Sammlung Friedrichs (Bonn), la Fundació Sorigué, el Banco Sabadell, Domus Artium, DKV o la Fundación “la Caixa”.

Su producción, que aborda los límites del lienzo y la bidimensionalidad, apenas encaja dentro de las categorías tradicionales al evocar estructuras fragmentadas; próximamente podrá verse en el Centro José Guerrero de Granada.

El Museo del Prado ha presentado esta semana los frutos de la restauración del retrato de Isabel de Borbón a caballo, de Velázquez, llevada a cabo con el patrocinio de Iberdrola y enmarcada en su proyecto de restauración y acondicionamiento del conjunto de retratos ecuestres del pintor sevillano.

La intervención sobre la obra ha corrido a cargo de María Álvarez Garcillán y se ha basado en la retirada de la acumulación de suciedad y la modificación de las alteraciones del barniz que habían transformado las tonalidades y sus relaciones, amortiguando los contrastes y generando un “velo” que reducía la percepción de los planos espaciales. Además, hacia 1634-1635, el propio artista había añadido y pintado anchas bandas laterales a izquierda y derecha del cuadro para adecuar su tamaño al espacio en el que sería colgado; esas bandas laterales se habían decolorado a consecuencia de su evolución material, distinta a la del formato original, y una serie de repintes y estucos en mal estado cubrían daños puntuales.

La restauración también se ha ejecutado sobre esas áreas, por lo que podemos valorar mejor ahora los volúmenes y la profundidad de la composición, mientras los colores ofrecen de nuevo su brillo y transparencias primeras.

Esta imagen forma parte de la serie de retratos que llevó a cabo Velázquez para los testeros del Salón de Reinos, con trabajos que debían representar la continuidad de la monarquía y su dinastía. Al sureste de la estancia, a ambos lados del trono, se situaron los retratos de Felipe III y Margarita de Austria, padres del rey, y enfrente, orientados hacia el noroeste, los de Felipe IV, Isabel de Francia (de Borbón) y el Príncipe Baltasar Carlos. Completaban el conjunto pictórico del Salón la serie de Batallas (una docena de obras relativas a las victorias ganadas por España durante el reinado de Felipe IV) y la serie sobre los trabajos de Hércules (una decena de lienzos de Zurbarán planteados como exaltación de la virtud y la fortaleza de ese monarca). También se hacía alusión a la grandeza del Reino con los escudos de los 24 reinos de la monarquía, que se pintaron en la parte superior de los muros.

Este programa iconográfico respondía a un plan general decorativo en el que se habían calculado meticulosamente los formatos de cada obra y también su emplazamiento, pero en la serie de retratos, el tamaño de cada pintura no coincidía exactamente con la ubicación de las puertas de acceso al salón ni con el espacio destinado al trono, por lo que su ubicación tuvo que avanzar aproximadamente un metro más hacia los lados.

Ese cambio conllevó modificaciones en cadena: los retratos de Felipe IV e Isabel de Borbón tuvieron que ser ampliados más de 60 centímetros de ancho, añadiendo bandas laterales de más 30 centímetros cada una. Al invadir esa ampliación el hueco de las portezuelas laterales, se recortó y pegó la parte de lienzo que ocupaba este espacio a la propia puerta; así, si esta estaba cerrada casi no se notaba el corte, pero si se abría, la puerta giraba con el fragmento de cuadro adherido a ella.

Los lienzos fueron reentelados, en todo caso, cuando se trasladaron al Palacio Nuevo (actual Palacio Real) hacia 1762, recuperando su forma original. Los añadidos se mantuvieron y se cosieron los fragmentos adheridos a la puerta.

Y el retrato ecuestre de Isabel de Borbón puede volver a contemplarse ya en la sala 12 de la pinacoteca, junto al resto de retratos reales velazqueños.

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo ESTAMPA, que cumplirá treinta y tres ediciones el próximo octubre en IFEMA MADRID, contará con la argentina Liliana Porter como artista invitada, y de ella podremos ver un proyecto específicamente creado para esta cita.

Porter, que reside en Nueva York desde los sesenta, ha desarrollado su carrera en una gran variedad de medios, como el grabado, la pintura, el dibujo, la fotografía, el vídeo, la instalación, el teatro y el arte público. Se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en la Universidad Iberoamericana de Ciudad de Méjico para, a continuación, trasladarse a Estados Unidos, donde fundó el colectivo The New York Graphic Workshop (1964-1970) junto a Luis Camnitzer y José Guillermo Castillo. Los tres se embarcaron en un proceso de reformulación y cuestionamiento de las técnicas y conceptos tradicionales del arte gráfico, un periodo que ha determinado el trabajo de la artista hasta la actualidad.

Porter investiga en sus creaciones la potencia performativa del gesto, la formulación primera de la geometría, el carácter circular del tiempo y las consecuencias del caos en las vivencias del individuo ante las convenciones sociales y la naturaleza, desde el deseo de interpelar al espectador como protagonista de su mundo cotidiano. La huella que deja un movimiento al producirse ha sido el punto de partida de la artista a la hora de jugar con los significados que desprenden los materiales, el valor poético de la acción sencilla y su potencial teatral. Los personajes que aparecen en sus propuestas son dirigidos por la argentina como si se tratara de actores de un reparto en una película; a través de ellos, nos cuenta historias que indagan en la relación, a veces no evidente, entre la realidad y la ficción, las paradojas del transcurrir del tiempo y las exigencias de los valores humanistas.

Defiende Porter que el mundo, el relato de la historia y de nuestro tiempo, necesita ser narrado desde enfoques alternativos que quiebren los órdenes establecidos, por eso busca, sea cual sea la disciplina que maneje, romper y desordenar situaciones y comportamientos dados, proponer formas nuevas de entender el tiempo y el espacio y construir lenguajes que puedan responder desde la flexibilidad a entornos cambiantes. Recalca que sus objetos son lo que materialmente vemos, pero también la memoria que albergan, la idea que de ellos tenemos quienes los contemplamos y sus implicaciones emocionales; todo tiene para esta autora, que se define a sí misma como postconceptual, una vertiente real y otra virtual, y a ella le interesa, más bien, profundizar en la segunda.

La galería madrileña Espacio Mínimo representa a la artista en Madrid y hace solo unos meses le dedicó la exhibición “Otros cuentos inconclusos“; además, en 2023 la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre – Real Casa de la Moneda le concedió el Premio Tomás Francisco Prieto de Medallística.

ESTAMPA se celebrará del 9 al 12 de octubre de 2025, desplegando nuevas secciones y programas de galerías.

La artista sevillana Inmaculada Salinas, representada por la Galería Rafael Ortiz, recibirá el II Premio ENATE-ARCOmadrid 2025, según ha decidido un jurado compuesto por Luis Nozaleda, director general de ENATE; Tania Pardo, directora del Centro de Arte Dos de Mayo; y Candela Álvarez Soldevilla, coleccionista. Su obra ganadora se llama Pepita y está fechada este mismo año.

Se trata de un dibujo inspirado en la semilla de la uva con el que esta autora quería reflexionar sobre los sistemas de poder y lo que para ellos pasa desapercibido: es habitual que se valga Salinas de diferentes gamas cromáticas para, en sus trabajos sobre papel, esbozar cuestiones relativas a la representación del tiempo o la historia.

Pepita es además, para ella, una palabra llena de significado: Puede ser un nombre propio, una pieza de oro que nunca es del todo pura o, como dice el dicho, la libertad de hablar sin trabas; pero le ha interesado su sentido de semilla (simiente, grano, semen, pipa, pipo, grana, pepa, origen, causa, germen, raíz, principio, fuente, génesis). La relaciona con el vino, que, de nuevo en sus palabras, no se feminiza por el recipiente que lo contiene, sino que es la dulce embriaguez, el placer de compartir y, sobre todo, la semilla hecha fruto, que invita a dar forma a lo que queremos ser en cada instante.

Este galardón está dotado con 5.000 euros y la obra pasará a formar parte de la colección ENATE. Será presentada en su espacio en el Guest Lounge de ARCOmadrid 2025; además, esta pieza se convertirá en etiqueta de una botella edición especial, limitada y coleccionable de 1.000 ejemplares numerados.

El premio se entregará el próximo día 6 de marzo, en el espacio de la bodega en el Guest Lounge de ARCOmadrid 2025.

La vitalidad activa de los mercados de venta ambulante de Zimbabue, donde casi todo se puede adquirir, inspira la producción de Gareth Nyandoro. En la Galería Nieves Fernández presenta, hasta el 11 de abril de 2025, la exposición “Townshop/ Township”, que plantea cómo esas formas de comercio suponen una corriente familiar en las economías en desarrollo, un intento de supervivencia general que los migrantes en Europa mantienen en nuestro continente.

Las piezas de la muestra están elaboradas con madera, restos de metal y plásticos, adornados con baratijas diversas, organizados de manera atractiva y completados con sonidos con megáfonos pregrabados que imitan los pregones de los vendedores que ofertan sus productos en Bhobho/Gazebo Township. Entre el caos y el orden sitúa la escultura, la actuación y el arte sonoro.

La última parada de la itinerancia española del proyecto “La España oculta” de Cristina García Rodero, que comenzó en mayo de 2024, es el Museo de Arte Abstracto de la Fundación Juan March en Cuenca (más tarde podrá contemplarse, con esta institución, en Palma de Mallorca y en el IVAM de Valencia).

Quien fue Premio Nacional de Fotografía en 1996, y primera española miembro de la agencia Magnum, recorrió miles de kilómetros de nuestro país en busca de imágenes y personajes que revelaran un tiempo y una cultura: fiestas, ceremonias, ritos, tradiciones y formas de vida asociados a nuestro medio rural. El fruto de aquel proyecto fue España oculta (1989), un libro esencial de la fotografía española en el último medio siglo.

La primera exposición de la madrileña Galería Cayón en 2025, año en que celebra su vigésimo aniversario, está dedicada a Esteban Vicente; es su primera muestra individual en este espacio, aunque ya hemos podido contemplar aquí su trabajo junto a los de Ràfols Casamada, Rodríguez Acosta y José Guerrero.

Está centrada en sus collages: podemos ver una veintena, fechados entre 1962 y 1988. Ese género se considera su gran aportación al panorama creativo estadounidense de los cincuenta y los sesenta; él lo concebía como otro modo de pintar, más que como un medio limitado y disgregado de la pintura.

En la próxima primavera, una gasolinera de los años cincuenta en el barrio berlinés de Schöneberg se transformará en un nuevo espacio galerístico, con oficinas y salas de exposición para la Galería Pace y la Galerie Judin, así como con una cafetería y una librería adyacentes dirigidas por el grupo editorial Die ZEIT. El edificio se abrirá al público el 1 de mayo, de la mano de una exposición colectiva presentada conjuntamente por ambas firmas.

La antigua gasolinera que albergará este centro cultural, construida originalmente en 1954 durante la reconstrucción de posguerra en Berlín Occidental, fue abandonada en 1986 y, tras dos décadas en ese estado, se sometió a una renovación supervisada por Thomas Brakel y bfs design bajo la dirección de Juerg Judin, en 2005. Esa restauración mantuvo elementos modernistas distintivos de la estructura, incluido el dosel rojo, la puerta del garaje y el antiguo espacio de ventas, al tiempo que agregó una biblioteca, un ala adicional para exhibir arte y un jardín a cargo del arquitecto paisajista Guido Hager. La remodelación se completó en 2008 y en 2009 recibió el prestigioso galardón Architekturpreis Berlin. En los años transcurridos desde esa intervención, esta construcción (que albergó el Museo Das Kleine Grosz, dedicado a la obra de George Grosz, entre 2022 y 2024) se ha convertido en un hito en la capital alemana, por su conjunción de arquitectura histórica y diseño contemporáneo.

La muestra inaugural en el nuevo espacio de exposiciones será presentada conjuntamente por Pace y Galerie Judin; tras ella, las dos galerías organizarán sus propias presentaciones autónomas durante todo el año.

Pace, que cuenta con ocho sedes internacionales, abrió una oficina en Berlín en 2023, dirigida por la directora sénior Laura Attanasio, para centrarse en apoyar proyectos institucionales para sus artistas y profundizar en las conexiones con coleccionistas y comunidades artísticas en las regiones de habla alemana. Desde entonces ha ampliado sus actividades en la ciudad, ofreciendo la primera exposición de Maysha Mohamedi en Alemania, mostrando obras de Qiu Xiaofei en la edición inaugural de Suite Berlin y facilitando la donación de Goldelse (2021), de Alicja Kwade, al jardín de esculturas de la Neue Nationalgalerie.

Rosana Antolí, Inma Femenía, Ferrer i Martorell, Silvia Lerín, Solimán López, Moisés Mañas, María José Marco, Nico Munuera, Juan Carlos Nadal, Felipe Pantone, Soledad Sevilla, Jordi Teixidor, Rubén Tortosa, Keke Vilabelda, Nelo Vinuesa o José María Yturralde son algunos de los artistas presentes en la exposición “DECONSTRUYENDO LA ABSTRACCIÓN. Pintura Valenciana (1970-2024)”, que puede visitarse en el Centre del Carme hasta el próximo 23 de marzo.

Bajo el comisariado de Felisa Martínez Andrés, repasa la transformación de la pintura por autores de esa región haciendo hincapié en el modo en que las recientes tecnologías pueden, además de facilitar ciertas creaciones artísticas, reconfigurar nuestra percepción de las mismas.

La Sala de Exposiciones de la Pasión de Valladolid acoge, hasta el 9 de marzo de 2025, la muestra “Manuel Padorno: poeta, pintor, nómada”, que aborda las diversas facetas de actividad de este creador canario: fue artista, escritor y editor. Se han reunido un centenar de lienzos, muchos inéditos; obras sobre papel, fotografías y ediciones.

Contemplaremos sus series pictóricas Nómada urbano y Nómada marítimo, series de trabajos en papel representativas de su evolución entre los sesenta y los noventa, una veintena de libros de poesía y más de diez catálogos pictóricos. También han recalado en Valladolid un ejemplar de la revista Syntaxis con portada de Padorno y otro de la revista Astil, con dibujo de Manolo Millares y poema de Padorno, así como una colección de instantáneas ligadas a su vida familiar.

Hasta el próximo mayo, la Tate Britain de Londres acoge “The 80s: Photographing Britain”, una muestra que rastrea el trabajo de fotógrafos, colectivos y publicaciones en Gran Bretaña durante la era Thatcher, con el telón de fondo de los levantamientos raciales, las huelgas mineras, la pandemia del sida y la gentrificación.

En aquella época, la fotografía se empleaba como herramienta para el cambio social, el activismo político y los experimentos creativos, y en esta exhibición se ha dado protagonismo a los autores queer, la diáspora del sur de Asia y la representación de las mujeres en esta disciplina.

La Galería de Colecciones Reales ha anunciado que, dada la buena acogida del público a su muestra “Sorolla, cien años de modernidad“, su presentación se prorrogará hasta el 20 de abril; estaba prevista su clausura a mediados de febrero. Más de 80.000 personas han acudido, desde octubre, a la exhibición que pone fin a las celebraciones del Centenario Sorolla y cuya apertura coincidió, además, con el cierre del museo madrileño del artista por obras de remodelación.

Esta exposición, organizada por Patrimonio Nacional y Light Art Exhibitions en colaboración con el propio Museo Sorolla y su Fundación, consta de 77 obras significativas de todas las etapas del valenciano y de los principales temas por los que se interesó. Está comisariada por Blanca Pons-Sorolla, bisnieta de Sorolla y experta en su obra; Consuelo Luca de Tena, exdirectora del Museo Sorolla; y Enrique Varela Agüí, su director actual.

Con motivo de de esta prórroga, algunas piezas se incorporan al recorrido: Comida en la barca, datada en la década de 1890 y llegada de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; y dos obras realizadas por Sorolla en la playa de Valencia durante el verano de 1916, procedentes ambas de colecciones privadas y pocas veces expuestas.

Uno de los mayores atractivos de esta antología es, en todo caso, Boulevard de París, pintura que se daba por perdida desde que se mostró en la Exposición Nacional y se vendiese en 1890 y que ha podido recuperarse para esta ocasión. Asimismo, se exhibe por primera vez desde la muerte del artista La Giralda, Sevilla (1908) y pueden contemplarse, por primera vez en España, Retrato de la tiple mexicana Esperanza Iris (1920), Arco y puerta de Santa María, Burgos (1910), Niños bañándose o Sol de la tarde, Valencia (1909) y Barcas en Jávea (1905). En Madrid se estrenan Sierra Nevada desde el cementerio, Granada (1909), Antes del baño. Valencia (1909) y Lucrecia Arana (1920).

El Museo Carmen Thyssen Málaga ha decidido prorrogar, hasta el 6 de abril de este año, su muestra temporal “Sorolla en Andalucía“, después de que sus visitas hayan superado las 50.000 desde su apertura el 15 de noviembre de 2024, hace dos meses y medio.

La exhibición, que inicialmente se clausuraría el 9 de febrero, está comisariada por el director del Museo Sorolla madrileño, Enrique Varela Agüí, y forma parte de la programación oficial de la conmemoración del centenario del artista valenciano.

“Sorolla en Andalucía” puede verse en la segunda planta de la Colección Permanente y cuenta con catorce obras que buscan reflejar la fascinación de este autor por Andalucía, llevada al lienzo en sus viajes por diferentes regiones y ciudades, que repitió con frecuencia entre 1902 y 1919. Se han recogido ejemplos de sus estancias en Málaga, Granada, Córdoba, Sevilla y Jerez.

Esta es la primera muestra temporal que puede recorrerse en las salas de la Colección Permanente, en concreto en la sala “Fin de Siglo”, entablando un diálogo con las piezas coetáneas allí expuestas.

Andrés Úbeda de los Cobos, durante los últimos ocho años director adjunto de Conservación e Investigación del Museo del Prado y, desde este mes, su jefe de pintura del siglo XVIII y Goya, ha realizado un llamamiento importante, en el perfil en Instagram de esta institución, de cara a la próxima muestra que el Prado dedicará a Anton Raphael Mengs a partir de noviembre y que él comisariará, junto a Javier Jordán de Urríes.

En español e italiano, Úbeda de los Cobos ha explicado su voluntad de incorporar al recorrido de la exposición una pintura de Mengs dedicada a Santa Cecilia (en imagen), cuya pista se perdió en 2001. Ese año, esta composición formó parte de una exhibición que pudo visitarse en Padua y Dresde, “Mengs. La scoperta del Neoclassico”, pero desde entonces se desconoce su paradero. En aquel momento pertenecía a un coleccionista radicado en Roma, pero ese último propietario conocido falleció y, según ha explicado el comisario, no ha sido posible localizar a sus herederos, que ya no residen en el domicilio de aquel, o a otros potenciales dueños actuales de esta Santa Cecilia, dado que podría haber sido objeto de una venta privada.

Úbeda ha reconocido lo poco habitual del procedimiento de demandar colaboración a través de las redes sociales para hallar obras en estas circunstancias, pero ha expresado su confianza en que quienes hoy poseen esta Santa Cecilia, datada hacia 1760, mostrarían probablemente su satisfacción por su préstamo al Prado y ha solicitado a quienes puedan aportar información que se pongan en contacto con el Museo.

La antología del pintor neoclásico que el Prado prepara será la más importante de Mengs hasta la fecha y contará con 150 piezas, la mayoría procedentes del mismo Museo y de Patrimonio Nacional, pero también de fondos internacionales. Podrán verse acuarelas, pasteles, dibujos, óleos y el fresco Júpiter y Ganimedes, además de esculturas, medallas y manuscritos, con el fin de examinar sus fuentes de influencia, entre ellas Rafael, Correggio y Pompeo Batoni.

La Fundación ARCO, dependiente de IFEMA MADRID, ha concedido sus Premios “A” al Coleccionismo 2025, galardones que cumplen veintinueve ediciones, a Patricia Phelps de Cisneros (Premio “A” Honorífico por su apoyo al arte), la Fundació Sorigué (Premio “A” Colección Corporativa), la Colección Juan Carlos Maldonado (Premio “A” al Coleccionismo Internacional), Fernando Arriola y Yolanda Zugaza (Premio “A” al Coleccionismo en España) y Álex Ruas Wege (Premio “A” Colección Joven Internacional).

El fin de estos premios es reconocer el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones y su apoyo a la difusión del arte contemporáneo, y el acto de entrega se celebrará el 4 de marzo en el Círculo de Bellas Artes, antes de la tradicional cena que la Fundación convoca para recaudar fondos para la adquisición de obras en la feria, destinadas a completar su acervo, custodiado por el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles.

La Colección Patricia Phelps de Cisneros, que comenzó a gestarse en los setenta, se centra en América Latina y el Caribe, y cuenta con sedes en Caracas y Nueva York. Se estructura en cinco áreas: la abstracción geométrica latinoamericana del siglo XX; la Colección Orinoco, ligada al Amazonas venezolano; el paisaje latinoamericano entre los siglos XVII y XIX; el arte colonial de Venezuela y el Caribe; y obras contemporáneas de artistas latinoamericanos y caribeños.

Dicha Colección ha efectuado donaciones a más de veinte museos americanos y europeos y ha establecido alianzas estratégicas con universidades y centros culturales, fortaleciendo la investigación sobre arte latinoamericano. En España, Phelps de Cisneros es miembro fundador de los Amigos Internacionales del Museo del Prado y de la Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, e impulsó la creación de la Fundación Museo Reina Sofía, en la que ejerció como patrona fundadora.

En cuanto a la Fundació Sorigué, fue creada en 1992 por Julio Sorigué y Josefina Blasco para canalizar el compromiso social, cultural y educativo de su grupo empresarial. Su colección comenzó en el año 2000 con la donación de pinturas noucentistas por parte de sus fundadores; en este cuarto de siglo, bajo la dirección de Ana Vallés, se ha ampliado a más de 450 piezas que estudian el concepto de ser humano, tanto de autores consagrados (Anselm Kiefer, William Kentridge y Bill Viola) como emergentes.

Hace doce años la Fundación emprendió el proyecto PLANTA, que integra en un entorno industrial ilerdense arte, arquitectura, conocimiento y paisaje.

Venezolano como Phelps de Cisneros, Juan Carlos Maldonado es empresario, especializado en seguros, banca y salud, además de un referente en el coleccionismo de abstracción geométrica. Su fondo, iniciado en 2005, incluye además creación contemporánea, indígena ye’kwana de Venezuela y precolombina del Perú. Posee piezas de Lygia Clark, Joaquín Torres García, Jesús Rafael Soto, Josef Albers, Leon Polk Smith o Max Bill.

En 2016 estableció su colección en Miami, donde inauguró una sede en el Design District que ha organizado exposiciones y editado publicaciones que promueven el estudio y la difusión del arte abstracto geométrico en un contexto universal. Maldonado forma parte, igualmente, del Consejo Internacional del Museo Reina Sofía en Madrid y del Consejo Asesor de Adquisiciones del Instituto de Arte Contemporáneo de Miami.

Respecto a la Colección de Arte Contemporáneo Alkar Contemporary Collection ACC Bilbao, fundada hace dos décadas por Fernando Arriola y Yolanda Zugaza, cuenta con 450 obras de 210 artistas internacionales y emergentes, en pintura, escultura, fotografía, instalación y vídeo.

En sus primeros años, sus adquisiciones se centraron en artistas locales (Ignacio García Ergüin, Txomin Badiola y Eduardo Chillida), para paulatinamente ampliar su enfoque hacia otros autores nacionales, como Miquel Barceló, Luis Gordillo y Antonio Saura, e internacionales (Georg Baselitz, John Baldessari, Louise Bourgeois, Anselm Kiefer, Richard Serra, Olafur Eliasson o Tracey Emin). En su compromiso con el arte joven, también han adquirido trabajos de Jacobo Castellanos, June Crespo o Secundino Hernández. Este año Arriola y Zugaza abrirán un Centro de Arte en Bilbao, diseñado por Juan Herreros.

Por último, Alex Ruas Wege es un joven diseñador de interiores brasileño que ha vivido fuera de su país durante casi una década. Actualmente reside en Lisboa, y en la capital portuguesa ha fundado ARW DESIGN STUDIO, que opera en Londres, Lisboa y São Paulo.

Su colección se encuentra en sus residencias de Lisboa y Londres y aúna obras de artistas brasileños e internacionales, como Erika Verzutti, Laura Lima, Aislan Pankararu, Anna Maria Maiolino, Carlito Carvalhosa, Lucia Koch, Marina Perez Simão, Studio Drift, Tomás Saraceno, Olafur Eliasson, Teresa Solar Abboud, Ugo Rondinone y Étienne Chambaud.

La directora del Museo Helga de Alvear, Sandra Guimarães, y el director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, han firmado un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones con el fin de estrechar lazos y aunar esfuerzos para llevar a cabo proyectos conjuntos.

De esta manera, sus museos formalizan el deseo de cooperar mediante un protocolo que posibilitará la organización de exposiciones temporales, los intercambios de obras y la colaboración para desarrollar proyectos de investigación y estudio, la edición de publicaciones, la programación de iniciativas audiovisuales o escénicas o la celebración de congresos, jornadas y estancias formativas de profesionales durante los próximos años.

Este protocolo ya ha entrado en vigor y tendrá una duración de cuatro años que podrán prorrogarse de mutuo acuerdo. Segade ha manifestado su satisfacción por trabajar con un museo con una colección tan relevante para el arte contemporáneo nacional, mientras que Sandra Guimarães ha señalado que para el Helga es un auténtico privilegio poder colaborar con el Museo Reina Sofía, un referente imprescindible en el contexto artístico nacional e internacional. Este acuerdo no solo corrobora la voluntad de cooperación entre ambas instituciones, sino que también nos permitirá estrechar lazos entre Madrid y Cáceres, generando conexiones que van más allá de lo geográfico. Esta colaboración simboliza nuestro deseo de crear una comunidad de relaciones, promover intercambios y crear encuentros, proporcionando una plataforma para el poder transformador del arte, y no existe mejor aliado para lograr este fin que el Museo Reina Sofia.

La artista etíope Julie Mehretu ha sido galardonada con el rango de Oficial de la Orden de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura francés; en París ha protagonizado algunas muestras recientes importantes, como dos en la sede de la Galerie Marian Goodman junto a Robin Coste Lewis y Tacita Dean.

Este reconocimiento se otorga a artistas y creadores que han contribuido significativamente a promover las artes y la cultura en nuestro país vecino y en todo el mundo. En su producción, Mehretu explora los palimpsestos de la historia, desde el tiempo geológico hasta una fenomenología moderna de lo social, y propone una articulación visual dinámica de la experiencia contemporánea, una representación del comportamiento colectivo y de la psicogeografía del espacio. Entre sus fuentes se encuentran la política, la literatura y la música.

La investigadora de la UNED Miriam García Capín sugiere en una investigación para dicha Universidad que los neandertales tenían capacidades cognitivas suficientes para realizar y comprender pinturas rupestres. Su estudio ha sido publicado en el Journal of Archaeological Science: Reports y parte del análisis de conjuntos gráficos en cuevas de Asturias y Cantabria.

Atendiendo a sus datos, los neandertales compartirían con los humanos modernos la sensibilidad hacia el color rojo y ciertas emociones primarias, como el miedo y la curiosidad; estas hipótesis podrían aportar, por ello, nuevas informaciones para la datación y autoría de pinturas rupestres que quizá tengan más de 65.000 años y sean, así, anteriores a la llegada de los humanos modernos a la región cantábrica.

García Capín ha abordado dos características específicas de las pinturas más antiguas que permitirían una autoría neandertal: el empleo del color rojo y las formas simples no figurativas. En sus palabras, existen evidencias de que los neandertales utilizaban pigmento rojo para otros fines; al mismo tiempo, utilizaban adornos personales y se sabe que se adentraban en las profundidades de las cuevas.

Conforme a este estudio, las emociones primarias como el miedo y la curiosidad habrían impulsado a los neandertales a explorar las cuevas y crear marcas con pigmento rojo; dado que son procesos psicológicos básicos comunes a todos los mamíferos, no habría razón para creer que los neandertales no las manifestaran. La investigadora incide en que las diferencias entre las capacidades cognitivas de neandertales y humanos modernos son fundamentalmente cuantitativas y leves: En el terreno de las pinturas rupestres, la ausencia de figuración puede considerarse una diferencia cualitativa. Sin embargo, mi propuesta es que se trata de una diferencia cuantitativa en el nivel de abstracción (…) Mi humilde aportación defiende que no hay motivo para seguir atribuyendo por defecto cualquier pintura rupestre a nuestra especie.