En el marco de su muestra “Gravedad Zero”, Chillida Leku exhibe temporalmente en una de sus campas la obra de Chillida Lugar de encuentros IV, escultura perteneciente a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Concebida para quedar suspendida y de 13,5 toneladas de peso, se ha utilizado para ella una nueva estructura en el centro vasco, diseñada por Tecnalia y ejecutada e instalada con la colaboración de Loire Gestamp y otras empresas.

El escultor la llevó a cabo entre 1973 y 1974, utilizando hormigón armado, y forma parte de una serie de siete obras, la mayoría de ellas de escala monumental y planteadas para mostrarse en lugares públicos. La donó al espacio bilbaíno en 1982 y permanecerá en Hernani hasta 2024, cuando está previsto que finalicen las labores de ampliación del Bellas Artes.

Lugar de encuentros IV remite a la obsesión de Chillida por la lucha contra la gravedad y también a su frecuente trabajo en conexión con la esfera industrial y las técnicas propias de la ingeniería. Las piezas de la serie a la que pertenece, que se pueden ver en ciudades como Madrid, Toledo o Palma de Mallorca, fueron creadas entre 1964 y 1974 y, salvo las dos primeras que se llevaron a cabo en madera y acero corten, el resto se elaboraron en hormigón armado en colaboración con el ingeniero de Caminos, Canales y Puertos José Antonio Fernández Ordóñez. Junto a él, el artista probó hormigones de diferentes elasticidades.

De las siete piezas, solo Lugar de encuentros III y Lugar de encuentros IV se pensaron para ser suspendidas en el aire, desafiando las leyes gravitatorias. Además, son las primeras esculturas públicas que Chillida crea con este material, subrayando sus cualidades expresivas; se refirió a ellas como “lugares de encuentro, espacios para el diálogo y la convivencia”.

El Museo del Prado ha elevado a setenta el número de obras de sus fondos que procederían de los envíos de la Junta de Incautación y Protección del Tesoro Artístico -tanto a este centro como al Museo de Arte Moderno, cuyos fondos se adscribieron a la pinacoteca en 1971- y de las entregas en depósito del Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional.

Se ha podido encontrar la procedencia de una decena de pinturas con origen concreto: propietarios como Pedro Rico -alcalde de Madrid en dos ocasiones (1931-1934 y 1936)-; la iglesia de Yebes o la de Pareja, en Guadalajara; o el Marqués de Villalonga. De dos piezas más constan direcciones exactas, pero no referencia al propietario.

El Museo continúa investigando y a ese número se podrían sumar siete medallas ingresadas en 1936, procedentes del Palacio de Exposiciones del Retiro, y 89 dibujos depositados en 1971 por el Ministerio de Educación y Ciencia, sin referencia a propietarios anteriores; estudia estos casos el área de Documentación y Archivo del Prado, con María Luisa Cuenca al frente.

Once de estas obras pueden verse en la Galería Baja Norte del edificio Villanueva, hasta el 2 de mayo, y el listado completo puede consultarse aquí.

El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, y el presidente de la Fundación “la Caixa”, Isidro Fainé, han firmado hoy un acuerdo para establecer un nuevo centro cultural CaixaForum en la ciudad andaluza, cuya apertura está prevista para 2026. Ambas instituciones ya llevaban años colaborando en iniciativas de ámbito social, cultural, científico y educativo, incluyendo exhibiciones dedicadas a Sebastião Salgado, Leonardo da Vinci, Cristina García Rodero o los fondos de National Geographic sobre los polos.

Este espacio se situará en la plaza Manuel Azaña, en una de las entradas más frecuentadas de Málaga, que conecta con la avenida de Andalucía; y será el sexto emplazamiento de los CaixaForum, tras sus sedes de Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla y Zaragoza.

La programación de estos centros incluye exposiciones, música, conferencias y debates, jornadas sociales, talleres educativos y familiares y su arquitectura se distribuye en dos salas expositivas, un auditorio, aulas polivalentes, zonas educativas, un bar-restaurante y una tienda-librería.

El concurso de fotoperiodismo más célebre internacionalmente, World Press Photo, ha anunciado sus 24 ganadores regionales de la media docena de zonas en que divide el mundo en sus cuatro categorías, además de seis menciones de honor. El 20 de abril conoceremos los cuatro ganadores globales, elegidos entre estos seleccionados, y la exposición en Barcelona de los trabajos triunfadores en los galardones, organizada por la Fundación Photographic Social Vision, se podrá visitar del 9 de noviembre al 17 de diciembre en el CCCB.

El concurso ha distinguido a dos fotógrafos españoles: el joven madrileño César Dezfuli, en la categoría de Formato Abierto de la región Europa, por Passengers, un proyecto iniciado en 2016 que relata las historias personales de migrantes que cruzan el Mediterráneo; y Emilio Morenatti, que recibe una mención de honor por War Wounds, un personal reportaje sobre los civiles amputados en la guerra de Ucrania.

Las consecuencias de la invasión rusa se encuentran entre los asuntos más abordados por los autores nominados, junto a las protestas en Irán, el Afganistán controlado por los talibanes y los efectos de la crisis climática.

La Fundació Joan Miró ha anunciado hoy que Sara Puig Alsina ha sido renovada como presidenta de esta institución por votación unánime del Patronato y por cuatro años más. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona y máster en Administración de Arte (Museos) por la de Nueva York, Puig es miembro de dicho Patronato desde 2013, de la Comisión Delegada desde 2014 y su actual cargo lo ocupa desde 2019.

Asimismo, se ha aprobado la incorporación al Patronato de Rafael Pardo, director de la Fundación BBVA, con la que ese centro barcelonés mantiene una colaboración estratégica constante desde 1989, materializada en más de 25 exposiciones. El organismo queda, por tanto, compuesto por 23 miembros, entre ellos representantes del Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Cataluña y el Ministerio de Cultura, el ámbito artístico y la sociedad civil. Anteriormente fue presidido por Joaquim Gomis (1972-1975), Joan Teixidor (1975-1981), Oriol Bohigas (1981-1988), Eduard Castellet (1989-2009) y Jaume Freixa (2009-2019).

Según el balance de la actividad de la Fundació en 2022, este espacio recibió el año pasado casi 289.000 visitantes, con una media diaria próxima a los 1.000. Además, y con la celebración de su medio siglo en el horizonte, se ha impulsado el Plan estratégico 2023-2026, que comprende las líneas estratégicas de la institución para los próximos años: la actividad de la Fundació se centrará en el visitante y el conocimiento del público, para consolidar una programación innovadora, promover la investigación y el conocimiento y desarrollar una oferta pública y social comprometida con la sociedad; se impulsará la presencia de Joan Miró y la institución más allá de sus instalaciones; se buscará asegurar la sostenibilidad futura, desarrollando y diversificando las fuentes de ingresos; y se promoverán iniciativas para fomentar “una cultura de talento, priorizando la cohesión y el bienestar del equipo”.

Estampa, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ha anunciado que su 31ª edición, a celebrarse en IFEMA del 19 al 22 de octubre, tendrá a Secundino Hernández como artista invitado. En esta cita, el autor madrileño exhibirá algunos de sus trabajos recientes vinculados a la investigación sobre el medio pictórico.

Hernández ha centrado sus dos décadas de trayectoria en la exploración de los límites y posibilidades de esta disciplina, abordando la densidad de lo matérico o la ligereza de la superficie “lavada” valiéndose de los métodos propios de esta técnica y de algunos característicos de la serigrafía; su producción en esa senda podrá verse en IFEMA. En sus “cuadros paleta” o sus pinturas analíticas, el artista plantea dualidades fundamentales, conceptuales y formales, entre el color y lo monocromático, el gesto y la geometría. Conjuga inscripciones, manchas y líneas en la construcción de un imaginario vertebrado en torno a la abstracción, el paisaje y la figura.

El próximo 30 de marzo, el Museo Nacional de Artes Decorativas inaugura “Cassandra”, una muestra dedicada a las creaciones en seda de Kima Guitart en las que esta autora ha volcado su visión del mito de la sacerdotisa de Apolo, quien, a cambio de un encuentro carnal, le concedió el don de la profecía y luego, viéndose rechazado, le retiró la posibilidad de hacerse creer.

Diseñadora y artesana, Guitart ha interpretado su historia a la luz del feminismo de tercera ola y también inspirándose en sus viajes por diferentes países. La seda es el material que viene empleando como soporte de sus obras desde 1971, sea como murales o en forma de vestimenta, o bien en esculturas textiles e instalaciones.

Cheim & Read acoge, desde el 25 de marzo, “Following Sea”, una exposición de nuevas pinturas de Peter Shear abierta hasta mayo. Pintor autodidacta nacido en 1980 en Beverly Farms, Massachusetts, es autor de lienzos de tonos profundos que elaboró a escala humana, la mayoría de ellos montados en paneles que miden 11 x 14 pulgadas.

Se basan en una clara ausencia de dogma: escurridizos y sobrios, parecen flotar en un espacio intermedio entre la abstracción y la representación, incorporando elementos de ambos; pueden sugerir figuras, paisajes o arquitecturas, o simplemente existir como configuraciones espontáneas de líneas y colores.

En la pintura de Carlos Morago encontramos siempre espacios despojados, serenos e iluminados con una luz tenue; sus tonalidades recurrentes son los grises y los blancos y elabora escenas de gran intensidad lírica y también misterio. Le interesan los espacios deshabitados y silenciosos, en los que puede sugerir ausencias, y especialmente los interiores, que frecuentemente representa desde puertas o ventanas entreabiertas que revelan y a la vez ocultan. En otras ocasiones elige llevar a sus lienzos vistas panorámicas de ciudades, jardines y patios, donde algunas plantas le permiten desarrollar una armonía de colores y formas.

Estas suelen aparecer, asimismo, en sus bodegones, muy poéticos, junto a cerámicas que destacan por sus tonos sobre fondos austeros. Hasta el 14 de mayo, sus composiciones recientes nos esperan en la Sala Parés de Barcelona, donde viene exponiendo desde 2009.

El Museo Oteiza presenta, hasta el próximo junio, “Interestratos”, un proyecto expositivo que analiza nuevas maneras de formalizar lo escultórico a partir de intervenciones realizadas en este centro por las artistas Nora Aurrekoetxea, Miren Doiz y Marina González Guerreiro. Las tres vienen trabajando en aproximaciones personales a la práctica escultórica, cercanas a lo subjetivo y derivadas de la diversidad de materiales y modos constructivos que determinan hoy la creación actual, en un sentido amplio.

El título de la exposición hace referencia al concepto de “interestrato”, identificado por Gilles Deleuze y Felix Guattari en el ensayo Mil mesetas. Capitalismo y esquizofrenia; con él se referían a las transcodificaciones, intersecciones y encuentros que se producen en el desarrollo de los procesos de creación de nuevas formas. En Alzuza, la alusión a ese término quiere favorecer reflexiones sobre cómo la creación escultórica actual aborda los encuentros entre objetos y materiales, en sus acoples y desdoblamientos. Además, las intervenciones escultóricas de las tres autoras se han concebido para confrontarse con el legado de Oteiza, de cuyo fallecimiento se cumplen dos décadas.

La muestra está comisariada por el subdirector del Museo Oteiza, J. P. Huércanos, y se ha organizado en colaboración con la Fundación Caja Navarra, la Fundación la Caixa, el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte y los Encuentros de Pamplona 72-22.

En las décadas de los setenta y los ochenta, varias autoras españolas de cómic adulto replantearon en su obra la representación femenina. Más allá del idealismo dominante y frente a la invisibilización habitual, estas historietistas de diferentes orígenes instauraron un panorama muy diverso en lo narrativo y lo estilístico.

Una de esas figuras fue Núria Pompeia, y seguirían su estela Rosa Lleida, Sara Presutto, Montse Clavé, Isa Feu, Mariel Soria y Marika Vila, quienes desarrollaron sus historietas al margen de tics sexistas y desde una actitud combativa.

A partir de 1979, y mientras las autoras antes mencionadas seguían en activo, surgió una nueva generación que aprovechó aquel legado previo, formada por Marta Guerrero, Pilar Herrero Bendicho, Ana Juan, Mamen la del Cafó, Victoria Martos, Ana Miralles, Roser Oduber y Laura Pérez Vernetti. Sus trabajos se caracterizaron por un giro hacia lo lúdico y lo festivo, sin dejar de lado la defensa de la libertad de la mujer y el tratamiento abierto de la sexualidad.

El Museo Reina Sofía presenta, en su Biblioteca y Centro de Documentación, y en su Espacio D, “¡Mujercitas del mundo entero, uníos! Autoras de cómic adulto (1967-1993)”, una muestra que busca contribuir a la difusión del trabajo de estas viñetistas.

Hasta el próximo 23 de septiembre, Haus der Kunst presenta “Ooooooooo-pus”, la primera antología en Alemania de Katalin Ladik, artista pionera en la corriente conceptual en la antigua Yugoslavia. Su obra desafía los roles de género y los arquetipos femeninos, utilizando su cuerpo y su voz como instrumento y medio.

Nacida en Novi Sad, en la actual Serbia, ha abordado los discursos folclóricos y nacionalistas predominantes en su país con gran ironía y desde una perspectiva crítica, y ha explorado la propia fisicidad como lugar que engendra poesía y como espacio para la autorrepresentación.

En el siglo XIX, Dinamarca experimentó las consecuencias de las guerras napoleónicas, del bombardeo de Copenhague, la bancarrota y su creciente rivalidad con Alemania. Sin embargo, esas convulsiones sociopolíticas y económicas no mermaron un ambiente cultural y filosófico vibrante para los artistas daneses de la época.

La muestra “Beyond the Light”, que el Metropolitan Museum de Nueva York alberga hasta el 16 de abril, exhibe una selección de dibujos, bocetos al óleo y pinturas de autores de aquel momento, testigos de la transformación de una Dinamarca que alguna vez fue poderosa en un país pequeño en el borde de Europa. Esos creadores forjaron una comunidad muy unida durante aquel tiempo, y las obras que realizaron exploraron nociones de lugar, identidad y pertenencia, y lo que significa viajar y regresar a casa.

La exhibición cuenta con trabajos de Christoffer Wilhelm Eckersberg, Christen Købke, Constantin Hansen, Martinus Rørbye y Vilhelm Hammershøi, así como de artistas menos conocidos como Anton Melbye, Johan Thomas Lundbye, Peter Christian Skovgaard y Heinrich Gustav Ferdinand Holm, entre otros.

El próximo mes de julio, entre los días 15 y 19, el Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander acogerá la 31ª edición de la feria ARTESANTANDER, que un año más, y será el décimo, hará coincidir sus fechas con la celebración del Curso de Coleccionismo y Arte organizado por el Instituto de Arte Contemporáneo y la Asociación de Coleccionistas 9915.

Serán seleccionadas 42 galerías, que podrán presentar solo projects de autores vinculados a cualquier disciplina (pintura, escultura, instalación, fotografía, nuevos soportes tecnológicos, obra gráfica, dibujo y múltiples). Hace también más de una década que los responsables de esta cita, con Juan González de Riancho al frente, decidieron adoptar este formato, diferenciador respecto a otras ferias y que permite a público y coleccionistas profundizar en los intereses y desarrollos formales de los artistas representados. Asimismo, ARTESANTANDER ha reforzado sus propuestas a través de alianzas con distintas instituciones y colectivos.

Cada sala interesada en participar en la muestra este verano podrá enviar un único proyecto, que será valorado por un comité de selección compuesto por Alejandro Alonso Díaz, director y comisario de Fluent; Javier Díaz Guardiola, coordinador de las secciones de arte, arquitectura y diseño de ABC Cultural y ABCdeARCO; Vanessa H. Sánchez, directora de la Galería Silvestre junto a Pep Antón Clua; María Regina Pérez Castillo, crítica y comisaria y Carmen Quijano, gestora cultural, comisaria y diseñadora.

Las solicitudes pueden presentarse a través del portal www.artesantander.com hasta el 26 de mayo.

Tras la buena acogida del proyecto “La esencia de un cuadro. Una exposición olfativa”, que el Museo del Prado presentó en el verano del año pasado, la pinacoteca, contando con tecnología AirParfum de la firma Puig, ha desarrollado un difusor especial que llamará nuestra atención, de manera permanente, sobre algunas pinturas que ponen de relieve la importancia de la cultura olfativa en la Edad Moderna.

Situado en la sala 56, emite una fragancia elaborada conforme a una receta del siglo XVII de un guante perfumado de ámbar, elemento presente en varios retratos de Antonio Moro expuestos en este espacio.

La instalación surge de la colaboración entre Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado, y Gregorio Sola, perfumista senior de Puig.

Coincidiendo con el que hubiese sido el 98º cumpleaños de Martín Chirino, el Museo Reina Sofía acogió el pasado 1 de marzo la presentación del segundo volumen de su catálogo razonado de esculturas, un estudio exhaustivo que reúne las creaciones últimas del artista canario, así como una relación de exposiciones individuales, bibliografía, catálogos de exposiciones e índice de obras que resultará de interés a los investigadores.

Forman parte de la publicación un conjunto de piezas que debieron figurar en el listado anterior y cuya existencia entonces se ignoraba. En los años en los que se ha elaborado este libro han sido localizadas obras de juventud dadas por perdidas, esculturas que viajaron y han aparecido en colecciones privadas internacionales o piezas de la época de aprendizaje de Chirino nunca antes mostradas. Se trata de un volumen de 516 páginas con edición bilingüe en castellano e inglés que incluye la totalidad de las obras del autor y completa la catalogación de los trabajos escultóricos reunidos en el primer tomo, editado en 2005. Además de las citadas composiciones, contiene asimismo la descripción de todas las esculturas del artista canario, tanto trabajos únicos como ediciones, y medallas fechadas desde 2005 hasta marzo de 2019.

A principios de este año, el Museo Nacional del Prado puso en marcha el itinerario El Prado en femenino, destinado a ofrecernos una mirada diferente sobre sus colecciones, haciendo protagonistas a las mujeres: se articulaba en torno a 32 obras relacionadas con las mecenas que promocionaron, coleccionaron e inspiraron piezas esenciales de los fondos de la pinacoteca; o con las artistas que las llevaron a cabo.

Hoy el Museo presenta, con esa misma denominación, un portal web, alojado en su página institucional, que recoge y comparte con los usuarios la experiencia del centro en la exploración, recuperación y difusión de las aportaciones de mujeres al ámbito artístico; y que continuará creciendo, no siendo una propuesta hoy cerrada. Se nutre El Prado en femenino de la labor realizada por los profesionales de la pinacoteca y otros investigadores en torno a exposiciones monográficas e itinerarios por la colección permanente, reuniones científicas, congresos, conferencias y becas especializadas en su Centro de Estudios.

En el sitio www.museodelprado.es/el-prado-en-femenino nos esperan 436 obras de mujeres artistas, entre las que se destaca una imagen del día; un archivo virtual y alfabético de autoras, a modo de eco del Museo Feminista Virtual de Griselda Pollock; un compendio de itinerarios y exposiciones que en el Prado han subrayado el papel de la mujer en el mundo del arte y grabaciones de conferencias sobre la agencia artística femenina en los diversos períodos de la historia. Accederemos, asimismo, a testimonios recogidos en el documental Voces del Prado, que cuenta con narraciones de trabajadoras y colaboradoras del Museo; a diálogos de creadoras, en los que han participado artistas, críticas de arte, conservadoras, historiadoras o galeristas; a un compendio de actividades o becas relacionadas y un repositorio de recursos. Forman parte de este último itinerarios interactivos, videojuegos y galerías.

El Prado en femenino cuenta, por cierto, con perfil propio en Instagram.

El último encuentro anual del Consejo Internacional de Mecenazgo de la Fundación Museo Reina Sofía culminó con la donación al MNCARS de obras por cerca de un millón de euros que representan un 80% del total de adquisiciones de esta institución para 2023; a esas donaciones hay que añadir las compras, con un valor cercano a 300.000 euros. Todas esas piezas pasarán a formar parte de la colección del Museo, como depósito indefinido.

Alberto Cruz, José Antonio Llorente, Juan Carlos Maldonado, Francesca Thyssen-Bornemisza y Mercedes Vilardell, miembros de la Fundación, han donado la mayor parte de las propuestas; son 41, realizadas por 24 artistas de diferente origen, muchos de ellos latinoamericanos, y correspondientes a distintas técnicas: pintura, fotografía, instalación, escultura, dibujo o vídeo. La mayoría de estos autores no estaban representados hasta ahora en el Reina Sofía y sus trabajos vienen a completar algunos discursos de las líneas de investigación que desarrolla este centro.

Entre los nuevos artistas en el MNCARS se encuentran los brasileños Maxwell Alexandre, Jonathas de Andrade y Lucas Arruda. El primero reivindica en su obra la dignidad de la negritud y expone actualmente en La Casa Encendida; de Andrade, ingresa en el Museo la serie fotográfica Exercício constructivo para uma guerrilha sem terra, sobre la vida cotidiana en las tiendas de campaña y cabañas del Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra, y de Arruda, cuya obra acoge estos días el Ateneo madrileño, se incorpora un óleo sin título, un paisaje en el que se subraya su carácter de superficie pintada. Sí estaba presente ya en sus fondos el fotógrafo cubano Juan Carlos Alom, de quien se han adquirido las imágenes Libia y José de la Caridad y Evel y Sonia (1989), sobre la crisis económica en la isla a fines de los ochenta; y el argentino Marcelo Brodsky (ahora en Foto Colectania), del que sumará el centro la serie Buena Memoria, vinculada a su defensa de los derechos humanos.

De Yto Barrada, nueva en el Reino Sofía, se ha donado la bandera de tela Majdoub Appliqué Flag (2016), en la que la artista reflexiona sobre las tradiciones marroquíes y su falsificación a partir de versos de Abderrahman al-Majdoub; y de la estadounidense Olga Dueñas, cuya pintura transita entre la abstracción, el cinetismo y el constructivismo, Trémolo luminoso II (1973).

La Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira es una escuela de samba de Río de Janeiro muy celebrada en los carnavales de esa ciudad; de ella se han donado cuatro banderas con sus colores y los rostros de figuras de la resistencia brasileña. De ese país procede igualmente Sonia Gomes, que elabora sus esculturas con materiales que le proporciona la gente, recuperando tradiciones: lo veremos en Dois Acordes, una evocación de formas vegetales.

Ângela Ferreira es mozambiqueña y sus proyectos, basados en métodos de investigación y archivo, abordan las huellas del colonialismo y el poscolonialismo hoy. Se incorpora al MNCARS su instalación Hollows, tunnels, cavities and more #3 (2015), compuesta por una escultura, fotografías y dibujos relativos al contexto de Sudáfrica y de su país. Y se suman igualmente proyectos de dos venezolanos: Fina Gómez y Sheroanawe Hakihiiwe; la primera con tres fotolibros (Fotografías, Racines y Las piedras) y el segundo con el trabajo reciente sobre papel Hii frare frare oru keki, dedicado a la cosmogonía indígena latinoamericana.

Del chileno Alfredo Jaar se ha donado la serie fotográfica ¿Es usted feliz? (1978-1980), crítica con la dictadura de Pinochet; y de la marroquí Bouchra Khalili, actualmente en el MACBA, ejemplos de su cine documental igualmente vinculado al peso del colonialismo en nuestros días. Engel Leonardo, que examina en su trabajo la cultura popular caribeña y africana, se suma al MNCARS con la escultura en metal Bejuco (2018) y el relieve Vara (Palo) (2019); Mateo López, arquitecto colombiano, con Time as activity (2015), conjunto de cuatro dibujos sobre el azar, el tiempo y el encuentro; y el dominicano Jorge Pineda, con un dibujo extremadamente delicado y asociado a la cultura urbana.

Roman Ondák, de quien el Museo Reina Sofía ya presentó una individual hace una década en el Palacio de Cristal, estará representado en sus colecciones con dos esculturas representativas de su ironía, Swapped Roles (1997) y Crack of Dawn (2016), y el resto de incorporaciones corresponden todas a creadores brasileños. Se trata de un vídeo y tres dibujos de Paulo Nazareth, que ha dedicado su obra a la inmigración y la globalización; de un óleo de Antonio Obá, que ahonda en la identidad negra partiendo de su propio cuerpo; de cuatro dibujos de Rosana Paulino, referente para la nueva generación de artistas afrobrasileños; una escultura de Rubem Valentim vinculada a la abstracción geométrica; una pintura de influencia pop de Cybèle Varela y Estandarte VI, pieza de Castiel Vitorino Brasileiro vinculada a la investigación decolonial.

Por otro lado, la Fundación Museo Reina Sofía estrena dirección: Carolina González Castro sustituye a Ana Tomé Díaz, que la ha encabezado en los últimos nueve años. De origen colombiano, formaba parte de la entidad desde 2014 y cuenta con un perfil vinculado a la economía y la gestión cultural.