El próximo octubre Swab Barcelona celebrará su 18ª edición, una cifra simbólica que esta cita desea aprovechar para emprender una fase nueva, según sus organizadores más abierta, plural y atenta a las urgencias del presente.

Este cambio se da ya desde su dirección: la asume Carolina Díez-Cascón, recogiendo el legado de su padre, Joaquín Díez-Cascón, y manteniendo el alineamiento de la feria con prácticas que conciben el arte como herramienta de transformación social, valor público y bien común, así como con la promoción de sistemas de producción y representación cultural que quieren ser sostenibles y colaborativos.

El programa central de la muestra, llamado Polar and Tropic, presentará una docena de espacios gestionados por artistas, colectivos y comisarios, llegados de la región nórdica y del sudeste asiático, que basan su hacer en la relación con la comunidad y el territorio, la experimentación curatorial y la creación de redes de colaboración. Considerando la polaridad como forma de afecto y el trópico como espacio transicional, se subrayará cómo en ambos vértices del planeta se desarrollan modelos de colectividad que pueden ser valiosos para abordar la crisis climática.

Esas propuestas se acompañarán de una programación pública con un ciclo de vídeo, una estación de radio, una sección editorial y un espacio de encuentro para charlas, talleres y actividades que será comisariado por Tenthaus, Jatiwangi art Factory y Bunga Siagian. Asimismo, se activará una colaboración con la plataforma local Club9 para proporcionar un espacio a prácticas performativas.

Vortex supondrá, por su parte, una nueva fase para el consolidado Emerging LATAM, que se abrirá al diálogo entre iniciativas emergentes de América Latina y el contexto local, desde una lógica horizontal. Comisariado por Santiago Gasquet, antes al frente de Emerging Latam, junto a Lena Solà Nogué, que se incorpora este año, albergará doce galerías jóvenes, de ambas regiones. El programa incluye, además, un espacio de pensamiento crítico destinado a explorar la complejidad de las relaciones entre las dos áreas.

SOLO propondrá una red de colaboración entre proyectos independientes europeos, articulada en torno al formato solo show. Con el apoyo de la Fundació Vila Casas, esta propuesta pretende generar vínculos duraderos que permitan la coproducción de exposiciones, reforzando tanto la sostenibilidad de los espacios participantes como la creación de nuevos circuitos para la circulación del arte independiente.

Continuarán igualmente los programas de convocatoria abierta, que se agruparán este año en el Programa General y MyFAF (My First Art Fair), un formato más próximo al que dio origen a la feria, con una estructura única y un conjunto de galerías y espacios independientes.

El Programa General, que representará la mitad de la exhibición, será un espacio unificado que integre los anteriores General, Emeging y Seed. El objetivo es la disolución de los límites entre prácticas independientes y estructuras consolidadas, en un contexto en el que ambas se afecten y reformulen: las galerías establecidas con propuestas experimentales convivirán con espacios autogestionados que aúnan la investigación crítica y la sostenibilidad en el mercado. En cuanto a MyFAF, impulsado por la Fundación Swab Barcelona, apoyará a tres galerías nuevas, con menos de dos años de andadura, ofreciéndoles su primera oportunidad en el circuito internacional y la libertad de desgranar ideas arriesgadas y con una clara identidad.

Como novedad, Swab abrirá una colaboración con la asociación de galerías Art Barcelona a través de su iniciativa Art Nou: organizará IN/OUT, un programa que articule los contenidos expositivos de la feria con el ecosistema cultural de la capital catalana. Concebido como un entramado abierto, se espera que lo presentado en la muestra encuentre continuidad fuera de ella mediante exposiciones paralelas, visitas guiadas, performances, mesas redondas y encuentros públicos. Esta estrategia será especialmente visible en Solo Show y Vortex.

Por último y en línea con la nueva dirección, Swab Barcelona amplía su programa público con charlas y encuentros desarrollados con instituciones como Index o Delfina Foundation, así como con coleccionistas, curadores y otros agentes, abordando temas como las nuevas prácticas artísticas y de coleccionismo y los desafíos que implica un escenario global en fase de cambio evidente.

El Ministerio de Cultura ha anunciado este lunes el nombramiento de Carolina Tobella Arredondo como próxima directora del Museo del Greco de Toledo, centro de titularidad estatal, dependiente del Ministerio, cuyas colecciones se fechan en los siglos XVI y XVII y son representativas de la vida y obra de Domenikos Theotokopoulos y de la cultura y la sociedad toledana del momento.

Nacida justamente en Toledo en 1983, Tobella Arredondo es licenciada en Humanidades, diploma de estudios avanzados en Historia del Arte y máster en Cultura y Patrimonio, con especialidad en Museología, por la Universidad de Castilla – La Mancha. Ha trabajado en instituciones como el Archivo Histórico de la Nobleza, la Fundación Thyssen-Bornemisza, el Museo de la Academia de la Infantería de Toledo o el Museo Fundación Duque de Lerma.

Entre los proyectos que ha llevado a cabo está el inventario de los fondos textiles de la Catedral Primada de Toledo, gestionado por la Fundación MARCC en colaboración con la Universidad de Castilla la Mancha (UCLM) y la Universidad Complutense de Madrid, y participó en el grupo de investigación de la universidad castellano-manchega Toledo-Italia, relaciones artísticas de ida y vuelta en la Edad Moderna.

Ingresó en 2023 en el Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos y desde entonces ha desarrollado su actividad en el propio Museo del Greco, donde comisarió el año pasado la exposición “Tristán. Entre lo divino y lo humano” y coordinó las jornadas científicas en torno a la figura del que fue discípulo del Greco.

Sustituye en el cargo a Rosa Becerril Sánchez, cesada tras algo más de tres años.

Hasta el próximo 14 de septiembre, el Museo Nacional de Escultura de Valladolid acoge la muestra “Chillida. Mística y materia”, que repasa las vías del escultor para explorar, a través de la materia y sus vacíos, aspectos ligados a la metafísica como el espacio y el tiempo; también la posibilidad de situar sus materiales al servicio de lo espiritual y de aquello que no puede ser expresado.

La exposición, que forma parte de la conmemoración del centenario del nacimiento del artista, propone nexos entre sus creaciones y algunas pertenecientes a los fondos del centro, a cargo de Juan de Juni, Gregorio Fernández, Pedro de Mena o Luis Meléndez.

Así, las composiciones helicoidales y tensionadas de Juni evocan los gestos danzarines de las primeras piezas en hierro de Chillida y se establecen ecos entre la experiencia levitante de santa Teresa de Jesús y las obras de Chillida que, casi desafiando las leyes físicas, sugieren un éxtasis ascensional.

Igualmente, sus homenajes a san Juan de la Cruz dialogan con los dibujos del poeta sobre el Monte de perfección. Y sus lurras –‘tierras’–, casi bodegones contemporáneos, devienen en la exhibición vanitas que recalcan el carácter más tangible de la existencia.

La artista palestina Ahlam Shibli ha llegado recientemente a Cáceres para dar comienzo a una residencia en el Museo Helga de Alvear, la que abrirá el programa “Helga´s Residencias de Artista”. Convivirá con la comunidad en la que se inserta el centro durante este mes de julio, llevando a cabo trabajos de campo y ofreciendo un taller participativo destinado a la población migrante.

Durante su residencia, Shibli podrá desarrollar su práctica artística con libertad. Hasta ahora viene valiéndose de una estética documental para plantear un trabajo fotográfico que aborda las implicaciones ambiguas del concepto de hogar; analiza las consecuencias de su pérdida y la lucha contra esa pérdida, pero también las restricciones que la noción de casa impone a los individuos y a las comunidades marcadas por políticas identitarias cerradas.

Como parte de esta residencia, los próximos días 10 y 11 de julio Shibli llevará a cabo el taller “Viendo al/lo más cercano”, en el que personas de diversos orígenes participarán activamente en un proceso de diálogo y creación colectivo.

Con la puesta en marcha de estas residencias, uno de los objetivos del Museo Helga de Alvear es proporcionar un lugar de encuentro y de generación de pensamiento crítico; el trabajo de Shibli se materializará en conversaciones, obras de arte o acciones cuyo formato ella elegirá para desplegar su modo nómada de estar en el mundo, convirtiendo a los migrantes en protagonistas de sus planteamientos.

Por otro lado, el nuevo edificio del Helga de Alvear destinado a los almacenes de obras de arte ha entrado en su última fase de construcción, que consistirá en la adecuación museográfica de los espacios para custodiar los fondos de la coleccionista y galerista recientemente fallecida. Se ubica en un inmueble adquirido con este objetivo por la propia Helga de Alvear y en esa adecuación interna participarán las tres instituciones públicas que forman parte del Patronato de la Fundación Helga de Alvear: la Junta de Extremadura (673.860 euros), la Diputación de Cáceres (214.410 euros) y el Ayuntamiento de Cáceres (132.730 euros).

El desarrollo del complejo arquitectónico del Museo Helga de Alvear se ha ejecutado en tres fases: la primera implicó la rehabilitación del edificio modernista de la “Casa Grande”, inaugurada como Centro de Artes Visuales en 2010 y firmada por Mansilla + Tuñón Arquitectos; la segunda, la más amplia, supuso la construcción del edificio de nueva planta que añadía 5.000 metros cuadrados a los casi 2.900 del primer proyecto, y fue abierta al público como museo en febrero de 2021; la última, a cargo de Tuñón + Albornoz Arquitectos, ha consistido en este nuevo edificio concebido para albergar los almacenes donde se guardarán las piezas que integran la Colección Helga de Alvear.

Coincidiendo con la temporada dedicada a Shakespeare en el Teatro Real, este centro acoge, en el marco de PHotoESPAÑA y hasta junio de 2026, una exposición que rinde tributo a la fotógrafa británica Julia Margaret Cameron, pionera del género del retrato fotográfico que destacó por el cariz poético y teatral de sus composiciones. A través de sus imágenes, este proyecto invita al público a redescubrir los personajes y los símbolos del universo del escritor inglés desde una nueva óptica.

Las escenas seleccionadas —reproducciones de sus obras más conocidas— recrean las figuras de Hamlet, Ofelia, Desdémona o Próspero y, pese a que no suelen ilustrar directamente las obras literarias, sí se vinculan con su imaginario, simbolismo y emocionalidad. Desde luego, también con los temas del teatro de Shakespeare: la belleza, la tragedia, el amor, la verdad y la ilusión.

Además, su manejo de la luz y el gesto dota a los retratos de una intensidad escénica que alude al drama, al deseo o al dolor.

La sala Reiners Contemporary Art, fundada en Marbella en 2019 por Flor Reiners y centrada en la divulgación de artistas originarios de Brasil, Alemania y afrodescendientes, ha anunciado la apertura de un nuevo espacio en esa localidad malagueña.

Se sitúa en el centro, pero en una finca rodeada de vegetación, y se ha buscado en su diseño que propicie el desarrollo de prácticas artísticas en un entorno natural y experiencias más completas para el visitante, lejos del ruido urbano y de cariz más íntimo. En palabras de Flor Reiners, esta galería nace del deseo de crear un lugar donde el arte respire a su ritmo, sin presión, con autenticidad.

En el emplazamiento de esa finca, el antiguo establo acogerá las exposiciones temporales, la capilla albergará instalaciones más íntimas y, por último, el jardín ofrecerá un recorrido escultórico al aire libre, con obras integradas en el paisaje.

De nuevo según Reiners, nuestra evolución nos ha devuelto a la naturaleza, rodeados de serenos paisajes verdes. Ubicados en una finca, en la hermosa Marbella, defendemos la tranquilidad por encima del caos. Proporcionamos al arte el entorno que se merece y ofrecemos a los visitantes la oportunidad de deleitarse con una experiencia sensorial por capas. Como galería, seguimos apostando por todo lo noble y puro para celebrar tanto lo sutil como lo contemporáneo. Traemos con esmero la poesía y el arte de Brasil a Europa para quienes buscan obras nuevas que estimulen los sentidos e inspiren la mente. Nuestra dedicación a nuestros artistas y a sus proyectos sigue siendo inquebrantable. Nuestro compromiso de garantizarles la exposición y el reconocimiento que merecen es constante.

Fue uno de los precursores del luminismo valenciano, aunque por su cronología su pintura ha de leerse también desde perspectivas románticas y simbolistas.

Unos meses después de que se cumpliese el centenario de su muerte, y hasta enero del año próximo, la sala 60 del Museo del Prado acoge una decena de obras de Antonio Muñoz Degrain, correspondientes a todas sus etapas y cinco de ellas recientemente restauradas.

Dan fe de la diversidad temática, el virtuosismo técnico y la estética personal de este pintor valenciano y junto a ellas podremos ver, en una vitrina, su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1899, que dedicó a “la sinceridad en el arte”, un dibujo incorporado a los fondos del centro a través de una donación y la fotografía de su retrato por el escultor Miguel Blay (al que el Prado brindó otra exhibición en 2016).

Esta exposición forma parte de su programa de difusión de colecciones del siglo XIX, las más amplias que conserva el Prado en el terreno de la pintura. Ese proyecto ha permitido mostrar, desde 2009, artistas, técnicas y contextos en pequeñas muestras monográficas.

Podremos contemplar Paisaje del Pardo al disiparse la niebla (1866), su paisaje más destacado, llamativo por su pincelada suelta, que remite ocasionalmente a la factura de Velázquez, y por su rica captación de las atmósferas. Recibió por él una medalla en la Exposición Nacional de 1866. También veremos Recuerdos de Granada (1881), ya en la sala 63 A, o Vista de Granada y Sierra Nevada (hacia 1915), que prueban su mirada subjetiva y evocadora de la naturaleza, en la que conjugaba elementos reales e imaginados.

La exposición también se fija en su rol como pintor de historia y de asuntos literarios. Cuenta con un estudio preparatorio a lápiz para su obra más célebre, Los amantes de Teruel, que puede admirarse en la sala 75 y posibilita acercarse a su proceso creativo. En Antes de la boda, por su parte, la representación de Isabel de Segura, protagonista de la composición, revela la influencia veneciana en las tonalidades vibrantes y, de nuevo, en la pincelada suelta.

Además, Muñoz Degrain mostró su interés por el exotismo norteafricano en Los escuchas marroquíes (1879), por la pintura religiosa en Jesús en el Tiberíades (1909) y por el detalle cotidiano en Rincón de un patio toledano (1904), todas ellas piezas que nos hablan de su versatilidad y su búsqueda continua de lenguajes pictóricos alternativos. Asimismo, Interior del estudio de Muñoz Degrain en Valencia, de su amigo Francisco Domingo Marqués, proporciona para los espectadores un testimonio valioso de la vida artística en esa ciudad en el siglo XIX.

El Consejo de Administración de Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao, presidido por Gonzalo Olabarria, ha anunciado hoy el nombramiento de Txomin Olabarri Legarreta como nuevo director general de ese centro vasco.

Nacido en Bilbao en 1976, Olabarri Legarreta es licenciado en Administración y Dirección de empresas por la Universidad del País Vasco y desde 2010 era responsable del Bizkaia Arena.

El nombramiento de Olabarri llega tras el cese voluntario en el cargo de Fernando Pérez, que ocupó la dirección de Azkuna Zentroa – Alhóndiga Bilbao entre mayo de 2018 y diciembre de 2024.

El Museo Reina Sofia ha decidido volver a exponer la escultura de Pablo Gargallo Grand Prophète (Gran Profeta), realizada en 1933 y que forma parte de sus colecciones. La obra, de más de dos metros de altura, se mostró hasta el pasado 2021, y ahora se exhibe en una nueva ubicación: el Jardín del edificio Sabatini.

Su instalación coincide con la retirada del pájaro lunar de Joan Miró, otra escultura de 1966 que se trasladará a la Llotja de Palma con motivo de la exhibición “Paysage Miró. De les trobades i de l’atzar en Miró”, que podrá visitarse desde el 16 de julio y a la que el Reina Sofía colabora con otros préstamos.

El zaragozano Gargallo fue uno de los tres representantes de la escultura moderna española en París, junto a Julio González y Pablo Picasso, y su andadura se caracterizó por sus esfuerzos por dominar el metal y su capacidad para reinterpretar la naturaleza mediante formas estilizadas e innovaciones técnicas.

Este Grand Prophéte fue su obra culmen. Se trata de una gran escultura transparente en bronce fundido: no habría podido ejecutarse en metal recortado o forjado dado el espesor del metal y el tamaño en el que se concibió. Gargallo modeló este trabajo en escayola para su posterior fundición en dicho bronce, labor que por causas económicas se efectuó de manera póstuma, en 1936.

Esta temática del profeta apareció pronto en la producción del artista, que mucho antes, en 1904, dibujó con trazo rápido y seguro, a pluma, una figura de un predicador barbudo: san Juan Bautista clamando en desierto. Después ensayaría el formato tridimensional en chapa recortada, en el busto Étude de Prophète de 1926, en cobre, igualmente en los fondos del MNCARS.

Por último, llegaría este Grand Prophéte, obra esencial de la escultura de vanguardia del siglo XX, que llegó a exponer en una monográfica en la Galería Brummer de Nueva York y en la Sala Parés de Barcelona (en su versión original en escayola), las dos en 1934. E. Tèriade, editor de Cahiers d’Art, la publicó en el quinto número de la revista Minotaure, del mismo año, vinculada al surrealismo.

Hasta el 25 de julio de 2025, el artista brasileño Ernesto Neto transforma la nave del Grand Palais de París en un espacio inmersivo y sensorial de la mano de Nosso Barco Tambor Terra, una instalación monumental elaborada con crochet, corteza y especias.

Diseñada para ser recorrida y habitada, conforma un entorno multisensorial que manifiesta una relación fundamental con la naturaleza y explora la continuidad entre nuestros propios cuerpos y los de la Tierra a través de materiales orgánicos y técnicas ancestrales. Se inspira en el profundo impacto de la navegación en el mundo, que transformó los lazos entre las personas y los lugares.

Neto busca a menudo transformar las imágenes y los símbolos asociados a la historia pasada en una comunión colectiva y ritual con su arquitectura porosa. La escultura incorpora una amplia gama de instrumentos de todo el mundo, con activaciones periódicas durante las cuales el público es invitado a entrar y tocar los tambores ocultos en su interior.

Al aunar en propuestas como ésta nuestras diferencias culturales, este autor evoca poéticamente la posibilidad de la comunicación universal a través de pulsos y ritmos.

Chillida Leku, el Museo Universidad de Navarra, el Centro Botín de Santander y el Museo de Bellas Artes de Bilbao han reeditado este año su alianza para aunar esfuerzos en la promoción y gestión de sus proyectos, ampliando de forma mutua los beneficios de sus respectivos colectivos de Amigos y ofreciendo ventajas adicionales para el público general. En 2019 se firmó el convenio que establecía la colaboración, a la que el centro navarro se unió en 2023.

Cada uno de esos espacios concede un 20% de descuento en la entrada a sus salas a los visitantes que acudan mostrando otra entrada del resto de los centros, una disminución de tarifa que aumenta hasta el 30% en el caso de los Amigos de los museos colaboradores. No obstante, durante 2025, la entrada al Museo Universidad de Navarra será gratuita para todos los públicos con motivo de su décimo aniversario, razón por la que este año se ofrecerá al visitante un libro como obsequio, a elegir en la colección de publicaciones del MUN.

Los cuatro centros vienen colaborando, igualmente, en la difusión de sus propuestas. Acaban de presentar una nueva serie de reels para Instagram, compuesta por tres vídeos cortos, que se ha estrenado hoy en sus perfiles de la red social. En ellos se subrayan las diferencias y la esencia de cada uno de los museos, recalcando que todos son complementarios y atractivos, en relación con su ubicación, naturaleza y misión.

Este año se cumple un siglo desde el nacimiento de Pilar Belzunce, que fuera esposa de Eduardo Chillida y una figura fundamental también en su andadura artística. Para conmemorar el aniversario, Chillida Leku ofrece, hasta enero de 2026, una exposición que celebra y recuerda su figura y que revela, a través de los retratos que Chillida hizo de ella y de sus ocho hijos, fragmentos de su identidad como mujer de gran determinación y adelantada en algunos aspectos a su tiempo.

Pueden contemplarse fotografías y objetos que repasan sus vivencias, pequeñas esculturas y pinturas realizadas por ella misma como afición, junto a dibujos de figuras a cargo del propio Chillida, muchos inéditos y procedentes del ámbito familiar.

La 33ª edición de ARTESANTANDER tendrá lugar del 11 al 15 de julio en el Salón Bahía del Palacio de Exposiciones y Congresos de la capital cántabra; como ya anunciamos, participarán en la cita cuarenta galerías y ciento veinte artistas.

De nuevo bajo la dirección de Mónica Álvarez Careaga, la muestra se completará con un programa de actividades paralelas, entre ellas Ways to Collect y la Convocatoria Abierta del Institut d’Estudis Baleàrics. La primera consta de dos iniciativas destinadas a acompañar el proceso artístico de los creadores, desde la producción hasta la comercialización de las obras: The Print Subscribers Club, un proyecto de la galería madrileña Benveniste Contemporary que cumple un cuarto de siglo presentando en Artesantander sus publicaciones recientes de obra gráfica para sus suscriptores, y que esta vez acogerá trabajos de Doris Salcedo y Varda Caivano; y 6-Forest Studio (Colección Solo, Madrid y Cantabria), que produce, apoya y comparte el arte actual, promoviendo la experimentación en la creación de esculturas y art toys. Exhibirá a Ana Barriga, Ryan Heshka, Sergio Mora o Motohiro Hayakawa.

En cuanto al Institut d’Estudis Baleàrics (IEB), propone la exposición “Paisajes suspendidos: bodegones marinos” de Jorge Diezma, ganadora en una convocatoria al efecto. El pintor tomó como punto de partida la revisión de algunos lugares comunes de la tradición figurativa, sobre todo del legado barroco y sus bodegones marineros.

Por otro lado, crece el apartado ARTESANTANDER Talks, destinado al intercambio de experiencias entre coleccionistas, comisarios, artistas y profesionales del sector. Se sumarán esta vez Fernando Sánchez Morote, Sara Navarro y Borja Fernández-Cobaleda; además, en una mesa redonda sobre el programa Confluencias charlarán el comisario independiente Juan Francisco Rueda y Beatriz Herráez, directora de Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria. Otros comisarios en ARTESANTANDER serán Omar Pascual Castillo, Dalia de la Rosa, Laura Cobo, Alicia Riva y Cristina Anglada.

Un año más, la feria contará con la sección ARTESANTANDER Editorial, que da a conocer el trabajo de editoriales y librerías centradas en la divulgación del arte contemporáneo. Los sellos escogidos para participar en esta edición son Turner (Madrid), Carmen Alonso Libros (Santander), Cendeac (Murcia), Planabooks Editorial (Madrid), Head Take Away (Multiva, Navarra) y Caja Negra Editora (Buenos Aires/Madrid).

Hay que reseñar que se incrementa el número de galardones a entregar en la muestra. Este 2025, la feria otorgará un nuevo Premio de Residencia en el Centre d’Art Contemporani Piramidón de Barcelona, destinado a uno de sus artistas. Su dotación consiste en una estancia de dos meses en 2026, durante los que el seleccionado podrá desarrollar su práctica en un entorno profesional y creativo, con alojamiento y zona de trabajo. Este premio se une al segundo Premio de la Residencia Artística Celestino Cuevas, que dirige en Reinosa el artista y profesor José Aja.

Por primera vez se fallará, igualmente, el Premio de Adquisición Eurostars Hotel Company, que seleccionará obra para su colección. Y otros premios de adquisición de colecciones privadas se incorporan también: los de la Colección El Cagigal, la Colección Salvador Ranero, Wadström Tönnheim Collection, la Colección Navacerrada, la Kells Art Collection, Mouro Producciones y la Colección Rucandio.

El Premio Exposición Museo Nacional de Altamira reconocerá a uno de los artistas en la feria para realizar una exposición individual dentro de su programa de arte contemporáneo y el Premio Exposición Puerto de Santander escogerá a otro para exponer su obra en alguno de los espacios patrimoniales recuperados para la actividad ciudadana del Puerto de Santander: la Nave Sotoliva, el Centro de Arte Cabo Mayor o el Palacete del Embarcadero.

Dos galerías mallorquinas de trayectoria relevante se han aliado para poner en marcha una nueva firma: LA BIBI + REUS, con el objetivo de adquirir una posición de fuerza en el mercado nacional e internacional y atraer a esta isla un mayor coleccionismo, además de aligerar los trámites burocráticos. Miquel Campins (antes La Bibi) será director del proyecto tras su alianza con Fran Reus, que conducía la sala del mismo nombre.

Según este último, unirnos bajo el nombre LA BIBI + REUS fue, para nosotros, algo orgánico y natural. Tanto Miquel como yo buscamos aportar nuestras identidades particulares a un proyecto conjunto que nos permita ser más competitivos, ofrecer mejor experiencia y llegar a más sitios.

Desde sus inicios hace más de dos décadas, Reus ha trabajado con artistas emergentes, favoreciendo su presencia en ferias internacionales y en instituciones públicas, mientras que La Bibi, fundada en 2021, exploraba fundamentalmente los límites del lenguaje artístico.

En Palma de Mallorca, LA BIBI + REUS CITY contará con un espacio de más de quinientos metros cuadrados de exposición entre las calles San Miguel y Sindicato, que abrirá sus puertas en junio. A seis kilómetros, en Establiments, se situará su segunda sede: una antigua fábrica de tela de llengües (las clásicas mallorquinas), que se denominará LA BIBI + REUS COUNTRY. Y habrá una tercera, donde se pondrá en marcha un programa de residencias.

En cuanto a sus artistas representados, por parte de Fran Reus se unen Bel Fullana, Marian Garrido o Abel Jaramillo, entre otros, mientras que La Bibi sumará a creadores como Alejandro Javaloyas, Grip Face o Fátima de Juan.

El primer proyecto conjunto de LA BIBI + REUS tendrá lugar este fin de semana en ARCO Lisboa; en la capital portuguesa exhiben trabajos de Irati Inoriza y Alejandro Javaloyas.

Solo unos días después, desde el 5 de junio y dentro del Art Palma Summer, inaugurarán una exposición individual y una conjunta, en las que podrán verse piezas de Fausto Amundarain, SRGER, Paul Riedmüller, Miquel Ponce, Marian Garrido, Maite y Manuel, José Fiol, Irati Inoriza, Grölund – Nisunen, Grip Face, Fátima de Juan, Callum Green, Bel Fullana, An Wei, Alejandro Javaloyas y Abel Jaramillo. Será en su centro del casco histórico de Palma.

Respecto a las residencias artísticas, pasarán por la galería este verano Noah Schneider (junio), Paula Valdeón (julio) y Yann Leto (agosto).

La Fábrica ha anunciado hoy que la galerista Elvira González recibirá el Premio Alberto Anaut. Impulso a la Cultura, en su segunda edición.

El galardón reconoce su trayectoria: desde la fundación de la Galería Theo en 1966, junto a Fernando Mignoni, y después con la Galería Elvira González, ha contribuido a enriquecer el panorama artístico nacional, así como a aportar una estructura, en aquellos años solo esbozada, al mercado del arte en España.

Pionera en exhibir en nuestro país la producción de autores como Rodin, Juan Gris, Fontana o Francis Bacon, su galería ha sido, además, plataforma para el conocimiento de figuras europeas y estadounidenses como Donald Judd, Alexander Calder, Dan Flavin, Richard Serra o John Chamberlain. El jurado ha recordado también su rol como  difusora, gestora y mecenas y su influencia en la consolidación de colecciones, museos y ferias. Según su acta, su audacia y valentía han alcanzado un carácter sobresaliente al apostar por el arte cuando su reconocimiento era escaso o nulo, promoviendo artistas y transformando el contexto del arte contemporáneo en nuestro país.

El Premio Alberto Anaut. Impulso a la Cultura fue creado el año pasado para homenajear a la figura de Alberto Anaut y reconocer a profesionales que, como él, hayan contribuido al desarrollo y fortalecimiento de la cultura en España desde actividades que no suelen alcanzar el conocimiento público: el comisariado, la programación, la producción, el mecenazgo o la gestión. En su primera entrega fue para Alfonso Aijón, fundador de Ibermúsica.

El galardón se entregará el próximo 24 de junio en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Nacida en Madrid en 1937, Elvira González se dedicó a la danza antes de trasladarse a vivir a París en 1963. En 1966 regresó a Madrid y fundó con Fernando Mignoni la mencionada Galería Theo, que codirigió durante un cuarto de siglo y que fue una de las primeras galerías de arte moderno y contemporáneo en abrirse en España. Por sus salas pasaron Josef Albers, Bacon, Joan Miró, Jesús Soto, Eduardo Chillida, Antoni Tàpies, Gerardo Rueda, Fernando Zóbel, Gustavo Torner, Eusebio Sempere o César Manrique.

En 1994 fundó su propia galería, bajo su nombre, en la que ha dedicado muestras a Alexander Calder, Eduardo Chillida, Adolph Gottlieb, Donald Judd, Pablo Picasso o Mark Rothko. En 1999 se le otorgó la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, en 2011 obtuvo la Medalla al Mérito en el Trabajo y, en 2013, el Premio de la Fundación Arte y Mecenazgo en la categoría de galerista.

El arte de los virreinatos americanos es uno de los ámbitos en los que el Museo del Prado busca incrementar sus colecciones; a ese fin responde la incorporación en depósito, anunciada esta semana, de dos retratos del siglo XVIII que se llevaron a cabo en el Virreinato del Perú, gracias a la generosidad de la Fundación Don Álvaro de Bazán.

Representan a doña Joaquina Nimpha de Carvajal y Vargas, condesa del Puerto, y a su marido, don Fermín Francisco de Carvajal-Vargas y Sotomayor y Alarcón, y se atribuyen al pintor local Pedro José Díaz. Su importancia reside en que constituyen un ejemplo relevante de la sofisticación que llegó a alcanzar ese género de la retratística virreinal en la segunda mitad del siglo XVIII.

Doña Joaquina se casó en 1741 con su primo Fermín Francisco de Carvajal-Vargas. Años después, en 1753, heredó de su madre el título de Correo Mayor de las Indias, del que también dispondría su esposo a partir de 1755, cuando fue aprobado por Carlos III, monarca resaltado en los retratos a través de las divisas en los escudos de armas. Bonitas joyas adornan el vestido de la modelo, mientras otras descansan sobre la mesa de tocador, en cuyo espejo se refleja la mano de la dama portando un pasador.

En cuanto a don Fermín, nacido en 1722 en Chile, fue alcalde ordinario de Lima, capitán de caballería y Correo Mayor de las Indias hasta que el título fue suprimido en 1768, tras la incorporación del Correazgo a la Corona de España. En 1771 ascendió a comandante de los Reales Ejércitos, un grado incluido en un estado anterior de la inscripción en su retrato. En 1791 obtendría la Orden de Carlos III, fecha aquella en la que fue sobrepintada su indumentaria de comandante con la de teniente general, grado que recibió en 1789. Falleció en 1797 en Madrid.

Pedro José Díaz, su autor, fue uno de los retratistas más destacados de Lima en las décadas finales del virreinato. Permaneció activo entre 1771 y 1814 y solo se conserva una obra suya en España, además de estas composiciones: el retrato del virrey Don Manuel de Amat y Junyent, realizado en 1772 y atesorado por el Museu Nacional d´Art de Catalunya.

El pasado 11 de mayo Jaume Plensa ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando con un discurso titulado Del “Yo” al “Nosotros”, que fue contestado por el historiador Víctor Nieto.

La candidatura del escultor como académico de número en la sección de esa disciplina fue presentada en 2022 por el también escultor Juan Bordes Caballero y los catedráticos Simón Marchán Fiz y Víctor Nieto Alcaide.

Desde hace cuatro décadas, Plensa ha dado forma a una producción diversa: esculturas de grandes dimensiones, encargos públicos para espacios abiertos, escenografías y vestuarios para ópera y teatro; también ha llevado a cabo piezas de formatos más íntimos: dibujos, estampas, libros de artista y obras múltiples sobre papel. Esta heterogeneidad, y los significados múltiples que impregnan su trabajo, se asocian siempre a una triada compuesta por el signo, la palabra y el cuerpo.

En su discurso intercaló Plensa poemas, reflexiones, memorias, dudas y deseos y exaltó la belleza como “vínculo que nos une a todo y a todos”, un “lugar” de encuentro. También defendió la importancia del arte en nuestros días y la necesidad de crear un entorno de luz y belleza en el entorno cotidiano en el que cada individuo pueda encontrar sus capacidades para crecer.

En las últimas semanas, el Museu Nacional d´Art de Catalunya ha recibido dos importantes donaciones. Una de ellas, realizada por Antonio Sagnier, contribuirá a la formación de la colección de arte catalán de posguerra y segunda vanguardia en este centro: se trata de la escultura Première mère, de Parvine Curie (Nancy, 1936), fechada en 1969-1970.

Fue adquirida por ese coleccionista con la intención de donarla al MNAC, se ejecutó en bronce y es característica del estilo de un momento pleno de Curie. En la senda de Oteiza, Chillida o Barbara Hepworth, esta artista exploraba el potencial expresivo del objeto tridimensional: volumen, masa, superficie y vacío, pero esos aspectos formales se completan con una dimensión simbólica, consistente en la referencia a la maternidad a través de estructuras arquitectónicas que aluden a casas o edificios sólidos que protegen su núcleo interior, un tema recurrente en las creaciones de la francesa.

No hace mucho la obra de Curie se sumó al fondo permanente del Centre Pompidou parisino, que también la incluyó en la reciente exposición “Elles font l’abstraction”. Y el MNAC había ingresado otras obras suyas últimamente: una serie de tres esculturas de cerámica a través de la Col·lecció Nacional d’Art Contemporani de la Generalitat de Catalunya, y un conjunto de dibujos donados por la propia artista. Son creaciones de su primera época, cuando vivía en Cataluña, trabajando bajo la influencia del románico catalán, y aún firmaba como Arlette Martí.

Asimismo, ha recibido el MNAC un conjunto de media docena de óleos, veintisiete dibujos y un libro de Helios Gómez procedentes de la colección personal que el artista conservaba en su poder. Esas piezas, correspondientes a distintas etapas del autor, habrán ahora de documentarse y estudiarse y se suman a las tres pinturas, igualmente propiedad del hijo de Gómez, que han sido adquiridas por el Museu, aunque previamente estaban en depósito: Evacuación, Agro Andaluz y Dolor aerotransportado (paracaídas con ojo).

Esta última donación enriquecerá el acervo de este centro en torno a la Guerra Civil y la dictadura, que ya supone un referente para el arte de ese período y que se nutre de un centenar de obras de cuarenta creadores.

El sevillano, pintor, cartelista y poeta, fue un relevante artista gráfico y se ocupó de cerámicas, escenas religiosas o publicitarias. Viajó por distintas ciudades europeas, por razones de exilio político o a causa de revoluciones artísticas y sociales, hasta asentarse en Barcelona, donde impulsó distintas causas hasta su muerte bajo el signo del anarquismo y el comunismo antiestalinista. Es responsable de la Capilla Gitana de la prisión Modelo de Barcelona, que pintó entre 1945 y 1954, estando él encarcelado, y que actualmente se está restaurando.

La artista madrileña Almudena Lobera transforma, hasta el 8 de junio de 2025, la tercera planta de CentroCentro modificando su estructura mediante una intervención sensorial. A través del color ha hecho suya la franja definida por la barandilla de vidrio que delimita las salas expositivas, dando lugar a una especie de piscina cuyo nivel de agua se eleva hasta el cuello, proponiendo al espectador una experiencia de inmersión.

Este gesto deviene un punto de partida para su exhibición, “Secuencia Plano Secuencia”, que, además, dialoga con la arquitectura del edificio al generar una simetría bilateral. Ha articulado Lobera una atmósfera de palíndromo y déjà vu, atendiendo a las características de este conjunto de salas, a las que se puede acceder desde dos puntos distintos. El recorrido del espectador se convierte, así, en una reflexión permanente entre dos estados contrarios: el de lo objetivo y racional y el de lo subjetivo y espiritual.

Contemplaremos también la serigrafía Donde comienza el interior (2021), que contiene claves necesarias para adentrarse en la muestra: representa una piscina que contiene en su interior un universo, junto a una escalera que conecta con el exterior. En esta pieza, el agua se extiende infinitamente, proponiendo una meditación sobre la inmensidad. Dicha imagen de la piscina, plena de simbolismo, pasa a ser el centro de la propuesta, consolidándose como metáfora de los límites de la percepción y de las tensiones entre lo finito y lo infinito.

Asimismo, a través de nuevas obras de dibujo, escultura, instalación y vídeo, Lobera despliega una iconografía representativa de sus obsesiones, que pasan por lo ambiguo, lo transitorio y las delgadas divisiones entre lo real y lo ficticio. Se propone, en definitiva, al público poner en cuestión sus percepciones y participar en una inmersión expositiva que trasciende la observación.

Nacido en 1982 en Reino Unido y residente entre Berlín y Copenhague, Ed Atkins ha sido reconocido por sus vídeos y animaciones generados por ordenador. Empleando tecnologías contemporáneas por caminos inesperados, su obra explora la creciente brecha entre el mundo digital y los sentimientos humanos y adopta técnicas de la literatura, el cine, los videojuegos, la música y el teatro para examinar los nexos entre la realidad, el realismo y la ficción.

Hasta el próximo 25 de agosto, una muestra en la Tate Britain revisa toda su carrera, recorriendo sus proyectos con imágenes en movimiento de los últimos quince años, escritos, pinturas, bordados y dibujos. Unos y otros confrontan la ingravidez de la vida digital con los condicionamientos físicos del peso y el tacto.

Este autor se vale de sus propias experiencias, sentimientos y de su cuerpo para indagar en temas ligados a la intimidad, el amor y la pérdida. La exhibición, justamente, representa para él una reinvención de las realidades desordenadas y desmoronadas de su existencia.