El Museo del Prado suma a sus fondos, como depósito temporal durante un año, una de las obras más destacadas entre las que formaron parte de su reciente exposición sobre la Virgen de Guadalupe.

Nos referimos a una pintura de gran formato, elaborada con la técnica del enconchado, que representa a esta Virgen y que proviene del antiguo convento de la Preciosísima Sangre de Castellón de la Plana. Podrá contemplarse en la sala 18 del edificio Villanueva.

La técnica de los enconchados fue creada en Nueva España y se practicó entre finales del siglo XVII y principios del XVIII. Se inspira en las lacas japonesas namban, destinadas a la exportación, y consistía en incrustar láminas de nácar sobre un panel de madera; después se pintaban con capas muy ligeras de pigmento, lacas y barnices, dejando visible el brillo de la concha. A veces se añadían polvos de oro y plata para subrayar su efecto iridiscente.

Con este procedimiento se llevaron a cabo obras religiosas, biombos y tableros suntuosos que, a veces, se exportaron a España. En este caso, las teselas de concha cubren toda la figura de la Virgen de Guadalupe, salvo las encarnaciones.

Su gran tamaño se debe a que se planteó como una copia fiel de la original (en tamaño real), a la que se añadieron las cuatro apariciones de la Virgen y un marco con uvas, flores, pájaros y mariposas. Se trata de una de las mejores obras en enconchado conservadas y de una de las dos Guadalupes de mayor tamaño conocidas: la otra, de factura parecida, pero con marco de plata, se encuentra en la parroquia de San José de Tlaxcala, en México.

El convento de la Preciosísima Sangre castellonense, fundado a finales del siglo XVII y con patronazgo real desde 1697, reunió un importante patrimonio artístico en el siglo XVIII. Tras el traslado de la comunidad de capuchinas al Monasterio del Santísimo Nombre de Jesús de Barbastro en 2012, esta obra permaneció en el edificio del antiguo convento, sin poder ser contemplada por el público.

Este año se cumple una década del nacimiento de Urvanity (después UVNT Art Fair) y Sergio Sancho, director y fundador de esta iniciativa y de CAN Ibiza, ha decidido fundirlas ambas bajo la misma marca y convertir la cita madrileña en CAN Art Fair.

Bajo su nueva denominación, la muestra tendrá lugar del 5 al 8 de marzo de 2026 con Matadero Madrid como sede y contará con el mayor número de expositores de su trayectoria: más de medio centenar.

Habrá novedades: la próxima edición de la feria inaugurará la sección Counterflow, que tendrá como comisario a Saša Bogojev, curador de CAN Art Fair Ibiza desde su primera edición. Además, el programa CAN Design, que se estrenó en Ibiza este pasado verano con propuestas que favorecían la intersección entre arte y diseño, se incorporará igualmente a la edición madrileña.

También se unirá a la feria el apartado Solo/Duo Projects, donde se mostrará el trabajo de galerías que participen por primera vez; lo harán con presentaciones monográficas de uno o dos artistas.

De nuevo tomará protagonismo la creación latinoamericana: Foco LATAM, bajo el comisariado de Christian Viveros-Fauné, se organizará en torno al concepto de Nuevos Surrealismos. Y las salas noveles se sumarán, asimismo, al programa Young Galleries, en el que tomarán parte ocho galerías con menos de tres años de recorrido.

El fotógrafo zamorano Antonio Guerra ha resultado ganador de la cuarta edición del Premio Internacional Ankaria Photo, por su proyecto Elevar la tierra, desaparecer. Se trata de un trabajo a medio camino entre la fotografía, la escultura y la instalación y centrado en los paisajes transformados por la minería en Fabero (León) y Riotinto (Huelva), que el artista contempla como un laboratorio de imágenes y memorias.

Consta esa propuesta de piezas que reutilizan materiales de desecho -cartuchos de tinta, lodos mineros, pigmentos y líquidos de balsas de residuos- para alumbrar nuevos paisajes visuales en los que la naturaleza y la tecnología se entrelazan.

Interesan a Guerra la fragilidad de los territorios posmineros, la tensión entre destrucción y regeneración y las opciones del arte para revelar otros futuros posibles. Técnicas como el Ochralumen -papeles fotosensibles expuestos en antiguos pozos mineros convertidos en cámaras oscuras naturales- o el deterioro deliberado de fotografías con residuos industriales le sirven para vertebrar un imaginario que invita a mirar de otro modo aquello que hemos dado por perdido.

El segundo premio del certamen ha sido para el murciano José Quintanilla, por su trabajo Giverny. Impression, soleil levant, que se inspira en la obra de Monet y en los jardines de aquel enclave que llevó a sus lienzos. Quintanilla propone un retorno al impresionismo desde la fotografía del siglo XXI y una invitación a cuestionar la naturaleza de la imagen en un mundo saturado de ellas, incidiendo en cómo la luz y el color pueden transformar nuestra percepción. Una percepción que no consiste en ver lo real, sino en interpretarlo. Entiende el de Yecla que la foto, que en su origen impulsó una reinvención de la pintura, hoy puede acercarse de nuevo a ella de la mano de las técnicas de impresión digital.

Trabaja con cámara analógica de medio formato y después digitaliza sus negativos, dando prioridad al juego de luces y colores sobre las formas. Elimina el negro y se centra en los colores primarios y complementarios, tal y como hacían los impresionistas, para convertir sus imágenes en impresiones que parecen pinturas. El resultado son grandes piezas en papel de algodón Hahnemühle, donde los jardines de Giverny nos resultan irreales y vibrantes.

Al Premio Internacional Ankaria Photo, convocado por la Fundación Ankaria, habían concurrido en esta edición más de doscientos artistas visuales internacionales con propuestas que apuntaban al futuro de la fotografía.

El primer premio está dotado con 3.000 euros y el segundo con 2.000, además de formar parte, las piezas galardonadas, de la exposición que la Fundación Ankaria prepara con los proyectos distinguidos hasta ahora en este certamen.

El jurado del Premio Internacional Ankaria Photo 2025 ha estado compuesto por Ricardo Martí Fluxá, presidente de la Fundación Ankaria; Saleta Rosón, patrona de la Fundación Ankaria; José María Luna, director de Actividades Culturales de la Fundación Bancaria Unicaja y patrón de la Fundación Ankaria; María María Acha-Kutscher, artista ganadora de la anterior edición; Claude Bussac, directora de Estudios Artísticos de Casa de Velázquez;  Sema D´Acosta, crítico de arte, docente e investigador y comisario del Premio Ankaria Photo; e Isabel Elorrieta, directora de la Fundación Ankaria, como secretaria.

La Fundació Mies van der Rohe de Barcelona acoge, del 18 de septiembre al 5 de octubre, Lost Limits, una intervención de la artista e intérprete austríaca Anne Glassner y la escultora alemana Marit Wolters, en el marco de Barcelona Gallery Weekend y de SWAB.

Las esculturas de Wolters aluden a la presencia: se trata de construcciones efímeras que siempre se relacionan con el espacio que ocupan y subrayan el potencial de los materiales; mientras que las acciones de Glassner derivan de la observación minuciosa de los actos cotidianos.

Esta colaboración que recala en Barcelona surgió tras sus exposiciones conjuntas en 2021 y 2022 en la Villa Tugendhat de Brno, en la República Checa, igualmente obra de Mies van der Rohe junto a Lilly Reich. En la capital catalana nos ofrecen una intervención que integra sus respectivos lenguajes para generar un diálogo entre la arquitectura y la naturaleza; también entre lo público y lo privado, lo doméstico y lo expositivo, el que mira y lo observado.

Contemplaremos una serie de esculturas de hormigón realizadas por Wolters, inmersas en el agua del estanque del Pabellón, que remiten visualmente al mármol travertino que las rodea. En cuanto a la performance, introduce una noción de domesticidad poco habitual en este complejo: ambas artistas, vestidas con ropa de camuflaje que las fundirá con la arquitectura, llevarán a cabo gestos cotidianos —como sentarse, caminar, tumbarse, beber, comer o jugar— que cobrarán nuevos sentidos en este contexto. El visitante pasará a formar parte de la obra, y su presencia podrá interrumpir o redirigir el movimiento de las dos intérpretes.

Tanto para Glassner como para Wolters, trasladar actividades cotidianas del ámbito privado a un espacio público como el Pabellón implica devolver intimidad a este último. Con Lost Limits, proponen al visitante tomar conciencia de cómo gestos sencillos, como regar una planta o modificar nuestra postura, pueden hacernos dialogar con la arquitectura.

La obra, además, invita a percibir cómo el mismo Pabellón, los objetos y la presencia humana pueden converger para difuminar fronteras y estimular la reflexión sobre aquello que se oculta y lo que se revela, sobre la ausencia y la presencia, en último término sobre el arte y la vida.

El artista californiano ARYZ – Octavi Arrizabalaga se formó en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona y en la capital catalana inició su trayectoria en los años 2000, en principio centrándose en la realización de murales.

Desde hace aproximadamente un lustro ha trabajado fundamentalmente en su estudio y en pinturas y grabados, aunque no haya dejado de llevar a cabo intervenciones en espacios singulares.

La Galería Senda le dedica la exposición “Preludio”, que consta de óleos de gran formato en los que este autor se relaciona con sus maestros, que son también maestros de la pintura. Con estas piezas, Aryz pretende reconocer la impronta del pasado en su andadura y reivindicar su oficio.

La Comunidad de Madrid ha concedido su Premio APERTURA 2025 al colectivo Los Torreznos (compuesto por Rafael Lamata y Jaime Vallaure), por su obra Las opiniones (2025), que puede verse en la Galería Freijo, en el marco de su exposición “Campos semánticos”.

La pieza será adquirida por el Gobierno regional e ingresará en la colección del Centro de Arte Dos de Mayo en Móstoles. Este galardón, dotado con 15.000 euros, reconoce la calidad de uno o más artistas que participen en las ediciones anuales de APERTURA Madrid Gallery Weekend, la cita con la que la asociación de galerías Arte Madrid estrena el curso expositivo cada septiembre desde hace dieciséis años.

El jurado del premio ha estado formado por Ferran Barenblit, miembro de la Comisión Asesora para la Adquisición de Obras de Arte de la Comunidad de Madrid; Sandra Guimarães, directora del Museo Helga de Alvear; Tania Pardo, directora del Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid; María Asunción Lizarazu de Mesa, técnico del Museo Centro de Arte Dos de Mayo; Manuel Lagos Gismero, director general de Cultura e Industrias Creativas de la región; Asunción Cardona Suanzes, subdirectora general de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid; y Juana Arana, asesora de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte.

En el pasado mes de julio finalizó el plazo de presentación de candidaturas al Premio BMW de Pintura, que cumple cuarenta años. Han concurrido al galardón 1.904 artistas, entre las categorías de pintura (1.689) y arte digital (215).

El jurado ha seleccionado ya los trabajos preseleccionados: treinta en la categoría de pintura y once en la de creación digital; los finalistas (ocho y cuatro en esas modalidades) los conoceremos en el mes de octubre y la entrega de premios tendrá lugar en noviembre.

El jurado está compuesto por el artista Antonio López; Miguel Zugaza, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao; Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, fundadora y presidenta de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo; Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza; y Lucía Casani, directora de la Fundación Daniel y Nina Carasso.

En lo relativo al Premio BMW de Pintura, los preseleccionados son Amaya Suberviola, An Wei Lu Li, Andrea Leria Oses, Carlos Cañadas Ortega, Clara Sánchez Sala, Cristina Mejías, Daniel de la Barra, Elisa Pardo Puch, Elvira Amor, Fermín Moreno Martín, Guillermo Velasco Páez, Ignacio Martínez Vergara, Igor Arrieta Varela, Imon Boy, Jose Castiella, José Ramón Amondarain, Kepa Garraza, Marc Badía Quintana, Marta Beltrán Ferrer, Natalia Suárez Ortiz de Zárate, Nuria Mora, Óscar Seco, Pedro Gamonal, Pepe Baena, Silvia Olabarría, Simón Sepúlveda, Taxio Ardanaz Ruiz, Txus Meléndez Arranz y Víctor González.

Los preseleccionados en la categoría del Premio BMW de Arte Digital son, por su parte, Abel Jaramillo, Amaya Hernández Sigüenza, Chino Moya, Elaia Blades, Elisa Villota Sadaba, Irati Cano Alkain, Jorge Otero López, Juan Carlos Bracho Jiménez, Katherinee Fiedler, Marcos Santiago Colombo Migliorero y Yese Astorla.

El Museo del Greco ofrece, hasta el próximo 5 de octubre de 2025, la muestra “Pizarro y Villaamil. Una visión del Toledo romántico”. Al margen de estos autores, el protagonista del proyecto es el monasterio de San Juan de los Reyes, situado dentro de la judería toledana, que a mediados del siglo XIX se hallaba en ruinas tras la Guerra de Independencia y la desamortización de Mendizábal.

Monumentos como ese atrajeron a la ciudad castellana a viajeros y artistas románticos que, como los mismos Cecilio Pizarro y Genaro Pérez Villaamil, creyeron encontrar aquí el recuerdo de un pasado mítico y la belleza de los muros ajados por el tiempo.

La junta de gobierno del Museo de Bellas Artes de Asturias, presidida hoy por la consejera de Cultura, Política Llingüística y Deporte del Gobierno asturiano, Vanessa Gutiérrez, ha aprobado la propuesta de una comisión de expertos para nombrar directora-gerente de esa pinacoteca ovetense a María López-Fanjul y Díez del Corral.

Este comité, encargado de valorar las candidaturas participantes en un concurso público para seleccionar la dirección, ha estado presidido por Leopoldo Tolivar Alas y compuesto por Miguel Falomir, director del Museo del Prado; Javier Barón, jefe de la colección de pintura del siglo XIX del mismo centro; María Bolaños, historiadora del arte y exdirectora del Museo Nacional de Escultura; Soledad Álvarez, catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Oviedo; y María Auxiliadora Llamas, presidenta del Comité Español del Consejo Internacional de Museos (ICOM). La comisión se completó con la vocal de la junta de gobierno del Museo de Bellas Artes, Elisa Collado, y fue secretario Jaime Hidalgo, a su vez secretario general técnico de la consejería de Cultura.

López-Fanjul es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de Florencia, y máster en Gestión de Museos y Galerías por la City University of London. Se doctoró en el Courtauld Institute of Art de la Universidad de Londres, con una investigación dedicada al coleccionismo y las prácticas curatoriales.

Comenzó su trayectoria profesional en el Museo Reina Sofía y en el Victoria and Albert Museum de Londres, más tarde trabajó en la Fundación “la Caixa” y el Museo del Prado, y desde 2012 forma parte de los Museos Estatales de Berlín, donde ha sido jefa de conservación del Bode-Museum, encargada de las colecciones de arte italiano posterior a 1500 y de la colección española.

A lo largo de su carrera, la próxima responsable del Museo de Bellas Artes de Asturias ha comisariado exhibiciones como “El Siglo de Oro. Die Ära Velázquez” (2016–2017), la serie “Der zweite Blick” (2019 y 2021), “Klartext: zur Geschichte des Bode-Museums” (2020) y “Spanische Dialoge. Picasso aus dem Museum Berggruen” (2023). También ha sido directora artística de la Spanish Gallery en Bishop Auckland, en Inglaterra.

María López-Fanjul sustituye en el cargo a Alfonso Palacio, que en noviembre de 2024 asumió la dirección adjunta de conservación e investigación del Museo del Prado.

La galería pacense Ángeles Baños inicia el curso expositivo con la muestra “Cuerpos celestes”, dedicada a Emilio Gañán. Este autor extremeño, que viene conjugando en sus trabajos rigor geométrico y sensualidad, exhibirá, desde el 5 de septiembre, piezas abstractas en las que plantea el espacio pictórico como sistema relacional. Se vale de formas que, pese a estar cuidadosamente definidas, no remiten a objetos que el espectador pueda reconocer, sino a una reformulación del pensamiento cubista en líneas, planos y colores.

Sus construcciones son precisas, pero no rígidas: admite los márgenes de variación y las oscilaciones.

La firma Gagosian ha anunciado que representará desde ahora al cotizado y controvertido Jeff Koons, cuya obra transita entre la cultura de masas, la historia del arte y el espectáculo.

Durante algo más de dos décadas, Gagosian ya había ofrecido trece exposiciones suyas en Beverly Hills, Hong Kong, Londres y Nueva York, mostrando esculturas y pinturas de series como Celebration (1994-2019), Easyfun-Ethereal (2000-2002), Popeye (2002-2013), Hybrid (2003-2013), Hulk Elvis (2004-2008), Antiquity (2008-2009) y Gazing Ball (2012-2013). En 2014 presentó su pieza Split-Rocker (2000) en el Rockefeller Center de Nueva York, una escultura monumental cubierta con más de cincuenta mil plantas con flores, coincidiendo con la retrospectiva que entonces le brindaba el Whitney Museum.

Koons alcanzó celebridad a mediados de la década de los ochenta como miembro de una generación de artistas que exploraban el significado del arte y el espectáculo en una era saturada de imágenes. Desde su intención declarada de “comunicarse con las masas”, se vale de construcciones conceptuales —incluyendo lo antiguo, lo cotidiano y lo sublime— para alumbrar íconos lujosos que, bajo su seductora apariencia, involucran al espectador en un diálogo metafísico con la historia cultural.

Nacido en York, Pensilvania, en 1955, estudió en el Maryland Institute College of Art de Baltimore y en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, donde se licenció en Bellas Artes en 1976. Desde su primera exposición individual en 1980, su producción ha evolucionado desde pequeños ensamblajes de juguetes y objetos encontrados hasta sus creaciones monumentales, que incluyen enormes animales ejecutados con globos de acero inoxidable pulido a espejo, así como esculturas topiarias con flores, como Puppy (1992), que se exhibe de forma permanente en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Sylvain Amic, director desde el año pasado del Musée d´Orsay de París, ha fallecido a los 58 años de edad y de forma repentina.

Nacido en Dakar en 1967, fue maestro de escuela antes de emprender su andadura como conservador en el Instituto Nacional del Patrimonio francés. Se encargó de la reestructuración y redefinición del proyecto científico y cultural del Musée Fabre de Montpellier, donde, como ha recalcado Rachida Dati, ministra de Cultura, defendió su apertura a todos los públicos y manifestaciones culturales, para más tarde quedar al frente de los tres principales museos de Rouen y, desde 2016, de la Réunion des musées métropolitains – Rouen Normandie, que agrupaba once centros de la región.

Comisarió el festival Normandie Impressionniste, creó Temps des collections y afirmó en unos y otros cargos la necesidad de implantar una noción dinámica de los museos, que debían desarrollarse, en su opinión, en renovación constante.

En el marco del Programa Iberdrola-Museo de Conservación y Restauración, destinado a asegurar la integridad material de sus obras de arte para una adecuada conservación y exhibición, el Museo de Bellas Artes de Bilbao ha podido acometer la intervención sobre La Anunciación (hacia 1485-1490) de Pedro Berruguete, uno de los pintores más representativos de fines del siglo XV en España.

Esta obra, cedida en comodato por la colección Arburua a cinco años, ha permanecido hasta ahora casi inédita y se expone hasta el 5 de octubre en el centro bilbaíno para favorecer su conocimiento y estudio tras esa restauración. Se han involucrado en ella la historiadora especialista en pintura hispanoflamenca y del primer Renacimiento Pilar Silva Maroto, jefa de Conservación en el Museo Nacional del Prado hasta 2017, quien ha estudiado la tela desde un punto de vista histórico y estilístico en el contexto de otras pinturas del autor que tratan la misma iconografía; Elisa Mora Sánchez, restauradora del Museo del Prado hasta 2021, que se ha centrado en el tratamiento de sus aspectos materiales; y Mayte Camino Martín, restauradora de marcos de la pinacoteca madrileña, que ha atendido a sus dorados. Ha coordinado el proyecto José Luis Merino Gorospe, conservador de Arte Antiguo del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Se desconoce su origen, pues esta Anunciación sólo está documentada por una fotografía datada en 1916, pero se cree que la obra fue restaurada antes de formar parte de los fondos Arburua, probablemente en los cincuenta. Por su estilo, el propio de Berruguete a su regreso de Italia y en línea con otras tablas del autor, se integraría en un retablo con escenas de la vida de la Virgen que fue llevado a cabo hacia 1485-1490, quizá para alguna iglesia de la provincia de Palencia.

Atendiendo a la iconografía tradicional de este motivo, la escena se emplaza en un interior palaciego cuya profundidad se diseña a partir de las líneas de fuga de la arquitectura y, sobre todo, de las baldosas del suelo, que ocupa la mitad inferior de la estancia. En la superior apreciamos un rico tapiz dorado que cuelga en la pared del fondo y subraya la solemnidad del anuncio.

La Virgen María, con túnica roja y manto azul, se detiene en la lectura de los textos sagrados para atender al mensaje de san Gabriel; éste, suspendido en el aire, porta en su mano izquierda un cetro con la filacteria de saludo a María y le avanza que va a ser madre de Jesús. La paloma del Espíritu Santo sobrevuela el conjunto. La luz de la composición, por su parte, procede sobre todo de la derecha y genera las sombras que derivan del atril de madera, el vaso con flores o el ángel suspendido en el aire. A la izquierda, un arco antecede un pórtico con columnas que deja entrever un paisaje.

La sobriedad de elementos narrativos característica del arte italiano se compensa por el empleo abundante de oro -la colgadura del fondo, el nimbo, el cojín sobre el que se arrodilla la Virgen y la capa del ángel-, rasgo propio de la pintura castellana. La capa remite, por su rica decoración, a algunas obras de Van Eyck que Berruguete pudo estudiar durante su estancia en Urbino, mientras que, a la izquierda, la columna del pórtico evoca una arquitectura de aire italianizante y el banco a la derecha cuenta con una tracería propia del gótico castellano.

Nacido en Paredes de Nava (Palencia) hacia 1450 y fallecido en Madrid medio siglo después, Pedro Berruguete realizó su primera formación en Castilla junto a un pintor hispanoflamenco. Sus relaciones familiares (perteneció a una familia hidalga vizcaína) favorecieron que pudiera completar sus estudios en Italia.

Se sabe que acudió a Urbino, donde trabajó para el duque, al que representó en el Doble retrato de Federico de Montefeltro con su hijo Guidobaldo. Allí pudo conciliar el arte flamenco, en el que se había entrenado, con el italiano, además de tomar contacto con el arte clásico, aprender a representar el desnudo y la figura humana en movimiento, dotándola de volumen y monumentalidad.

De regreso a Castilla, Berruguete trabajó entre 1483, cuando se le documenta en la Catedral de Toledo, y fines de 1503, cuando falleció. Las obras que realizó en esos años difieren de las que hizo en Italia: se adaptó al gusto de los comitentes y al carácter de los encargos, en su mayoría retablos, que debía llevar a cabo en un plazo más corto y por un precio menor. Además, se apreciaba en las piezas la abundancia de oro, más que la mano del artista. De la originalidad de su estilo, su conocimiento del arte flamenco y del italiano y de la influencia que ejerció sobre él el ambiente castellano de su tiempo da cuenta la Anunciación de la Cartuja de Miraflores de Burgos (1495-1500), financiada por la reina Isabel la Católica.

Hasta el próximo 28 de septiembre y bajo el comisariado de Alicia Ventura, los artistas ganadores del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente, que ya ha cumplido nueve ediciones, exhiben sus trabajos en la Sala Amós Salvador de Cultural Rioja.

Este certamen reconoce proyectos basados en la recuperación de técnicas tradicionales: se invita a los participantes a idear obras en las que sus anhelos y técnicas contemporáneas entren en relación con la artesanía tradicional, en vidrio, cerámica, hierro, madera…

En este espacio de Logroño han recalado Álvaro Albaladejo Sierra, Elena Alonso, Irma Álvarez-Laviada, Pablo Capitán del Río, Jacobo Castellano, Diego Delas, Antonio Fernández Alvira, Marta Fernández Calvo, Fuentesal Arenillas, Patricia Gómez y María Jesús González, Irene Grau, Julia Huete, Almudena Lobera, Juan López, Asunción Molinos Gordo, Alberto Odériz, Mónica Planes, Belén Rodríguez y Leonor Serrano Rivas.

El próximo 18 de septiembre la Fondazione Prada de Milán abrirá al público “Sueño Perro”, una exposición basada en las intersecciones del cine y las artes visuales a cargo del cineasta mexicano Alejandro G. Iñárritu.

Para conmemorar el cuarto de siglo transcurrido desde el estreno de Amores Perros (2000), su ópera prima, esta propuesta mostrará material inédito ligado a los temas recurrentes del filme: el amor, la traición y la violencia. Podremos ver crudas viñetas, abandonadas en la sala de montaje y conservadas estos veinticinco años en el archivo fílmico de la Universidad Nacional Autónoma de México, que capturan realidades sociopolíticas interconectadas de Ciudad de México, a menudo vigentes décadas después.

Aprovechando la fuerza expresiva y la poesía visual de estas imágenes casi olvidadas, Iñárritu reinventa su impacto a través de un mosaico de celuloide y sonido. En el centro conceptual de la instalación que será eje de la exhibición se hallará un cierto homenaje a la materialidad de la película de 35 mm, cuyo grano físico, destellos y calidez sugieren nostalgia.

“Sueño Perro” es la tercera colaboración de la Fondazione Prada con Iñárritu, quien ya concibió el programa de cine “Carne, Mente y Espíritu” en Seúl (2009) y Milán (2016) y la instalación experimental de realidad virtual “CARNE y ARENA” en Milán (2017); esta última formó parte de la selección oficial del Festival de Cine de Cannes de ese año.

En el marco de la programación de PHotoESPAÑA en Segovia, el Palacio Quintanar dedica una muestra a Marcin Ryczek con el apoyo del Instituto Polaco de Cultura de Madrid.

Hasta el próximo 5 de octubre, podemos visitar “Símbolos”, proyecto en el que este fotógrafo propone una reflexión sobre la identidad, el paso del tiempo y la percepción a través de composiciones de cariz simbólico.

Ryczek, nacido en Lublin en 1982, explora el poder de dichos símbolos, su significado cultural y su influencia en el abordaje de la realidad en diferentes contextos. Sus imágenes hacen alusión a símbolos conocidos por un público amplio, como las banderas nacionales, pero también a otras referencias metafóricas, inspiradas en gráficos y formas geométricas o en ideas filosóficas.

El pasado mes de febrero conocíamos el fallecimiento de la coleccionista y mecenas Helga de Alvear, impulsora de una galería bajo su nombre en Madrid y de un museo de arte contemporáneo fundamental para la ciudad de Cáceres, que alberga sus fondos. Nacida en Kirn/Nahe (Alemania) en 1936, se formó en varios centros suizos y británicos antes de recalar en España para aprender castellano. Contrajo matrimonio entonces con el arquitecto Jaime de Alvear, con quien tendría tres hijas: María, Ana y Patricia.

Asidua del Museo del Prado, empezó a coleccionar arte a mediados de los sesenta, después de conocer a Juana Mordó, en cuya sala trabajó años más tarde, y de entrar en contacto con los artistas abstractos que entonces confluían en torno a Cuenca y con los ligados al grupo El Paso. De la mano de la propia Mordó profundizó en su conocimiento de la creación contemporánea y de la labor que implicaba la gestión de una galería; a la muerte, en 1984, de aquella marchante, se hizo cargo de su espacio durante una década, hasta que en 1995 optó por abrir uno nuevo con su nombre; su sede, muy amplia, se situó en Doctor Fourquet. Apostó desde entonces por la fotografía, el vídeo y la instalación y por la difusión en nuestro país de autores internacionales.

El Museo Helga de Alvear ha anunciado que le rendirá tributo, los próximos 20 y 21 de septiembre, en un programa primero privado y después abierto al público.

En la mañana del 20 de septiembre, personas cercanas al círculo de la coleccionista compartirán recuerdos en torno a la filántropa; ya por la tarde, a partir de las 18:00 horas, el centro celebrará su vida y legado con actividades para todos los interesados que se extenderán hasta la noche del domingo y que incluyen la apertura de un nuevo capítulo en las salas de exposición, un concierto de piano con el estreno de una pieza musical compuesta por María de Alvear para su madre, un concierto de jazz y visitas especiales, entre otras propuestas.

Inaugurará el Museo otra sección de “¿Puede el archipiélago entrar en el museo?”, estrenando salas expositivas con una selección de piezas que darán testimonio de la pasión de Helga de Alvear por la abstracción y el color, entre ellas algunas de las últimas adquisiciones de la coleccionista y obras nunca expuestas. Ese nuevo episodio de sus fondos, titulado “Nuevas islas para Helga: El sentido de la abstracción”, podrá visitarse desde la tarde del sábado 20 de septiembre de manera independiente o acudiendo a las visitas comentadas que se ofrecerán gratuitamente y de forma ininterrumpida el sábado y el domingo por la tarde. Podremos contemplar trabajos de Georg Baselitz, Ángela de la Cruz, Gerhard Richter, Agnes Martin o Ignasi Aballí, entre otros.

Ese mismo sábado por la tarde, a las 18:30 horas, los jardines del Museo acogerán el concierto de piano “Hommage an Helga”, a cargo de Juan Carlos Garvayo. Entre las obras musicales que interpretará, los asistentes disfrutarán de A otra cosa (2025), de la citada María de Alvear.

La velada musical continuará a las 20:30 horas, con un concierto de jazz del grupo Anaut, también en los jardines. Y al día siguiente, desde las 12:00 y hasta las 14:00 horas, bajo el título “Tributo chiquinino”, niños y jóvenes del Conservatorio Oficial de Música Hermanos Berzosa de Cáceres y FEMAE tocarán piezas en diferentes lugares del Museo Helga de Alvear.

Sandra Guimarães, directora del Museo, ha señalado: Todo lo que hacemos desde el Museo Helga de Alvear es un homenaje a su figura, pero queremos celebrar su vida y su legado con un primer gran tributo partiendo de la pasión a la que dedicó su vida: la Colección Helga de Alvear, con hogar en Cáceres. El legado de Helga nos inspira y nos invita a celebrar muchos futuros posibles. La pasión por el arte de Helga de Alvear estaba incrustada en sus palabras, gestos, actos y presencia, y sigue viva en cada obra de su colección, en cada espacio de su museo. Seguiremos trabajando con fuerza, resiliencia, confianza y esperanza para cumplir su sueño: transformar la vida de las personas a través del arte.

Todas las actividades del programa público serán de acceso gratuito hasta completar aforo, con reserva previa recomendada para las visitas guiadas.

PROGRAMA

Sábado, 20 de septiembre de 2025

18:00 – 23:00 horas
Apertura de “Nuevas islas para Helga: El sentido de la abstracción”, con visitas comentadas de forma ininterrumpida.

18:30 – 19:30 horas
Concierto de piano Hommage an Helga, incluyendo el estreno absoluto de A otra cosa (2025), pieza compuesta por María de Alvear para su madre, con Juan Carlos Garvayo al piano, en los jardines del Museo.

20:30 -22:00 horas
Concierto de jazz Para Helga del grupo Anaut, en los jardines del Museo.

Domingo, 21 de septiembre de 2025

12:00 – 14:00 horas
Conciertos Tributo chiquinino.
Piezas interpretadas por niños y jóvenes del Conservatorio Oficial de Música Hermanos Berzosa de Cáceres y FEMAE en diferentes lugares del Museo.

18:00 – 21:00 horas
Museo abierto en horario excepcional, con visitas comentadas a “Nuevas islas para Helga: El sentido de la abstracción” y actividades participativas especiales.

La Fundación La LABoral, Centro de Arte, Creación Industrial y Promoción Cultural de Gijón ha designado como nueva directora gerente a la historiadora del arte gijonesa Semíramis González. Su patronato ratificó la decisión ayer.

En el proceso selectivo convocado, la comisión científica encargada de seleccionar los candidatos estuvo compuesta por María Castellanos, Jorge Fernández León y Roberta Bosco. A propuesta de dicha comisión, se incorporó también a Concha Jerez, y la composición del tribunal se completó con dos miembros del patronato: la concejala de Cultura del Ayuntamiento de Gijón, Montserrat López, y el director general de Patrimonio Cultural, Pablo León.

El procedimiento selectivo constó de tres etapas: la valoración de méritos, la presentación del proyecto de dirección y una entrevista.

Semíramis González es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Oviedo y cuenta con un máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por el Museo Reina Sofía y la Universidad Complutense de Madrid. Posee una amplia trayectoria en el campo de la gestión cultural y la dirección de proyectos artísticos: de 2018 a 2022 fue la directora artística de la feria Justmad, de Madrid, y de 2019 a 2022 ejerció el mismo puesto en Justlx, en Lisboa.

Asimismo, entre 2022 y 2023 fue directora artística de la Agenda Cultural del Instituto de las Mujeres y desde 2024 desempeñaba el puesto de directora de contenidos del programa Cultura Orgullosa, vinculado al Ministerio de Igualdad. En paralelo, ha sido coordinadora de diversos proyectos artísticos para instituciones como Es Baluard Museu o el propio LABoral.

A los conocedores del panorama expositivo en Cantabria les resultará seguramente familiar la obra de María Villacorta, artista santanderina que trabaja con objetos y materiales en los que se aprecian los efectos del paso del tiempo y de la erosión, tengan origen natural o industrial, conforme a procesos relacionados con la acumulación, asociada a la sedimentación, y con la alquimia. El centro temático de su producción son los nexos entre el ser humano y la naturaleza, en un sentido tanto utilitario como simbólico; cuando esta autora se sumaba a nuestros Fichados, hace ahora dos años, nos explicaba que haber residido en el medio rural ha moldeado sus sentidos y la percepción de una porosidad entre el cuerpo y el paisaje: Observar el entorno es como respirar, hacia dentro y hacia fuera; formula un espejo donde podemos vernos a nosotros mismos que, al transcribirlo en el proceso creativo, revela la intimidad y su conexión con lo universal.

Uno de mis objetivos como artista es darle voz a la naturaleza silenciosa (su mecánica es una cuestión de equilibrio y simbiosis), de forma que el trabajo se convierte en una traducción subjetiva y metafórica que describe a través del gesto abstracto su profundidad, pero también sus aullidos y la doble cara de la moneda en la contradicción humana en la gestión de los recursos. En la conformación de ese lenguaje, en el puente entre el pensamiento y la materialización, me interesa la dualidad de las cosas, la complejidad de los procesos de la naturaleza y la alquimia de sus elementos, los paralelismos con la condición humana y la simbología perdida de la herencia cultural.

Hasta el próximo 30 de noviembre, Villacorta ofrece en el Centro de Arte Rupestre Alberto I de Mónaco de Puente Viesgo (Cantabria), bajo el comisariado de Miriam Callejo, la exposición “Tiempo y profundidad”: cuenta con medio centenar de pinturas y esculturas en las que la artista ha tratado de enlazar pasado y presente desde sus mismos materiales; en el caso de las primeras, hierro reciclado (muy presente en su carrera) y distintos tipos de papel sobre los que, una vez más, ha buscado evidenciar las huellas del paso del tiempo. Se trata de elementos, en teoría, bastantes opuestos en sus características, pero que al unirse dan lugar a una suerte de piel consistente que revela sus matices y texturas diversos en la luz y la distancia. Los signos que generan, de manera entre azarosa e intencionada, remiten para Villacorta a los trazos de las pinturas prehistóricas.

En cuanto a las esculturas, las ha llevado a cabo con metales igualmente reciclados; al intervenir sobre ellos, parece haberles concedido la textura de la piedra, de nuevo en referencia a las superficies que son soporte de las pinturas rupestres y que vienen a conectarnos con nuestros antepasados. En un último término, el objetivo de Villacorta en esta propuesta es justamente incidir en nuestros vínculos, y los del arte contemporáneo, con los gestos desplegados por nuestros ancestros en las cuevas; proponer un reconocimiento con ellos que habrá de ser intuitivo y que desarrolla a través de la práctica de una arqueología de la consciencia.

El Festival PhotoESPAÑA ha concedido, este mes de junio y en su vigesimoctava edición, sus Premios a los Mejores libros de fotografía del año, además de sus galardones OFF y Descubrimientos.

En cuanto a los primeros, el proyecto ganador en la categoría de Investigación ha sido Tú no sabes si vas a volver, de Lilith Kraushaar, editado por Cenfoto-UDP, con diseño de Aribel González y la colaboración de Samantha Sayado. Se trata de un examen crítico a las representaciones fotográficas de cuerpos y erotismos trans en Chile. En la modalidad de Bibliofilia, el premio ha sido para Thinking like an Island, de Gabriele Chiapparini y Camilla Marrese, editado por Overlapse y diseñado por Tiffany Jones: encuadernado con originalidad, propone una lectura alternativa sobre la identidad insular, más allá de visiones utópicas o distópicas.

Punto ciego, de Santi Donaire, ha sido reconocido con el premio a la Primera publicación. Editado por PHREE, diseñado por underbau y con la colaboración de LA TROUPE y David Uclés, documenta la represión de la dictadura franquista en Paterna (Valencia) a través de un acercamiento humano y visual al proceso de exhumación de las víctimas. Por último, THE BEARS, de Alejandra Carles-Tolrá, ha sido galardonado en la categoría de Creación. Editado por Cuadernos de la Kursala y diseñado por underbau, alude a los estereotipos de género a través de la representación de un equipo universitario femenino de rugby.

El jurado ha estado compuesto por Guillermo Cobo, Jefe de Servicio de desarrollo de las colecciones de la Biblioteca del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Laura Pilar Delgado, cofundadora de Raum Press, y Eleonora Pasqui, editoria de Damiani Books.

Además, el jurado del Premio OFF, formado por María Brañas, directora de Desarrollo de Negocio de Arts Exclusive; Javier Quilis, director general de INELCOM y coleccionista; y Pau Andrés, director del Club Matador, ha otorgado su reconocimiento a La Oficina Galería, por la muestra “En el deseo de tragar, hasta la sombra muere”, de Bárbara Fonte, en atención a “la solidez conceptual de la propuesta expositiva, la coherencia curatorial y la calidad artística del proyecto, destacando su capacidad para dialogar de forma crítica y sensible con el contexto contemporáneo.”

En los trabajos reunidos, el cuerpo de la artista —ya fuese visible en imagen o presente en el gesto del trazo— devenía vehículo de expresión y reflexión. Con ecos histórico-religiosos y connotaciones eróticas y sagradas, Fonte articula performances íntimas en el espacio de su estudio que quedan registradas en vídeo, fotografía y dibujo. Esta exhibición, la primera suya en España, compilaba por primera vez sus creaciones más relevantes.

Por último, el Premio Descubrimientos PHotoESPAÑA, que reconoce anualmente el mejor proyecto presentado en los visionados de porfolios del Festival, ha sido para Sonia Celma, por su trabajo Columna. En él parte de una experiencia personal para reflexionar sobre la escoliosis idiopática adolescente, generando un paralelismo entre el cuerpo de su hija y la arquitectura clásica e imaginando una reparación de los huesos desde la fotografía, la arquitectura y la música. Su obra podrá verse en la próxima edición de PHotoESPAÑA, dentro de la Sección Oficial.