Centro Botín, Chillida Leku y Museo de Bellas Artes de Bilbao: un convenio de colaboración para ser eje cultural del norte

El Centro Botín, Chillida Leku y el Museo de Bellas Artes de Bilbao han firmado hoy un acuerdo con el objetivo de generar sinergias que contribuyan a la promoción de nuevas actividades culturales al servicio de la sociedad. Estará vigente a partir del 20 de diciembre y busca favorecer la visita a los tres museos y dar a conocer sus programaciones. Tendrá una duración de un año y, salvo que se decida lo contrario, se prorrogará automáticamente por periodos iguales.

El convenio se materializa en tres ámbitos específicos de la gestión museística: la política de tarifas, los beneficios para los colectivos de socios y la comunicación para la difusión de actividades.
Respecto a la bonificación tarifaria, se ha acordado aplicar un descuento del 20% sobre el precio de la entrada general que cada uno de los museos tenga establecido a quienes hayan visitado previamente cualquiera de las otras dos instituciones y presenten en la taquilla la entrada que lo acredite.

Quienes pertenezcan a colectivos de socios de estos centros (poseedores del bono anual o Amigos del Museo) se beneficiarán de un descuento del 30% sobre la entrada general vigente, también previa acreditación y, en cuanto a la comunicación, el acuerdo implica que los beneficios incluidos en este convenio se anunciarán en los soportes de comunicación de cada uno de los tres museos y, especialmente, en sus canales digitales, conforme a un plan de difusión que destaque los hitos anuales consensuados por las tres instituciones (periodos vacacionales, festividades, exposiciones de alcance, etcétera).

 Iñigo Sáenz de Miera (director del Centro Botín), Mireia Massagué (directora de Chillida Leku) y Miguel Zugaza (director del Museo de Bellas Artes de Bilbao)
Iñigo Sáenz de Miera, Mireia Massagué y Miguel Zugaza en la firma del convenio

Luis San Sebastián y la violencia política

Luis San Sebastián. "Hyperviolence" en Adora CalvoLuis San Sebastián presenta, en la Galería Adora Calvo salmantina, “Hyperviolence”, exhibición en la que reflexiona sobre el tratamiento de la violencia política en la historia del arte durante los siglos XIX y XX analizando las relaciones entre movimientos artísticos y sociales y subculturas.

Ha tomado como referentes la exposición “Laocoonte Devorado. Arte y Violencia Política”, que Javier González de Durana comisarió en ARTIUM en 2004, y La Naranja Mecánica, novela de Burgess llevada al cine por Stanley Kubrick. Al reflexionar sobre estos asuntos, San Sebastián los vincula además al ensayo Lo personal es político (1969) de Carol Hanisch y a la revolución feminista; también al terrorismo y a la historia que se repite. Comparte el artista la afirmación de Bourriaud de que la historia es la caja de herramientas que hay que usar ante la amnesia que se impone globalmente.

 

 

 

 

Leonor Solans, primer premio en el Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera

El pasado 14 de diciembre, tuvo lugar en Antequera la entrega de los Premios del XXIII Certamen Nacional de Pintura de la localidad y la inauguración de la exposición con las obras seleccionadas y ganadoras de la convocatoria en la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, donde podrán contemplarse hasta el 19 de enero de 2020.

El primer premio ha sido para Leonor Solans Gracia, por Niña y flora; el segundo ha recaído en Raúl Gil Rodríguez, por Pérgola; el tercero lo ha obtenido Pablo Díaz Merchante, por Frida Black y el cuarto ha sido para Isaac Cruces, por Madrid desde Cibeles. Todas las pinturas expuestas en la Pinacoteca pueden consultarse aquí.

Convoca el certamen la Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera, que este año, como novedad, ha establecido una bolsa de premios de 9.000 euros, que será el importe máximo destinado a reconocer las obras.

Leonor Solans. Niña y flora
Leonor Solans. Niña y flora

Otobong Nkanga. Entre brillos y tinieblas

Otobong Nkanga: From Where I Stand. Tate St. Ives, hasta el 5 de enero de 2020
Otobong Nkanga. In Pursuit of Bling: The Transformation, 2014

Otobong Nkanga, artista multidisciplinar nigeriana que vive y trabaja actualmente en Amberes, desarrolla un interesante trabajo basado en la relación entre las personas y la naturaleza; sobre nuestra forma de estar en el paisaje y de conectarnos. Algunas de sus creaciones más recientes aluden al consumo que los humanos hacemos de los recursos naturales, llamando la atención sobre la huella y las cicatrices que dejan nuestras acciones en la Tierra.

En la exposición que hasta el 5 de enero le dedica la Tate St. Ives se han reunido trabajos recientes, realizados mediante distintas ténicas y soportes, desde el dibujo al textil, el vídeo o la performance. Destacan en ellas los tapieces y la gran instalación de alfombras From Where I Stand, que toma su patrón gráfico y su contorno geométrico de escamas magnificadas de mica, un mineral que a menudo se usa por sus cualidades de brillo y aislamiento. Al llamar la atención sobre este tipo de minerales que poseen cualidades brillantes revela su uso en la creación del “brillo” de los artículos cotidianos, como los cosméticos y la tecnología, y pone de manifiesto los complejos sistemas económicos y políticos que configuran nuestras relaciones con la naturaleza.

 

 

 

Las cerámicas de Talavera de la Reina y El Puente del Arzobispo, Patrimonio Cultural Inmaterial por la UNESCO

El XIV Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO decidió ayer reconocer el valor de la tradición alfarera de Talavera de la Reina y El Puente del Arzobispo (Toledo) declarando sus cerámicas Patrimonio Cultural Inmaterial.

Ambas manifestaciones culturales formaban parte de una candidatura internacional presentada por España y México bajo la denominación Procesos de fabricación de las Talaveras artesanales de Puebla y Tlaxcala (México) y Cerámica de Talavera de la Reina y Puente del Arzobispo. En palabras de José Guirao, ministro de Cultura y Deporte, por primera vez, la Lista de la Unesco reconoce explícitamente el fuerte vínculo cultural que une a América Latina con España y contribuye a impulsar la cooperación internacional entre las naciones de habla hispana en torno al Patrimonio Cultural Inmaterial.

Coincidiendo con la declaración, se ha inaugurado en la sede del Comité de la Unesco en Bogotá una muestra sobre esta candidatura bajo el título “Manos de barro, agua, fuego y corazón”, que dará a conocer los procesos artesanales de estas cerámicas.

Philippe de Montebello y Esther Koplowitz recibirán los próximos Premios Iberoamericanos de Arte y Mecenazgo

Esther Koplowitz
Esther Koplowitz

El próximo 26 de febrero de 2020, la Fundación Callia entregará en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando los Premios Iberoamericanos de Mecenazgo, que cumplen seis ediciones. Por primera vez, su concesión se desarrollará en una gala benéfica cuya recaudación será donada al completo a esa institución madrileña, la Academia de San Fernando, segunda pinacoteca española en cuanto a  sus fondos de arte antiguo.

Los premiados correspondientes a esta edición son Esther Koplowitz, cuya fundación, creada en 1995, se dedica fundamentalmente a obras sociales en favor de los más necesitados, y Philippe de Montebello, Presidente de la Hispanic Society of America y director, durante tres décadas, del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Recibirán como dotación una obra de Eva Fábregas.

La Fundación Callia nació con la misión de ser una incubadora de nuevos mecenas y este año ha favorecido la restauración de la pintura de Rubens Susana y los viejos, de la colección de la Academia, y la organización de “Behind the Walls”, primera exposición de Jaume Plensa en un museo público en América Latina, el Museo Nacional de Arte de la Ciudad de México (MUNAL).

El jurado que ha concedido estos galardones ha estado presidido por la empresaria Carmen Reviriego, impulsora de la Fundación Callia, y formado por Miguel Falomir, director del Museo del Prado; Guillermo Solana, director del Museo Thyssen-Bornemisza; Mitchell A. Codding, Presidente y director de la Hispanic Society of America; Miguel Fernández Félix, director de Museo del Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México; Carmen Gaitán, directora del Museo Nacional de Arte – MUNAL; Carmen Iglesias, Presidenta de la Real Academia de la Historia y la escritora Carmen Posadas.

En anteriores ocasiones, estos premios han recaído en Daniel y Estrellita Brodsky y Fernando Masaveu y Carolina Compostizo, la baronesa Thyssen y Carlos Slim, Carlos Fitz-James Stuart y Patricia Phelps de Cisneros y Elena Ochoa Foster y Bárbara Garza.

Philippe de Montebello
Philippe de Montebello

 

Lawrence Abu Hamdan, Helen Cammock, Oscar Murillo y Tai Shani, Premio Turner 2019

Las galerías Tate y el espacio Turner Contemporary de Margate anunciaron que este año el Premio Turner recae, como colectivo, en los cuatro artistas nominados al certamen, el más célebre en Reino Unido, y seguramente a nivel mundial, centrado en la creación contemporánea. Lawrence Abu Hamdan, Helen Cammock, Oscar Murillo y Tai Shani solicitaron al jurado que considerara la opción de premiarlos como grupo, en reconocimiento al compromiso que comparten hacia causas sociales y políticas, y tal decisión fue adoptada por unanimidad.

En concreto, en una carta conjunta, los inicialmente seleccionados explicaron que en tiempos de crisis política en el Reino Unido y en el resto del mundo, cuando crece la división y el aislamiento de personas y comunidades, querían aprovechar la ocasión que este galardón les proporcionaba para abogar, colectivamente, por la solidaridad y los valores grupales, tanto en el arte como en la sociedad. El jurado dijo aceptar su propuesta al compartir las razones de este acto de solidaridad, y explicó que justamente ese compromiso, patente en los proyectos que han podido verse en Turner Contemporary, es la razón de que los cuatro fueran escogidos para el galardón: Su acto simbólico refleja la poética política y social que admiramos y valoramos en su trabajo.

Su presidente y director de la Tate Britain, Alex Farquharson, ha recordado además que forma parte del espíritu creativo de los cuatro desafiar las convenciones, no caer en las visiones polarizadas del mundo y defender otras voces: Todos los miembros del jurado consideraron que esto convirtió al colectivo en un digno ganador del Premio Turner.

Casi siempre controvertido, este galardón tiene como finalidad promover el debate público sobre los nuevos caminos del arte contemporáneo en Gran Bretaña y viene concediéndose desde 1984. Se otorga a artistas nacidos o radicados en Reino Unido, en reconocimiento a alguna exposición de su trabajo presentada en los anteriores doce meses.

Esta es la primera vez que el lugar donde se exhiben los proyectos de los nominados antes de la concesión del premio tiene alguna conexión con el artista que le da nombre: sus obras pueden verse hasta el 12 de enero de 2020 en Turner Contemporary y ya han sido contempladas por más de 100.000 visitantes. Su muestra ha sido comisariada por Rowan Geddis y Fiona Parry y la entrada es gratuita; cabe recordar que este centro es una organización benéfica que recibe fondos públicos del Consejo del Condado de Kent y el Consejo de las Artes de Inglaterra.

Turner Contemporary, Margate
Turner Contemporary, Margate

 

 

 

 

Käthe Kollwitz, grafía y compromiso

Fue una de las grandes de la Nueva Objetividad, pero también una de las artistas que con mayor vigor desarrolló los procedimientos de la creación gráfica en el pasado siglo XX: en sus imágenes conjugó la representación cruda de la guerra, la pobreza y la injusticia y el virtuosismo técnico.

Hasta el próximo 29 de marzo, el Getty Center muestra una selección de trabajos en papel de Käthe Kollwitz procedentes de la Dr. Richard A. Simms Collection, alojada en el  Getty Research Institute, incluidos dibujos preparatorios apenas expuestos y pruebas de trabajo que revelan la profundidad de su compromiso social y político.

Käthe Kollwitz. Charge, 1902-1903. The Getty Research Institute
Käthe Kollwitz. Charge, 1902-1903. The Getty Research Institute

Carlos Aires: Nada nuevo, y qué

Carlos Aires. Put-être reine d’Angleterre?, 2018
Carlos Aires. Peut-être reine d’Angleterre?, 2018

Carlos Aires continúa investigando los males y virtudes de la sociedad actual y los caminos para la representación política del poder en su cuarta exposición en la ADN Galería de Barcelona: “Nothing New”. Su título es ya una declaración de intenciones: se rebela contra la pretensión constante de innovar y agradar al mercado, pero también hace un ejercicio de ironía, porque todas las piezas mostradas son recientes e inéditas para el público.

Sin embargo, podemos considerarlas representativas de los intereses que viene desarrollando desde los noventa: de su uso de materiales y letras de canciones y de su empleo del dinero como símbolo de poder y autoridad o de efigies de personajes célebres.

 

 

 

 

 

 

 

La quietud y Leo Wellmar

Hasta el próximo 22 de enero de 2020, la artista sueca Leo Wellmar presenta su tercera exposición individual en la Galería Guillermina Caicoya de Oviedo: “Quietud. Un instante atrapado en el tiempo”. Exhibe de nuevo escenarios naturales que entiende como idóneos a la hora de evocar emociones, enigmas e instantes detenidos a través de la luz.

En sus palabras, la vida es un paisaje misterioso donde no se puede parar el tiempo, donde las sensaciones adquiridas toman forma a través de una luz propia, llegando así, como un instante atrapado en el tiempo, a formar parte del misterio que evoca.

Leo Wellmar. Stillness I, 2019
Leo Wellmar. Stillness I, 2019

Chiara Parisi, nueva directora del Pompidou de Metz

Chiara Parisi, nueva directora del Pompidou de Metz
Chiara Parisi, nueva directora del Pompidou de Metz

Desde el pasado 2 de diciembre y durante los próximos cinco años, Chiara Parisi dirigirá el Centre Pompidou-Metz. Así lo ha decidido por unanimidad la Junta del centro, formada por representantes del Centro Pompidou parisino, el Estado francés, Metz Métropole, el Consejo Regional y la Ciudad de Metz, además de por la directora del Louvre de Lens, Marie Lavandier.

Parisi sucede en el cargo a Emma Lavigne, nombrada Presidenta Ejecutiva del Palais de Tokyo el pasado mes de septiembre, y es la tercera responsable de esta institución, inaugurada en 2010. Durante cinco años fue directora de Programas Culturales en la Monnaie de Paris y también ha comisariado exposiciones en la Villa Medici o en la Noche en Blanco parisina. Es Doctora en Historia del Arte por la Universidad de La Sapienza romana.

 

 

 

 

El Moderna Museet es un nuevo museo

Sigrid Hjertén. Estudio interior, 1916. Fotografía: Julia Peirone
Sigrid Hjertén. Estudio interior, 1916. Fotografía: Julia Peirone

Desde el pasado 23 de noviembre, los visitantes del Moderna Museet de Estocolmo descubren profundos cambios en su visita a la colección permanente del centro: se ha reorganizado por completo y las diecinueve salas en que se dispone se han renovado a fondo.

Son 140.000 las obras que forman parte de los fondos del museo y, con el fin de que el mayor número posible de ellas pudieran ser contempladas, el recorrido por la colección venía cambiando casi constantemente. Esta vez, se ha optado por dar prioridad en las presentaciones a temas o artistas individuales, de ahí que las nuevas salas expositivas respondan, desde el mes pasado, a epígrafes como Una habitación propia, Collage y ensamblaje, Después de la pared o Abstracción excéntrica.

Técnicos, conservadores y comisarios han preferido que solo sean 300 las piezas expuestas por ahora en representación del acervo del Moderna Museet, y también han decidido dar protagonismo a las mujeres artistas y a los creadores suecos, incluyéndose, con una representación importante de piezas, a Siri Derkert.

Nos esperan igualmente trabajos de Lygia Clark y Robert Gober que no se habían expuesto antes y veremos también obras de Ola Pehrson o Mona Hatoum que habían estado durante años en el almacén o que habían sido prestadas a otras instituciones suecas o extranjeras. Algunas de las piezas estrella del centro, como uno de los monogramas de Rauschenberg, un paisaje marroquí de Matisse o un Sigrid Hjertén se exhiben integradas en renovadas constelaciones de obras.

Gitte Ørskou, directora del Moderna Museet, ha señalado que este espacio cuenta con una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo de Europa y que mostrarla, al menos parcialmente, conforme a criterios temáticos y no estrictamente cronológicos arrojará nuevas luces sobre las obras individuales y revelará el poder intemporal de la creación para transmitir ideas y emociones más allá de contextos de época.

 

Ernesto Neto: un soplo

Ernesto Neto. "Soplo" en el MALBA
Ernesto Neto. “Soplo” en el MALBA

Hasta el 16 de febrero de 2020, el MALBA argentino presenta “Soplo”, retrospectiva de Ernesto Neto, figura esencial de la escultura contemporánea, que reúne sesenta de sus obras. Desde sus inicios en los ochenta, el artista ha producido un cuerpo de trabajo en el que buscaba hacer dialogar arte, espacio y espectadores bajo la influencia de la creación neoconcreta brasileña.

Sus primeros trabajos los realizó a partir de materiales como medias de poliamida, esferas de poliestireno, especias y hierbas, en grandes instalaciones inmersivas concebidas como espacios de convivencia y también de toma de conciencia; asimismo suele favorecer el desarrollo de tensiones entre materiales textiles recientes y técnicas artesanales como el crochet. Con el tiempo, sus proyectos han avanzado hacia la afirmación del cuerpo como elemento que no se puede disociar de la mente y de la espiritualidad.

Natalia Álvarez Simó, nueva directora del Centro Cultural Conde Duque

Natalia Álvarez Simó, nueva directora del Centro Cultural Conde Duque
Natalia Álvarez Simó, nueva directora del Centro Cultural Conde Duque

El Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, que dirige Andrea Levy, ha nombrado a la gestora cultural Natalia Álvarez Simó directora teatral del Centro Cultural Conde Duque, con el objetivo, según el consistorio, de “convertir a este emblemático espacio, situado en un edificio del siglo XVIII, en un centro de artes vivas y del movimiento que recoja los nuevos lenguajes escénicos de la escena contemporánea”.

Álvarez Simó, que se incorporará a su puesto a comienzos del próximo año, desarrollará su programación en el teatro, el auditorio, las salas de exposiciones y los patios de este complejo cultural, que abarca 58.000 metros cuadrados en el barrio de Universidad y en el que también tienen sede instituciones como la Biblioteca Benito Pérez Galdós, la Hemeroteca Municipal o el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

No se puede mirar (hacia otro lado). El Roto en el Museo del Prado

Hace solo una semana os hablábamos de la última exposición inaugurada con motivo del Bicentenario del Museo del Prado, dedicada a los dibujos de Goya y con la que se ha buscado poner de manifiesto la vinculación del artista y del museo con el mundo contemporáneo. Hoy, independiente de esa pero en relación con ella, se ha presentado en el claustro del edificio de Jerónimos una muestra de 36 dibujos de Andrés Rábago, El Roto, realizados específicamente para esta ocasión. Esta muestra lleva por título “No se puede mirar”, el mismo de un dibujo de Goya, del Cuaderno C, que se encuentra justo debajo, en una exacta vertical, en la sala donde se exhibe “Dibujos de Goya. Solo la voluntad me sobra”.

A medio camino entre el capricho y el disparate, estos dibujos, en correspondencia directa con la obra de Goya, son una llamada a reflexionar sobre la condición humana, especialmente sobre sus miserias. Además de con la imagen, los dos juegan con las palabras, empleando frases o comentarios que refuerzan sus ideas, y como ha señalado Andrés Úbeda, Director Adjunto de Conservación e Investigación del Museo Nacional del Prado, ambos “comparten la visión intensa por lo grotesco como forma de mirar la realidad”.

Con motivo de la exposición, que podrá visitarse hasta el 16 de febrero de 2020, la editorial Reservoir Books ha editado un libro en el que, a modo de catálogo, se recogen las 36 obras expuestas, más otros quince dibujos que el autor ha querido sumar a la publicación. Para Rábago este trabajo es su “homenaje a un artista que trabajó con intensidad y humanidad hasta los últimos días de su vida”, como espera poder hacer también él.

El Roto en el Bicentenario del Museo del Prado. Nos vigilan, 2019
El Roto. Nos vigilan, 2019

 

El Van Gogh Museum y el Drents Museum anuncian una adquisición conjunta del pintor holandés

El Van Gogh Museum y el Drents Museum han anunciado que han comprado conjuntamente la pintura de Van Gogh Campesino quemando maleza (1883), obra de pequeño formato pero muy expresiva en la que una figura solitaria prende fuego a malas hierbas bajo la luz simple del crepúsculo. El artista la llevó a cabo en Drenthe, donde permaneció en el otoño de aquel año capturando el paisaje de sus alrededores en diversas pinturas y dibujos, aunque este trabajo es uno de las pocos que se ha conservado. Se exhibirá alternativamente en ambos centros.

Trató Van Gogh de capturar el estado del campo en otoño, sirviéndose sobre todo de colores oscuros. Atendiendo a sus cartas, llevó a cabo dieciocho estudios allí y, con Campesino quemando maleza, todos los que consta que se preservan forman ya parte de colecciones públicas holandesas.

Al concentrarse en los efectos lumínicos, en la captación del crepúsculo, el autor de Los girasoles alumbró aquí una obra intrigante. Logró reproducir hábilmente la iluminación derivada del fuego, el humo ascendente y la sombra que proyecta sobre la tierra.

En 1883 Van Gogh solo había pintado óleos durante un año y aún buscaba un estilo propio como pintor. La adquisición de este trabajo ha sido posible con la colaboración del BankGiro Loterij, la Mondriaan Fund, Vereniging Rembrandt y la Vincent van Gogh Foundation.

El Van Gogh Museum y el Drents Museum anuncian una adquisición conjunta del pintor holandés
Vincent van Gogh. Campesino quemando maleza, 1883

 

El Premio Velázquez 2019 es para Cecilia Vicuña

El Ministerio de Cultura y Deporte ha concedido el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2019 a la creadora chilena Cecilia Vicuña; en palabras del jurado, por su destacada obra como poeta, artista visual y activista, que ha desplegado un arte multidimensional en el que interactúa con la tierra, el lenguaje escrito y los tejidos. La han valorado como creadora de una poética especial en la que se cruza la conciencia ecológica, la ciudad y la institución artística.

Vicuña, que inició su trayectoria en los sesenta, es autora de proyectos que inicia en forma de poemas o imágenes para después transformarlos en esculturas, películas, canciones o instalaciones. Ella califica a su producción como “lo precario”.

El jurado del premio, dotado con 100.000 euros, ha estado presidido por el director general de Bellas Artes y Patrimonio Cultural, Román Fernández-Baca, y formado por la subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes, Begoña Torres González; Marina Vargas, artista; Tania Pardo, subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo; Nuria Enguita Mayo, directora de Bombas Gens; Jose María de Francisco Guinea, director de Estampa; Maria José Magaña, responsable del Área de Artes visuales del Instituto Cervantes; Iván de la Nuez, ensayista, crítico de arte y comisario y José Luis Blondet Serfati, profesor, comisario e investigador.

Cecilia Vicuña, Premio Velázquez 2019
Cecilia Vicuña, Premio Velázquez 2019

Más de 10.000 personas visitaron la última edición de MARTE

El pasado domingo, 17 de noviembre, la feria de arte contemporáneo de Castellón MARTE cerraba su sexta edición tras recibir más de 10.000 visitantes.

Según la organización, la cita ha crecido en actividad, público, ventas y coleccionistas. Repasamos los galardones concedidos durante la muestra: el Premio Adquisición NARANJAS CON ARTE fue para Mar Vicente, de Espai Nivi Coll Blanc (Castellón); el Premio Adquisición UBE CORPORATION recayó en Alejandra Freymann, de Galería Herrero de Tejada (Madrid); el Premio Adquisición VILA-REAL ASSESORS lo obtuvo Ricardo Escavy, de Galería Shiras (Valencia), el Premio Adquisición MARTE ha sido para Luis Pérez Calvo, de La Gran (Madrid); el Premio Adquisición Colección Manuel García lo recibió Aina Albo Puigserver, de Galería Pep Llabres, y el Premio Residencia otorgado por PIRAMIDÓN CENTRE D’ART DE BARCELONA, Juan de Dios Morenilla, de Galería Punto (Valencia).

Vista de MARTE 2019
Vista de MARTE 2019

Los Amigos del MNAC abren una campaña de micromecenazgo para adquirir Fuente de la vida, de Aurèlia Muñoz

Los Amics del Museu Nacional d´ Art de Catalunya, en Barcelona, han puesto en marcha una nueva campaña de micromecenazgo para poder adquirir para este centro una pieza excepcional de Aurèlia Muñoz: un delicado tapiz bordado, titulado Fuente de la vida, que data de 1966.

La obra, que puede suscitar lazos interesantes con la colección del MNAC, puede contemplarse actualmente en las salas de Arte Moderno del Museu como parte de la muestra “Anudar el espacio. Donación Aurèlia Muñoz”, donde se pueden ver también, hasta abril de 2020, las siete obras textiles y la colección de dibujos donadas al centro catalán por la familia de esta autora.

Fuente de la vida, obra fundamental en la trayectoria de Muñoz, no forma parte de la donación pese a estar expuesta junto a las otras piezas y los Amics quieren adquirirla para completar el conjunto.

Las donaciones pueden realizarse hasta el 10 de diciembre, con el fin de que la obra pueda ser presentada públicamente en la “Noche de los Amics”, la fiesta anual de los Amics, como regalo de Navidad al museo. Se requieren 15.000 euros.

Esta campaña de micromecenazgo se inicia, por cierto, cuando el proceso de restauración de El violinista está llegando a su fase final. Esa escultura de Pablo Gargallo se ha podido restaurar gracias a la generosidad de más de 250 donantes, que aportaron 46.000 euros.

Aurèlia Muñoz. Fuente de la vida, 1966
Aurèlia Muñoz. Fuente de la vida, 1966

La Fundación Museo Reina Sofía dona al centro obras por valor de dos millones de euros

La Fundación Museo Reina Sofía ha aprobado esta semana la donación al MNCARS de trabajos de autores como Leon Ferrrari, Diego Rivera, José Vera Matos, Helena Almeida o Beatriz González, que en breve pasarán a formar parte de sus colecciones.

En el conjunto se integran quince piezas que la familia de León Ferrari donó a la Fundación: collages, dibujos, una escultura y un vídeo del argentino, poco presente en los fondos del Reina Sofía hasta ahora, fechados entre 1962 y 2006. También forma parte de la donación el linograbado de Diego Rivera Les Vases communicants, su homenaje a André Breton.

Asimismo, el Museo Reina Sofía acogerá el cuadro Video Trans Américas y cuatro dibujos del chileno Juan Downey; La tiranía del Inca de José Vera Matos, quince fotografías de Daniel Pajuelo y otro conjunto fotográfico de Eduardo Villanes; todos ellos adquisiciones de la Fundación.

Por otro lado, esta institución ha aceptado la donación realizada por Patricia Phelps de Cisneros de un conjunto de materiales del movimiento brasileño Tropicália; Helga de Alvear ha donado de la obra Tela habitada (1976) de Helena Almeida y otro portugués, Alexandre Estrela, pasa a formar parte de la colección del Museo con la obra Faca na Água (2017) gracias a Susana y Ricardo Steinbruch.

Por su parte, otra donación efectuada por Diana López y Herman Sifontes incluye 30 fotos de la serie Esquinas de Caracas 1953-1960, del venezolano Alfredo Cortina. A ella se suman la de Luis Augusto Teixeira de Freitas con la obra Materia en repouso (2003) del artista mexicano Damián Ortega, y la de Pedro Barbosa con dos obras del brasileño Ronaldo Azeredo.

Casas Reigher ha donado a la Fundación varias piezas de la colombiana Beatriz González, mientras que Mercedes Vilardell y Gustavo Nóbrega han hecho lo mismo con obras de Amalia Pica, Juan Javier Salazar, Neide Sá, Alvaro de Sá y Flavio Diniz.

Por último, un conjunto de serigrafías, impresiones y fotografías de Natalia Iguiñiz se incorporarán a la colección del Reina Sofía gracias a las donaciones de Marga Sánchez y la propia artista; el colectivo Fuente Rojas y Herbert Rodríguez han donado varias obras suyas y Konigsberg Estate ha completado su donación del pasado año de Oÿvind Fahlström con dos obras más del mismo autor.

Diego Rivera. Les Vases communicants
Diego Rivera. Les Vases communicants