La feria de arte Urvanity, con el apoyo de Coolway, ha puesto en marcha un proyecto comisariado que trae a las calles del distrito centro de Madrid cinco piezas de arte urbano firmadas por destacados representantes de esta disciplina. Los cinco creadores fueron escogidos por un comité de selección formado por Sabina Chagina (cofundadora de la Bienal de Arte Urbano Contemporáneo ARTMOSSPHERE, en Moscú), Sergio Pardo (arquitecto y comisario) y Juan Bautista Peiró (Doctor en Bellas Artes y Catedrático de Universidad en la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València), después de que las galerías participantes en Urvanity fueran invitadas a presentar candidatos. Finalmente, los elegidos fueron los españoles Juan Miguel Quiñones, Sabek e Isaac Cordal, el italiano Moneyless y el alemán 1010. Urvanity completa con esta acción su apuesta por explorar diferentes escenarios para mostrar un nuevo arte contemporáneo –que parte de prácticas como el posgrafiti, la instalación site specific o el pop surrealista–, haciéndolo llegar al mayor número de personas posible. La iniciativa cuenta también con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid, en el marco de su proyecto Madrid Capital de Moda, para potenciar y poner en valor una de las mayores zonas comerciales de la ciudad.
Las piezas y los lugares donde podréis encontrarlas, solo hasta el 4 de marzo, son estos:
Drácula, el polo de 3,05 metros realizado en mármol, de Juan Miguel Quiñones (Pantocrator Gallery) nos espera en la Plaza de Alonso Martínez.
Balance, una pantera de 3 metros de altura de fibra de vidrio y resina de poliéster realizada por Sabek (Swinton Gallery), estará en la Plaza de Callao.
Sin título, un instalación realizada con lana e hilo, de Moneyless (Doppelgaenger Gallery), cuelga sobre la calle Augusto Figueroa, esquina con la calle Hortaleza.
Sin título, 300 m² de trampantojo y efectos ópticos de 1010 (Affenfaust Galerie), sorprenderá a los peatones en la calle Fuencarral.
Follow the leaders, la ciudad en miniatura de Isaac Cordal (SC Gallery), podrá verse en el COAM durante los días de celebración de Urvanity, entre el 27 de febrero y el 3 de marzo.
Juan Miguel Quiñones. Drácula.
La modernidad según Berenice Abbott
Desde el 20 de febrero y hasta mayo, la Fundación MAPFRE presenta en la Casa Garriga Nogués de Barcelona “Berenice Abbott. Retratos de la modernidad”, antología dedicada a la fotógrafa que en las décadas de los veinte y los treinta enlazó los círculos culturales de París y Nueva York, retratando a los intelectuales franceses y la nueva arquitectura estadounidense.
La muestra, comisariada por Estrella de Diego, contará con doscientas fotografías de época propias y con once de Atget positivadas por Abbott. Posteriormente, la exhibición viajará a Madrid.
El próximo 24 de febrero, el MoMA de Nueva York abrirá al público “Miró. Birth of the World”, una muestra en la que su obra El nacimiento del mundo (1925) se pondrá en relación con otras importantes en su trayectoria, procedentes de los fondos del propio MoMA y de otros centros. Se exhibirán en total sesenta pinturas, trabajos en papel, grabados, libros ilustrados y objetos realizados entre los veinte y los cincuenta, con el fin de arrojar nueva luz sobre el universo mironiano y sobre la influencia en él de la poesía.
Miró reconoció en 1924 al poeta francés Michael Leiris, desde Montroig, su deuda con los escritores a la hora de comprender su entorno y al año siguiente, desde su compromiso con la poesía y la experimentación, pintó ese El nacimiento del mundo, con signos pictográficos más dibujados que pintados y dejando espacio al azar. Fueron sus amigos surrealistas quienes pusieron título a la obra.
En 1984, Richard Long realizó tres grandes círculos en una de las paredes del Kröller-Müller Museum de Otterlo, en Holanda. Medía cada uno tres metros de diámetro y los trazó con lodo del río Avon.
Esos mismos círculos (ahora tras una barrera protectora) se exhiben en ese centro junto con otros trabajos que Long realizó valiéndose de materiales naturales tomados del Avon y de otros ríos: piezas de museo susceptibles de ser conservadas (a diferencia de sus proyectos de Land Art efímeros) y realizadas con piedras, ramas o barro.
Hay que recordar que este artista nació en Bristol, no lejos del Avon, y que aún recolecta allí madera para sus esculturas. De su lodo dice que es magnífico, por su color intenso, su poder adhesivo y su durabilidad, que Long compara con la de las pinturas rupestres.
Richard Long. River Avon driftwood piece, 1975
Lina Bo Bardi sobre papel
Un mes después de que finalizara en la Fundación Juan March de Madrid “Tupí or not tupí“, una muestra dedicada a la inmersión de la arquitecta italiana Lina Bo Bardi en Brasil, la Fundació Joan Miró de Barcelona abre al público “Lina Bo Bardi dibuja”, exposición centrada en su obra sobre papel y en el rol que esta adquirió en el conjunto de su trayectoria.
Veremos un centenar de esos dibujos, junto a imágenes de sus construcciones o de sus diseños expositivos, y podremos comprobar cómo el dibujo no fue para esta autora una mera herramienta de diseño, sino un medio expresivo en el que volcar sus dudas y curiosidades. La exhibición, comisariada por Zeuler Rocha Lima, está abierta hasta el 26 de mayo.
El dibujante francés Guillaume Bruère presenta, desde el 7 de febrero y hasta el 5 de mayo, en el Museo Lázaro Galdiano, una selección de trabajos donde reinterpreta treinta y cinco obras pertenecientes a la colección del centro. Llega a él tras haber dibujado en el Louvre, la Alte Pinakothek, la Gemäldegalerie o Kunsthaus Zúrich -lo hace a velocidad frenética- y en esta ocasión ha trabajado con lápiz, pastel y acuarela.
La muestra se enmarca en la línea expositiva del Lázaro Galdiano por la que diversos artistas contemporáneos vienen reinterpretando sus fondos y ha sido comisariada por Amparo López.
David Adjaye, construyendo memoria
El Design Museum de Londres explora en “Making Memory” las construcciones recientes del arquitecto angloganés David Adjaye: siete proyectos destacados por su valor simbólico en los que se invita al público a profundizar a través de instalaciones inmersivas.
Se trata de la Gwangju River Reading Room, una estructura que se creó para conmemorar el levantamiento estudiantil por la democracia que en 1980 terminó en masacre y que hoy alberga una biblioteca enfocada a la justicia social; el Smithsonian National Museum of African American History and Culture de Washington, el Memorial británico del Holocausto, el Pabellón Sclera, presentado en el London Design Festival de 2008; la Catedral Nacional de Ghana, el Mass Extinction Memorial Observatory de Portland, levantado en memoria de las especies desaparecidas y el Coretta Scott King and Martin Luther King Jr. Memorial de Boston.
David Adjaye. Catedral Nacional de Ghana. Adjaye Associates
Un siglo después de la primera exposición estadounidense de Brancusi
El MoMA de Nueva York recuerda la primera muestra de Constantin Brancusi en Estados Unidos, en el Armory Show de 1913, con una nueva exposición de sus esculturas, consideradas entonces profundamente perturbadoras por los críticos. Podemos ver, hasta el 18 de febrero, once piezas que se presentan juntas por primera vez junto a dibujos, fotografías y materiales de archivo que permiten profundizar en la relación del artista con sus amigos y mecenas, incluido el propio MoMA.
Sus formas, tan simples como seductoras, siguen sin parecerse a nada. En lugar de modelar primero en arcilla, Brancusi esculpía directamente sobre madera o piedra o fundía sus obras en bronce. Rechazó el realismo y prefirió que evocaran los temas mencionados en los títulos en lugar de imitarlos. En París, adonde llegó desde Rumania, se introdujo en los círculos de vanguardia y abrazó la experimentación: Man Ray reveló en algunos filmes sus fuentes de inspiración.
“Constantin Brancusi Sculpture” en el MoMA
El Mediterráneo de AES+F
Tras presentarlo en el Teatro Massimo de Palermo coincidiendo con Manifesta, el colectivo AES + F exhibe, desde hoy y hasta abril en la Galería Senda de Barcelona, Mare Mediterraneum, un proyecto en el que reflexionan sobre la historia y el presente trágico del Mediterráneo a partir de figuras de porcelana, contraponiendo las evocaciones burguesas del material al drama de los refugiados y llamando la atención sobre la hipocresía de nuestras posturas en relación con la acogida o no de los migrantes.
AES+F. Mare Mediterraneum #2, 2017
La Colección ”la Caixa”, primer fondo privado en exponerse en la Whitechapel de Londres
Cuatro muestras sucesivas hasta abril de 2020 presentarán en la Whitechapel Gallery de Londres parte de las colecciones de “la Caixa“. Serán comisariadas por otros tantos escritores literarios de prestigio reconocido que aportarán textos a las presentaciones; el primero de ellos es Enrique Vila-Matas y su exposición ya puede visitarse, hasta el 28 de abril. Cuenta con instalaciones, pintura, cine y fotografía de artistas como Gerhard Richter, Dora García o González-Foerster, así como con obras figurativas y paisajes de artistas españoles y europeos que comparten generación con el autor de Bartleby & Co.
Recordamos que la colección de ”la Caixa”, la primera institucional española centrada en el arte contemporáneo de posguerra, fue fundada en Barcelona en 1985 para promover el diálogo entre el arte español y el internacional. Hoy día incluye más de un millar de obras de artistas de la escena internacional.
Vista de la exposición “Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Selección de Enrique Vila-Matas” en la Whitechapel Gallery
Un Segantini para el Getty Museum
El Getty Museum de Los Ángeles adquiere Primavera en los Alpes, del italiano Giovanni Segantini, una obra realizada originalmente para Jacob Stern, director de Levi Strauss & Co, por lo que tiene una estrecha relación con California.
Permaneció en préstamo en el Legion of Honor de San Francisco desde 1928 hasta 1999, cuando fue vendida por los descendientes de Stern, así que esta adquisición la recupera para el público. Se trata de un paisaje luminoso, de pinceladas gruesas, que Segantini pintó en su etapa más madura y fecunda. Destaca por la brillantez de su colorido y por el empleo de hojas de oro.
Giovanni Segantini. Primavera en los Alpes, 1897
Love is calling, de Yayoi Kusama, es la última adquisición del ICA de Boston
Jill Medvedow, directora del Institute of Contemporary Art de Boston, ha anunciado la adquisición por este centro de Love is calling, una de las veinte instalaciones que componen la serie Infinity Mirror Rooms de Yayoi Kusama. Se trata de un ambiente psicodélico e inmersivo formado por esculturas inflables de colores vivos, semejantes a tentáculos, cubiertas con lunares y rodeadas de espejos que multiplican la sensación de espacio. Es el segundo trabajo de la artista que pasa a formar parte de la colección de este centro: el anterior es una obra sobre papel de 1953 que ya presentaba las formas orgánicas, los puntos y colores habituales en la producción de la japonesa.
Yayoi Kusama. Love is calling, 2013
La América de Glenn Ligon
Hasta el próximo 17 de febrero, la sala Regen Projects de Los Ángeles presenta “Untitled (America)/Debris Field/Synecdoche/Notes for a Poem on the Third World”, una muestra que repasa la obra reciente de Glenn Ligon: pinturas serigrafiadas e instalaciones con neones.
Es la sexta individual que Ligon presenta en esta galería y en ella continúa abordando asuntos vinculados a la historia, las lenguas y las identidades culturales. Sus proyectos más conocidos son pinturas monocromáticas en las que pueden leerse textos relativos al pasado estadounidense, la cultura popular y la literatura de autores como James Baldwin, Zora Neale Hurston, Ralph Ellison, Gertrude Stein y Jean Genet, entre otros.
12 meses, 12 obras y 13 cupones. La ONCE se suma a la celebración del Bicentenario del Prado
El Bosco. Mesa de los Pecados Capitales, 1505-1510. Museo Nacional del Prado.
En su afán por llegar a todo el mundo, el Museo del Prado suma una nueva iniciativa a su programa del Bicentenario y presenta “12 meses, 12 obras”, la serie que la ONCE dedica a la pinacoteca en su aniversario. De esta forma, a lo largo de 2019, los cupones de la ONCE correspondientes al sorteo del último domingo del mes reproducirán una pieza representativa de la colección del Prado. El primero en salir, el próximo 27 de enero, estará ilustrado con la Mesa de los Pecados Capitales del Bosco. Tras este llegarán los dedicados al Autorretrato de Alberto Durero; Las tres Gracias, de Pedro Pablo Rubens; El Descendimiento de Roger van der Weyden; El 3 de mayo en Madrid o Los fusilamientos, de Francisco de Goya; Las meninas de Velázquez; Chicos en la playa, de Joaquín Sorolla; El Cardenal, de Rafael; Orestes y Pílades o Grupo de San Ildefonso, de la Escuela de Pasiteles; Judith en el banquete de Holofernes, de Rembrandt; David vencedor de Goliat, de Caravaggio y El caballero de la mano en el pecho, de El Greco. Además de estos 12 habrá un cupón más, genérico, dedicado a los 200 años del museo, coincidiendo con el día exacto del aniversario, el 19 de noviembre, que llevará impresa la obra de TizianoDánae recibiendo la lluvia de oro.
La colaboración entre el Museo del Prado y la ONCE comenzó en 2015, cuando pusieron en marcha la muestra “Hoy toca el Prado”, que acerca una selección variada y representativa de los mejores cuadros del museo a personas con discapacidad visual gracias a su elaboración en relieve, que permite ser recorrida con los dedos, y a una audio-descripción que va guiando en la exploración táctil de la obra. En 2019, esta exposición visitará ciudades como La Coruña, Cáceres, Málaga, Alicante, Zaragoza y Lérida.
Premios “A” al Coleccionismo con acento latinoamericano
La Fundación ARCO, institución dependiente de IFEMA, ha concedido ya sus Premios “A” al Coleccionismo, fallados, como siempre, en las semanas previas a la celebración de ARCOmadrid. Los galardonados en su 23ª edición son Cleusa Garfinkel, el Comité de Adquisiciones del Museo de Arte de Lima, la Meadows Foundation, la Colección Banco de España, la Colección H.E.F. de Juan Entrecanales Azcárate y la Colección Kells, de Juan Manuel Elizalde y Choli Fuentes.
El propósito de este reconocimiento es subrayar el valor artístico de los fondos atesorados por los premiados y también la labor de esos individuos e instituciones, españoles e internacionales, en la difusión del arte contemporáneo y de la necesidad de su apoyo.
La ceremonia de entrega tendrá lugar el 26 de febrero, coincidiendo con el inicio de ARCO, y tras ella se celebrará una cena cuya recaudación se destinará a la compra de obras en la feria que amplien la Colección Fundación ARCO. Algunos de los premiados son bien conocidos en nuestro país y otros, no tanto, por eso repasaremos algunos de los artistas presentes en sus fondos.
Cleusa Garfinkel es una de las coleccionistas más activas de Brasil. Comenzó a adquirir arte a mediados de los setenta, iniciando sus fondos con autores brasileños (Alfredo Volpi, Antonio Bandeira o Yolanda Mohalyi) y abriendo sus intereses, con el paso de los años, hacia el arte contemporáneo internacional. A día de hoy, cuenta con trabajos de Alighiero Boetti, Anselm Kiefer, Beatriz Milhazes, Carlos Bunga, Plensa, Baselitz, Cildo Meireles, Lygia Clark, Anna Maria Maiolino, Louise Bourgeois o Tracy Emin.
El segundo ganador, el Comité de Adquisiciones del Museo de Arte limeño, echó a andar hace ahora trece años (coincidiendo, aproximadamente, con la apertura de ese espacio) para favorecer el enriquecimiento de este centro en lo que a creación contemporánea se refiere y contribuir, igualmente, a la difusión del arte actual peruano y su diálogo con el del resto de América Latina. Su presidenta es, desde el año pasado, Alexandra Bryce Cisneros y la Fundación ARCO quiere elogiar su labor de comisariado especializado.
El Meadows Museum, como muchos sabéis, es una de las más destacadas instituciones estadounidenses dedicadas al estudio y la difusión del arte español. Se nutre de la colección de Algur H. Meadows, un empresario y filántropo norteamericano que la donó a la Southern Methodist University en 1962 precisamente para generar a partir de ella un museo. Es extensísima y abarca desde objetos medievales, esculturas renacentistas y barrocas y pinturas de nuestra Edad de Oro a obras de Goya, Sorolla, Fortuny, Miró o Dalí. Su Fundación, benéfica y privada, la preside Linda Perryman Evans desde hace más de veinte años.
En cuanto a la Colección del Banco de España, podemos decir que tiene cerca de dos siglos de historia y que partió de los encargos que el Banco de San Carlos efectuó a varios artistas a fines del s XVIII, Goya entre ellos. Después se sumarían a esos fondos los del Banco de San Fernando y el de Isabel II, de cuya fusión nacería, a mediados del XIX, el que hoy conocemos como Banco de España.
Su colección, que atiende a disciplinas variadas, desde la pintura a las artes decorativas pasando por el grabado o la fotografía, es especialmente rica en arte de los siglos XX y XXI y en abstracción informalista. Entre los grandes nombres de esos fondos encontramos a Tàpies, Saura, Chillida, Millares, Palazuelo, Oteiza, Elena Asins, Esther Ferrer, Wolfgang Tillmans o Candida Höfer.
La colección de Entrecanales consta, por su parte, de medio millar de piezas fechadas desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Se compone de las obras que heredó de su padre, José Entrecanales (sobre todo pintura española de la etapa 1880-1920) y de las que su actual poseedor ha ido adquiriendo, entre las que no faltan trabajos de Picasso, Chagall, Juan Gris, Bores, Pancho Cossío o Julio González. El arte internacional también está aquí representado (de la mano de Sarmento, Thomas Scheibitz o Günther Förg); así como el más reciente (José Manuel Ballester, Santiago Giralda, Secundino Hernández…).
Por último, la Colección Kells se creó en 1996 y son sus propietarios Juan Manuel Elizalde y Choli Fuentes. En un primer momento, adquirieron fundamentalmente pinturas y esculturas de la segunda mitad del siglo pasado (a cargo de Feito, Saura, Clavé, Sempere, Genovés o Baltasar Lobo) y, desde 2004, han ampliado miras hacia la fotografía, el videoarte o las instalaciones.
En sus fondos encontramos a autores jóvenes como Juan López, Kepa Garraza, Guillermo Mora, Blanca Gracia, Clara Sánchez, Santiago Giralda, Nacho Martín Silva, Miguel Ángel Tornero, Carlos Irijalba, June Crespo, Sergio Prego o David Bestúe, a creadores nacionales consolidados como Juan Uslé, Carmen Calvo, Esther Ferrer, Angela de la Cruz, Jordi Teixidor, Antonio Ballester o Bernardí Roig y a los internacionales Richard Mosse, Dora Longo Bahia, Gustav Kramer, Liliana Porter, Tony Ousler, Carlos Bunga, Carlos Garaicoa o Maria Loboda.
La Fundación ARCO concede sus Premios “A” al Coleccionismo 2019
Christian Lagata y el colapso
Hasta el próximo 24 de febrero y bajo el comisariado de Jesús Alcaide, el artista gaditano Christian Lagata presenta en el Centro Párraga “Verde Chroma”, una selección de fotografías concebidas como retratos de nuestro mundo en (probable) colapso y de una alienación humana planteada como inevitable. La exhibición coincide allí con muestras de Antonio Menchen y Cecilia Szalkowicz y Ramón Sánchez Resalt.
Christian Lagata. Verde Chroma
Emil Lukas, plástico y larvas
Sperone Westwater presenta, hasta el 23 de febrero en Nueva York, una selección de obra reciente de Emil Lukas en la que es su cuarta muestra individual en la galería. Veremos cuatro series de pinturas y esculturas realizadas con los materiales habituales en su producción: hilo, larvas y plástico de burbujas. En unos y otros trabajos, el autor estadounidense continúa abordando el sentido de los procesos y de la perspectiva en el arte, las posibles cualidades fotográficas de la pintura y la tendencia humana a buscar patrones ante la información aleatoria.
Emil Lukas en Sperone Westwater
Beep y Es Baluard: un diálogo
Desde el próximo 30 de enero, la Planta O de Es Baluard acoge “FACES”, una muestra que pondrá en diálogo los fondos del museo mallorquín con la Colección BEEP de Arte Electrónico y las prácticas artísticas contemporáneas con las nuevas tecnologías.
La exhibición, que coincide con el 15º aniversario de Es Baluard, buscará encontrar vínculos entre obras realizadas en técnicas muy distintas y con muy variadas intenciones; también dar pie a lecturas insospechadas de las piezas más conocidas. Trabajos de Picasso, Miró o Barceló compartirán espacio y miradas con piezas de arte robótico y electrónico de Lugán, Marcel.lí Antúnez o Rafael Lozano-Hemmer. El nexo común entre unas y otras será su género: el retrato, entendido desde una perspectiva antropológica e histórica y atendiendo a las posibilidades de interacción del público con las obras.
La National Gallery y el Museo Nacional de Etnología holandés, premiados con el Fondo de Restauración de TEFAF
Un año más, TEFAF, la Feria Europea de Bellas Artes de Maastricht, concede subvenciones de 50.000 euros procedentes de su Fondo de Restauración a dos museos, con el fin de que emprendan sendos proyectos de conservación. En 2019, los seleccionados han sido la National Gallery de Londres, donde se intervendrá sobre el Retrato ecuestre de Carlos I de Van Dyck y el Museo Nacional de Etnología de los Países Bajos, donde se restaurará Vista de Deshima en la bahía de Nagasaki (hacia 1836), un biombo de ocho hojas del japonés Kawahara Keiga.
El retrato de la National Gallery es uno de los dos únicos de carácter ecuestre del monarca que se atribuyen a Van Dyck. Una vez recibida la subvención, el museo británico procederá a limpiar y retocar la obra, actualmente sometida a un tratamiento estructural financiado por la Getty Foundation.
El biombo de Keiga, por su parte, supone un registro fundamental de las históricas relaciones comerciales entre Japón y Holanda, porque el buque holandés Marij en Hillegonda navegó a ese país solo en una ocasión y los holandeses eran, cuando la obra se realizó, los únicos europeos que podían comerciar con los japoneses, solo desde su base en la isla artificial de Deshima.
Los ocho paneles exigen una restauración completa ya que no pueden, actualmente, exponerse al público ni viajar.
El jurado que ha seleccionado los museos que recibirían las subvenciones de este Fondo de Restauración ha estado formado por Rachel Kaminsky, marchante de arte de Nueva York, antes responsable del departamento de pinturas de Antiguos Maestros de Christie’s; David Bull, conservador de pinturas y antiguo presidente del departamento de conservación de pinturas de la National Gallery of Art de Washington; Kenson Kwok, antiguo director y fundador de los museos Asian Civilisations Museum y Peranakan Museum en Singapur y Carol Pottasch, restauradora y conservadora senior del Mauritshuis de La Haya.
Kawahara Keiga. Vista de Deshima en la bahía de Nagasaki, hacia 1836. Museo Nacional de Etnología, Holanda
Nueva luz sobre la Edad de Oro holandesa
La pintura holandesa de la llamada Edad de Oro, que relacionamos con Hals, Vermeer y Rembrandt, ha sido uno de los grandes atractivos de la colección del Metropolitan Museum de Nueva York desde que abriera sus puertas en 1872. Algunas de las obras maestras que forman parte de esos fondos holandeses se exhiben, hasta 2020 en el centro, bajo una nueva luz y reordenados también en un nuevo montaje: In Praise of Painting.
Podemos ver casi setenta pinturas estructuradas temáticamente, de modo que el espectador pueda introducirse en debates artísticos fundamentales en el siglo XVIII europeo y holandés, como los religiosos o los relacionados con la representación de la vida cotidiana. Obras que habitualmente se exhiben en el MET separadas, como el retrato de Gerard de Lairesse de Rembrandt o Apollo y Aurora del propio Lairesse, se muestran ahora juntas para introducirnos en las tensiones entre realismo e idealismo en aquel periodo.
Gerard ter Borch el Joven. Mujer tocando una tiorba-laúd y caballero, hacia 1658. Metropolitan Museum
