La delegada del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Andrea Levy, presentó ayer el Plan Aplaude, destinado a paliar en lo posible los efectos de la crisis del coronavirus en el sector cultural madrileño. Está dotado con 7,5 millones de euros y tiene entre sus principales objetivos “evitar el cierre de estructuras culturales privadas”, dado que la capital representa el 4,4 % de la actividad cultural que se desarrolla en nuestro país y aporta al PIB un 1,2 % más que la media nacional.

Levy se ha comprometido a ejecutar todo el presupuesto de Cultura en 2020 y ha adelantado que de la batería de medidas incluidas en el Plan Aplaude podrán beneficiarse teatros (1,9 millones de euros), cines (1,2 millones de euros), salas de música en vivo (1,3 millones de euros) y compañías de teatro, danza y circo (530.000 euros). Esas ayudas sufragarán los gastos de suministros y de alquiler de estos espacios desde marzo hasta septiembre y quienes las reciban deben comprometerse a no cerrar al menos hasta un año después de la finalización del estado de alarma.

Las salas alternativas y los espacios singulares dedicados a la creación contemporánea podrán optar a una ayuda bianual para programación dotada con 1,6 millones de euros y un millón, respectivamente, y el Ayuntamiento ha ampliado a cines, teatros, auditorios y bares musicales la bajada del Impuesto de Bienes Inmuebles y del Impuesto de Actividades Económicas del 25 % de la cuota íntegra para 2020.

En lo relativo al ámbito del arte contemporáneo, el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento ha anunciado la adquisición de obras en galerías durante Apertura Madrid Gallery Weekend por valor de 100.000 euros. También se está estudiando la cesión permanente de los pabellones de la Casa de Campo para que artistas plásticos puedan desarrollar sus creaciones.

El Centro Gallego de Arte Contemporáneo, en Santiago de Compostela, vuelve a abrir sus puertas hoy a las visitas del público, en su horario habitual previo a la crisis del COVID-19: de martes a domingo, de 11:00 a 20:00 horas.

Cumpliendo con las medidas anunciadas por las autoridades, solo acogerá por el momento espectadores hasta un tercio de su capacidad. Sus próximas actividades serán también digitales.

La reapertura del Centro Botín de Santander, tras su obligado cierre por la crisis del coronavirus, ya tiene fecha: podrá ser visitado desde mañana, 12 de mayo. La Fundación Botín ha tomado la decisión de reiniciar su actividad de cara al público lo antes posible, según un comunicado, desde el convencimiento de que las artes contribuyen al desarrollo personal y de la creatividad y con el fin de contribuir a la reactivación de la economía y a la progresiva recuperación del turismo en Cantabria. Para ello, adaptará su funcionamiento y el desarrollo de sus actividades a las recomendaciones sanitarias.

Su horario provisional será de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas y las exposiciones que podrán visitarse son las que el centro tuvo que cerrar el pasado marzo: “Anri Sala: As you go (Châteaux en Espagne)”, “Coleccionando procesos: 25 años de Itinerarios” y “Retratos: Esencia y Expresión“. Por el momento, recordamos, podrán disfrutar de ellas los ciudadanos residentes en Santander y Cantabria.

Desde el pasado 12 de marzo, día en el que el Museo del Prado cerró sus puertas y muchos madrileños iniciaron su confinamiento debido a la crisis sanitaria derivada del COVID-19, la página web del centro ha superado los 12,5 millones de visitas, siendo la sección que ha suscitado más interés Explora la Colección, y su versión en inglés, Explore the Collection. De hecho, esa adaptación al inglés del explorador de los fondos de la pinacoteca online ha sido la página más visitada del portal del Prado, con un incremento del 360% de usuarios.

En su conjunto, el número de visitas a la web del Museo se ha incrementado en un 232% con respecto al mismo periodo del año pasado y en un 250% respecto a los meses de enero y febrero de este 2020.

Por otro lado, el programa de acciones online #PradoContigo ha permitido al centro garantizar el acceso al conocimiento de sus obras y artistas y que estas piezas se muestren más accesibles que nunca en la distancia: junto a España, los países de donde proceden la mayor parte de los usuarios son Italia, Estados Unidos, México y Argentina.

Bajo ese hashtag, #PradoContigo, se reúnen acciones como Descubriendo la colección, una nueva serie de vídeos en la que especialistas de todas las áreas explican obras, que sin ser muy conocidas, resultan fundamentales para profundizar en aspectos esenciales del acervo del Prado; Conversaciones en directo, que tienen lugar los viernes a las 12:00 horas en Instagram (en ellas los responsables de las distintas colecciones del Prado y su conservación comentan las obras que tienen a su cargo y responden las preguntas que los usuarios envían durante la semana al correo redes@museodelprado.es) o la nueva etapa de #PradoEducacion, que da continuidad virtual a las actividades presenciales que se desarrollaban en el Museo antes de su obligado cierre, como El Prado en familia, El Prado para todos o recorridos e itinerarios.

Son más de tres millones los seguidores del Museo en Twitter, Facebook e Instagram que pueden disfrutar a diario de estos proyectos desde sus casas.

JUST ONE DAY es una iniciativa puesta en marcha por JUSTMAD que pretende apoyar a las galerías y los artistas participantes en la feria madrileña en este periodo incierto a raíz de la crisis del COVID-19. Se trata de una subasta de obras que tendrá lugar en Instagram, en el perfil de esta muestra: @justfairs.

El próximo 14 de mayo, de 11:00 a 21:00 horas, podremos encontrar en dicho perfil las imágenes de los trabajos por los que podrá pujarse, junto a sus datos: autoría, año de realización, tamaño, técnica y soporte. Todas las piezas partirán de un precio de salida de 200 euros y las pujas se efectuarán, de 20 en 20 euros, mediante comentarios en las imágenes. Finalmente, cada obra se adjudicará a quien, a las 21:00 horas, haya ofrecido la suma más elevada.

Paul Kasmin, galerista británico que estableció un pequeño pero selecto conjunto de galerías propias en Nueva York, falleció el pasado 23 de marzo en esa ciudad a causa del cáncer. Tenía 60 años.

Sus espacios de exhibición en Manhattan, alrededor de la intersección de 10th Avenue y West 27 Street, han presentado en los últimos treinta años exposiciones que se mantenían, en buena medida, al margen de tendencias y que ofrecían visiones menos estandarizadas que las de otras firmas de galerías con mayor número de sedes. En ellos podían encontrarse desde nuevas abstracciones de Frank Stella a las pinturas kitsch y salvajemente populares de Mark Ryden, de exhibiciones de corte académico dedicadas a Brancusi o Duchamp a las centradas en el falso estilo naturalista de Walton Ford. Por las salas Kasmin también pasó la producción fotográfica de Andy Warhol, Peter Hujar, Ron Galella o David LaChapelle.

La amplitud de su gusto parecía muy británica (algunas de sus elecciones fueron cuestionadas por los comités de selección de más de una feria de prestigio), pero él no consideraba decisivo su origen, sino la influencia de otro galerista, Robert Miller, con quien entabló amistad en los ochenta, cuando Kasmin aún trabajaba en Londres ocupándose, sobre todo, de fotografía vintage.

Atendiendo a las últimas medidas adoptadas por el gobierno francés para prevenir la expansión del coronavirus, entre ellas la prohibición de eventos que impliquen reuniones públicas hasta mediados de julio, ART PARIS ha anunciado la cancelación de su 22ª edición, inicialmente anunciada para la primera semana de abril y después pospuesta a mayo.

La organización de la feria trabajó hasta el último momento en una tercera posibilidad, la de presentarla del 1 al 5 de julio, pero finalmente no ha podido ser. Iban a participar en la cita 150 galerías de una veintena de países en torno a dos ejes temáticos, centrados en la escena francesa y en la Península Ibérica.

Ya conocemos, eso sí, las fechas de su próxima edición: se celebrará del 7 al 11 de abril de 2021 en el efímero Grand Palais del Campo de Marte, una estructura temporal diseñada por Jean-Michel Wilmotte, dado que el Grand Palais, su sede habitual, permanecerá cerrado por obras hasta el verano de 2024 (su reapertura coincidirá con la celebración de los Juegos Olímpicos en la capital gala).

ART PARIS agradece el apoyo de galerías, instituciones culturales y patrocinadores en esta coyuntura y manifiesta su solidaridad hacia las víctimas del coronavirus y hacia quienes luchan directamente contra la enfermedad.

El Museum of Fine Arts Boston presenta, hasta el 25 de mayo, una muestra que examina la evolución artística de Lucian Freud a partir de sus autorretratos. El británico es mejor conocido por sus retratos de terceros, pero aplicó a las representaciones propias el mismo ojo crítico e idénticos rigor y virtuosismo.

Regresó una y otra vez al género durante siete décadas: fue una de las claves temáticas de su carrera; de hecho, en Boston se presentan ahora cuarenta trabajos entre pinturas, dibujos y grabados fechados entre los años cuarenta y el siglo XXI. Trazan la evolución de su técnica y estilo: desde sus primeras obras lineales y gráficas hasta la carnosidad que se convirtió en el sello distintivo de su producción posterior. Estudió Freud el proceso de envejecimiento y los cambios que infligió el tiempo en su propia forma física.

El Ashmolean Museum de Oxford nos invita a rastrear el ascenso meteórico de Rembrandt en su carrera desde las primeras pinturas que realizó, siendo adolescente, en su ciudad natal de Leiden hasta las obras maestras que produciría en Ámsterdam una década después. Se trata de la mayor muestra dedicada, hasta ahora, a su producción de juventud: consta de una treintena de pinturas y noventa grabados procedentes de colecciones internacionales y privadas. Puede visitarse hasta el 7 de junio.

El Clark Art Institute de Williamstown exhibe, hasta el 3 de enero del año próximo, una instalación específica y dos esculturas de tela a gran escala de Pia Camil. La primera consiste en una cortina elaborada con medias transparentes que viste la sala de lectura Manton, cubriendo parcialmente tanto una ventana como una pintura de los fondos de este centro, seleccionada por la propia Camil.

Las dos esculturas, por su parte, pertenecen a la serie Skins y se fechan entre 2015 y 2016: se trata de Telluride Tunic y Valparaiso Green Cloak for Three y están elaboradas con desechos de fábricas textiles. Incorporan referencias a la artesanía tradicional mexicana y a las pinturas de Frank Stella. Los proyectos de esta artista abordan la dualidad entre los espacios públicos y los privados y asuntos como cuerpo, género e identidad.

Tras presentar una selección de su obra en Utopía Parkway, en Madrid, Elena Goñi recala, hasta el 17 de abril, en Espacio Marzana (Bilbao). Presenta dibujos dedicados a entornos cotidianos y a su propia intimidad, con un componente abstracto y un aire ensoñado que permite que siempre sean posibles lecturas diversas por parte del espectador.

A partir de mañana, y hasta el 9 de mayo, Guillermo Peñalver presenta en la Galería Gema Llamazares de Gijón “De dentro a fuera”, un compendio de trabajos recientes en los que, como viene siendo común en su trayectoria, convierte su propia biografía en material y tema de trabajo. Muestra dibujos y obras de “marquetería con papel y cartulinas” en las que sus escenas domésticas y privadas adquieren el carácter de alegorías existenciales.

En conjunto hablamos, en última instancia, de un autorretrato elaborado desde una completa libertad en lo formal y en los procesos.

La Galería BAT Alberto Cornejo presenta, desde mañana, la décima edición de sus Diálogos. Confronta esta vez paisajes de Diego Benéitez y esculturas de cariz escenográfico de Marta S. Luengo; los primeros llaman nuestra atención sobre la belleza de lo simple y cotidiano y las segundas, sobre lo subjetivo de nuestra percepción del paso del tiempo y sobre la pervivencia de nuestra individualidad en el marco de las relaciones sociales.

El zamorano presenta el proyecto El presente del pasado, y la autora madrileña, Instantes acontecidos. La muestra puede visitarse hasta el 9 de mayo.

Esta semana fallecía, a los 76 años de edad y a consecuencia de un cáncer linfático, el performer alemán Ulay (Frank Uwe Laysiepen), a quien todos conocemos por los proyectos que desarrolló junto a Marina Abramovic en los doce años transcurridos entre 1976 y 1988: acciones artísticas en las que ambos dejaban a un lado sus individualidades para conformar una suerte de ente artístico único en el que también dejaban de tener sentido las fronteras entre lo público y lo privado y entre el cuerpo y la creación. De hecho, muchas veces sus obras implicaban dolores físicos casi extremos, en un intento por enlazarlos, o enfrentarlos, a los sufrimientos mentales o emocionales.

Uno de sus más célebres trabajos conjuntos fue el que, precisamente, puso fin a su andadura como pareja sentimental y creativa: en 1988, cada uno caminó por la Muralla China desde uno de sus extremos para terminar encontrándose, y después despedirse, sin decirse más palabra que “adiós”. Antes habían explorado las (¿diferentes?) resistencias al padecimiento, exterior e interior, de hombres y mujeres en la serie Relation Works o habían indagado en las posibilidades de fusión entre lo masculino y lo femenino, en That self. Dado que se había formado como fotógrafo, Ulay documentó a menudo esas performances en polaroids.

Ya trabajando en solitario, continuó desarrollando piezas en las que profundizaba en las relaciones entre cuerpo y espacio. Más de dos décadas después de su separación, Ulay y Marina volvieron a encontrarse al participar el artista en su propuesta para el MoMA “The artist is present”, en la que la serbia compartió minutos de miradas y silencios con un sinfín de visitantes, entre ellos su expareja. Fueron instantes de gran emoción, para ellos y para la mayoría de quienes disfrutaron del documental.

En 2016, Marina fue condenada a abonar a Ulay 250.000 euros por los derechos generados por sus obras junto a él. A su muerte, ha subrayado la vigencia de su trabajo: Me he enterado con gran tristeza de que mi amigo y excompañero Ulay ha fallecido hoy. Él era un artista y un ser humano excepcional y lo echaremos mucho de menos. Hoy me reconforta saber que su legado vivirá para siempre.