Entre los artistas vivos irrenunciables se encuentra Bruce Nauman, que desde los sesenta ha marcado la historia de la creación contemporánea de la mano de instalaciones, vídeos, esculturas, performances, fotografías, dibujos y proyectos sonoros que remiten a la experiencia humana, a los aspectos más profundos del psiquismo, la percepción del cuerpo y la relación del individuo con el espacio, el tiempo y el lenguaje.

Tras pasar por la Tate Modern londinense y el Stedelijk Museum de Ámsterdam, Pirelli HangarBicocca expone en Milán una selección de sus investigaciones espaciales y arquitectónicas en la muestra “Neons Corridors Rooms”, que analiza al completo sus ensayos en términos de las tres dimensiones, uso de luz, sonido, lenguaje y vídeo. Hasta el 26 de febrero de 2023.

La Galería Gerhardt Braun ha abierto un nuevo espacio en el número 72 de la calle Claudio Coello de Madrid, que se suma a sus sedes consolidadas de Palma de Mallorca, Ibiza y Port Andratx (Mallorca). Estrena la sala Leon Löwentraut, que en la exposición “No Limits” exhibe sus últimas pinturas, esculturas, dibujos, ediciones y también la instalación interactiva Volar, un proyecto desarrollado en colaboración con un programa de diseño virtual de la Universidad de Kaiserslautern que pretende sumergir al espectador en la experiencia inmersiva del vuelo, entablando en él cierto paralelismo con la experiencia creativa.

Löwentraut, nacido en 1998 en Renania, ha presentado su producción en galerías de Nueva York, Basilea y Singapur, el Parlamento de Düsseldorf o el Museo Pushkin de San Petersburgo y Gerhardt Braun lo representa desde 2018.

La Galería Hilario Galguera, enraizada en Ciudad de México, donde cuenta con dos espacios expositivos, ha abierto este mes de septiembre sede en Madrid, en el número 12 de Doctor Fourquet. Hasta el 5 de noviembre, presenta allí la primera muestra individual de Peter Buggenhout en España, titulada “Un perro con ojos para los ciegos”.

Este artista belga trabaja en series profundizando en aspectos vitales de la existencia contemporánea, como la decadencia, la sobreacumulación, la incertidumbre, la destrucción o el desconocimiento. En Madrid puede verse una de sus nuevas propuestas, King Louie; su título deriva del personaje de El libro de la selva de Kipling, cuya personalidad pudo perjudicarle a sí mismo, a su pueblo y sus planes.

Establece lazos entre sus trabajos y la historia o la literatura y están elaborados estos con objetos encontrados o de desecho, previamente insignificantes o poco estables, como polvo, escombros o sangre, por lo que generan información inaccesible, o accesible solo en parte. Sus procesos son largos y metódicos y dan lugar a estructuras y construcciones de gran formato, cuya lógica interna se desvela en la interacción directa del espectador con ellos; a menudo se asemejan a ruinas, contrapuestas a las actuales tendencias de consumo fácil.

La sede madrileña de la Galería Juan Silió presenta “3mm”, su primera exposición de Irene Grau. En la producción reciente de esta autora, la pintura nace de lo que se desecha al cortar la piedra, que son tres milímetros de residuo, de material que pierde su corporeidad para recobrarla en el lienzo, jugando con las formas y su desaparición.

En una escala de grises, sus piezas sugieren las grietas de lo aparentemente sólido y componen un paisaje que señala caminos alternativos y rutas en principio imperceptibles. Justamente los muchos caminos desde los que se puede abordar la construcción del paisaje en la pintura son el punto de partida del trabajo de la artista, que disecciona la naturaleza para tomar de ella elementos que, abordados desde una nueva perspectiva, devienen composición y encuentran en ese terreno la capacidad de expresarse de forma pura.

Las suyas son, por tanto, obras contradictorias en las que la sencillez de un solo material, o de un único color, reflejan la complejidad y el poder de transformación que puede contener una unidad. En sus últimas imágenes, Grau busca las grietas de los procesos que marcan un sistema productivo lineal que condena igualmente las formas que deben adoptar los elementos naturales.

Desde el próximo 29 de septiembre, la Fundació Suñol acogerá la exhibición “Memorias cruzadas. Las colecciones como territorio de creación”, un diálogo entre una selección de los fondos del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca y los de la Colección Suñol Soler. Completan el conjunto trabajos recientes de siete artistas contemporáneos que los han creado a partir de esas colecciones históricas que reunieron Fernando Zóbel y Josep Suñol.

La muestra, comisariada por Glòria Picazo, se ha concebido para favorecer la reflexión sobre los roles de la institución artística y del coleccionista o de las colecciones como activo. Los autores representados son Elena Asins, Josep Guinovart, Asunción Molinos, Joana Moll, Antònia del Río, Pablo Palazuelo, Arnau Sala Saez, Susana Solano, Julia Spínola, Pep Vidal y Oriol Vilanova.

Probablemente ningún otro artista represente las esencias de la vibrante escena neoyorquina de los ochenta como Jean-Michel Basquiat. Nacido en esa ciudad en 1960, se escapó de casa a los 17 años para abrirse camino primero como grafitero y, en ocasiones, viviendo en la calle. Pero no pasó mucho tiempo antes de su meteórico ascenso y de su inspiradora amistad con Andy Warhol: sus pinturas pronto tuvieron una demanda extremadamente alta y, en 1982, ya se había convertido en el participante más joven en Documenta 7 y en el primer artista de fama mundial con raíces afroamericanas y caribeñas. El éxito fulgurante acabó con su muerte en 1988.

Su obra no ha perdido vigencia y hoy continúan examinándose su herencia africana y las problemáticas sociales que aborda, comenzando por el racismo.

La Albertina vienesa acoge, hasta el 8 de enero de 2023, la primera retrospectiva completa de este autor en un museo de Austria, con medio centenar de imágenes procedentes de colecciones públicas y privadas.

El Museo del Prado ha anunciado esta mañana la recopilación y publicación del listado de todas las obras depositadas en sus colecciones procedentes de la Comisaría General de Defensa del Patrimonio Artístico, piezas probablemente incautadas por la Junta de Incautación y Protección del Tesoro Artístico durante la Guerra Civil.

Recoge 25 obras documentadas y el origen de la mayoría de ellas, 22, constaba con anterioridad, expresamente, en las fichas que podemos consultar en la web de la pinacoteca. La ausencia de datos en los tres casos restantes se debía a que el mal estado de conservación de las pinturas hacía que careciesen de ficha en ese portal, aunque estuvieran catalogadas en el sistema de gestión de la colección del Museo.

De ese conjunto, diecisiete imágenes fueron entregadas al Prado por la Comisaría General del Patrimonio Artístico Nacional entre 1940 y 1942; cinco recayeron en el entonces Museo de Arte Moderno y la última, aunque destinada en principio a este último centro, quedó en el Museo de Arte Contemporáneo y pasaría al Museo Reina Sofía, desde donde se adscribió al Prado en 2016, coincidiendo con una reordenación de fondos. A esas pinturas se suman un frutero y un reloj, igualmente provenientes de la Comisaría General del Patrimonio Artístico Nacional.

Esta cifra de una veintena de obras podría crecer, según ha apuntado el Prado, teniendo en cuenta los más recientes estudios del experto en patrimonio y Guerra Civil, catedrático y profesor emérito, Arturo Colorado Castellary, por eso el Museo abrirá formalmente una vía de investigación para atender la posibilidad de que otros trabajos de su colección tengan su origen en incautaciones realizadas en la contienda o durante el franquismo, con el fin de aclarar posibles dudas sobre los antecedentes y el contexto previos a que se produjera su entrada en el acervo del centro y, su fuera el caso según los requisitos legales, proceder a su devolución a los legítimos dueños.

El propio Arturo Colorado, que dirigió en 2019 el congreso internacional Museo, guerra y posguerra en el Prado, será el encargado de coordinar la labor de los investigadores que estudiarán a fondo los distintos archivos y los registros de la pinacoteca en esta materia, análisis que se llevarán a cabo en colaboración con el Área de Biblioteca, Documentación y Archivo.

Las conclusiones de ese estudio verán la luz a comienzos de 2023, pero el listado actual que reúne esas 25 pinturas puede consultarse aquí.

Revela’T, el primer festival internacional de fotografía analógica, celebrará su décima edición hasta el 2 de octubre en Vilassar de Dalt, Barcelona y otras ciudades catalanas; podremos visitar más de medio centenar de exposiciones y los días 16, 17 y 18 de septiembre se desarrollarán el Market Fotográfico y las Jornadas Profesionales, tres días de actividades formativas alrededor de la fotografía. El 1 de octubre, además, Revela’T hará una fiesta de cumpleaños por esa primera década y organizará el Photobook Day, una jornada dedicada al fotolibro.

El Festival rendirá homenaje en esta ocasión a Joan Fontcuberta, protagonista de la muestra “HeghDI’ vem ghaH, tú’lu’ , DINOSAUR”, que será el encargado, además, de ofrecer la Conferencia Inaugural el viernes 16 de septiembre en el Teatro La Massa de Vilassar de Dalt y recibirá el distintivo de plata de Revela’T 2022.

Podremos ver varias series fotográficas de largo recorrido, como las de Alessandra Sanguinetti, de la agencia Magnum, que ha retratado durante más de veinte años la vida de dos primas que viven en una granja en Argentina; las de Cristina Fontsaré, que construye un diario de vida a través del seguimiento a varias chicas desde la infancia y hasta la edad adulta; Alexey Titarenko, que capturó las multitudes en San Petesburgo en otro tiempo; Deanna Dikeman, quien, durante 27 años, al despedirse de sus padres hacía una última foto desde el coche o Antonio Martín “Michael”, que ha reconstruido a lo largo de un cuarto de siglo la memoria gráfica del barrio madrileño de Alameda de Osuna.

En cuanto a la fotografía social, Revela’T contará con la obra de Natalia Kepesz, galardonada con un World Press Photo en 2021, que ha trabajado en los campamentos militares de verano en Polonia, y con una selección de imágenes de los artículos de viajes de Rafa Badia.

Las técnicas fotográficas mixtas estarán presentes en la cita a través de la obra de Frank Machalowski, con retratos antiguos comprados en un mercadillo y fotos actuales hechas con cámara estenopeica anamórfica; en la gran retrospectiva dedicada a Luis González Palma, cuyas obras evolucionan hacia la tridimensionalidad; en los paisajes tratados con técnicas pictóricas de José Manuel Magano o en la exposición sobre la Guerra Civil de Joaquín Paredes. Además, dos muestras enseñarán el trabajo de diferentes talleres de cianotipia.

Por último, imagen y poesía se darán la mano en la obra de la fotógrafa Tomoko Nagakawa y la del autor de culto Jun Shiraoka, en la producción serena de José María Díaz-Maroto, los paisajes de Canarias de Daniel Fleitas, las capturas del cielo de Argentina de Beberly Estay, las historias íntimas y personales de Bárbara Traver o los recuerdos familiares de Rodrigo Flechoso. El paso del tiempo centra las piezas de Mark Formanek y Manabu Yamanaka, que investigan el cuerpo en la vejez.

CentroCentro, el espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, albergará en el último cuatrimestre de 2022 media docena de proyectos expositivos y dos festivales: Fiebre Photobook Fest, en septiembre y Serielizados Fest, en octubre.

Desde hoy, podemos visitar la muestra “Ciudad Adentro [en la Galaxia Rural]”, que ha comisariado José Tono Martínez y que se adentra en la experiencia urbana a partir de tres casos de estudio (las biografías del filósofo Javier Echeverría, el músico Llorenç Barber y la escritora Noni Benegas) y de ilustraciones de Juan Berrio, José Domingo, Irati Fernández Gabarain, Elena Ibáñez, Pere Joan, Raquel Lagartos, Delius/María Delia Lozupone, Miguelanxo Prado, Pepa Prieto Puy, Rep/Miguel Repiso, Antonia Santolaya y Mikel Valverde.

Ya el 29 de septiembre, se abrirán allí dos exposiciones dedicadas a la capital. La primera es “Madrid Diversa”, a cargo de los arquitectos Ariadna Cantis y Javier Peña, que propondrá cinco miradas a la ciudad contemporánea –La ciudad habitada, La ciudad construída, La ciudad compartida, La ciudad de los usos y La ciudad en transformación–, atendiendo especialmente a la diversidad como hecho identitario de la vida urbana. Constará de un atlas de mapas a gran escala, desarrollado por el think tank 300.000 Km/s; un recorrido fotográfico con trabajos de Eva G. Herrero, Ernesto Peña Sanz, Rainer Torrado, Ángela Suárez y Ana Belén Mejía y un paisaje de sonidos creado por Lucas Bolaño.

Por su parte, “Entre río y raíles” nos ofrecerá los resultados de una investigación llevada a cabo en el marco del proyecto TRAHERE TRAin HEritage REuse, dirigido por Graziella Trovato, doctora arquitecta y profesora de la ETSAM. Se ahondará en las sucesivas transformaciones de Madrid en los siglos XIX y XX a lo largo del Pasillo Verde Ferroviario, en las antiguas terrazas fluviales del Manzanares, a partir de un millar de imágenes, obras plásticas de archivos y fondos documentales, material audiovisual y fotografía urbana original.

Ya desde octubre, CentroCentro acogerá una gran muestra dedicada al arquitecto modernista Antonio Gaudí. Se incidirá en la originalidad de sus formas, su atención a la ornamentación, al cromatismo y la riqueza de los símbolos, y en su inspiración en la naturaleza. Llegarán a Cibeles planos, dibujos, maquetas, muebles, elementos arquitectónicos, cerámica, fotos de época…

En ese mismo mes, este espacio abrirá “Underground y contracultura en la Cataluña de los 70: un reconocimiento”, proyecto organizado por el Palau Robert que propondrá un ejercicio de memoria histórica y una mirada detenida a los movimientos sociales y culturales de esa década. A través de más de 500 imágenes, incluyendo originales y fotografías inéditas, revistas, cómics, fanzines, cubiertas de discos o carteles, se revisará el despertar a la democracia y las transformaciones culturales del momento.

Por último, la Bienal de Arte Contemporáneo de Fundación ONCE abrirá las puertas de su octava edición el 25 de octubre en este centro. Con el lema “Mujer y discapacidad”, expondrá medio centenar de piezas de mujeres artistas, como Louise Bourgeois, Meret Oppenheim, Ángela de la Cruz, Emilie Gossiaux, Lucía Beijlsmit, Rebecca Horn, Paloma Navares, Judith Scott o Jana Sterbak.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha concedido los Premios a las Mejores Encuadernaciones Artísticas correspondientes a este año. El máximo galardón ha recaído en Juan Antonio Fernández Argenta, por la obra LEGIUM, y recibirá 6.000 euros. El segundo y tercer premio han sido para Benjamín Alonso Castillo, por INCONCINNUS LIBER, y Ángel Peinado Ursino, por UNIVERSO; su dotación será, respectivamente, de 4.000 y 2.000 euros.

Han resultado finalistas las encuadernaciones ABRACADABRA, de Francisca Consuegra Ortega, y SUEÑOS, de Isabel Palmero Valladolid.

Este premio se convoca anualmente y tiene como objetivo reconocer las mejores encuadernaciones artísticas y estimular la labor de los creadores en este campo. En esta ocasión, los candidatos han debido trabajar sobre el texto Todo lo que no te pude decir, de Cristina Peri Rossi, Premio Cervantes 2021, y 41 obras se admitieron a concurso.

El jurado ha estado presidido por María José Gálvez Salvador, directora general del Libro y Fomento de la Lectura del Ministerio de Cultura y Deporte, y Jesús González González, subdirector adjunto de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas, y compuesto por Josep Lafarga Sarrà, de la Federación de Gremios de Editores de España; Carlos Vera Carrasco, de la Biblioteca Nacional de España; Andrés Pérez-Sierra Rodríguez, segundo premio en la convocatoria de 2021; Mónica Gil Sanvicente, tercer premio en la misma edición; Arsenio José Sánchez Hernampérez y José Luis Checa Cremades, especialistas en artes aplicadas y la confección del libro y, por último, Teresa Goizueta Ruiz, jefa de área de Promoción de las Letras de la Subdirección General de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas.

Ian Waelder, joven artista madrileño residente en Alemania, ha obtenido el Premio Art Nou 2022 que concede La Capella, el espacio que el Institut de Cultura de Barcelona dedica a la creación emergente.

Ha sido galardonado por “Is it Like Today?”, exposición en la galería etHall de L’Hospitalet de Llobregat en la que explora la memoria y sus huellas aislando las historias materiales y el lenguaje en relación con su propia biografía y trabajando desde la poética del accidente y de la recolocación de lo desechado.

Reunió, para este proyecto, una serie de trabajos recientes que inciden en la búsqueda del Opel Olympia, un coche de los años treinta que perteneció a la familia de su abuelo paterno, el pianista Friedrich Waelder, y que le permitió huir de Alemania durante el nazismo. El germen de este trabajo surgió al trasladarse este autor a Frankfurt en 2017 y darse cuenta de que era el primer miembro de su familia en volver a establecerse en aquel país desde el exilio de su abuelo, residiendo además a pocos minutos de la fábrica original de Opel.

La entrega de este premio cierra la undécima edición de Art Nou, el Festival de Arte Emergente de Barcelona y L’Hospitalet de Llobregat, organizado por la asociación de galerías Art Barcelona. Se ha celebrado del 30 de junio al 3 de septiembre y ha contado con la participación de 35 galerías y espacios autogestionados y más de 50 jóvenes artistas.

Noor Abed, artista nacida en Jerusalén en 1988, ha resultado ganadora de la beca de producción en videoarte concedida por la Fundación Han Nefkens y la Fundació Antoni Tàpies en reconocimiento a una obra que, en palabras del jurado, “moviliza mitologías y folclore para reivindicar realidades pasadas y presentes de existencia comunal frente a estrategias hegemónicas de fragmentación social y cultural. A través de una coreografía poética de cuerpos, sitios, narrativas y temporalidades, su producción invita a la reflexión sobre las posibilidades de acción y resistencia social en la vida cotidiana”.

Explica Abed que le interesan las historias y narraciones en los márgenes y que busca en ellas pistas para crear discursos alternativos: Mi obra suele reflejar el pasado –en su forma o contenido– y, sin embargo, sugiere una conexión decisiva con el futuro, como si fuera un recuerdo de lo que vendrá. Cuestiona las identidades sociales colectivas a través de la construcción de mitologías y trabajando en torno a una postura crítica del folclore como fuente de conocimiento. Debo crear situaciones para modelos sociales y de representación alternativos en Palestina.

La beca está dotada con 15.000 dólares destinados a apoyar la producción de un nuevo vídeo de edición limitada, que deberá estar finalizado en septiembre de 2023 para, a partir de 2024, exhibirse en las cinco instituciones colaboradoras: la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, el Centro NTU de Arte Contemporáneo de Singapur, WIELS, en Bruselas; el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Manila y el Centro de Artes Jameel de Dubai.

Esta convocatoria se dirige a artistas emergentes menores de 40 años que vivan en el territorio de Asia Occidental y Central y que cuentan con trayectorias sólidas, pero no han tenido la oportunidad de exponer de manera extensa. La beca de producción ha de servir para impulsar sus carreras.

El verano de 2022 ha sido el más exitoso, en cuanto a visitas, desde la apertura del Museo Guggenheim Bilbao, que ha recibido en los últimos dos meses casi 450.000 espectadores, lo que confirma la recuperación de sus cifras tras la pandemia y en el año de celebración de su cuarto de siglo. Agosto ha sido el mes más concurrido en el centro, con 195.000 visitantes y una media diaria de 6.300, lo que supera en un 7,4% al que hasta la fecha era el mejor agosto de la historia de la institución, el de 2018.

Un 65% del público del verano en el Guggenheim procedía de fuera de España, destacando la afluencia de franceses (18%), seguidos en el cómputo de alemanes (7%), holandeses (7%), británicos (6%) e italianos (5%). En cuanto a la afluencia nacional, un 10% del total de los visitantes de verano llegaron del País Vasco, y un 5%, respectivamente, de Cataluña y Madrid.

Artium Museoa ha avanzado hoy su programa de exposiciones y programas públicos para la segunda mitad del año; este 2022 el centro vitoriano cumple dos décadas.

Desde el próximo 14 de octubre podremos visitar allí “El arrebato de Iván Zulueta”, una aproximación a la figura y al trabajo de este cineasta vasco fallecido en 2009. Recordando títulos de su filmografía, su labor como artista gráfico y entrevistas a personas con las que se relacionó, y también a partir de su memorabilia, la muestra analizará el universo creativo que vertebró a partir de su continua experimentación con la imagen.

Dos semanas más tarde, el 28 de octubre, Artium abrirá la exposición “Jutta Koether. Black Place”, la primera monográfica de esa autora en España. Resumirá sus tres décadas de trabajo, recalcando su interés por la pintura como medio para el desarrollo de una práctica feminista, y contará con piezas en formatos diversos, desde grandes lienzos, que concibió como reapropiaciones de obras de artistas clásicos, hasta obras de mediano y pequeño tamaño en las que trascendió los límites de la pintura tradicional.

Asimismo, dentro del programa específico del 20º aniversario del Museo y en la última semana de este mes de septiembre, la propuesta La colección visible volverá a rotar. Y en los procesos de investigación y difusión del patrimonio propio se enmarca también la exhibición que Artium dedicará, ya desde enero de 2023, al artista vitoriano Rafael Lafuente.

En cuanto a sus programas públicos, este espacio continuará en este semestre con el ciclo de conferencias Los futuros del museo y con los ciclos de cine Historias del cine feminista -desarrollado en colaboración con Tabakalera- y Cineastas vascas II -organizado por la Filmoteca Vasca-. Prepara además, en septiembre, la primera sesión de NÍTIDO, un proyecto orientado a analizar la relación entre los públicos jóvenes y los museos, y en noviembre se celebrará la undécima edición de los Encuentros de Centros de Documentación de Arte Contemporáneo, un foro bienal de intercambio de conocimiento con la participación de expertos de diferentes centros documentales, entre ellos los del Instituto de Investigación Getty de California, el Museo Reina Sofía, la Biblioteca Nacional o Chillida Leku.

Mañana, 19 de agosto, se celebra el Día Mundial de la Fotografía, por eso la Fundación MAPFRE nos ofrecerá entrada gratuita durante toda la jornada a las exposiciones actualmente abiertas en sus sedes de Madrid y Barcelona.

En Madrid, en la Sala Recoletos, se pueden visitar antologías de Pérez Siquier, figura fundamental en la consolidación de la modernidad fotográfica y en la profesionalización del medio en nuestro país, y Paolo Gasparini, seguramente el fotógrafo que mejor ha retratado las tensiones y contradicciones culturales en América Latina en el último medio siglo.

En el centro KBr Fundación MAPFRE Barcelona encontraremos, entretanto, dos exhibiciones que ofrecen una nueva mirada en torno al paisaje y la historia de este arte: las dedicadas a Bleda y Rosa y a las resonancias entre dúos de imágenes en las colecciones de esta institución.

La exposición “Motion. Autos, Art, Architecture”, comisariada por el arquitecto Norman Foster y los curadores del Guggenheim Bilbao Lekha Hileman Waitoller y Manuel Cirauqui, ha sido recorrida en ese Museo vasco desde el pasado abril por más de 500.000 personas. De hecho, el número de visitantes en el mes de julio a ese espacio ha sido el segundo mejor en su historia, cifra a la que ha contribuido esta muestra, que permanecerá abierta hasta el 18 de septiembre.

Quienes se acerquen al Guggenheim en las próximas semanas podrán disfrutar, además, de las exhibiciones “Jean Dubuffet: ferviente celebración“, “Serra/Seurat. Dibujos“, de la presentación de las Obras Maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao y de la exposición de la sala Film&Video “Horizonte O“, de The Otolith Group.