Los directores de los principales museos del mundo advierten de la peligrosidad de las protestas sobre las obras de arte

Los responsables de los principales museos del mundo, bajo el paraguas del ICOM. International Council of Museums, han hecho público hoy un breve comunicado conjunto en el que advierten del riesgo para sus colecciones de las recientes acciones llevadas a cabo en sus salas por miembros de asociaciones ecologistas, a la vez que reivindican su rol como instituciones abiertas a las inquietudes sociales.

La más reciente de esas protestas ha tenido lugar en la Galería Nacional de Canberra, pero como es sabido su frecuencia ha ido en ascenso y también llegaron a España. Este es el texto del comunicado:

En las últimas semanas hubo varias agresiones a obras de arte en museos internacionales. Los activistas responsables subestiman la fragilidad de estas irreemplazables obras de patrimonio cultural mundial, que deben ser conservadas. Como directoras y directores de museos responsables de las obras, su peligrosidad nos ha conmovido profundamente.

Los museos son lugares en los cuales las personas con diferentes fundamentos pueden entrar en diálogo y con ello hacen posible el discurso social. En este sentido, las tareas centrales del museo como institución (coleccionar, investigar, compartir y preservar) son ahora más relevantes que nunca. Continuamos ocupándonos de inmediato en el acceso hacia la herencia cultural y mantendremos el museo como un espacio libre para la comunicación social.

Firman estas palabras los directores del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Museo Nacional de Finlandia, el Solomon R. Guggenheim Museum, el Dallas Museum of Art, el Museum of Fine Arts – Hungarian National Gallery de Budapest, Schirn Kunsthalle (Frankfurt), el Musée de l’Annonciade de Saint-Tropez, el Musée de l’Orangerie de París, Kunstmuseum Winterthur, el Groninger Museum, Kunstsammlungen Chemnitz, The Fine Arts Museums of San Francisco, el Musée du Louvre de París, el Musée national Picasso, el Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud (Colonia), Kunsthaus Zürich, Kunsthalle München, Humboldt Forum (Berlín), Hessisches Landesmuseum Darmstadt, el Museo Nacional del Prado, Mart – Museo d’arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, la National Gallery de Londres, el British Museum, Kunstsilo (Kristiansand), Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Düsseldorf), el Tokyo Fuji Art Museum, el Museum Folkwang de Essen, Mauritshuis (La Haya), Kunsthalle Bremen, Kunsthistorisches Museum Wien, el Museo Munch de Oslo, el Musée d’art moderne André Malraux de Le Havre, el Denver Art Museum, TEA. Tenerife Espacio de las Artes, el National Museum de Oslo, el Metropolitan de Nueva York, Kunsthalle Mannheim, el Victoria and Albert Museum de Londres, la Berlinische Galerie, el Frans Hals Museum de Haarlem, Kunstpalast (Düsseldorf), el mumok vienés, el Brandenburgisches Landesmuseum für Moderne Kunst de Cottbus/Frankfurt, el Bündner Kunstmuseum Chur, Staatsgalerie Stuttgart, el Kimbell Art Museum de Fort Worth, el Musée de Cluny y el de Orsay de París, el Städtische Museen Freiburg, el MoMA de Nueva York, el Minneapolis Institute of Art, DAS MINSK Kunsthaus en Potsdam, el Von der Heydt-Museum de Wuppertal, el Chrysler Museum of Art de Norfolk, Kunsthalle Rostock, el Virginia Museum of Fine Arts de Richmond, Stiftung Preußischer Kulturbesitz (Berlín), el Brooklyn Museum de Nueva York, el Georg Kolbe Museum de Berlín, el Hammer Museum UCLA de Los Ángeles, el Odessa Museum of Western and Eastern Art, The Menil Collection (Houston), el Palais Populaire de Berlín, ICOM Germany, el Centre Pompidou de París, el Belvedere Museum de Viena, el Centraal Museum de Utrecht, el Detroit Institute of Arts, el Museum Frieder Burda de Baden-Baden, la Gallerie degli Uffizi de Florencia, el Musée des impressionnismes Giverny, la Albertina de Viena, el Museum Küppersmühle für Moderne Kunst de Duisburg, el KODE Bergen Art Museum, el Sprengel Museum Hannover, Stiftung Stadtmuseum Berlin, el Museum of Fine Arts de Boston y el de Houston, The Louisiana Museum of Modern Art, la Colección Peggy Guggenheim de Venecia, el Guggenheim de Berlín, Stiftung Preußische Schlösser und Gärten de Postdam, el Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne, el Arp Museum Bahnhof Rolandseck de Remagen, la Liebermann-Villa am Wannsee de Berlín, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Museum Barberini de Postdam y Kunstmuseum Bern – Zentrum Paul Klee.

Museo Nacional del Prado
Museo Nacional del Prado, Madrid

Cuatro jóvenes doctores y doctorandos ofrecerán conferencias en el Museo del Prado

El pasado marzo, el Museo del Prado lanzó la iniciativa Programa Joven con el objetivo de que doctorandos y jóvenes doctores presentaran, en el Auditorio de la pinacoteca, sus últimas investigaciones relacionadas con las colecciones del centro. Se dirigía a menores de 35 años y en ella participaron 77 candidatos procedentes de universidades nacionales e internacionales que concurrieron con intervenciones relacionadas con la colección del Prado, sus exposiciones, la relación de la institución con las Colecciones reales, la moda, los estudios de género o la representación de la infancia, entre otras cuestiones.

En el proceso de selección, en el que ha participado como director del ciclo José Riello, profesor del Departamento de Historia y teoría del arte de la Universidad Autónoma de Madrid, han sido seleccionadas cuatro de las candidaturas, que durante el último trimestre del año incorporarán sus propuestas de estudio al programa de conferencias que habitualmente ofrece el Museo. Los elegidos han sido Daniel Aquillué, que presentará una conferencia sobre la representación de los sitios de Zaragoza durante el siglo XIX; Carlos Enrique Navarro, quien, coincidiendo con la muestra temporal “Otro Renacimiento. Artistas españoles en Nápoles a comienzos del Cinquecento”, disertará sobre Diego de Tiedra, autor casi desconocido y muy interesado por las novedades que de Italia trajeron a la Península Ibérica Ordóñez, Diego de Siloe, Alonso Berruguete o Machuca; Elena Escuredo, que abordará el estudio de las pinturas de Pedro de Campaña que se han incorporado a las colecciones del Museo en los últimos tiempos; y, por último, Patricia Manzano, que analizará el papel de las copias en la producción de Juan Bautista Martínez del Mazo, discípulo y yerno de Diego Velázquez.

Las propuestas han sido escogidas atendiendo a la relevancia de sus aportaciones, su vinculación con los fondos del Museo y su oportunidad, dados sus lazos con las últimas incorporaciones o modificaciones de las salas de exposición de la colección permanente o con las exhibiciones temporales programadas para el año que viene.

Este será el programa:

Sábado, 29 de octubre de 2022, a las 18:30 horas
Aguiluchos del Renacimiento: Una propuesta formativa para Diego de Tiedra.
Carlos Enrique Navarro Rico, Universidad de Valencia.

Sábado, 12 de noviembre de 2022, a las 18:30 horas
Los sitios de Zaragoza a través de la colección del Museo del Prado: desastres de la guerra, historicismo y memoria estética.
Daniel Aquillué Dominguez, Universidad Isabel I, Burgos.

Sábado, 19 de noviembre de 2022, a las 18:30 horas
Velázquez después de Velázquez: copias y agencia artística en la obra de Juan Bautista Martínez del Mazo.
Patricia Manzano, University of Durham.

Sábado, 26 de noviembre de 2022, a las 18:30 horas
Pedro de Campaña, pintor entre la ortodoxia y la “novadora” espiritualidad en la Sevilla del s. XVI.
Elena Escuredo, Universidad de Sevilla.

Programa Joven. Museo Nacional del Prado

 

15.000 visitantes acudieron a ESTAMPA 2022

ESTAMPA cerró las puertas de su 30ª edición, el pasado 16 de octubre, con la asistencia de 15.000 visitantes. 110 galerías participaron en una cita que contó con José Maria Yturralde y Jordi Teixidor como artistas invitados.

Según el estudio de resultados hecho público por la organización de la feria tras la clausura, se vendieron piezas de 272 autores, frente a los 219 de la edición de octubre de 2021, 193 de la edición de abril del año pasado; 173 de 2019, 164 de 2018 y 120 de 2017, lo que indica una progresión creciente y sostenida.

Según los datos, un 74% de los artistas vendidos son españoles, porcentaje que supone un descenso respecto a años anteriores, debido quizá a la movilidad creciente después de la pandemia. Asimismo, un 53% de las ventas corresponden a autores de media carrera y un 73% a hombres.

Vista de ESTAMPA 2022
Vista de ESTAMPA 2022

Cristóbal Hara, Premio Nacional de Fotografía por su disolución de fronteras entre documento y ficción

El artista madrileño Cristóbal Hara recibirá el Premio Nacional de Fotografía 2022, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte y dotado con 30.000 euros.

El jurado ha valorado “la aportación única que representa su trayectoria, con un lenguaje singular, y la influencia que su obra tiene en el imaginario fotográfico español, con una producción en la que resuena la pintura, la literatura y la cultura popular, donde se diluyen las fronteras que separan el documento de la ficción. Muchos fotógrafos actuales se reivindican herederos de su trabajo, el cual sigue renovando incansablemente”.

Formado en Derecho y Dirección de empresas, Hara comenzó a dedicarse a la fotografía en 1969 en Londres, bajo la influencia de Henri Cartier-Bresson. Su obra se exhibió por primera vez en la muestra itinerante “Three Photographers”, organizada por el Victoria & Albert Museum en 1974, y en aquellos años colaboró con agencias como John Hillelson (Londres), Viva (París) o Cover (Madrid).

Aunque solo había trabajado en blanco y negro, desde 1985 comenzó a utilizar únicamente el color, transformación que le permitió ejercer el fotoperiodismo y desarrollar su propio lenguaje fotográfico, evolucionando hacia una dirección en la que se difuminaban las fronteras entre realidad y ficción.

El jurado, presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, y Mercedes Roldán Sánchez, subdirectora general de Museos Estatales, ha estado formado por Pilar Aymerich Puig, Premio Nacional de Fotografía 2021; Nicolás Combarro García, artista visual, cineasta y comisario; Lee Douglas, investigadora y docente; Inés Plasencia Camps, investigadora, docente y gestora cultural; Rosalind Williams, comisaria independiente de exposiciones y artista visual; Ramón Reverté Mascó, editor y director creativo de la Editorial RM; Sandra Moratinos, comisaria independiente; José Enrique Font de Mora, director de la Fundación Foto Colectania y María Teresa Méndez Baiges, catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Málaga.

Cristóbal Hara. Cuenca, hacia 1973
Cristóbal Hara. Cuenca, hacia 1973

Elda Cerrato, Premio Velázquez de Artes Plásticas 2022

La artista italiana, establecida en Buenos Aires, Elda Cerrato es la ganadora del Premio Velázquez de Artes Plásticas 2022, que concede nuestro Ministerio de Cultura y está dotado con 100.000 euros.

Docente e investigadora además de creadora, ha abordado en su trabajo la memoria personal y colectiva y las presencias y ausencias de lo pasado, atendiendo a lo político y a lo esotérico. Junto a su pareja, el músico experimental Luis Zubillaga, formó parte desde principios de los cincuenta de los primeros grupos del maestro místico Gurdjeff en América Latina y emprendió otras búsquedas espirituales y filosóficas alternativas. En la década siguiente se acercaría a Aldo Pellegrini, Juan Carlos Paz, Oscar Masotta, el Instituto Di Tella y el CAYC y participó, junto a Juan Carlos Romero, en la fundación del SUAP (Sindicato Único de Artistas Plásticos).

En Venezuela, donde residió durante la última dictadura militar argentina, se integró en el grupo El Techo de la Ballena y en adelante su obra haría referencia a las amenazas a la democracia en contextos de crisis económica, política y social.

En 2015, la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, donde dio clases, publicó La memoria en los bordes, volumen que reúne sus archivos junto a textos de distintas autoras e investigadoras y, en 2021, el Museo de Arte Moderno de la misma ciudad organizó una antológica de su obra llamada “El día maravilloso de los pueblos”. Actualmente, Cerrato trabaja junto a su hijo Luciano Zubillaga en el proyecto audiovisual Family Reunion.

El jurado que le ha concedido el galardón ha estado formado por Tania Bruguera, ganadora del Premio Velázquez en 2021; Isidro López-Aparicio, artista, comisario y profesor universitario; Juan Manuel Bonet, escritor y crítico de arte; Gilberto González, director artístico de TEA -Tenerife Espacio de las Artes; Marta Pérez Ibáñez, investigadora, docente y presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo; María Ángeles López Fernández Cao, catedrática de Educación Artística de la Universidad Complutense de Madrid y asesora de Mujeres en las Artes Visuales (MAV); Paula Barreiro López, catedrática de historia del arte contemporáneo de la Université Toulouse 2 Jean Jaurès y Ana Longoni, investigadora del CONICET y profesora de la Universidad de Buenos Aires.

 

La Fundación “la Caixa” y el Guggenheim Bilbao renuevan su colaboración

La directora general adjunta de la Fundación ”la Caixa”, Elisa Durán, y el director general del Museo Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte, han firmado hoy la renovación del convenio de colaboración existente entre ambas instituciones, que cooperan desde 1999, cuando la primera se integró en el Programa de Miembros Corporativos del centro vasco en calidad de Patrono.

Con el nuevo acuerdo estrechan esos lazos, al formularse una alianza digital que permitirá la aportación de contenidos del Museo en la futura plataforma digital de la Fundación ”la Caixa”, CaixaForum+, y establecerse que la entidad seguirá formando parte del Patronato de la Fundación del Guggenheim.

Este convenio forma parte de una línea de actuación consolidada por la Fundación ”la Caixa” y destinada a promover alianzas estratégicas con los grandes museos del mundo, con el fin de intensificar su acción cultural e impulsar sinergias entre instituciones culturales de primer nivel internacional. Entre otros centros, la entidad colabora con el British Museum, el Centre Pompidou y el Museo del Prado para la organización conjunta de exposiciones.

La directora general adjunta de la Fundación ”la Caixa”, Elisa Durán, y el director general del Museo Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte
La directora general adjunta de la Fundación ”la Caixa”, Elisa Durán, y el director general del Museo Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte

Nueve obras de la Frick Collection se expondrán en el Prado en primavera

El Museo del Prado y The Frick Collection (Nueva York) han alcanzado un acuerdo para que nueve obras de la colección de ese centro puedan contemplarse en la pinacoteca madrileña en la primavera de 2023: trabajos de El Greco, Velázquez, Goya y Murillo que, salvo dos excepciones, no se han visto en España desde que cruzaron nuestras fronteras. Hay que recordar que la pintura española de The Frick compone uno de los mejores fondos de nuestro arte en el extranjero.

La mayoría de estas piezas fueron adquiridas por el industrial y filántropo Henry Clay Frick, fundador de ese espacio, actualmente sometido a un proceso de renovación arquitectónica. Su acervo ha recalado temporalmente en el Frick Madison.

Sabemos que la exposición se inaugurará en marzo, que se podrá visitar durante cuatro meses y que el traslado de las piezas a España, con motivo de este préstamo, será posible con el apoyo de la Comunidad de Madrid. De El Greco viajarán San Jerónimo (hacia 1590-1600), La purificación del templo (hacia 1600) y Vincenzo Anastagi (hacia 1575) y la obra velazqueña en la muestra será su retrato de Felipe IV en Fraga datado en 1644. Completan el conjunto un autorretrato de Murillo (1650-1655) y las pinturas de Goya Retrato de señora, quizá María Martínez de Puga (1844); Un oficial, quizá el conde de Teba (hacia 1804); La forja (hacia 1815-1820) y Don Pedro, Duque de Osuna (década de 1790).

Velázquez. Felipe IV en Fraga, 1644. ©The Frick Collection
Velázquez. Felipe IV en Fraga, 1644. ©The Frick Collection

Fernando Guijar, el juego y el rompecabezas

Deseo de juego y de encontrar certezas, formales o conceptuales: son dos sensaciones habituales del espectador al contemplar la obra de Fernando Guijar, quien en sus trabajos incorpora referencias a la naturaleza y, también, a la vertiente artificial (construida) de los paisajes.

En sus piezas tridimensionales más recientes, que podemos ver en la Galería Javier Silva de Valladolid, se vale de tramas geométricas con degradados sutiles. Funde fondo y figura y convierte en intencionadamente imprecisos los límites físicos de sus propuestas, desdibujando asimismo la línea entre lo pictórico y lo escultórico, en alusión a nuestra compleja y confusa relación con el medio natural.

Fernando Guijar. "flwrs & grdns". Galería Javier Silva
Fernando Guijar. “flwrs & grdns”. Galería Javier Silva

Laura F. Gibellini, última protagonista del programa Derivada

En 2018, la Fundación Banco Santander puso en marcha Derivada, un programa de apoyo a la creación y la producción artística enfocado en la obra gráfica y también en las autoras y que pretende atraer a nuevos públicos hacia el arte contemporáneo e impulsar, en el camino, el nuevo coleccionismo.

Cada año, desde entonces, esa institución ha seleccionado a artistas influidas por teorías o conceptos científicos e interesadas en comprender cómo cambia el mundo que nos rodea y cómo su evolución afecta a nuestra percepción de la realidad: hasta ahora las elegidas han sido Regina Jiménez, Gabriela Bettini, Linarejos Moreno y Regina de Miguel.

En su última edición, la protagonista de Derivada es Laura F. Gibellini, que en la última edición de la Feria ESTAMPA ha presentado la pieza Mayaútica en azul, elaborada poniendo en relación garabatos de su hija e imágenes del atlas del cielo que representan las pléyades, esto es, lo micro y lo macro. Sus creaciones a partir del cúmulo estelar suponen, además, la continuación de la serie sobre la visibilización de la luz que emprendió durante una beca en la Real Academia de España en Roma.

Interesa a la madrileña la visibilización de aquello que queda en los límites de la mirada y de lo tangible (la misma luz, el aire, el agua) y los modos pseudocientíficos de abordar los límites de su estudio y representación; en sus palabras, considero el arte un modo de conocimiento que ayuda a entender el mundo que nos rodea más allá de supuestos científicos que en muchas ocasiones nos estructuran, limitando las posibilidades de pensar aquello que aún no ha sido pensado, o de ver lo que no ha sido visto o imaginado, y que es lo que caracteriza, justamente, al arte.

El texto explicativo de la obra ha corrido a cargo de la escritora y artista Thyrza Nichols Goodeve, para quien Mayaútica en azul es una obra de empatía, gozo y reflexión metafísica, un nuevo paso en el interés de Gibellini por el dibujo como una manera de hacer y de pensar. Puede adquirirse, este trabajo, en la Galería Nieves Fernández de Madrid.

Laura F. Gibellini. Mayaútica en azul
Laura F. Gibellini. Mayaútica en azul

El ser, estar y parecer de Antonio Guerra

La producción de Antonio Guerra contiene una aproximación interdisciplinar a la fotografía, desde los terrenos de la escultura y la instalación, y busca invitarnos a reflexionar sobre los procesos de transformación del paisaje y sobre nuestra percepción del mismo a través de la imagen.

Hasta el 18 de noviembre, presenta en Espacio Alexandra, en Santander, su proyecto “Ser Estar Parecer”, que investiga los límites entre lo natural y lo cultural a partir de nuestra experiencia con sus espacios. Para ello, se vale de fotos como medio vertebrador de ilusiones verdaderas y de la capacidad ilusoria del paisaje como constructo social, valiéndose de la intervención en el territorio y la escenificación para reinterpretar esos lazos entre sociedad y naturaleza.

Sus obras enfrentan la realidad frente a su doble, lo orgánico frente a lo inorgánico, lo corpóreo frente a lo efímero.

Antonio Guerra. "Ser Estar Parecer". Espacio Alexandra
Antonio Guerra. “Ser Estar Parecer”. Espacio Alexandra

ESTAMPA 2022 concede sus premios

Como viene siendo habitual desde hace años, un buen número de empresas apoyan la creación artística en la feria ESTAMPA a través de premios de adquisición. Repasamos los galardonados en la última edición de esta cita, abierta en IFEMA hasta el domingo:

El gobierno regional ha concedido el premio Comunidad de Madrid/ESTAMPA a Irene de Andrés, por su obra Turismo per cura, en el stand de la Galería Juan Silió, y a Victoria Encinas por E 01, en el de Fernando Pradilla, mientras la Colección DKV ha adquirido esta vez piezas de Laura F. Gibellini (NF/ Nieves Fernández), Christian Lagata (Artnueve) y Antonio Montesinos (Isabel Hurley).

Por su parte, el Premio Colección ENATE ha sido para Javier Garcerá, de la Galería Daniel Cuevas, y el Colección La Escalera para la producción de Ana Buenaventura en el espacio de José de la Mano.

La Colección Navacerrada ha reconocido el trabajo de Manuel Minch (Juan Silió) y Alberto Ros (Blanca Berlín) y el Premio Colección Studioloha recaído en Marina Vargas (RoFa Projects) y, de nuevo, en Garcerá.

La artista Paula Anta, de la Galería Daniel Cuevas, ha sido la ganadora del Premio Fundación Campocerrado, mientras que Lorena Torres (Herrero de Tejada) lo ha sido del Premio Casa de Indias. También la Colección Julián Castilla ha reconocido la obra de Cecilia Paredes, en la Galería Blanca Berlín, y la de Marco Alom, en la Galería Arizar, ha sido galardonada con el Premio Aldebarán.

El Premio Colección MGEC ha recaído en Miki Leal, de la Galería F2, y la Colección Kells ha premiado el Proyecto Culebra, de ATM y Espacio Valverde.

Asimismo, el Premio Colección SÛ se ha repartido entre Claudia Caremi, Florencia Rojas y David Benarroch; el Premio Cervezas Alhambra: Atrévete con Arte ha recaído, como dijimos, en Día Muñoz, de Ponce+Robles, y la Galería Set Espai d´Art, de Valencia ha sido reconocida con el premio al Mejor Stand ESTAMPA 2022, con la colaboración de Taittinger.

Vista de ESTAMPA 2022
Vista de ESTAMPA 2022

 

Día Muñoz, Premio Cervezas Alhambra en ESTAMPA 2022

Cervezas Alhambra ha premiado a la artista ecuatoriana Día Muñoz por su obra Gene Hybrid, que puede verse en el stand de Ponce + Robles en la 30ª edición de ESTAMPA. El propósito de este galardón, dotado con 1.000 euros para la autora, es dar a conocer a jóvenes artistas y galeristas comprometidos con la actualidad del mundo del arte.

Han formado parte del jurado Ianko López, gestor y periodista especializado en arte; Lorena Martínez de Corral, comisaria independiente y asesora artística; Antonio Fernández Alvira, artista y uno de los finalistas del quinto Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente y Álvaro Trujillo, Brand Manager Territory de Cervezas Alhambra.

Gene Hybrid, la pieza reconocida, es una escultura realizada siguiendo una técnica de contrachapado de abedul con vidrio soplado sin plomo que hace referencia al ataque ruso efectuado al banco de semillas de Ucrania “Yuriev Plant Production” y también al egoísmo del ser humano al destruir el medio ambiente por razones políticas o personales. Cada pieza del conjunto representa una simbiosis entre una semilla perdida y ya grande siendo regenerada y protegida por un microorganismo: una relación armónica entre todo ser vivo y un pacto no escrito de protección entre especies.

Además de conocer la obra seleccionada, los visitantes a ESTAMPA podrán realizar el recorrido por las galerías integradas en el proyecto “Cervezas Alhambra: Atrévete con el Arte”, destinado a fomentar el nuevo coleccionismo y comisariado por Alicia Ventura: se recomiendan las propuestas de Julia Puyo, Cristina Ramírez, Luna Bengoechea, Laura F. Gibellini, Sandra Paula Fernández, Mar Arza, Chigsum Jessye, Paloma de la Cruz y Sandra Val.

En paralelo Muñoz exhibe, hasta el 28 de octubre en la sala madrileña, su proyecto “Intestinal Affaire”.

Entrega del premio Cervezas Alhambra: Atrévete con el Arte en el stand de Ponce + Robles
Entrega del premio Cervezas Alhambra: Atrévete con el Arte en el stand de Ponce + Robles

 

Función y Ficción: alumnos del Máster en Estudios de Comisariado del MUN presentan muestra en Cuatrecasas

Obras de Andy Warhol, Nina Saunders, Richard Wilson, Caroline McCarthy, M+M, Chila Kumari Burman, Marijke van Warmerdam y Patrick Vanden Eynde forman parte de “Función y Ficción. Formas de encuentro con las obras de la Colección Bergé”, muestra que presentan en el Despacho Cuatrecasas de Madrid Santiago Ávila y Celeste Garduño, alumnos de la cuarta promoción del Máster en Estudios de Comisariado del Museo Universidad de Navarra.

El proyecto nos invita a repensar las relaciones que mantenemos con espacios y objetos cotidianos en un entorno como el de esa firma, concebido desde la pulcritud y la asepsia, y una de sus piezas será escogida por visitantes y trabajadores en una votación impulsada por los comisarios.

La propuesta de Ávila y Garduño fue escogida por un jurado compuesto por Jorge Badía Carro, la coleccionista Alicia Alcocer Koplowitz, Ángel J. Gómez Montoro, presidente del Patronato del Museo Universidad de Navarra; Nieves Acedo del Barrio, directora del Máster en Estudios de Comisariado; Pedro Enciso Bergé, vicepresidente de Bergé y cía y María Aguilera Aranaz, conservadora de la Colección Bergé.

"Función y Ficción. Formas de encuentro con las obras de la Colección Bergé". Despacho Cuatrecasas
“Función y Ficción. Formas de encuentro con las obras de la Colección Bergé”. Despacho Cuatrecasas

Genio e icono, Nikola Tesla en CaixaForum Madrid

CaixaForum Madrid presenta, hasta enero de 2023, una muestra biográfica sobre Nikola Tesla que realiza un recorrido cronológico por su vida y por los avances tecnológicos que fueron hitos en su trayectoria, desde sus inicios en Europa hasta su etapa americana, donde falleció casi arruinado.

La exhibición, la primera en España organizada en colaboración con el Nikola Tesla Museum de Belgrado, subraya la relevancia del croata en la historia de la ciencia: se han documentado cerca de trescientas patentes suyas, inventó el motor de inducción y favoreció el desarrollo de la corriente alterna como fuente de energía y la transmisión inalámbrica de energía e información.

De personalidad tan excéntrica como seductora según quienes lo conocieron, fue plagiado y tratado a veces injustamente por algunos de sus contemporáneos, protagonizando episodios controvertidos como la llamada guerra de las corrientes con Edison. Tras su muerte cayó en el olvido hasta que volvió a ser convertido en leyenda.

"Tesla, el genio de la electricidad moderna". CaixaForum Madrid
“Tesla, el genio de la electricidad moderna”. CaixaForum Madrid

Rosenblut & Friedmann abre sus puertas en Madrid

El próximo 13 de octubre abrirá sus puertas en la calle Bárbara de Braganza de Madrid la Galería Rosenblut & Friedmann, una iniciativa de la marchante chilena Yael Rosenblut y el coleccionista alemán Mario Friedmann.

Su exposición inaugural, que podrá verse hasta el 18 de diciembre, estará dedicada al colectivo “New Barbizon”, cuyo trabajo no se había mostrado hasta ahora en España. Lo componen cinco mujeres artistas de Rusia y Ucrania que, tras emigrar a Israel en los años noventa, decidieron salir del estudio y pintar el mundo que las rodeaba, atendiendo especialmente a las tensiones sociales a veces silenciadas, ocasionalmente raciales y religiosas.

Forman parte del grupo, fundado en 2010, Anna Lukashevsky, Zoya Cherkassky, Maria Pomiansky, Natalia Zourabova y Olga Kundina.

Maria Pomiansky, Climbing centre, 2021
Maria Pomiansky. Climbing centre, 2021

Judith y Holofernes por Artemisia Gentileschi, ya en Oslo

Judith y su criada con la cabeza de Holofernes (1639 – 1640), obra poco conocida atribuida a Artemisia Gentileschi, acaba de ser adquirida por la Norwegian DNB Savings Bank Foundation y se exhibe ahora en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo, de cuyas colecciones formará parte.

Es habitual que las pinturas de esta artista ofrezcan dudas en cuanto a datación y atribución; en este caso, el nombre de Artemisia Gentileschi aparece visible en la espada que sostiene la propia figura de Judith en el lado izquierdo. Anteriormente, este trabajo solo se conocía a través de una fotografía en blanco y negro, por lo que los expertos no pudieron concluir que era obra de la autora hasta que el original reveló la firma.

Dado que el lienzo es demasiado fino para haber sido tejido en Italia, es posible concluir que debió realizarse durante el período que Artemisia pasó en la corte de Londres desde finales de 1638 hasta que regresó a Nápoles en 1640. Acudió a Gran Bretaña para ayudar a su padre enfermo, Orazio Gentileschi, que trabajaba con sus hermanos en encargos de la corte para el rey Carlos I.

La pieza se sumará a otras obras de Gentileschi en el Museo Nacional noruego, como la temprana Santa Catalina de Alejandría (1614-1615), prestada por una colección privada, y María Magdalena penitente (1640).

Artemisia Gentileschi. Judith y su criada con la cabeza de Holofernes, 1639-1640. Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo
Artemisia Gentileschi. Judith y su criada con la cabeza de Holofernes, 1639-1640. Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo

Menchu Lamas y el color que respira

Hasta el 12 de noviembre, la Galería Marta Cervera expone, en “Cuando el color respira”, un conjunto de pinturas de Menchu Lamas: trabajos actuales y piezas representativas de etapas anteriores, de gran formato y de tamaño medio. Se trata de composiciones en las que la geometría vibra y da lugar a intensos campos de color, conjugándose recursos abstractos y figurativos y abriéndose a las texturas.

Pueblan su producción figuras enigmáticas, animales totémicos, huellas, óvalos, círculos y sombras de cariátides.

Menchu Lamas Juego de manos, 2001
Menchu Lamas. Juego de manos, 2001

 

Leiro, el cuerpo cosificado y el objeto humanizado

Hasta el 19 de noviembre, la sede madrileña de la Galería Marlborough presenta la muestra de Francisco Leiro “A filla da porteira”, que reúne nuevamente esculturas del gallego en las que cuerpo y objeto se funden, generando una sensibilidad híbrida que hace referencia a un universo onírico. Muy a menudo, el cuerpo se cosifica y el objeto se humaniza, vertebrándose un juego perverso pero visualmente muy rico.

Sus trabajos, no obstante, continúan ofreciendo la ambigüedad suficiente para que el espectador pueda obtener sus propias interpretaciones: sugieren sin imponer y se elimina la expresividad de las texturas de la madera para generar figuras más anónimas, o anodinas, en las que gana importancia la policromía.

Francisco Leiro. Dioscuros, 2021
Francisco Leiro. Dioscuros, 2021

Danica Phelps, un hilo de la vida

La artista neoyorkina Danica Phelps suele recoger en su producción referencias a autores conceptuales para emprender proyectos vinculados a la recopilación de datos, al testimonio exhaustivo, y sus dibujos pueden interpretarse como representaciones documentales de actividades cotidianas.

Hasta el próximo 22 de octubre, presenta en la Galería Nieves Fernández de Madrid “Founding”, un proyecto planteado como diario personal en el que registra el crecimiento de su hijo a partir de un viaje por el Cañón del Colorado en Arizona: vida y cercanía.

Danica Phelps- August 1st, 2022
Danica Phelps. August 1st, 2022

Bruce Nauman como experiencia

Entre los artistas vivos irrenunciables se encuentra Bruce Nauman, que desde los sesenta ha marcado la historia de la creación contemporánea de la mano de instalaciones, vídeos, esculturas, performances, fotografías, dibujos y proyectos sonoros que remiten a la experiencia humana, a los aspectos más profundos del psiquismo, la percepción del cuerpo y la relación del individuo con el espacio, el tiempo y el lenguaje.

Tras pasar por la Tate Modern londinense y el Stedelijk Museum de Ámsterdam, Pirelli HangarBicocca expone en Milán una selección de sus investigaciones espaciales y arquitectónicas en la muestra “Neons Corridors Rooms”, que analiza al completo sus ensayos en términos de las tres dimensiones, uso de luz, sonido, lenguaje y vídeo. Hasta el 26 de febrero de 2023.

Bruce Nauman. "Neons Corridors Rooms". Pirelli HangarBicocca