La luz del nácar: el Museo de América bucea en los enconchados
El Museo de América acoge, hasta mayo de 2023, la muestra “La luz del nácar. Reflejos de Oriente en México”, en la que profundiza en el intercambio cultural entre Europa, América y Asia; en la visión y construcción del pasado mexicano y en las creaciones de los talleres novohispanos.
Consta de tres colecciones de enconchados que se reúnen por primera vez: seis tablas del Museo de América, veinticuatro tablas de la Colección Real y los fondos de los Duques de Moctezuma. Todos estos conjuntos dan fe del gusto por lo asiático en el arte novohispano y la metrópoli europea a consecuencia del intercambio mercantil que conectaba Asia con Europa a través de Nueva España, en la que era la ruta comercial más importante de su tiempo.
En ese contexto, los artistas novohispanos aprendieron técnicas asiáticas, dando lugar a biombos, enconchados y maqués que viajaron a los salones y cortes europeas, con materiales como porcelanas, lacas y la concha de nácar. Las piezas que forman parte de la exposición se fechan a fines del siglo XVII y narran cronológicamente episodios de la conquista de México -Tenochtitlan por los ejércitos de Hernán Cortés.
“La luz del nácar. Reflejos de Oriente en México”. Museo de América
Lo nunca visto de William Eggleston
David Zwirner presenta en Nueva York “The Outlands”, una selección de fotografías de William Eggleston que, en su mayoría, nunca se habían mostrado al público. Se trata de la quinta individual del artista en esta sala y coincide con la publicación de “William Eggleston: The Outlands, Selected Works”, una publicación dedicada a esa serie.
Las imágenes que componen este conjunto se tomaron entre 1970 y 1973 y se centran en los efectos lentos e incesantes del paso del tiempo y de las inclemencias naturales sobre automóviles, edificios, vallas publicitarias o carteles electorales.
Precede este proyecto a una gran monográfica de Eggleston que, en 2023, viajará a C/O Berlín y a los espacios de la Fundación MAPFRE en Madrid y Barcelona.
“William Eggleston: The Outlands”. David Zwirner Nueva York
Lina Ghotmeh, en el próximo Pabellón de la Serpentine
La Serpentine Gallery de Londres ha anunciado que la arquitecta Lina Ghotmeh, de origen libanés y residente en París, será la encargada de diseñar su vigésimo segundo Pabellón, que podrá verse en junio de 2023.
Este proyecto se inició en 2000 con Zaha Hadid y, desde entonces, se ha consolidado como una plataforma pública y artística participativa, abierta a la experimentación de arquitectos y diseñadores. Las propuestas de Ghotmeh hacen dialogar la arquitectura con el arte y el diseño y prestan atención a la ubicación, la tipología de los lugares donde se asientan, los materiales disponibles o los hábitos de sus usuarios.
Lina Ghotmeh. Diseño para el Pabellón de la Serpentine 2023. Fotografía: Lina Ghotmeh — Architecture. Cortesía Serpentine Gallery
Álvaro Negro se estrena en la Galería Vilaseco
“Traza” es el nombre de la primera muestra individual de Álvaro Negro en la Galería Vilaseco de A Coruña, que puede visitarse hasta el 27 de enero de 2023. Consta de once pinturas inéditas realizadas por el artista en su estudio de Agolada (Pontevedra), en la estela de su reciente serie en la Real Academia de España en Roma: se trata de piezas abstractas, evocadoras de la tradición italiana y española en su paleta y sus texturas.
Suponen también, estos proyectos, un cierto regreso a sus comienzos, a trabajos en los que solo utilizaba grafito y veladura o en los que colaboró con Lucio Muñoz; en esta misma muestra apreciaremos, igualmente, homenajes al mismo pintor en el uso de relieves y empastes. Algunas obras reunidas incorporan marcos antiguos: los viene empleando Negro para lograr una mayor interacción de lo clásico y lo contemporáneo.
Álvaro Negro. “Traza”. Galería Vilaseco
Bocetos de Rubens procedentes de Bayona, invitados en el Museo de Bellas Artes de Bilbao
El programa La Obra Invitada del Museo de Bellas Artes de Bilbao nos presenta, hasta el 22 de enero de 2023, un conjunto de bocetos preparatorios de Rubens concebidos para el traslado a lienzo del ciclo decorativo de la Torre de la Parada, junto a otro boceto de mayor tamaño ideado para la confección de uno de los veinte tapices destinados al Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid. Proceden del Museo Bonnat-Helleu de Bayona y se exponen junto a tres grabados de reproducción del belga Paulus Pontius, que ha prestado una colección particular.
Como es sabido, durante la última etapa de su carrera Rubens recibió de Felipe IV el encargo de realizar unos 115 lienzos de grandes dimensiones para decorar el pabellón de caza del monarca a las afueras de Madrid; él era uno de los pocos artistas del momento capaces de llevar a cabo un ciclo pictórico tan ambicioso y terminarlo en el plazo de unos dos años. Para ello decidió contar con la colaboración de otros pintores flamencos en su taller de Amberes, pero antes de trasladar al lienzo cada una de las composiciones plasmó sus ideas en bocetos a escala reducida ejecutados al óleo sobre tabla; estos sí, solo suyos. La mayoría de los asuntos representados son mitológicos y se inspiran en las Metamorfosis de Ovidio.
De los siete bocetos que se exponen ahora en Bilbao, seis se encontraban en manos del duque del Infantado a mediados del siglo XVIII. Procedentes de esa colección, fueron adquiridos por el oficial y explorador bayonés Victor-Bernard Derrécagaix a su paso por España y su viuda, en 1921, formalizó su legado al Musée Bonnat-Helleu, añadiéndose como decíamos otro boceto de Rubens para uno de los tapices de las Descalzas Reales, que Derrécagaix también había adquirido en nuestro país.
Corresponden a Apolo y Dafne, Cupido y Psique, Escila y Glauco, Hércules descubriendo la púrpura, Pan y Siringa, Selene (o Diana) y Endimión y a la serie de la Eucaristía.
Rubens. Boceto de Apolo y Dafne para la Torre de la Parada. Musée Bonnat-Helleu, Bayona
FERIARTE 2022 superó los 17.000 visitantes y las 2.000 piezas vendidas
FERIARTE 2022, la mayor feria dedicada a las antigüedades en España, cerró las puertas de su 45ª edición el 20 de noviembre con un balance positivo, según sus organizadores. 17.294 visitantes asistieron a la cita en IFEMA y se registró la venta de 2.004 piezas, unas cifras ligeramente superiores a las de las convocatorias anteriores a la pandemia. Fueron 62 los anticuarios y galeristas participantes en la muestra, procedentes de España, Italia y Portugal.
Los responsables de Loval Antigüedades han subrayado la presencia de público joven, desde Fabbri Arte afirman haber alcanzado “importantes ventas” y Jordi Pascual, Joyas Antiguas Sardinero y Arte Deco Gallery han valorado positivamente sus nuevos compradores; como Roger Viñuela, en su caso muchos de origen latinoamericano.
Pudieron contemplarse, en esta última edición de FERIARTE, pinturas de Antonio López, Joaquín Sorolla o Miquel Barceló, una cabeza femenina de momia egipcia del Imperio Nuevo, zapatillas papales del siglo XVIII, cómodas de la época de Luis XV o un par de armaduras de guerreros samuráis, también dieciochescas, entre muebles, objetos de decoración, joyas y arte de un amplísimo rango temporal. Con el fin de fomentar la asistencia y las ventas, se celebró una jornada de puertas abiertas y regresó el espacio #YouArt, que albergó piezas valoradas entre 90 y 5.000 euros. Asimismo, tuvo lugar un programa de actividades sobre el mercado del arte y el coleccionismo impartido por profesionales en la materia.
Vista de FERIARTE 2021
Francisco Escalera González, ganador del XXV Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera
El artista Francisco Escalera González ha resultado ganador en la 25ª edición del Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera por su obra Desde el puente de los hocinos, mientras que José Luis Mancilla Angulo ha obtenido el segundo premio por su lienzo La sombrilla roja y Julio Sánchez del Olmo, con Antequera, se ha llevado el premio especial Temática Antequera. Además, por primera vez se ha concedido al autor ganador del Certamen el Premio Especial Antonio Carmona González.
La Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera, referente en su sector desde hace tres décadas, ha vuelto a contar en esta cita con el apoyo y la colaboración de la Fundación Unicaja, Unicaja Banco y el Ayuntamiento de Antequera.
Las obras preseleccionadas serán exhibidas temporalmente en una exposición colectiva hasta el próximo 8 de enero de 2023, en la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, y también serán incluidas en el catálogo digital que se publicará en la web del certamen: http://www.pintca.com/
Asimismo, se ha llevado a cabo la entrega de premios del II Certamen Escolar de Pintura Ciudad de Antequera, en el que han participado 600 alumnos de 13 centros educativos de Antequera y sus anejos, en cuatro categorías: de 9 a 10 años, de 11 a 12 años, de 13 a 14 años y de 15 a 17 años, con dos premios en cada categoría. Los trabajos serán expuestos, en este caso, en el patio de columnas del Edificio San Juan de Dios y en el patio de columnas de la Biblioteca San Zoilo, sede de la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, entre los días 3 de diciembre y 8 de enero de 2022.
Con motivo de la celebración del 25º aniversario del Certamen, se ha inaugurado igualmente una muestra con las 25 obras ganadoras de los Certámenes de Pintura Ciudad de Antequera. Podrá verse en el Centro Fundación Unicaja de Antequera, desde el 5 de diciembre hasta el 27 de enero del año que viene.
Francisco Escalera González. Desde el puente de los hocinosJosé Luis Mancilla Angulo. La sombrilla roja
El Reina Sofía presenta la restauración de Sylvie, de Öyvind Fahlström
Tras varios años de trabajo en colaboración con la Fundación MAPFRE, el Museo Reina Sofía ha presentado hoy los frutos de la restauración de Sylvie, una obra fundamental de Öyvind Fahlström, considerado precursor del pop art europeo. Las labores han sido especialmente complejas, dado que componen la pieza dos planchas de madera y metal forradas con papel y tela, pintadas con témpera y vinilo y completadas con elementos imantados, varios de ellos previamente desaparecidos.
Fahlström, cuya producción es tan rica en lo formal como en lo conceptual y contiene además reflexiones políticas y morales, es un creador difícilmente etiquetable: desarrolló un particular método conceptual para que tanto el artista como el espectador tomasen parte en una operación de construcción y deconstrucción de las imágenes e ideó en esa senda pinturas variables como esta, con elementos independientes imantados para poder ser manipulados por el público, dando lugar a distintas composiciones.
A Sylvie le faltaban nueve piezas que han sido nuevamente elaboradas por el departamento de Restauración del MNCARS; la información sobre ellas era poco precisa, pero la ayuda de la Öyvind Fahlström Foundation y de su directora, Sharon Avery-Fahlström, que también es viuda del artista y fue su ayudante en los últimos años, ha permitido afrontar ese reto técnico. Fue Avery-Fahlström, de hecho, quien halló una diapositiva en color desde la que trabajar; a partir de ella se digitalizaron imágenes para poder ampliar a tamaño real los elementos a reproducir.
Una de las nueve ausencias era la de la figura de Sylvie que titula este trabajo y que era un dibujo de la cantante Sylvie Vartan. Para elaborar su rostro, que en la diapositiva no se apreciaba del todo bien, se ha empleado además la portada de un single de la época.
También se había perdido una tira de cuentas que salía de la boca de otro personaje y no se conocía inicialmente su color, al disponerse solo de una de una foto en blanco y negro de una exposición. Avery-Fahlström contaba con muestras de los tonos que se utilizaban, así que se copió el azul de estas y luego se colocó en la cabeza. También se localizaron enganches similares a los utilizados por el artista y se perfilaron todos los trazos necesarios.
Ha facilitado, asimismo, la restauración la información aportada por una obra compuesta por una decena de fotocopias de los dos paneles, en las que las piezas móviles se disponen en el lado derecho (posteriormente el artista dibujó a lápiz, témpera y tinta simulando las diez distribuciones sugeridas por él).
Otras piezas del mismo autor en el Reina Sofía son Marcha de Mao-Hope (1966), Curva de la vida n.º I, Ian Fleming (1967) o Me siento como si hubiera inventado la guerra (1976), entre otras.
Öyvind Fahlström. Sylvie, 1965. Museo Reina Sofía
El Premio Mario Merz 2022 recae en Yto Barrada
El Premio Mario Merz, que se concede cada dos años, ha recaído esta vez en su categoría artística en la autora franco-marroquí Yto Barrada, que ha sido seleccionada entre una lista de nominados de la que formaban parte Paolo Cirio, Christina Forrer, Anne Hardy, He Xiangyu y Koo Jeong A.
El jurado del galardón, que cumple cuatro ediciones, lo formaban Manuel Borja-Villel, director Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Caroline Bourgeois, comisaria de la Pinault Collection; Massimiliano Gioni, director artístico del New Museum de Nueva York y de la Fondazione Trussardi de Milán y Beatrice Merz, presidenta de la Merz Foundation.
Barrada, artista conceptual que explora los recientes fenómenos culturales, ha vinculado su trabajo a las prácticas de archivo y presta atención a los relatos históricos subalternos, los mitos familiares y las formas de resistencia ante la dominación. Su producción abarca el cine, la fotografía, la escultura, la pintura, el grabado y las publicaciones y es fundadora de la Cinémathèque de Tanger, espacio emblemático en la ciudad marroquí.
Mercurio y Argos, de Velázquez, recupera su formato original de la mano de un nuevo marco
Mercurio y Argos es una de las últimas obras pintadas por Velázquez y decoró el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid, la principal estancia protocolaria y representativa de este espacio. Perteneciente a las colecciones del Museo del Prado, su sentido compositivo original ha sido ahora recuperado gracias a un nuevo marco que logra ocultar los añadidos efectuados en la tela tras su realización y mejora la visualización de su escena.
En el siglo XVIII, a esta imagen se le sumó una banda de unos 25 centímetros que recorre todo su extremo superior, y otra más estrecha, de unos 10, se dispuso en el inferior. La misma operación se llevó a cabo en otras obras destinadas a decorar el Alcázar cuando se encontraba recién construido, con la finalidad de adecuar sus dimensiones al lugar; en el caso concreto de Mercurio y Argos, la adición alteró la lectura formal de la composición, cuyos personajes parecían invadir el primer plano, llegando Argos a proyectarse hacia el espacio del espectador, ya que su rodilla rebasaba el entorno ilusorio generado por el lienzo.
El objetivo del nuevo marco con el que se ha dotado a este trabajo, con el apoyo de American Friends of the Prado Museum y American Express, ha sido recuperar el formato original de la pintura sin intervenir en ella. Con ese fin se han estudiado distintos modelos de época para, por último, encargar una reproducción según marco español de finales del siglo XVI y mediados del XVII, tomando como punto de partida uno perteneciente al mismo Prado, en concreto el de El caballero de la mano en el pecho de El Greco. La moldura austera se corresponde en época y estilo con el lienzo, al tiempo que oculta en su interior estos añadidos. Se trata de una obra del artesano José Manuel García.
Esta aproximación de Mercurio y Argos a su estado original se inscribe en el programa Enmarcando el Prado, que se inició en 2019 y que ya ha implicado la incorporación de otros nuevos a Las hilanderas, también de Velázquez; Hipomenes y Atalanta, de Guido Reni y las tablas de Sopetrán.
Hay que recordar que la pinacoteca madrileña cuenta con una colección de marcos extensa y diversa, en técnicas y en estilos artísticos, con piezas fechadas desde el siglo XIII al XX. Siendo objetos con valor artístico por sí mismos, siempre se relacionan con la obra que cobijan: la protegen y sustentan, le aportan color y luz y conceden información sobre la representación.
Durante mucho tiempo fueron olvidados, pero el Prado lleva años trabajando en su revalorización y, en el camino, en la mejora en la visión de las obras que guardan. Se han estudiado a través del fotografiado, la medición y el siglado, su registro y documentación, la creación de una base de datos completa con la catalogación de cada uno, su restauración (de ser necesaria) y la documentación de ese proceso.
Lolo & Sosaku, agua y cinetismo
Hasta el 18 de diciembre, el espacio La Veloç de L’Hospitalet de Llobregat acoge la instalación inmersiva de Lolo & Sosaku De la tierra, ideada específicamente para este espacio y para hacer dialogar las piezas escultóricas de las que consta con el entorno y con el espectador. Plantea este trabajo un intento de realidad paralela en el que las máquinas coexisten con las personas desde la autonomía y sin estar a nuestro servicio: se compone de doce obras cinéticas de aluminio que se mueven, sutilmente, sobre su eje y se relacionan con el agua en el suelo, un elemento que a su vez genera otras dimensiones proyectadas en este antiguo edificio industrial.
Lolo & Sosaku vienen investigando las posibilidades de la escultura como campo expandido: estudian nuevos significados posibles de los objetos a partir de su materialidad y trascendencia y, a menudo, incorporan a sus propuestas la música electrónica. Nacidos en Buenos Aires y Tokio, trabajan como dúo desde 2004 en Barcelona.
Lolo & Sosaku. De la tierra
La Fundación Museo Reina Sofía adquiere en 2022 74 obras por cerca de dos millones y medio de euros
En la reunión plenaria que ayer mantuvo la Fundación Museo Reina Sofía se aprobó la adquisición por esta institución de más de 70 obras de 25 artistas y colectivos, piezas que pasarán a formar parte de los fondos del MNCARS y que están valoradas en más de dos millones y medio de euros. Desde su constitución, hace ahora justo una década, la Fundación ha depositado en el Museo de manera indefinida trabajos que suman un valor total de más de 22 millones.
De esos dos millones vinculados al total de adquisiciones, 1,6 corresponden a donaciones ofrecidas por miembros de la Fundación. Destaca la donación de los Steinbruch de una obra de Mira Schendel y la de Marga Sánchez de un vídeo seminal de Bruce Nauman, mientras que Francesca Thyssen-Bornemisza ha hecho lo propio con piezas de Naufus Ramírez Figueroa, Andreas Siekman, Wael Shawky y Teresa Solar; Silvia Gold y Hugo Sigman han donado una colografía de Belkis Ayón y José Antonio Llorente, una obra de Mercedes Azpilicueta.
Por su parte, Victor Levy ha donado una pintura de Jordan Kerwick; Gabriel Calparsoro, una performance de Jorge Luis Marrero; Julia Borja y Mario Cader-Frech, un portafolio de aguatintas también de Naufus Martínez Figueroa y Juan Carlos Verme ha donado una obra de Amelia Toledo. Diana López de Sifontes y Herman Sifontes han aportado dos fotografías y tres fotolibros de la venezolana Fina Gómez.
Asimismo, se ha recibido por parte de la Museo Reina Sofía Foundation estadounidense una donación de siete obras de Öyvind Fahlström y se han aceptado las donaciones de otros particulares no miembros de la Fundación: cinco dibujos de Julie Mehretu y varias obras de artistas brasileños como Lucas Arruda, Sonia Gomes, Antonio Obá o Rosana Paulino. También se han recibido obras donadas por sus propios autores, como las de las artistas Olga Dueñas y Cybèle Varela o el fotógrafo mexicano Pedro Valtierra. Eva Lootz, por su parte, ha ofrecido obras en donación y/o en legado testamentario.
En cuanto a compras, la Fundación ha puesto este año su atención en el arte brasileño: se han aprobado para adquisición tres obras de María Auxiliadora, sendos trabajos de Rubem Valentim y Heitor dos Prazeres, tres piezas de una misma serie de Guilherme Almeida, un conjunto de cinco banderas de la Escola de Samba Estaçao Primeira de Mangueira, un xilograbado de Mestre Noza, Inocêncio da Costa Nick, y un fotolibro y un conjunto de fotografías de Pedro de Moraes y Walter Firmo, respectivamente.
Hay que sumar a ese conjunto trece ilustraciones y dos figurines de Manuela Ballester, un conjunto de materiales del movimiento estridentista de Ramón Alva de la Canal y otros artistas, dos piezas de fines de los cincuenta de Max Aub y cuatro arpilleras de varias artistas chilenas anónimas y del Taller Vicaría de la Solidaridad. También se ha aprobado la incorporación de fotografías de época del colombiano Leo Matiz, de una película de Alejandra Riera y un acrílico de Sheroanawe Hakihiiwe.
Mira Schendel. Sin título, 1981
World Press Photo recala de nuevo en el CCCB
Photographic Social Vision presenta hasta diciembre, en su 18ª edición, la mayor muestra internacional dedicada al fotoperiodismo: en el CCCB podemos contemplar las fotografías y producciones multimedia que resultaron ganadoras en el concurso World Press Photo 2022.
La mayoría de esos trabajos son inéditos en España y han sido seleccionados por su calidad visual y por ofrecer diversos puntos de vista sobre la actualidad, especialmente en torno a las comunidades indígenas, las culturas tradicionales, la cuestión de la identidad, la crisis climática, las guerras y las protestas ciudadanas.
Se incluyen en la exhibición barcelonesa las imágenes ganadoras a nivel regional, porque por primera vez este año el certamen apuesta por un nuevo modelo territorial que estructura el mundo en seis zonas, con el fin de alcanzar una mayor diversidad de autores e historias. Además, en esta edición se han eliminado las limitaciones temáticas y se han creado nuevas categorías vinculadas al formato: fotografías individuales, reportajes fotográficos, proyectos de larga duración y formato abierto.
“World Press Photo 2022”. CCCB, Barcelona
La National Gallery of Art de Washington destinará 10 millones de dólares a la compra de obras de mujeres artistas
La familia de Victoria P. Sant, que fue presidenta de la National Gallery of Art de Washington y miembro de su Patronato durante quince años, ha donado a ese museo americano, cuatro años después de su fallecimiento, diez millones de dólares que financiarán la compra de obras de mujeres artistas, tanto históricas como actuales.
Esa línea de adquisiciones, que presta atención a las creaciones de autoras hasta ahora relegadas, ha llevado a este centro a incorporar recientemente a sus fondos un retrato de Lavinia Fontana, la primera pintura de una artista italiana moderna en la National Gallery, y una pequeña escultura de Luisa Roldán, artista barroca sevillana bien conocida por sus pasos.
Otras creadoras que se han sumado a la colección del centro en los dos últimos años son Faith Ringgold, Genesis Tramaine, Rozeal, Sonia Gomes, Betye Saar, Maria Catharina Prestel, Zarina, Orit Hofshi, Carrie Mae Weems o Christina Fernandez.
Gisela Pretel y el colectivo Cantizzani Pastor, últimas becas DKV
El proyecto Eutropia. Tectonic Voices, de Luisa Pastor y Juan Cantizzani, ha resultado ganador de la beca de residencia convocada por C3A. Centro de Creación Contemporánea de Andalucía y DKV, dirigida a artistas menores de 45 años y dotada con 8.000 euros. Proponen una reflexión sobre la ciudad y el caos urbano en una pieza de nueva producción que emplea papel manuscrito de contabilidad, jícaras de porcelana, soporte de madera y estructuras de hierro; aúna este trabajo lo escultórico y lo sonoro.
Por su parte, Gisela Pretel ha obtenido la beca DKV-Albarracín, en el marco del seminario de fotografía y periodismo de esa localidad turolense, por su serie fotográfica Acompañando a Rosa. Ha sido seleccionada por “abordar una temática social y sanitaria con una gran sensibilidad humana y fotográfica” y recibirá, también, 8.000 euros.
Gisela Pretel, beca DKV-Albarracín 2022
El MNAC y el Centro de Arte Tecla Sala preparan una gran antología de Ferrán García Sevilla
El Museu Nacional d´Art de Catalunya y el Centro de Arte Tecla Sala han anunciado que trabajan en una exposición retrospectiva sobre Ferran García Sevilla, que tendrá lugar en el segundo espacio desde diciembre, y en la incorporación de algunas de sus obras más significativas a los fondos del MNAC: este creador mallorquín ha donado al centro piezas de su periodo conceptual, que podrán verse en las salas 81 bis y 52.
Se trata de 54 propuestas datadas entre 1966 y 1974, en el contexto político del final del franquismo, régimen que el artista denuncia a medio camino entre la virulencia y la sutileza; de trabajos relacionados con el paisaje mallorquín, que se presentarán en el Museu confrontándolos con la pintura de Joaquim Mir, y de 45 fotografías intervenidas en 1974 a partir de imágenes recortadas de la prensa y ligadas a la violencia, la muerte, las torturas y la guerra. Parte de esta donación se expondrá a finales de año, como ya se hizo con las de Aurèlia Muñoz o Benet Rossell.
En cuanto a su retrospectiva en Tecla Sala, hacía años que no se realizaba ninguna gran exposición de este autor, que curiosamente ocupó un taller en ese lugar en el año 1988. Se titulará “Cosmos-Caos” y dará protagonismo a su pintura, llegando hasta la más reciente. No se planteará como una antología convencional, sino que los trabajos de diferentes periodos y lenguajes se conjugarán en una secuencia contrastada que nos permitirá intuir su atención hacia problemas existenciales y morales candentes y percibir su interés por la filosofía, la religión y la ciencia.
El eje de su producción es la reflexión sobre el arte y la creación, sobre el universo y las leyes naturales, y, finalmente, los abusos de poder.
Ferrán García Sevilla. Fotografía intervenida, 1974. VEGAP, Barcelona, 2022
Los directores de los principales museos del mundo advierten de la peligrosidad de las protestas sobre las obras de arte
Los responsables de los principales museos del mundo, bajo el paraguas del ICOM. International Council of Museums, han hecho público hoy un breve comunicado conjunto en el que advierten del riesgo para sus colecciones de las recientes acciones llevadas a cabo en sus salas por miembros de asociaciones ecologistas, a la vez que reivindican su rol como instituciones abiertas a las inquietudes sociales.
La más reciente de esas protestas ha tenido lugar en la Galería Nacional de Canberra, pero como es sabido su frecuencia ha ido en ascenso y también llegaron a España. Este es el texto del comunicado:
En las últimas semanas hubo varias agresiones a obras de arte en museos internacionales. Los activistas responsables subestiman la fragilidad de estas irreemplazables obras de patrimonio cultural mundial, que deben ser conservadas. Como directoras y directores de museos responsables de las obras, su peligrosidad nos ha conmovido profundamente.
Los museos son lugares en los cuales las personas con diferentes fundamentos pueden entrar en diálogo y con ello hacen posible el discurso social. En este sentido, las tareas centrales del museo como institución (coleccionar, investigar, compartir y preservar) son ahora más relevantes que nunca. Continuamos ocupándonos de inmediato en el acceso hacia la herencia cultural y mantendremos el museo como un espacio libre para la comunicación social.
Firman estas palabras los directores del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, el Museo Nacional de Finlandia, el Solomon R. Guggenheim Museum, el Dallas Museum of Art, el Museum of Fine Arts – Hungarian National Gallery de Budapest, Schirn Kunsthalle (Frankfurt), el Musée de l’Annonciade de Saint-Tropez, el Musée de l’Orangerie de París, Kunstmuseum Winterthur, el Groninger Museum, Kunstsammlungen Chemnitz, The Fine Arts Museums of San Francisco, el Musée du Louvre de París, el Musée national Picasso, el Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud (Colonia), Kunsthaus Zürich, Kunsthalle München, Humboldt Forum (Berlín), Hessisches Landesmuseum Darmstadt, el Museo Nacional del Prado, Mart – Museo d’arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, la National Gallery de Londres, el British Museum, Kunstsilo (Kristiansand), Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Düsseldorf), el Tokyo Fuji Art Museum, el Museum Folkwang de Essen, Mauritshuis (La Haya), Kunsthalle Bremen, Kunsthistorisches Museum Wien, el Museo Munch de Oslo, el Musée d’art moderne André Malraux de Le Havre, el Denver Art Museum, TEA. Tenerife Espacio de las Artes, el National Museum de Oslo, el Metropolitan de Nueva York, Kunsthalle Mannheim, el Victoria and Albert Museum de Londres, la Berlinische Galerie, el Frans Hals Museum de Haarlem, Kunstpalast (Düsseldorf), el mumok vienés, el Brandenburgisches Landesmuseum für Moderne Kunst de Cottbus/Frankfurt, el Bündner Kunstmuseum Chur, Staatsgalerie Stuttgart, el Kimbell Art Museum de Fort Worth, el Musée de Cluny y el de Orsay de París, el Städtische Museen Freiburg, el MoMA de Nueva York, el Minneapolis Institute of Art, DAS MINSK Kunsthaus en Potsdam, el Von der Heydt-Museum de Wuppertal, el Chrysler Museum of Art de Norfolk, Kunsthalle Rostock, el Virginia Museum of Fine Arts de Richmond, Stiftung Preußischer Kulturbesitz (Berlín), el Brooklyn Museum de Nueva York, el Georg Kolbe Museum de Berlín, el Hammer Museum UCLA de Los Ángeles, el Odessa Museum of Western and Eastern Art, The Menil Collection (Houston), el Palais Populaire de Berlín, ICOM Germany, el Centre Pompidou de París, el Belvedere Museum de Viena, el Centraal Museum de Utrecht, el Detroit Institute of Arts, el Museum Frieder Burda de Baden-Baden, la Gallerie degli Uffizi de Florencia, el Musée des impressionnismes Giverny, la Albertina de Viena, el Museum Küppersmühle für Moderne Kunst de Duisburg, el KODE Bergen Art Museum, el Sprengel Museum Hannover, Stiftung Stadtmuseum Berlin, el Museum of Fine Arts de Boston y el de Houston, The Louisiana Museum of Modern Art, la Colección Peggy Guggenheim de Venecia, el Guggenheim de Berlín, Stiftung Preußische Schlösser und Gärten de Postdam, el Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne, el Arp Museum Bahnhof Rolandseck de Remagen, la Liebermann-Villa am Wannsee de Berlín, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Museum Barberini de Postdam y Kunstmuseum Bern – Zentrum Paul Klee.
Museo Nacional del Prado, Madrid
Cuatro jóvenes doctores y doctorandos ofrecerán conferencias en el Museo del Prado
El pasado marzo, el Museo del Prado lanzó la iniciativa Programa Joven con el objetivo de que doctorandos y jóvenes doctores presentaran, en el Auditorio de la pinacoteca, sus últimas investigaciones relacionadas con las colecciones del centro. Se dirigía a menores de 35 años y en ella participaron 77 candidatos procedentes de universidades nacionales e internacionales que concurrieron con intervenciones relacionadas con la colección del Prado, sus exposiciones, la relación de la institución con las Colecciones reales, la moda, los estudios de género o la representación de la infancia, entre otras cuestiones.
En el proceso de selección, en el que ha participado como director del ciclo José Riello, profesor del Departamento de Historia y teoría del arte de la Universidad Autónoma de Madrid, han sido seleccionadas cuatro de las candidaturas, que durante el último trimestre del año incorporarán sus propuestas de estudio al programa de conferencias que habitualmente ofrece el Museo. Los elegidos han sido Daniel Aquillué, que presentará una conferencia sobre la representación de los sitios de Zaragoza durante el siglo XIX; Carlos Enrique Navarro, quien, coincidiendo con la muestra temporal “Otro Renacimiento. Artistas españoles en Nápoles a comienzos del Cinquecento”, disertará sobre Diego de Tiedra, autor casi desconocido y muy interesado por las novedades que de Italia trajeron a la Península Ibérica Ordóñez, Diego de Siloe, Alonso Berruguete o Machuca; Elena Escuredo, que abordará el estudio de las pinturas de Pedro de Campaña que se han incorporado a las colecciones del Museo en los últimos tiempos; y, por último, Patricia Manzano, que analizará el papel de las copias en la producción de Juan Bautista Martínez del Mazo, discípulo y yerno de Diego Velázquez.
Las propuestas han sido escogidas atendiendo a la relevancia de sus aportaciones, su vinculación con los fondos del Museo y su oportunidad, dados sus lazos con las últimas incorporaciones o modificaciones de las salas de exposición de la colección permanente o con las exhibiciones temporales programadas para el año que viene.
Este será el programa:
Sábado, 29 de octubre de 2022, a las 18:30 horas Aguiluchos del Renacimiento: Una propuesta formativa para Diego de Tiedra.
Carlos Enrique Navarro Rico, Universidad de Valencia.
Sábado, 12 de noviembre de 2022, a las 18:30 horas Los sitios de Zaragoza a través de la colección del Museo del Prado: desastres de la guerra, historicismo y memoria estética.
Daniel Aquillué Dominguez, Universidad Isabel I, Burgos.
Sábado, 19 de noviembre de 2022, a las 18:30 horas Velázquez después de Velázquez: copias y agencia artística en la obra de Juan Bautista Martínez del Mazo.
Patricia Manzano, University of Durham.
Sábado, 26 de noviembre de 2022, a las 18:30 horas Pedro de Campaña, pintor entre la ortodoxia y la “novadora” espiritualidad en la Sevilla del s. XVI.
Elena Escuredo, Universidad de Sevilla.
Según el estudio de resultados hecho público por la organización de la feria tras la clausura, se vendieron piezas de 272 autores, frente a los 219 de la edición de octubre de 2021, 193 de la edición de abril del año pasado; 173 de 2019, 164 de 2018 y 120 de 2017, lo que indica una progresión creciente y sostenida.
Según los datos, un 74% de los artistas vendidos son españoles, porcentaje que supone un descenso respecto a años anteriores, debido quizá a la movilidad creciente después de la pandemia. Asimismo, un 53% de las ventas corresponden a autores de media carrera y un 73% a hombres.
Vista de ESTAMPA 2022
Cristóbal Hara, Premio Nacional de Fotografía por su disolución de fronteras entre documento y ficción
El artista madrileño Cristóbal Hara recibirá el Premio Nacional de Fotografía 2022, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte y dotado con 30.000 euros.
El jurado ha valorado “la aportación única que representa su trayectoria, con un lenguaje singular, y la influencia que su obra tiene en el imaginario fotográfico español, con una producción en la que resuena la pintura, la literatura y la cultura popular, donde se diluyen las fronteras que separan el documento de la ficción. Muchos fotógrafos actuales se reivindican herederos de su trabajo, el cual sigue renovando incansablemente”.
Formado en Derecho y Dirección de empresas, Hara comenzó a dedicarse a la fotografía en 1969 en Londres, bajo la influencia de Henri Cartier-Bresson. Su obra se exhibió por primera vez en la muestra itinerante “Three Photographers”, organizada por el Victoria & Albert Museum en 1974, y en aquellos años colaboró con agencias como John Hillelson (Londres), Viva (París) o Cover (Madrid).
Aunque solo había trabajado en blanco y negro, desde 1985 comenzó a utilizar únicamente el color, transformación que le permitió ejercer el fotoperiodismo y desarrollar su propio lenguaje fotográfico, evolucionando hacia una dirección en la que se difuminaban las fronteras entre realidad y ficción.
El jurado, presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, y Mercedes Roldán Sánchez, subdirectora general de Museos Estatales, ha estado formado por Pilar Aymerich Puig, Premio Nacional de Fotografía 2021; Nicolás Combarro García, artista visual, cineasta y comisario; Lee Douglas, investigadora y docente; Inés Plasencia Camps, investigadora, docente y gestora cultural; Rosalind Williams, comisaria independiente de exposiciones y artista visual; Ramón Reverté Mascó, editor y director creativo de la Editorial RM; Sandra Moratinos, comisaria independiente; José Enrique Font de Mora, director de la Fundación Foto Colectania y María Teresa Méndez Baiges, catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Málaga.
