La escultura Kapokier (1997), de Susana Solano, es la obra ganadora del séptimo Premio de Arte Catalina D’Anglade en la actual edición de ARCO y puede verse en la Feria en el stand de la galería bilbaína Carreras Múgica.

Este galardón viene concediéndose desde 2017 por iniciativa de la diseñadora de joyas madrileña e implica la adquisición de la pieza reconocida por parte de la firma Catalina D’Anglade y la realización, a lo largo del año en curso, de un proyecto inédito que habrá de unir arte y diseño y que tendrá como fruto una pieza seriada concebida para acercar el arte a nuevos públicos.

En anteriores ediciones, recibieron este Premio Ester Partegàs (2023), June Crespo (2022), Daniel Steegmann Mangrané (2020), Luis Gordillo (2019), Secundino Hernández (2018) y Fernanda Fragateiro (2017).

Solano comenzó a trabajar a finales de los setenta dentro de los cauces minimalistas, pero conjugando sus referencias a Donald Judd, Richard Serra o Carl André con alusiones a su propia biografía e intereses vitales. Su obra era ya entonces monumental en su tamaño, albergaba lecturas simbólicas y buscaba subrayar tensiones expresivas entre lo interior y lo exterior. Adentrándonos en los ochenta, trabajó a fondo en torno a la dicotomía entre el vacío y el no-vacío y sobre las posibilidades de la apropiación, no solo física sino también mental, de los espacios, convertidos en cada una de sus exposiciones en escenarios de acciones mentales y corporales. En sus palabras, en los huecos está el misterio de la representación y el plano horizontal plegado. Nunca mejor dicho: los misterios.

Yendo más allá, en su producción hay algo de símbolo de una colectividad y un tiempo: a lo largo de su evolución, la barcelonesa ha reproducido los caminos que ha seguido la escultura en nuestro país en la última mitad del siglo XX, desde la tendencia a la reproducción de objetos figurativos, aún muy ligados a la pintura, a la recreación del objeto minimalista y una concepción de lo escultórico en la que el espacio real en el que se inserta adquiere el mismo o mayor protagonismo que la pieza en sí.

La Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, con Mariano de Paco al frente, ha concedido el Premio ARCO Comunidad de Madrid 2024, destinado a apoyar a jóvenes autores, a Miguel Marina y al dúo Fuentesal Arenillas.

La obra premiada de Marina, un óleo sobre lienzo sin título (2024) expuesto en el stand de The Goma, es una de las piezas en las que este artista madrileño busca analizar y pensar el paisaje y los elementos que lo componen exclusivamente desde la pintura y desde las vías plásticas que ofrece este medio. Propone una narración fragmentada en la que se vale de lo manual como punto de partida de su trabajo.

Trata Marina de unir en sus creaciones los conceptos de idea, imagen y material. Hasta la fecha ha desarrollado residencias en instituciones como la Casa de Velázquez (2013), la Real Academia de España en Roma (2017-2018) o la Fundación BilbaoArte Fundazioa (2019) y ha expuesto en espacios como el Centro Párraga de Murcia, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, La Casa Encendida o la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid.

Por su parte, La danza mudanza I y II (2023) es la instalación galardonada de Fuentesal Arenillas, en el stand de Luis Adelantado. En su práctica, este colectivo explora la dimensión lúdica como una producción de signos, aunando en sus piezas aspectos autobiográficos con recursos formales como la figura doble y la repetición, y abriéndose igualmente al azar.

Julia Fuentesal y Pablo M. Arenillas, onubense y gaditano, se inspiran en la herencia de la escultura andaluza y han protagonizado exhibiciones monográficas en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, la Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid o la Galería Nordés de Santiago de Compostela.

El jurado que ha concedido los galardones ha estado compuesto por Armando Montesinos, asesor de la Comisión para la Adquisición de Obras de Arte de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte; Gilberto González González, comisario y profesor asociado de la Universidad de La Laguna; el director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid, Gonzalo Cabrera Martín; la subdirectora general de Bellas Artes, Asunción Cardona Suanzes; la directora del Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, Tania Pardo; y la asesora de Artes Plásticas, Juana Arana.

El Premio ARCO Comunidad de Madrid viene fallándose desde 2004 y reconoce la mejor obra de artes plásticas realizada por artistas menores de 40 años y que se exponga en la edición correspondiente de la Feria ARCOmadrid. Estos trabajos pasan a formar parte de la Colección del Museo Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de Móstoles.

En la edición anterior, el galardón recayó en Sahatsa Jauregi, por tres máscaras de la serie Aizkora (The Ryder Project) y la escultura Jone (ATM), y en Eva Fàbregas por la obra Growths (Bombon Projects).

El Museo del Prado contará temporalmente con la obra del artista flamenco Willem van Haecht El gabinete de arte de Cornelis van der Geest, emblemática por su carácter representativo del esplendor artístico de Flandes en los inicios del siglo XVII y de su mecenazgo por parte de la familia real española.

En aquel momento surgió en torno a Amberes, capital artística de la región flamenca (correspondiente a la actual Bélgica), un tipo de pintura que suponía una celebración de la afición de sus élites y gobernantes por el arte; se trata de los gabinetes de coleccionistas y uno de los más estudiados es este de Van Haecht que puede verse durante unos meses en Madrid. En este lienzo, en las paredes de una sala cuelgan un total de 42 cuadros, en su mayoría de autores precisamente flamencos, incluyendo una escena de una mujer desnuda ante su tocador de Van Eyck, muy relevante dado que el original no se conoce, además de obras de Rubens o el lienzo de Elsheimer Ceres en casa de Hécuba, quizá el mismo que actualmente pertenece a los fondos del Prado.

Se reproducen aquí, asimismo, esculturas, porcelanas, estampas y otros objetos y, a la izquierda, sentados, aparecen los gobernantes de la región en ese momento: la infanta Isabel Clara Eugenia, hija de Felipe II, y su primo y esposo Alberto de Austria. Ella sostiene en sus manos un pequeño cuadro de flores de Jan Brueghel.

Se sabe que, en agosto de 1615, estos gobernantes visitaron la colección que aquí se representa, perteneciente al citado mercader Cornelis van der Geest, y esta composición es una recreación ficticia de esa visita pintada trece años más tarde de que tuviera lugar. Frente a Isabel Clara Eugenia y Alberto de Austria, señalando con su mano derecha una tela de Quentin Massys, contemplamos al propio coleccionista, y junto a ellos fueron retratados, además, Van Dyck y Rubens, este último charlando con Alberto de Austria.

Otras figuras en la escena son las de Nicolaas Rockox -que encargaría al propio Rubens la Adoración de los Magos que se expone en la misma sala del Museo del Prado donde ahora puede verse este gabinete- y Ladislao Vasa, que sería tiempo más tarde rey de Polonia (es la única persona en esta pintura con rango suficiente para mantener su sombrero sobre la cabeza en presencia del matrimonio formado por Isabel y Alberto). Además, sobre una mesa en el centro de la composición podemos apreciar un dibujo que ilustra la visita de Alejandro Magno al taller de Apeles cuando este pintaba a Campase, asunto que lograría vincular a los gobernantes y al coleccionista con ese pasado admirado.

El gabinete de arte de Cornelis van der Geest, que encontraremos en la sala 28 de la pinacoteca madrileña (la Galería Central), procede del Rubenshuis de Amberes, actualmente sometido a rehabilitación arquitectónica, y continuará en España hasta que finalicen esas obras. Recientemente ha formado parte de la muestra “Rare and Indispensable”, dedicada a piezas fundamentales de la pintura flamenca, en el Museo Aan de Stroom, también en Amberes.

La Fundación María Cristina Masaveu Peterson y el Museo del Prado han presentado el tercer y último volumen del Epistolario del Archivo Madrazo, considerado uno de los conjuntos de cartas más relevantes y completos del siglo XIX. Consta de 1.122 misivas que aportan información importante sobre la historia, la política, las artes y la sociedad en España y Europa en esta época, así como sobre el papel de la mujer en diferentes ámbitos, y a ellas se dedicará una exhibición que podrá verse en la sede madrileña de la Fundación del 6 al 27 de marzo.

Las cartas proceden del archivo de la familia Madrazo, que ha sido conservado por sus descendientes y fue adquirido por el Prado en 2012; el mecenazgo de la Fundación Masaveu Peterson ha permitido la publicación sucesiva de casi 1.900 de ellas, distribuidas en estos tres volúmenes, que vienen viendo la luz desde 2017.

La última publicación se titula “Epistolario del Archivo Madrazo en el Museo del Prado. III. Cartas de las mujeres y otros miembros de la familia, y de artistas, amigos y conocidos” y está dividida en dos tomos. La editó Pedro J. Martínez Plaza, del Área de Pintura del siglo XIX del Prado, al final del año pasado, y los textos están fechados entre 1831 y 1947; se dirigen, sobre todo, a Federico de Madrazo y, en menor medida a otros familiares, como a su padre José y a su hijo Ricardo.

El primer volumen recoge las cartas escritas por las mujeres y otros miembros de la familia, como el diseñador Mariano Fortuny y Madrazo, hijo del pintor del mismo nombre y de Cecilia de Madrazo. Las de las mujeres revelan el rol importante que desarrollaron en las carreras de sus respectivos esposos, padres e hijos, y permiten conocer aspectos sobre la crianza de los niños, la formación y educación entre las mujeres de la burguesía y las relaciones familiares. En este primer tomo se incluyen, igualmente, las misivas de las personas más cercanas a los Madrazo, como los pintores Valentín Carderera y Bernardino Montañés, que constituyen conjuntos diferenciados dado su volumen.

En el segundo y el tercer tomo veremos más de doscientas cartas de artistas españoles y extranjeros, como Mariano Benlliure, Francisco Pradilla, Antonio Muñoz Degrain, Friedrich Overbeck y Jean-Léon Gérôme, así como otras quinientas de remitentes distintos, incluyendo escritores –Fernán Caballero, Emilia Pardo Bazán o Alejandro Dumas–, políticos –como Juan Bravo y Emilio Castelar– y miembros de las principales familias de la nobleza y de la burguesía, como el duque de Medinaceli y Marie-Lætitia Bonaparte-Wyse. También las hay de músicos, arquitectos, coleccionistas, marchantes, directores de museos, diplomáticos, historiadores y arqueólogos.

Por su número y diversidad, esta documentación ofrece información amplia sobre las disciplinas de sus autores, sobre cuestiones sociales, artísticas y políticas, y sobre algunas de las principales instituciones del país, como el propio Prado. Por todo ello, este Epistolario puede convertirse en una herramienta de trabajo muy útil para los historiadores e historiadores del arte especialistas en el siglo XIX.

Habrá más sorpresas: en los próximos años está prevista la publicación de las agendas personales de Federico de Madrazo.

Concha Jerez, artista representada por la Galería Freijo de Madrid, ha sido galardonada con el Premio ENATE-ARCOmadrid 2024 en su primera edición. Un jurado compuesto por Luis Nozaleda, director general de ENATE; Carlos Urroz, gestor cultural y exdirector de la Feria; y Frances Reynolds, fundadora del Instituto Inclusatriz, decidió reconocer su pieza ENTRE Escritos Autocensurados (2020), dedicada, como tantas de esta autora desde los años setenta, al modo en que nos comunicamos y relacionamos, o tratamos de dejar de hacerlo, en un mundo mediado continuamente por la tecnología.

Este premio cuenta con una dotación de 5.000 euros y la obra escogida pasará a formar parte de la colección ENATE, siendo presentada en el espacio de esta firma bodeguera en el Guest Lounge de ARCOmadrid. Además, esa pieza se convertirá, con la colaboración de la artista canaria, en etiqueta de una botella de edición especial y limitada con motivo de ARCO.

La entrega del premio tendrá lugar el próximo día 7 de marzo, a las 18:00 horas, en el citado Guest Lounge en IFEMA.

El pasado 25 de febrero cerró sus puertas al público en CentroCentro la muestra “Monet. Obras Maestras del Musée Marmottan Monet de París“, tras recibir cerca de 300.000 visitas en sus cinco meses de apertura. Recorría la exhibición la trayectoria del padre del impresionismo contando con un buen número de obras de su serie Nenúfares y también con pinturas de temática urbana o paisajes como Paseando cerca de Argenteuil, El tren en la nieve. La locomotora y Londres. El Parlamento. Reflejos en el Támesis.

Procedían del Musée Marmottan Monet y comisarió su recorrido Sylvie Carlier, conservadora de ese centro, junto a Marianne Mathieu, historiadora del arte, y Aurélie Gavoille, asistente de conservación del Marmottan.

Desde el próximo 9 de marzo y hasta el 14 de julio, esta exposición podrá contemplarse en el Centro Altinate San Gaetano de Padua, coincidiendo con el 150 aniversario de la primera exposición en París del movimiento impresionista, en 1874.

La historiadora del arte Tania Pardo, subdirectora del Museo Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles (CA2M) desde 2019, será a partir de ahora su directora, tras ser seleccionada en una convocatoria abierta por la Comunidad de Madrid el pasado diciembre. El comité de valoración que la ha escogido ha estado formado por el director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y anterior director del CA2M, Manuel Segade; la directora de ARCO, Maribel López; el director gerente del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Evelio Acevedo; la directora de la Fundación Tàpies, Inma Prieto; y el comisario Vicente Todolí.

Pardo tendrá que ejercer la representación institucional del centro en sus relaciones externas con las administraciones públicas, la comunidad artística y la educativa, así como proponer las incorporaciones de nuevas obras al mismo, dirigir la administración del centro y su personal adscrito y gestionar su colección artística.

Nacida en Madrid en 1976, es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense, donde ha sido igualmente profesora asociada. Cuenta con formación complementaria en la Universidad Autónoma de Madrid (UAM), el Institut Français de París o el International Finisht Artist del FRAME de Helsinki, y ha colaborado como crítica de arte en medios como Lápiz, Exit, El País o El periódico del arte. Además, ha sido responsable de programación del espacio Laboratorio 987 y comisaria y coordinadora de exposiciones, proyectos y becas del MUSAC de León.

Con anterioridad, ejerció asimismo como directora de proyectos de la Fundación Santander y como responsable de exposiciones de La Casa Encendida de la Fundacion Montemadrid, y forma parte del equipo docente del Máster en Curatorial Studies del Museo Universidad de Navarra.

En la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid desarrolló labores de asesoría en Artes Plásticas entre 2019 y 2023.

La Comisión Europea y la Fundació Mies van der Rohe han anunciado ya los siete proyectos finalistas entre los que el jurado decidirá los ganadores del Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea – Premios Mies van der Rohe 2024. Cinco de ellos corresponden a la categoría de Arquitectura y los otros dos a la categoría Emergente, y han sido escogidos por entenderse que pueden constiturse como referentes de las políticas locales y como modelos europeos globales, al favorecer la creación de entornos de vida inclusivos y de calidad.

La mayoría de estas propuestas se destinan a mejorar las condiciones de comunidades reducidas en lugares que habían pasado por algún proceso de olvido: antiguas zonas industriales y poblaciones rurales, fundamentalmente. Las obras en ciudades más grandes se ubican en zonas periféricas, generando fuertes asociaciones con los barrios.

Las cinco obras finalistas de Arquitectura son Plato Contemporary Art Gallery, en Ostrava (Moravia-Silesia, República Checa), de KWK Promes; el Pabellón de Estudios del Campus de la Universidad Técnica de Braunschweig (Baja Sajonia, Alemania), de Gustav Düsing y Max Hacke; el Colegio Reggio de Madrid, de ANDRES JAQUE/ OFFICE FOR POLITICAL INNOVATION; el Renacimiento del Convento Saint-François en Sainte-Lucie-de-Tallano/ Santa Lucía de Tallà (Córcega, Francia), de Amelia Tavella Architectes; y Häge en Lund (Condado de Scania, Suecia), de Brendeland & Kristoffersen architects.

En cuanto a las dos obras finalistas emergentes, se ha seleccionado a la Biblioteca Gabriel García Márquez de Barcelona, de SUMA arquitectura, y la Plaza y Oficina de Turismo de Piódão (Portugal Central), de Branco del Rio.

En marzo, el jurado visitará las cinco obras finalistas de arquitectura y decidirá las ganadoras; el anuncio tendrá lugar el 25 de abril en el CIVA de Bruselas. Por último, la ceremonia de entrega de premios se desarrollará el 14 de mayo de 2024 en el Pabellón Mies van der Rohe barcelonés.

El director general de la Real Fábrica de Tapices, Alejandro Klecker de Elizalde, y el delegado de la ONCE en la Comunidad de Madrid, Luis Natalio Royo Paz, han firmado un convenio de colaboración con el fin de hacer accesibles las instalaciones del primer museo, sus exposiciones, talleres y actividades, de cara a las personas con discapacidad visual.

Entre otras iniciativas, este convenio supone la transcripción a braille del discurso museístico de la RFT, de sus exposiciones, libros y apps desarrolladas, así como la organización de un nuevo tipo de visitas, adaptadas a las personas ciegas.

Entre los próximos días 22 y 24 de febrero de 2024, la Fundación ARCO organiza nuevamente, adelantándose al inicio de ARCOmadrid (que tendrá lugar del 6 al 10 de marzo en IFEMA), visitas guiadas por las principales galerías madrileñas que participarán en la Feria. Se trata de una nueva edición de los ARCO GalleryWalks, que ofrecerán al público, de manera gratuita, la posibilidad de explorar las actuales exposiciones de más de cuarenta galerías de arte contemporáneo de la capital.

Se han diseñado seis recorridos por diferentes barrios: Centro, Doctor Fourquet, Barrio de las Letras, Chamberí, Salamanca y Salesas. La inscripción puede realizarse en el correo arcogallerywalk@ifema.es.

PROGRAMA

Jueves, 22 de febrero de 2024

17:00 horas
Centro.

17:00 horas
Salesas.

Viernes, 23 de febrero de 2024

12:00 horas
Fourquet.

12:00 horas
Letras.

17:00 horas
Fourquet.

17:00 horas
Chamberí.

17:00 horas
Salamanca.

Sábado, 24 de febrero de 2024

12:00 horas
Centro.

12:00 horas
Chamberí.

12:00 horas
Salesas.

El Palacio de Liria presentará, desde el 24 febrero, la muestra “Un Nuevo Mundo” de la artista mexicana Denise De la Rue, que inaugurará la sala que la Fundación Casa de Alba destinará al arte contemporáneo.

Concebida como homenaje a la curiosidad y el espíritu explorador, esta exhibición partirá del estudio de las 21 cartas autógrafas de Cristóbal Colón que pertenecen a la colección de la Casa de Alba, siendo las únicas en manos privadas en el mundo. De la Rue relacionará ese material epistolar con las expediciones de la NASA al espacio, con el fin de invitar al público a reflexionar sobre la búsqueda constante, o la necesidad, de la humanidad de bucear en lo desconocido y trascender los límites establecidos.

Nos conducirá el recorrido por algunos momentos esenciales de la historia de la exploración y el descubrimiento de nuevos mundos, desde el viaje de Colón en 1492 hasta el alunizaje del Apolo 11 en la luna en 1969. Además, “Un Nuevo Mundo” también profundizará en los avances tecnológicos actuales relativos a la exploración espacial y a la planificada colonización de Marte en la década próxima.

La autora mexicana ha creado ex profeso un conjunto de piezas para esta ocasión: más de una veintena de esculturas inspiradas en artefactos y objetos que han estado presentes en misiones de la NASA y un conjunto de recreaciones de meteoritos. Convivirán con la superposición de extractos de las mencionadas cartas de Colón y de documentos de las Misiones Apollo, entre ellos el vinculado al alunizaje del Apollo 11, perteneciente al fondo del National Archive Museum de Washington.

Además de esas piezas inéditas, podremos contemplar réplicas artísticas de objetos de los fondos de la NASA y del piloto Buzz Aldrin, uno de los participantes en aquel primer viaje a la luna en 1969.

En su deseo de continuar acercándose a todos los públicos y de ofrecer nuevos argumentos para visitar sus salas a quienes no pueden hacerlo en el horario habitual por razones de compatibilidad laboral o educativa, el Museo del Prado ha anunciado hoy que volverá a poner en marcha la iniciativa El Prado de noche, que en 2023 recibió más de 10.200 visitantes.

Con la colaboración de la Comunidad de Madrid y de Samsung, la pinacoteca abrirá de manera gratuita el primer sábado de cada mes, en horario de 20:30 a 23:30 horas. Podrán recorrerse diferentes espacios expositivos mientras se disfruta de propuestas musicales o se conocen algunas de las experiencias que la firma tecnológica y el Museo han llevado a cabo durante una década de colaboración.

En la primera noche de apertura, la del 2 de marzo, podrá visitarse “REVERSOS“, exhibición dedicada a la cara oculta de las obras de arte pronta a su clausura, además de las salas dedicadas a la pintura europea del Renacimiento (Durero, Sofonisba Anguissola, El Bosco, Antonio Moro o Rogier van der Weyden) y a la colección del siglo XIX (en torno a la pintura social, el mundo en femenino y las artes decorativas).

Para complementar esta actividad, el Museo del Prado abrirá el servicio de cafetería y Radio 3 dinamizará la cita.

El director del Museo Reina Sofía, Manuel Segade, presentó esta semana la programación de este centro de cara a 2024, en un acto en el que también se dio a conocer a la que será subdirectora artística de esa institución, la mexicana Amanda de la Garza.

La próxima muestra que veremos en el MNCARS, tras su paso por el Bozar belga y antes de que recale en la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, será una gran retrospectiva del artista catalán que ha sido comisariada por Manuel Borja-Villel, exdirector tanto del museo madrileño como de la institución catalana. Reunirá piezas significativas de su experimentación con la materia y el lenguaje, y de su profundización en la representación pictórica; concibió sus lienzos como muros en los que podían fundirse el material y la forma, el lenguaje y la idea. La antología llevará por nombre “La práctica del arte” y se inaugurará el 20 de febrero.

De mayo a septiembre, y en el Palacio de Velázquez, el Reina Sofía brindará al estadounidense James Lee Byars una exhibición comisariada por Vicente Todolí y producida junto al espacio milanés Pirelli HangarBicocca, que actualmente la acoge. Interesó a este autor, que vivió entre su país natal y Japón y se dejó influir por la cultura nipona, todo aquello que desafiaba a la lógica, lo místico y espiritual. Concebía sus exposiciones como instalaciones, y fue autor de instalaciones, performances, dibujos y piezas textuales. En las mismas fechas, nos esperará en el edificio Sabatini la exhibición “Hacer como quien dice: ¿y esto qué es?”, dedicada al conjunto de obras que Eva Lootz donó recientemente al Museo, aunque también recogerá trabajos que no pertenecen a esa donación. Veremos dibujos, pinturas, esculturas, instalaciones, vídeos, fotografías y piezas sonoras ligados a su estudio de los lazos entre lenguaje y materia, entre lo que se puede decir y lo que se puede ver.

Ya tras el verano, en septiembre de 2024, el Museo Reina Sofía abrirá una exhibición que repasará, de forma exhaustiva y a través de un centenar de obras, la carrera de Soledad Sevilla. Contará con algunos trabajos realizados específicamente para este montaje e incidirá en la afirmación siempre mantenida por esta autora de que ha pintado un mismo cuadro durante toda su vida, desde sus series ligadas a la abstracción geométrica de los setenta hasta sus recientes tramas vegetales. Isabel Tejeda será su comisaria.

Y cinco curadores (Pablo Allepuz García, Rafael García Horrillo, Germán Labrador Méndez, José Antonio Sánchez Martínez y Teresa Velázquez) tendrá la exhibición “Esperpento”, que abordará ese concepto -formulado por primera vez por Valle-Inclán en relación con la situación social y política española en la primera mitad del siglo XX- como centro de una corriente de pensamiento estético distante de la noción de lo grotesco, pues aparejaba un compromiso con la solución de los atrasos.

Antes de que termine el año, el Reina Sofía abrirá dos muestras más: “En el aire conmovido…”, con el sello del filósofo Georges Didi-Huberman, sobre las emociones y afectos que se han constituido como vías de resistencia frente al poder cuando es opresivo (veremos obras de Rodin, Picasso, Giacometti, Artaud, Dalí o Michaux); y otra retrospectiva comisariada por Borja-Villel, “Opera to a Black Venus”, dedicada al trabajo de la artista portuguesa Grada Kilomba en torno a cuestiones coloniales o vinculadas a la memoria y el género. Kilomba es autora de la publicación Plantation Memories. Episodes of Everyday Racism, sobre los sistemas dominantes de producción de conocimiento y la posibilidad de escapar a ellos.

Por último, y en el marco del programa Fisuras, que cerrará etapa con ella, la coreógrafa y bailarina Olga de Soto llevará al Espacio 1 de Sabatini su Reconstrucción de una danza macabra, pieza generada a partir del estudio de la antibelicista La mesa verde (1932) de Kurt Jooss, considerada una obra fundacional de la danza contemporánea.

La galerista Juana de Aizpuru, que hace unas semanas anunció el cierre de su histórica galería en Madrid e impulsó la celebración de la Feria ARCO en 1982, siendo su directora en las primeras ediciones, fue una de las personalidades galardonadas en la segunda edición de los Madrid Open City Awards, que se entregaron el pasado 5 de febrero en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Los concede la asociación la asociación Madrid Open City, destinada a posicionar y promocionar la capital como polo de “inversiones, innovación y talento”; Aizpuru recibió su premio por su impulso al arte contemporáneo, a la educación artística y a la propia celebración de ARCO.

El pasado noviembre, el Museo Reina Sofía inició el proceso selectivo de su subdirección artística, cargo encargado, según las bases de la convocatoria, de “llevar a término el programa de exposiciones, los programas públicos, las presentaciones y líneas de crecimiento de la Colección, los proyectos de restauración, la supervisión del registro y el trabajo de la Biblioteca y archivos, así como los aparatos de investigación necesarios para su desarrollo”.

Tras el informe de la comisión de valoración que ha examinado las 52 candidaturas recibidas, formada por el subdirector Gerente del MNCARS, Julián González Cid; Guadalupe Herranz Escudero, secretaria del Real Patronato del Museo; y Sara Horganero Gómez, subdirectora adjunta a Gerencia, y después de ser entrevistados los concurrentes preseleccionados, el director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Manuel Segade, propuso ayer a la Comisión Permanente del Patronato el nombramiento de Amanda de la Garza (Monclova, México, 1981) como nueva subdirectora artística.

Comisaria e historiadora del arte, De la Garza era desde 2020 directora general de Artes Visuales y del Museo Universitario Arte Contemporáneo de la UNAM, una de las instituciones más relevantes en su ámbito en América Latina.

Formada en Estudios curatoriales, Historia del Arte, Antropología y Sociología, entre 2012 y 2019 fue curadora adjunta en ese mismo centro y ha comisariado y coordinado más de una treintena de exposiciones de arte moderno y contemporáneo, así como muestras de archivo y revisiones de artistas como Harun Farocki, Hito Steyerl, Vicente Rojo, Jeremy Deller, Isaac Julien, Jonas Mekas, José Dávila y Chantal Peñalosa, tanto para museos mexicanos como para centros internacionales.

Fue, asimismo, cocuradora de la XVII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen y de Lecturas de un territorio fracturado, la primera revisión de la colección de arte contemporáneo del Museo Amparo de Puebla, y ha sido galardonada con el Premio Curadores Emergentes, la Bienal Fronteras y varias becas de investigación en México y en el extranjero. Actualmente es integrante de las juntas directivas del CIMAM (International Committee for museums and Collections of Modern Art) y de ICOM México y es miembro de AAMD (Association Art Museum Directors).

El Museo Reina Sofía y Wikimedia España han anunciado hoy la firma de un convenio de colaboración que se materializará en la planificación y ejecución de proyectos culturales que contribuyan a la construcción de un espacio para la edición, formación y creación de contenidos liberados. El acuerdo se enmarca en el trabajo que ya venía desarrollando Wikimedia España junto al MNCARS, con la promoción del conocimiento libre y la igualdad de oportunidades en su acceso como objetivo último.

Wikimedia y el Museo se unirán en la impartición de sesiones de formación sobre edición y generación de contenidos en Wikipedia, en relación con las líneas programáticas del Reina Sofía, sus colecciones, exposiciones temporales y actividades públicas. También organizarán seminarios, conferencias, jornadas y actos de formación, difusión y debate ligados a los fines comunes de ambas instituciones.

Para Manuel Segade, el director del Museo Reina Sofía, Wikipedia ha revolucionado la idea de enciclopedia como un instrumento común que, como tal, debe construirse en comunidad. Sin duda, su función en un museo como el nuestro es permitir un acceso todavía mayor a profundizar en los propios contenidos que ofrecemos, de forma totalmente gratuita y abierta.

Asimismo, buscando crear un entorno orientado a la especialización de su personal, el Museo Reina Sofía acogerá un wikipedista en residencia, en línea con propuestas similares desarrolladas en los Capítulos Wikimedia de Portugal (Universidade do Porto), Argentina (Biblioteca Nacional), Reino Unido (Tate Modern Gallery) y el Museo Soumaya de México. Impartirá talleres de formación para trabajadores del Museo y colaboradores, ligados precisamente al trabajo de edición en Wikipedia a partir de las líneas programáticas del centro y también a la coordinación de actividades públicas, como las editatonas.

Hasta ahora, y bajo las siglas GLAM -en inglés, relativas a galerías, bibliotecas, archivos y museos, como instituciones recolectoras del patrimonio cultural-, Wikimedia España ya buscaba que Wikipedia y todos sus proyectos hermanos fueran una herramienta más para dichos museos, con la pretensión de llegar a más públicos y compartir saberes y contenidos a través de otras vías de comunicación no convencionales.

El presidente del Patronato del Museo Picasso Málaga, Arturo Bernal, que es también consejero de Turismo, Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía, y Bernard Ruiz-Picasso, copresidente de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso, firmaron ayer la cesión temporal al centro andaluz de 152 obras de Picasso que pertenecen a dicha Fundación.

Así, la nueva propuesta expositiva permanente del Museo Picasso queda ahora formada por 202 obras del artista, cincuenta de ellas propiedad de este espacio, y podrá visitarse desde el 19 de marzo y a lo largo de los próximos tres años. La exposición se titulará “Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra” y constará de pinturas, esculturas, dibujos, cerámicas y obra gráfica, haciendo hincapié en las conexiones entre las piezas más allá de sus técnicas. Ha concebido el proyecto la mencionada Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso, con el comisariado de Michael FitzGerald, experto en Historia del Arte del Trinity College en Hartford y, como novedad, dentro del mismo se presentan cinco muestras con su propio relato insertas en el conjunto, resultado de la aportación académica de otros cinco expertos internacionales coordinados por FitzGerald.

Este formato busca sorprender a los visitantes nuevos o habituales del Museo; durante el montaje se mantendrá abierta al público la exhibición “El eco de Picasso” y continuarán desarrollándose las actividades educativas y culturales del MPM.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado hoy que la Premio Nobel de Literatura de 2018, Olga Tokarczuk, y el ganador del Príncipe de Asturias de las Letras en 2014, John Banville, son los dos autores seleccionados para participar en la segunda edición de la Residencia Internacional de Escritores Escribir el Prado, una iniciativa conjunta de la pinacoteca y la Fundación Loewe, en colaboración con Granta en español, que invita a literatos internacionales a conocer en profundidad los fondos del Prado y a que estas colecciones les sirvan de inspiración creativa.

En la primera edición de este proyecto los residentes fueron John M. Coetzee y Chloe Aridjis, y a los textos que elaboraron durante su estancia en el Museo podremos tener acceso a lo largo de 2024, pues está previsto que se lance este año la primera colección de relatos de ficción Escribir el Prado con sus aportaciones.

Por tanto, Olga Tokarzcuk, en primavera, y John Banville, en otoño, fijarán su residencia en Madrid y harán de las salas del Prado su centro de actividad y de contemplación. A partir de ese proceso creativo darán forma a un texto, relacionado con el Museo, en el que investigarán los vínculos expresivos entre la ficción y las artes plásticas y que posteriormente será editado. Además, en ese periodo ambos mantendrán coloquios abiertos con el público.

Tokarczuk, nacida en 1962 en Polonia, es autora de ocho novelas y tres colecciones de relatos cortos y ha obtenido en dos ocasiones el Premio Nike, el más prestigioso en su país. Entre sus trabajos se encuentran Los Libros de Jacob, Los errantes, Un lugar llamado antaño, Casa diurna, casa nocturna y Sobre los huesos de los muertos. En cuanto a Banville, irlandés del 45, es novelista, guionista, dramaturgo y crítico literario y sus obras quizá más difundidas son El libro de las pruebas, El mar y Las singularidades, además de sus novelas policíacas publicadas bajo el seudónimo de Benjamin Black.

Considerado uno de los renovadores fundamentales de la escultura vasca en la segunda mitad del siglo pasado, el vizcaíno Néstor Basterretxea fue dibujante publicitario y pintor autodidacta antes de adentrarse en las tres dimensiones de la mano de Jorge Oteiza, ser uno de los fundadores de Equipo 57 y colaborar con el barcelonés Equipo Forma. En 1961, representó a España en la sexta Bienal de Sao Paulo y cinco años después colaboraría en la formación del grupo de arte vasco Gaur, pero los proyectos que le valieron mayor reconocimiento dentro y fuera de nuestras fronteras fueron sus esculturas públicas, presentes en las calles de varias ciudades de nuestro país, Chile, Argentina o Estados Unidos.

Coincidiendo con el centenario de su nacimiento en Bermeo, más de una veintena de instituciones y entidades culturales promoverán, durante este año y ya entrado 2025, la celebración de exposiciones, programas audiovisuales y actividades culturales y editoriales dedicadas a este autor, conforme a un programa que, además, tendrá web propia, donde se recogerán información y recursos sobre la vida y obra de Basterretxea y desde la que se podrá acceder al archivo donado por su familia a Artium Museoa.

El Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, con la colaboración de Gorka Basterretxea, coordina este proyecto, que arrancará el 28 de febrero con la inauguración de la muestra “Néstor Basterretxea. Diseño y arquitectura” en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, que será comisariada por Peio Aguirre, Pedro Feduchi y Pedro Reula y dará a conocer las obras proyectadas por el artista en esos campos desde los cincuenta a los 2000. Ya en abril, la sala Menchu Gal de Irún albergará la exposición “Basterretxea en Irun (1957-1975)”, comisariada por Fernando Golvano y centrada en su producción más experimental.

De vuelta a Vitoria, a partir del 10 de mayo Artium Museoa acogerá “Basterretxea en el archivo”, propuesta destinada a profundizar, desde un enfoque documental, en sus incursiones en el cine; en paralelo se presentará el citado archivo digital del autor y su Serie cosmogónica vasca podrá verse en el Centro Cultural Montehermoso, desde el 27 de junio.

Para finalizar el año, desde noviembre, el Museo de Arte e Historia de Durango le brindará la exhibición “Néstor Basterretxea, diseñador gráfico e ilustrador”, mientras que el Museo San Telmo de San Sebastián presentará “Conexiones de una colección: Néstor Basterretxea y San Telmo Museoa”, a cargo de Miren Vadillo. En 2025, el Museum Cemento Rezola ofrecerá, por último, una nueva exposición suya comisariada por la propia Vadillo.

Además, la relación continua de Basterretxea con el cine y el medio audiovisual se analizará ampliamente en la Filmoteca Vasca, la Elías Querejeta Zine-Eskola y el Festival Internacional de San Sebastián, instituciones que unirán esfuerzos entre sí para publicar en otoño un volumen monográfico sobre la obra cinematográfica del artista, dentro de la colección ZINE: cuadernos de investigación cinematográfica.

Asimismo, el Festival Punto de Vista de Pamplona y el Museo Jorge Oteiza de Alzuza preparan conjuntamente otro programa audiovisual, Néstor Basterretxea y la imagen, que se proyectará en el último espacio el 16 de marzo, mientras que el Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera exhibirá la filmografía completa del artista en un ciclo en otoño.

Por su parte, el Parlamento Vasco ofrecerá en los próximos meses un programa de actividades denominado Dos robles emblemáticos para un centenario: ‘Izaro’ y ‘Homenaje al árbol de Gernika’, y el Instituto Etxepare desarrollará, en otoño, iniciativas vinculadas a este centenario en el marco de las cátedras Amale Artetxe, en Argentina, y Jon Bilbao, en la Universidad de Reno en Estados Unidos.

También en otoño, el Museo de la Máquina-Herramienta de Elgoibar promoverá talleres creativos, así como la proyección y coloquio Operación H. La industria hecha arte en la mirada de Basterretxea, mientras los ayuntamientos de Bermeo, Hondarribia y Asparrena se sumarán a la conmemoración con una semana cultural dedicada a la trayectoria del artista, una agenda de actividades y el programa Néstor entre amigos, respectivamente.

El espacio web dedicado al Centenario Basterretxea se activará coincidiendo con la primera de las exposiciones que hemos repasado y ofrecerá un recorrido textual y visual por la carrera del vasco, además de una línea del tiempo con los hitos fundamentales de su biografía y un mapa que permitirá geolocalizar su obra pública.

La Comisión Europea y la Fundació Mies van der Rohe han anunciado las cuarenta obras que optarán al Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea – Premios Mies van der Rohe 2024, coincidiendo con la inauguración de la exposición correspondiente a los EUmies Awards 2022 en el Printworks Event and Exhibition Centre del Castillo de Dublín; se trata de la primera vez que una muestra de estos galardones visita Irlanda.

Los EUmies Awards de Arquitectura y Arquitectura Emergente se otorgan bianualmente a obras terminadas en los dos años anteriores al inicio de cada ciclo, con el propósito de destacar y difundir la cultura arquitectónica compartida en Europa a través de proyectos que favorecen la calidad de vida. Esta vez, el jurado encargado de seleccionar las propuestas y estudios que permanecen en la carrera por estos reconocimientos, entre 362 candidaturas, lo formaban Frédéric Druot (presidente), Martin Braathen, Pippo Ciorra, Tinatin Gurgenidze, Adriana Krnáčová, Sala Makumbundu y Hrvoje Njiric.

Los proyectos escogidos se sitúan en una veintena de países europeos, siendo España el más representado, seguido por Bélgica, Alemania, Croacia, Francia y Portugal; todos ellos se abrirán a la ciudadanía en el marco del programa Out&About, por el que se organizarán visitas y conferencias y se difundirán vídeos. Hay que subrayar que, entre los nominados, hay un buen número de edificios transnacionales (que han sido construidos por un estudio en un país diferente al de su sede) y que siete de ellos se ubican en pueblos de menos de 500 habitantes, dato relevante porque superan a los que se encuentran en ciudades de más de un millón.

En cuanto a la representación española, cuatro estudios radicados en Madrid figuran entre los elegidos, con la Escuela Reggio de la capital (Andrés Jaque/ Office for Political Innovation); el Museo Munch de Oslo (estudioHerreros); la Guardería Bohin de Eslovenia (KAL A con ARREA); y la Biblioteca Gabriel García Márquez en Barcelona (SUMA arquitectura). También optan a premio el estudio de Óscar Miguel Ares, de Valladolid, por las piscinas municipales de Castromonte, en esa provincia; Peris+Toral, por 42 viviendas sociales de Son Servera (Mallorca); AV62 Arquitectos, por el Centro de día para jóvenes con autismo en Derio, Vizcaya; Harquitectes, por las viviendas sociales 1737 en Gavà; y MAIO con Studio Nomadic y Studio Peisaj, por el Plantel 1306 plantas para Timisoara, en Rumanía.

Los finalistas se darán a conocer a principios de febrero, y los ganadores en abril; la entrega de premios se desarrollará en el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona los días 13 y 14 de mayo.