El Ayuntamiento de Santander ha presentado el nuevo Catálogo de la Colección permanente del Museo de Arte de Santander (MAS), reabierto el pasado 17 de mayo tras seis años cerrado por obras de rehabilitación en su sede, un edificio histórico obra de Leonardo Rucabado.

Este volumen viene a completar los dos previamente editados y recoge casi trescientas obras de los fondos del centro, entre pinturas, esculturas, dibujos y fotografías de artistas cántabros e internacionales. Además de servir de guía a los visitantes, está destinado a ser objeto de estudio para quienes quieran conocer en profundidad las creaciones de autores de esa región: hay que recordar que el acervo del MAS se data entre la prehistoria y la época contemporánea.

Cuenta el catálogo con 248 páginas y 305 fotografías en color, y se han editado un total de 750 ejemplares, siguiendo las pautas editoriales de los volúmenes anteriores dedicados a la Colección del MAS. Ha participado en su elaboración el conjunto del equipo del Museo, que pronto retomará sus visitas y talleres matutinos, y en el último trimestre de este año se anunciarán sus próximas muestras temporales.

Está previsto que este espacio sea una de las sedes del Festival de Performance, organizado por la Concejalía de Cultura, y del programa El Prado Extendido, acogiendo una obra de Gerónimo de Cevallos.

Irving Penn, uno de los grandes fotógrafos de moda (y no solo) del siglo XX, cuya producción se caracteriza por su meticulosidad y minimalismo, su dominio del grabado y su experimentación, será el cuarto autor al que dedicará una antología la Fundación MOP (Marta Ortega Pérez) de A Coruña. El estadounidense tenía el don de infundir a sus imágenes una sensación de atemporalidad y profundidad narrativa muy particulares, tanto ante trabajadores de miradas cansadas como ante modelos o flores marchitándose, y también un acentuado gusto por el detalle.

Colaborador habitual de la revista Vogue durante más de siete décadas, llevó a cabo un innumerable acervo de retratos de modelos sobre fondos neutros que le permitían resaltar los tejidos, los gestos y la expresión. Su labor en el mundo de la moda no solo redefinió ese género fotográfico, sino que llegó a marcar nuevos estándares de excelencia del arte de la cámara en general.

Aunque se hizo más conocido por sus retratos de gran penetración psicológica, Penn fue, en definitiva, un artista prolífico cuya carrera abarcó una extensa gama de temas. La muestra gallega, “Irving Penn: Centennial”, recogerá todos los periodos de su trayectoria, desde finales de los años treinta hasta la primera década del siglo XXI.

Organizada por The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, la Fundación MOP será su única sede española y reunirá cerca de 175 obras, entre retratos de celebridades, personalidades de la cultura, trabajadores con sus herramientas de trabajo, desnudos abstractos, primeros documentales de escenas callejeras, composiciones florales, letreros y basura callejera, estudios de moda y naturalezas muertas.

Podrá visitarse desde noviembre y hasta mayo de 2025 y será comisariada por Jeff L. Rosenheim, comisario Joyce Frank Menschel a cargo del área de Fotografía en el Metropolitan.

Desde hace tres veranos, la Galería Rafael Pérez Hernando de Madrid viene mostrando proyectos artísticos de los autores que representa en la abadía cisterciense de Bujedo de Juarros (Burgos), que se fundó en la segunda mitad del siglo XII y mantuvo su actividad monástica hasta la Desamortización de Mendizábal en 1835. Su arquitectura fue después abandonada hasta acometerse su restauración hace algunas décadas, una intervención esa reconocida con el Premio Europa Nostra, en 1981.

Desde el pasado junio, el artista cuya producción nos espera en Santa María de Bujedo es el turinés Giorgio Griffa, que bajo el título de “materia spirituale” expone telas que entran en relación con la depuración y el silencio propios de este lugar. Nacido en 1939, Griffa dejó a un lado la figuración en 1968 para adentrarse en las posibilidades del trabajo con el signo como emblema del lenguaje ancestral y sin fronteras de la pintura; ha declarado que ese gesto antiguo y primordial significa abrazar al menos los últimos diez mil años de memoria, contaminar el tesoro inmenso e inestimable de la tradición, trayéndolo al presente.

Genera el italiano ritmos a partir de la repetición de signos que articulan secuencias, que remiten al devenir continuo de la vida y la naturaleza y también al gesto constante de la mano en su trazo: en un tiempo en que en su país dominaban las tendencias artísticas lo conceptual y lo povera, él defendió las opciones de la pintura para ahondar en reflexiones filosóficas y humanísticas y no se cansaba de aprender de Giotto. Su apuesta por el retorno a las fuentes tempranas del lenguaje la desarrolló sobre lienzos naturales que desplegaba en el suelo de su estudio.

En el transepto de la abadía encontraremos Dioniso, obra que debemos entender como hermana gemela de la que Griffa creó en 1980 para la Bienal de Venecia y que pertenece a su serie Transparenze: consta de fragmentos ejecutados con transparencias, de signos que se yuxtaponen y conectan entre sí. Aquí se relaciona con Spirale, pieza de 2023 que se ha dispuesto al otro lado del transepto y que incorpora la referencia del número áureo, símbolo de la perfección en la naturaleza e infinito, como infinitas podrían ser las composiciones de este autor, que carecen de marco en sus presentaciones.

En la antigua cilla del monasterio nos espera Nurkoszop (2019), trabajo de la serie Shaman que pudo verse en la 34ª Bienal de Sao Paulo de 2021 y que aquí se pone en relación con la repetición y el ritmo presentes en los signos de la puerta mozárabe, datada a inicios del año 1500. Esta serie incorpora la palabra como signo y los pliegues del lienzo le aportan un carácter más escultórico.

El catálogo de aquella Bienal, por cierto, enlazaba en la misma doble página a Griffa y Giorgio Morandi: ambos artistas se centraron en temáticas sencillas de las que prácticamente no se despegaron; el boloñés llevó a cabo bodegones domésticos con ecos existenciales, el de Turín los mencionados despliegues de signos como base de historia y de lenguaje.

Además, Griffa menciona frecuentemente en sus escritos la figura del antihéroe, en contraposición a la del artista creador muy ensalzado. Él se considera transmisor de ese legado humilde de los signos, que a través de su cuerpo sobre el lienzo, su mano y colores, recoge sobre las telas.

Agustina Otero, escultora leonesa nacida en 1960 y formada en la Escuela Massana de Barcelona, y también en talleres en Florencia, Carrara y Pietrasanta (Italia), es una de las protagonistas del verano expositivo en Navarra. El Museo Oteiza de Alzuza (hasta el 24 de noviembre) y el Polvorín de la Ciudadela de Pamplona (hasta el 29 de septiembre) presentan el proyecto “El Horizonte del círculo”, dedicado a los estudios que esta autora llevó a cabo en torno al busto humano como materia, forma y elemento simbólico y cultural de representación artística.

La exhibición del Museo Oteiza se centra en su tratamiento plástico de la cabeza en la escultura, mientras que la del Polvorín de la Ciudadela acoge trabajos sobre papel (collages y dibujos) que Otero ha llevado a cabo en el último año. En una y otra podremos adentrarnos en las investigaciones que han llevado a la artista desde la cabeza-masa hacia una concepción más abierta y esencial, y por último circular, de este elemento del cuerpo, tomando el horizonte como referencia metafórica constante.

A Alzuza han llegado un conjunto de cuarenta y dos esculturas en formatos diversos y materiales como la piedra, el hierro, el barro y el yeso, que en sus manos se abren a diferentes posibilidades significativas; se fechan a lo largo de dos décadas y dan cuenta de la evolución de sus indagaciones en torno a ese motivo único de la cabeza, en el que Otero ha confesado encontrar un potencial inagotable. Frente a su compañero de salas, Oteiza, la artista dice trabajar más con la intuición y la emoción, y desde un silencio meditativo.

El montaje de la muestra, concebido específicamente para la ocasión, propone el diálogo de dos grandes conjuntos escultóricos sobre amplias plataformas, y ha tenido muy en cuenta la relación de las piezas con las entradas de luz natural, buscando que esa luminosidad cause en el espectador el efecto de que los materiales pueden elevarse desde su más básica condición física. El propósito ha sido el de dar lugar a “un acontecimiento escultórico en el contexto de la sala, generando un espacio propio expandido, en el que las esculturas se relacionan y dialogan de manera particular”.

En Pamplona, entretanto, tenemos ocasión de apreciar trabajos en acuarela, carboncillo, tinta litográfica, pastel y sanguina, que se complementan con tres esculturas de hierro y media docena de collages en madera. Varias de estas creaciones formaron parte del proceso de alumbramiento de las esculturas que nos esperan en Alzuza; otras se han creado para este proyecto, entre ellas un gran dibujo mural que estructura la instalación y cuyas formas remiten a la visión de la leonesa del origen del mundo y su evolución: se trata de círculos, líneas y colores que componen un mosaico de cabezas que dialogan con espacios en blanco. Las tres esculturas integradas en el recorrido en la capital navarra pueden interpretarse como dibujos en tres dimensiones, como desplazamiento de un plano no en papel, sino en hierro.

Ambas exhibiciones se completan con la publicación de una monografía que cuenta con textos del escritor Ramón Andrés, el poeta Luis Garde y el historiador y crítico de arte José Javier Fernández. Otero y Garde, por cierto, participarán en un encuentro con el público el próximo 14 de septiembre: a las 11:00 horas en la Ciudadela de Pamplona y a las 12:30 en el Museo Oteiza. Es necesaria la inscripción en el teléfono 948.332074 o en el correo recepcion@museooteiza.org.

Hasta el próximo 31 de octubre de 2024, Mai Blanco muestra en la Nave Salinas de Ibiza el proyecto “Jardín Adentro”, formado por autorretratos, en ocasiones múltiples, en los que la figura de la artista se entrelaza con la naturaleza. Se trata de casi una veintena de pinturas en distintos formatos que quieren explorar las relaciones entre la figura humana y el paisaje, entre lo interior y lo externo; en la mayoría de las ocasiones, recurre Blanco al cuerpo desnudo para subrayar su vulnerabilidad y evita referencias que puedan aludir a épocas o geografías concretas, con el fin de mantener en su trabajo una dimensión atemporal y universal. Será fácil, en todo caso, asociar a las amazonas las protagonistas de estas piezas.

Se vale Blanco de una paleta cromática entre suave y vibrante y cita entre sus referentes a autores que han cultivado asuntos semejantes, como Pierre Bonnard, Jean Dubuffet, George Baselitz, Alice Neel, Pablo Picasso y Cecily Brown.​

Aproximadamente 40.000 personas han visitado en el centro cultural de la Fundación Unicaja en Málaga las exposiciones “De Rafael a Bacon. Obras maestras de la Colección Abelló” e “Hispanoamérica en movimiento. La colección fotográfica de Anna Gamazo de Abelló”, que cerraron sus puertas el pasado 18 de agosto.

La primera contó con trabajos de grandes maestros de la pintura internacional representados en esos fondos Abelló, uno de los más importantes del mundo; la segunda repasaba un siglo de arte e historia hispanoamericana a través de la colección de imágenes de Anna Gamazo.

El público procedía de cerca de 85 nacionalidades diferentes, destacando el de origen nacional, europeo y norteamericano, llegando de Reino Unido, Francia, Alemania y Estados Unidos los colectivos de visitantes más numerosos, tras los correspondientes a la propia provincia de Málaga (un 45% del total, estos últimos).

Más de 9.000 personas se apuntaron a las visitas guiadas gratuitas y la recaudación del donativo de la entrada al centro se destinará íntegramente a la Asociación Alhelí y a la Fundación Humanitaria A.G.H.

Pablo Picasso y Joaquín Sorolla regresarán a la programación de la Fundación Bancaja en Valencia en el segundo semestre de este año: allí se inaugurarán dos grandes exposiciones casi simultáneas dedicadas a los artistas más relevantes de la colección de esta institución, con los que finalizará el proyecto conmemorativo del décimo aniversario de la Fundación, que comenzó en noviembre de 2023.

En septiembre se abrirá al público “Picasso y la modelo. El perfil de Jacqueline”, una muestra que revisará la extensa producción del malagueño en torno al tema del pintor y la modelo, desarrollada sobre todo en sus años de convivencia con Jacqueline Roque, quien fue su última mujer y musa, desde 1952 hasta la muerte del creador del Guernica en 1973.

Esa exhibición, comisariada por Fernando Castro Flórez y Laura Campos, estará compuesta por más de tres centenares de obras en diversas disciplinas: arte gráfico, óleos, dibujos y libros ilustrados. Procederán tanto de los fondos de la Fundación Bancaja como de otras colecciones institucionales y particulares, y se completarán en el recorrido con fotografías del archivo de Edward Quinn, cuyo legado cuenta con numerosas instantáneas de Picasso y su entorno creativo y familiar, que este fotógrafo frecuentó durante las dos últimas décadas de vida del pintor, coincidiendo con su relación con la propia Jacqueline.

Ya desde octubre podremos visitar “En el mar de Sorolla con Manuel Vicent”, una exposición realizada con la colaboración del Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla que pondrá fin a los actos programados en el centenario del fallecimiento del artista valenciano. Llega desde Madrid y contará con un centenar de lienzos con el Mediterráneo como hilo conductor, entre ellos algunos que solo excepcionalmente han salido del Museo de este autor en la capital.

Su comisario será Enrique Varela, responsable de ese centro, pero se ha invitado al escritor Manuel Vicent a llevar a cabo un comisariado literario en torno a la obra de Sorolla, estableciéndose así un diálogo entre la pintura y la literatura de ambos creadores (Vicent es castellonense).

A través del relato y las evocaciones de las propias vivencias del autor de Son de mar podrá realizarse un recorrido por la representación del mare nostrum en la obra de Sorolla: por sus pinturas de niños jugando en la playa, sus pescadores durante y después de la pesca, sus retratos de burgueses o sus personales vistas del mar de Jávea, en Alicante.

Artesanía deslumbrante, formatos gigantescos y extremo realismo: hay que acercarse mucho a las obras hiperrealistas de Franz Gertsch para convencernos de que se trata de pinturas.

En colaboración con Deichtorhallen, el Louisiana Museum of Modern Art le dedica su gran exposición del verano de 2024, la primera antología de este autor en Escandinavia. De origen suizo y fallecido en 2022, Gertsch dio origen a un concepto nuevo de realismo a partir de sus pinturas y grabados en madera fotorrealistas, estilo al que llegó en los sesenta, tras coquetear primero con una pintura más romántica y luego con collages de estilo pop. Utilizó impresiones fotográficas y proyecciones antes de transformar sus motivos en pinturas mediante un método especial y gracias a su gran destreza artesanal.

La exhibición puede visitarse hasta noviembre.

Tras su paso por el Palais des Beaux-Arts de Bruselas y el Museo Reina Sofía de Madrid, la Fundació Antoni Tàpies de Barcelona, ahora Museu Tàpies, acoge la presentación última de la muestra “Antoni Tàpies. La práctica del arte“, la más extensa entre las que conmemoran el centenario del nacimiento de este autor, repasando sus ocho décadas de trayectoria.

Desde sus primeras obras de los años cuarenta hasta las que finalizó pocos meses antes de su muerte, Tàpies experimentó ininterrumpidamente con todo tipo de soportes, técnicas y materiales, liberándose de los prejuicios heredados por la tradición académica. Sus dibujos, collages, pinturas, objetos y esculturas, hechos de papel, cartón, madera, polvo de mármol, bronce o barniz, entre otros elementos, plantean nuevas formas estéticas para reflexionar sobre el mundo contemporáneo desde una perspectiva basada en la materia y en la existencia. Gracias a numerosos préstamos de instituciones públicas y colecciones privadas, tanto nacionales como internacionales, esta retrospectiva, abierta hasta el 12 de enero de 2025, constituye una de las revisiones más amplias de su legado que se han realizado hasta la fecha.

La estancia del filósofo Walter Benjamin en Ibiza en los primeros años de la década de los treinta, decisivos en la biografía del alemán y en la historia europea, centra el último proyecto del artista argentino Gonzalo Elvira, que se exhibe en Es Baluard Museu hasta el 29 de septiembre, comisariado por Juan de Nieves.

Elvira aborda, en una serie de dibujos, diversos capítulos de la estancia de Benjamin en la isla tomados de fotografías históricas, obras de arte y documentos, incluyendo los escritos del propio Benjamin redactados allí y el ensayo histórico Experiencia y pobreza. Walter Benjamin en Ibiza de Vicente Valero.

El repertorio de imágenes integradas en esta exhibición abarca escenas reales e imaginadas, retratos del escritor, portadas de libros, otros retratos de personajes relacionados con su biografía y de figuras históricas del momento; igualmente imágenes ligadas a diseños y estructuras gráficas concebidas por Elvira y un registro de videoanimación basado en un encuentro posible entre Benjamin y Francisco Franco.

El más reciente proyecto expositivo del Museo de Bellas Artes de Asturias está dedicado a Juan Fernández Álava, puede verse hasta el 8 de septiembre y lleva por título “Edad Luciente”.

En él, el artista, de origen asturiano, profundiza en el género del retrato a través de un conjunto de personajes ligados a la infancia y la juventud; también a las redes sociales, la fotografía, el cine o la misma vida.

El Patronato del Museu Nacional d’Art de Catalunya, formado por la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona, el Ministerio de Cultura y representantes de la sociedad civil en el campo de la cultura y el mecenazgo, decidió por unanimidad el 21 de junio, según ha anunciado hoy este centro, dar luz verde al concurso previsto para adjudicar el anteproyecto arquitectónico para su ampliación al Pabellón Victoria Eugenia. Las bases se publicarán el próximo lunes.

La ampliación del MNAC barcelonés constará de la rehabilitación y el rescate patrimonial del citado Pabellón Victoria Eugenia, obra de Puig i Cadafalch, y de la reorganización de determinados espacios de la sede actual del Museu en el Palacio Nacional y la conexión entre ambos edificios, de modo que el futuro centro cuente con dos sedes perfectamente enlazadas.

De los 9.000 metros cuadrados útiles de espacio expositivo con los que cuenta actualmente, el Museu pasará a disponer de 19.500, lo que posibilitará que pueda dar cabida por primera vez, de forma exhaustiva y sin límites cronológicos, a autores de la segunda mitad del siglo XX en la presentación de sus fondos, o que despliegue en toda su amplitud su colección de fotografía y artes populares, incluyendo cómic e ilustración. También podrá disponer de los espacios de exhibición con las dimensiones, polivalencia y características adecuadas para llevar a cabo, según sus responsables, un programa expositivo diverso y completado con actividades educativas.

Está previsto que el proyecto final se pueda inaugurar en 2029, coincidiendo con la conmemoración del centenario de la Exposición Internacional de 1929 en la capital catalana. Un lustro después será el propio Museu, concebido por Folch i Torres en 1934, el que celebre su primer siglo de andadura.

El presupuesto destinado al anteproyecto arquitectónico del nuevo MNAC es de 1.077.156,19 euros + IVA y el concurso para adjudicarlo se desarrollará a dos vueltas, realizándose la presentación de propuestas de manera anónima. La primera vuelta tendrá un plazo de presentación hasta finales del mes de octubre, y se prevé que la segunda vuelta tenga lugar de finales de diciembre a principios de febrero del año que viene.

El jurado, compuesto por representantes de las tres administraciones, del Museu y del COAC, escogerá cinco propuestas técnicas atendiendo a los criterios de valoración establecidos, que pasarán a desarrollarse de manera remunerada en la segunda vuelta. La adjudicación del contrato a la candidatura ganadora se producirá, según lo acordado, a finales de marzo de 2025.

Esta mañana ha celebrado su pleno previo al verano la Comisión Permanente del Patronato del Museo Reina Sofía y en la cita se han aprobado, a petición del director del centro, Manuel Segade, tres donaciones que se incorporarán a la Colección del MNCARS y los nombramientos de tres puestos de alta dirección seleccionados tras concurso público.

La primera de las donaciones, ya anunciada y realizada por la galerista Juana de Aizpuru, que este año cerró su sala en Madrid, se estima en un valor aproximado de millón y medio de euros. Incluye un buen número de obras de artistas españoles datadas en los años noventa y comienzos de los 2000, generación hasta ahora poco representada en los fondos del Reina Sofía; también piezas históricas de artistas andaluces contemporáneos apoyados por Aizpuru y un grupo relevante de trabajos de pintores y escultores alemanes datados desde los setenta. Entre los presentes en la donación se encuentran Ana Laura Aláez, Juan Hidalgo, Dora García o Jiri Dokoupil.

La segunda donación corresponde al artista japonés Yasumasa Morimura, ampliamente influido por los falsos autorretratos de Cindy Sherman. El conjunto de fotografías que este autor ofrece al Museo están fechadas entre 1991 y 2010 y pertenecen a dos series: Requiem for the XX Century, en la que Morimura se transforma para reinterpretar personajes e imágenes fotoperiodísticas, revisando la historia del siglo pasado, y An Inner Dialogue with Frida Kahlo, formada por originales versiones de composiciones de la mexicana.

Por último, acepta el Reina Sofía la donación del Archivo de Darío Villalba, que consta de la documentación generada por el artista en el transcurso de su actividad: material archivístico manuscrito e impreso, publicaciones editadas y recortes de prensa, fotografías, diapositivas, negativos y carteles que documentan sus procesos creativos y exposiciones. El conjunto agrupa, además, algunos documentos audiovisuales y otro material diverso, incluyendo algunos libros de la biblioteca del autor intervenidos y paneles de obras en proceso.

Por otro lado, en junio daba comienzo el proceso selectivo de los puestos de director/a del Gabinete Institucional, director/a de Comunicación y director/a de Estudios del Museo, cargos para los que han sido nombrados, según se ha anunciado hoy y respectivamente, Carlos Urroz, Diana Lara y Julia Morandeira.

Desde el próximo 20 de septiembre y hasta enero de 2025, CentroCentro presentará la exposición “Setenta grandes maestros de la Colección Pérez Simón”, que contará con algunas de las obras fundamentales de los fondos del empresario Juan Antonio Pérez Simón.

La mayoría de ellas nunca antes se habrán visto en Madrid y su recorrido se vertebrará en tres etapas: Maestros antiguos y primeros modernos, que albergará composiciones de Lucas Cranach el Viejo, Bronzino, Rubens, el Greco, Murillo, Anton Van Dyck, Canaletto, Tiepolo o Goya, entre otros; Siglo XIX, que contará con trabajos de algunos de los mejores pintores de ese siglo, como Turner, Van Gogh, Paul Cézanne, Pissarro, Gauguin, Sisley, Monet, Renoir, Joaquín Sorolla e Ignacio de Zuloaga; y De las Vanguardias al arte actual, en la que tendrán cabida Eduard Munch, Tamara de Lempicka, Fernand Léger, Rothko, René Magritte, Alex Katz, Takashi Murakami o Yoshitomo Nara.

Pérez Simón, nacido en 1941 en Asturias, emigró a México con su familia siendo niño y su éxito en el ámbito de las telecomunicaciones le ha permitido dar forma a una colección compuesta por más de 4.000 piezas de pintura, escultura, dibujo, artes decorativas y manuscritos.

Está previsto que esta muestra temporal sea un paso previo al proyecto que la Fundación Colección Pérez Simón desplegará en el Espacio Cultural Serrería Belga, elegido como sede permanente de este acervo.

Sergio Rubira ha sido seleccionado como nuevo director artístico de TEA. Tenerife Espacio de las Artes; su nombramiento fue aprobado por el Consejo de Administración de este centro atendiendo al criterio de una comisión de valoración formada por una representación de organizaciones culturales insulares y directores de centros de creación contemporánea, que integraban Ana M. Quesada Acosta (Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel), Celestino Celso Hernández Sánchez (Círculo de Bellas Artes de Tenerife), Lucía Dorta (Ateneo de La Laguna), Tania Pardo Pérez (Centro de Arte Dos de Mayo) y Álvaro Rodríguez Fominaya, director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC).

Rubira es profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid desde 2008 y del Máster de estudios curatoriales de la Universidad de Navarra, y ha sido subdirector general de la colección y las exposiciones del IVAM de Valencia.

Desde su punto de vista, un museo de arte moderno y contemporáneo como TEA debe caracterizarse por su compromiso con el presente, dialogar críticamente con y desde el ahora, pero también debe fomentar la comprensión del pasado reciente, hacer memoria, y proyectar los posibles futuros, imaginar aquello que está por venir. Ha recalcado, además, que este centro ha de ser una institución implicada con la sociedad, aceptar su complejidad e impulsar proyectos experimentales, innovadores y transformadores.

Presentó Rubira a la convocatoria un proyecto denominado 100 acciones para TEA, en el que aboga por equilibrar sus relaciones con el entorno local y global; extender las líneas discursivas de los fondos del TEA, de sus programas públicos y exposiciones; promover el estudio y la difusión de los fondos y archivos de titularidad pública del museo; desarrollar una política coherente de adquisiciones o acciones para la conservación y la restauración de los fondos artísticos, fotográficos y documentales de este espacio.

Como cada verano, la Fundación MAPFRE nos avanza su programación cultural para el próximo otoño: podremos visitar en sus salas de Madrid y Barcelona cinco exposiciones que enlazan con las líneas temáticas habituales de esta institución, es decir, el arte de finales del siglo XIX y la primera mitad del XX, además de la fotografía del siglo XX.

Desde septiembre y hasta enero podremos disfrutar en Madrid de tres exhibiciones. La primera, “Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo”, buscará dar a conocer al público la figura de este marchante y mecenas, benefactor del arte de su tiempo tanto desde su galería en París como desde las de Londres y Nueva York, así como contextualizar la obra de cinco artistas de la generación postimpresionista insuficientemente estudiados; se trata de autores próximos al impresionismo y al estilo del círculo de Pont-Aven, como los paisajistas y marinistas Henry Moret, Maxime Maufra y Gustave Loiseau; y de Georges D’Espagnat y Albert André, que se centraron en escenas de género, retratos y en la pintura decorativa cercana a los nabis.

Esta propuesta, comisariada por Claire Durand-Ruel, abordará además la relación laboral y personal de Durand-Ruel con esos creadores y presentará por vez primera un importante número de piezas prestadas por colecciones particulares que no han sido nunca antes expuestas. Incluirá la reconstrucción de tres puertas del apartamento parisino del marchante, cuyos paneles realizaron Georges D’Espagnat y Albert André.

Una segunda exposición estudiará el trabajo de Arthur H. Fellig, Weegge, quien primero fotografió para la prensa neoyorquina, entre 1935 y 1945, y más tarde llevó a cabo fotocaricaturas de personalidades públicas en su época de Hollywood, entre 1948 y 1951.

“Weegee, autopsia del espectáculo”, comisariada por Clément Chéroux, analizará esas dos vertientes de su trayectoria recalcando la coherencia del conjunto de su carrera, al margen de las diferencias formales de cada una de esas etapas. Un asunto ubicuo en su producción es el del espectáculo: atendió a la transformación del suceso en él y a la vertiente vulgar de lo espectacular hollywoodiense y de aquello que lo rodeaba (glorias breves, multitudes que las adulaban, mundanidad).

La tercera exhibición de la Fundación en Madrid, “31 mujeres: Una exposición de Peggy Guggenheim”, profundizará en la labor de mecenazgo de la coleccionista y en el contexto en el que desarrollaron su trabajo las artistas con las que colaboró en su galería neoyorquina, así como en las redes de colaboración que se establecieron entre ellas.

En 1943, Guggenheim organizó en su sala neoyorquina Art of This Century la muestra titulada “Exhibition by 31 Women”, una de las primeras dedicadas en Estados Unidos a exponer exclusivamente obra de mujeres. Uno de los objetivos de Guggenheim era poner en valor la contribución de las mujeres artistas; las participantes procedían de Europa y Estados Unidos y estaban vinculadas, en la mayoría de los casos, al surrealismo o al arte abstracto.

Esta colectiva, que será comisariada por Patricia Mayayo, albergará una selección y reinterpretación del acervo de The 31 Women Collection, fondos privados que reúnen a las convocadas entonces.

Por último, en Barcelona, la Fundación cerrará 2024 con la exposición de Henri Cartier-Bresson “WATCH! WATCH! WATCH!”, completa retrospectiva que revisará su obra personal vinculada a los movimientos artísticos del momento y también su labor como fotorreportero y retratista. Formulador de la influyente teoría del “instante decisivo”, captó encuentros y situaciones espontáneas y fue uno de los primeros maestros de la fotografía de calle.

Esta antología, organizada en colaboración con el Bucerius Kunstforum de Hamburgo, reunirá sus primeras fotografías y obras cinematográficas de influencia surrealista, sus reportajes políticos, retratos de artistas y escritores y fotografías posteriores, centradas en el comportamiento humano cotidiano. Ulrich Pohlmann será el comisario.

De forma paralela se podrá visitar en el espacio de MAPFRE en la capital catalana una nueva edición de KBr Flama, proyecto nacido de la colaboración entre el centro de fotografía KBr Fundación MAPFRE y las instituciones Idep Barcelona, IEFC, Elisava, Facultad de Diseño e Ingeniería de Barcelona y Serra i Abella, con el fin de dar a conocer a las nuevas generaciones de fotógrafos.

Los seleccionados en KBr Flama ’24 son laura aranda lavado, Estefania Bedmar, Malu Reigal y Alain Rojas Pastor, escogidos por un jurado compuesto por Carles Guerra, Silvia Omedes y Arianna Rinaldo.

Tanto “Henri Cartier-Bresson. WATCH! WATCH! WATCH!” como “KBr Flma’24” permanecerán abiertas del 10 de octubre de 2024 al 26 de enero de 2025.

Hasta el próximo 20 de julio, Sabrina Amrani presenta en su sede de la calle Madera “Desbordar al centro de la noche”, su tercera exposición individual dedicada a Julia Llerena.

La producción de esta artista sevillana se basa, desde hace cerca de una década, en la recolección de materiales y su posterior clasificación para configurar una suerte de archivo de lo cotidiano: trabaja con materiales rotos, piezas que podríamos considerar huérfanas, en definitiva desechos que ella transforma en lenguajes y en retazos que permiten leer un tiempo, el presente. En sus palabras, desde la acumulación (del pasado) se construye la memoria y nace el recuerdo.

En la galería nos esperan dos corpus de trabajos, titulados Reverberación del verbo y Desbordar al centro de la noche, ambos concebidos como ecos del pasado rematerializados y como juegos de dualidades entre lo percibido y lo real: las telas negras no lo son del todo, las gasas ligeras parecen contar con la densidad del mármol y los textiles se ornamentan con un ajuar de cadenitas, espejos, cristales de joyería o de trozos de antiguas lámparas de araña. Considera Llerena que la superficie de sus piezas no corresponde a uno solo de sus lados sino a los dos, y estas ejercen la doble función de lienzo y de pared, a la vez que llama la atención sobre las posibilidades del tiempo de doblarse a sí mismo frente a la linealidad: pretende que, en sus creaciones, el pasado y el presente ocupen el mismo plano físico, el de una superficie dual.

Coincidiendo con la conmemoración del bicentenario del nacimiento de Juan Federico Muntadas Jornet, que además de escritor y político fue artífice del parque natural del Monasterio de Piedra de Zaragoza -sobre el que también emprendió obras de consolidación al haberlo heredado de su padre-, se han restaurado los suelos de la sala capitular y la cripta del que fuera cenobio cisterciense, que presentaban un elevado desgaste ocasionado por el tránsito de los visitantes. La intervención ha incluido la pavimentación con piedra natural conforme al estilo original, lo que ha mejorado notablemente su apariencia.

La cripta data de 1502, cuando Guillén de Palafox y Violante de Luna, condes de Ariza, fundaron su panteón familiar en la capilla mayor de la iglesia de Piedra. En 1650, el obispo Juan de Palafox de Puebla de los Ángeles quiso simplificar el proyecto primero, levantando una cripta panteón en estilo herreriano bajo la capilla mayor donde se dispusieron estatuas orantes de los fundadores y un relicario del lignum crucis, que perteneció a la emperatriz María. Este panteón sería empleado por la familia Palafox hasta 1835 y, para la restauración de sus suelos, se han usado plaquetas de barro cocido sobre una solera de hormigón de cal; también se han renovado las escaleras de acceso para favorecer la seguridad y la funcionalidad del conjunto.

En cuanto a la sala capitular, aquí se reunían diariamente los monjes con el abad para leer y comentar la Regla de San Benito de Nursia, debatir lo relativo al gobierno de la abadía y realizar el ejercicio de culpas. Levantada en la primera mitad del siglo XIII, cuenta con un banco de piedra perimetral donde estos monjes se sentaban; la sillería del siglo XVII se conserva hoy en el Ayuntamiento de Calatayud. Se trata de una de las dependencias más elegantes del monasterio, con su planta cuadrada articulada en tramos abovedados y una ornamentación que incluye relieves vegetales y emblemas históricos. En su suelo se encontraba el enterramiento de los abades, aunque no se han identificado losas sepulcrales. Para la restauración se ha instalado piedra caliza en tonos ocres, manteniendo la coherencia con la arquitectura original.

Estos arreglos forman parte de la primera fase de una serie de trabajos de restauración que se llevarán a cabo también en otras salas, dentro de un plan a largo plazo que se prolongará hasta el año 2026 y cuyo objetivo es preservar el monumento y garantizar su estudio por los historiadores.

La Fundación “la Caixa” ha firmado un acuerdo estratégico para unirse a Bloomberg Connects, la aplicación gratuita de arte y cultura ideada por Bloomberg Philanthropies. Esta app ofrece guías digitales de libre acceso a organizaciones culturales internacionales con el fin de que puedan mejorar la experiencia de quienes las visitan personalmente y extender el conocimiento de sus colecciones al público general.

En las próximas semanas, los centros CaixaForum de toda España y el Museo de la Ciencia CosmoCaixa se integrarán en la aplicación: a partir del otoño de este año, los usuarios de los centros CaixaForum de Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla, Zaragoza, Palma, Tarragona, Lleida y Girona, así como los del Museo de la Ciencia CosmoCaixa, podrán descargarse esta herramienta gratuita y acceder a través de ella a toda la programación y oferta de esos espacios.

Bloomberg Connects facilita el acceso y la relación con el arte y la cultura desde dispositivos móviles cuando se visita en persona un museo o en cualquier momento y desde cualquier lugar. Alberga contenido dinámico exclusivo correspondiente a cada organización asociada en más de 24 países y 40 idiomas, y cuenta con una serie de funciones que incluyen vídeo y audio.

Actualmente, más de 450 museos, galerías, jardines y espacios artísticos forman parte de esta comunidad cultural, entre ellos el Guggenheim de Nueva York, el Museum of Modern Art (MoMA), el Metropolitan Museum of Art, también en Nueva York, y la National Portrait Gallery de Londres, así como la Fundació Joan Miró, de Barcelona.

La Fundación “la Caixa” y el American Museum of Natural History de Nueva York han firmado un acuerdo de colaboración por el que las exposiciones científicas creadas por la Fundación se mostrarán en diversos museos internacionales hasta 2029 y los contenidos creados por el museo estadounidense estarán al alcance de la red de centros CaixaForum y CosmoCaixa en nuestro país.

Las exposiciones de “la Caixa” que podrán descubrir visitantes internacionales en el marco de este acuerdo abarcan un extenso elenco de temas científicos, como la percepción humana, la evolución, la antropología y la tecnología. Este verano, gracias a esta colaboración, el Museo de la Ciencia CosmoCaixa de Barcelona acogerá, además, una actividad sobre exploración espacial creada por el centro americano: se llamará El gran tour y sus participantes recorrerán los puntos a los que ha llegado la humanidad con misiones espaciales, a través de una proyección creada con un software que simula el universo conocido; dicho viaje será dirigido y narrado por la astrofísica y educadora del American Museum Jackie Faherty.