1.700 candidaturas, algo más de 1.500 de ellas en la categoría de Pintura y cerca del 45% correspondientes a mujeres artistas, han concurrido a la última edición del Premio BMW, a punto de cumplir cuatro décadas. La consolidación y el alcance internacional de esta convocatoria la subraya, además de su larga vida, el hecho de que sus participantes procedan de 39 nacionalidades.

El jurado de este año, cuyos miembros repiten por segundo certamen consecutivo, ha estado formado por el artista Antonio López; Miguel Zugaza, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao; Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, fundadora y presidenta de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo; Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid y Lucía Casani, directora de la Fundación Carasso.

La organización del galardón ha dado a conocer a los doce autores finalistas (algunos, artistas consolidados), de los que ocho competirán por el Premio BMW de Pintura y cuatro por el Premio BMW de Arte Digital.

En la primera categoría optan a premio Damaris Pan, por All monsters are Human II; Juan Fernández Álava, por BIG RITA; Amaya Suberviola, por ST24035; Víctor González, por Intro; Cecilia Sebastián de Erice Hünerberg, por Alfabeto en el espacio; Taxio Ardanaz, por Mendia eta Gaua/ Montaña y noche; Gabriela Bettini, por Cut Forest with an Old Fig Tree y Daniel de la Barra, por Design for a Tablecloth. El galardón en la segunda modalidad puede ser para Serafín Álvarez Prieto, por Spell; Manolo Bautista, por Behaviours; Fermín Sales Segarra, por El Maestrat Filmat; o Elisa Villota Sádaba, por The regal light.

El artista Pedro Torres, nacido en Brasil en 1982 y afincado en Barcelona, ha resultado ganador de la undécima edición del Premio Ankaria al Libro de Artista, convocado por la Fundación Ankaria, por su obra Roma, derivada de su experiencia paseando por la capital italiana durante su residencia en la Real Academia de España gracias a una beca de investigación y producción.

Se inspira este ejemplar en el suelo del casco histórico romano, formado por adoquines y también por muchos agujeros: Torres ha buscado trasladar esas dos formas (la retícula y el círculo) al formato del libro. Se ha valido para ello de papel milimetrado, en el que ha practicado agujeros, uno por hoja, coincidiendo con el número de días que permaneció en Roma.

En palabras del autor, los agujeros en el papel milimetrado se van enlazando unos con otros y dejan entrever la estructura estratigráfica del libro, que se remite a la de la propia ciudad. Roma son muchas capas de materia y de tiempo. Esta artista ha centrado su obra en el concepto de tiempo, explorando diferentes aspectos del mismo desde perspectivas científicas y filosóficas.

El segundo premio ha sido para Pedro Luis Cembranos (Madrid, 1973) por Páginas amarillas. Se ha valido de la célebre guía telefónica que circuló en España entre 1967 y 2021, y que llegó a contener referencias de 300.000 comercios, con una tirada de 17 millones de ejemplares; con ella ideó un soporte escultórico inspirado por la estatuaria romana clásica. El proceso de creación de su pieza surgió de la formación de un bloque de papel compuesto por esas guías, cuyas hojas fueron pegadas una a una, y de su posterior torneado, pulido y lacado. Para la realización de esta obra, el artista empleó también el alabastro.

Por último, el Premio Javier Rosón, que reconoce trabajos de creadores menores de 28 años, recae en Alejandra Espinosa (San Sebastián, 2002) por Ma mère et moi, un falso álbum familiar en el que explora la relación entre una madre y su hija a lo largo de los años. La producción parte de imágenes de un conjunto familiar anónimo, encontrado por Espinosa en la calle. A través de la reinterpretación y la recolocación de estas fotografías, y jugando con transparencias y superposiciones, ha dado lugar a una nueva narración que gira en torno a ese lazo maternofilial, enmarcado en la ficción del desconocimiento.

Tras graduarse en Bellas Artes por la Complutense de Madrid, esta artista cursa actualmente el primer año de Máster, con la intención de continuar su carrera académica y artística en el campo de la investigación y la creación en arte contemporáneo.

Concurrían al Premio Ankaria al Libro de Artista 181 obras de otros tantos creadores procedentes de más de veinticinco países. El certamen está dotado con 3.000 euros para la primera obra seleccionada, 1.500 para la segunda y 1.000 euros para el ganador del Premio Javier Rosón. A estas dotaciones se suma la inclusión de las piezas escogidas en la exposición itinerante “La Palabra Pintada”.

En las diez ediciones anteriores fueron galardonados Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016) y Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018), Ana Soler (2019), Carlos Irijalba (2020), Rosa Velasco (2021), Ignasi Aballí (2022) y Manu Blázquez (2023). El jurado este año lo componían el presidente de la Fundación Ankaria, Ricardo Martí Fluxá; los patronos de la institución Saleta Rosón, Jaime Mairata y José María Luna; y Manu Blázquez, primer premio en la edición del Premio Ankaria de 2023.

El Ministerio de Cultura ha anunciado hoy su adquisición, por oferta de venta directa y para la colección del Museo Nacional del Prado, de la obra La procesión de gigantes en Bruselas el 31 de mayo de 1615, del pintor de Bruselas David Noveliers, por algo más de medio millón de euros. Se trata de un óleo sobre lienzo a cuyo interés artístico se suma el antropológico y el histórico, dado que fue un encargo de los archiduques Alberto de Austria e Isabel Clara Eugenia, importantes mecenas en Centroeuropa a principios del siglo XVII.

La pintura, fechada en 1616 y de gran formato (118 x 237 centímetros), forma parte de un conjunto de ocho cuadros que representan las celebraciones organizadas en 1615 en la actual capital belga con motivo de la procesión de Nuestra Señora del Sablón, fundada por el Grand Serment, el gremio de los ballesteros, una de las corporaciones más prestigiosas de la ciudad.

La serie al completo fue enviada a España por los archiduques al rey Felipe III, hermano de la infanta, y sus escenas aparecen descritas en el inventario del Alcázar de Madrid de 1636. Sobre esta de Noveliers, se dice: El cuarto, de doce pies de largo y el mismo alto (que el cuadro anterior), en que están los cuatro gigantones y cuatro gigantillos que sacaron en esta fiesta, y hay una figura de un caballo muy grande encubertado de negro y encima cuatro hombres armados con sus espadas desnudas y en la ducha cubierta tres escudos de armas.

De las ocho obras que conformaban este proyecto, se conservan seis: dos en el Victoria and Albert Museum de Londres y, con esta nueva incorporación, cuatro en el Prado. Las otras tres son Fiestas del Ommegang en Bruselas: procesión de gremios; Fiestas del Ommegang en Bruselas: procesión de Nuestra Señora de Sablón; y Fiesta de Nuestra Señora del Bosque, todas ellas a cargo de Denis van Alsloot. De esta última, la Galería de Colecciones Reales conserva una importante copia.

Estas festividades, populares y religiosas, que se organizaban en torno a la procesión de Nuestra Señora del Sablón en Bruselas habían ido perdiendo relevancia desde su auge en el siglo XVI, pero el 15 de mayo de 1615, quien fuera hija de Felipe II y gobernadora de los Países Bajos meridionales, como princesa soberana junto a su esposo, participó en el campeonato anual de tiro enmarcado en ellas. Se sabe que la infanta pudo abatir el pájaro (“el papagayo”) dispuesto sobre la aguja de la torre de Nuestra Señora de Sablón, razón por la que fue proclamada reina de la cofradía y las fiestas se sucedieron varios días, regresando para ellas el esplendor que se daba por perdido.

Estas festividades supusieron una oportunidad para que los archiduques reafirmaran su soberanía en los Países Bajos y los lazos que les unían al pueblo; asimismo, reforzarían la presencia de la monarquía española en este territorio. Para que quedara constancia de lo acaecido encargaron los ocho cuadros a varios de sus pintores de corte, entre ellos, Denijs van Alsloot -este es su trabajo fundamental- y Noveliers. Como dijimos, una vez acabadas, los archiduques enviaron las pinturas a Felipe III y pasaron a formar parte de la colección real, colgándose en el Alcázar de Madrid hasta su dispersión a finales del siglo XVII.

Los lienzos juntos suman de 20 a 25 metros de largo, presentan más de 10.000 figuras e ilustran el paso de las corporaciones de los distintos oficios, las guildas, los estamentos militares, los patricios, las órdenes religiosas, el clero y la corte.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy la concesión a Francesc Torres del Premio Velázquez de Artes Plásticas 2024, a propuesta de un jurado presidido por Isaac Sastre de Diego, aún director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes (pronto será sustituido por Ángeles Albert), y formado por Marisa González, ganadora del galardón en 2023; María Concepción Gay González, artista y vicepresidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España; Rosa Brun, artista, catedrática de Pintura de la Universidad de Granada y académica de la Real de Bellas Artes de San Fernando; Martí Manen, director de Index-The Swedish Contermporary Art Foundation; José Luis Pérez Pont, director artístico de la candidatura de Las Palmas de Gran Canaria a Capital Europea de la Cultura 2031; Isabel Tejeda, catedrática de Bellas Artes de la Universidad de Murcia; Cristina de Middel, fotógrafa y presidenta de Magnum Photos; y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía.

Este premio está dotado con 100.000 euros y Torres lo recibe por “su trayectoria artística con un trabajo interdisciplinar y precursor del arte conceptual que abarca diversos medios, como la escultura, la instalación, el videoarte y la fotografía”. El jurado encuentra en sus proyectos “una reflexión profunda sobre el contexto social y político. A lo largo de su carrera, de proyección internacional, Torres ha abordado temas esenciales en nuestro tiempo como la guerra, la identidad, la memoria histórica y el impacto de los medios de comunicación en la percepción del mundo, explorando las intersecciones entre arte y política”. También se ha señalado “su compromiso con la enseñanza, habiendo sido profesor en diversas instituciones académicas y contribuyendo al desarrollo de nuevas generaciones de artistas”.

Nacido en 1948 en Barcelona, Torres trabajó como aprendiz en el taller de impresión de su padre y se formó como artista gráfico. Continuó sus estudios en la École des Beaux Arts de París en 1967 y se convirtió en asistente de Piotr Kowalski, época en la que comenzó a dar forma a su obra de línea industrial, que seguiría las estrategias formales y materiales del minimalismo. Desde mayo del 68 cambió el rumbo de su actividad y elaboró carteles para movimientos de obreros y estudiantes; su ingreso, dos años más tarde, en el servicio militar entonces obligatorio le ofrecería una fuente de información sobre los comportamientos castrenses que emplearía en su obra posterior. Más tarde se trasladó a Chicago, y después a Nueva York, donde residió hasta 2001.

Ha protagonizado exposiciones relevantes en el Illinois Center (Chicago), el Whitney Museum of American Art (Nueva York) o Los Angeles Institute of Contemporary Art, el Museo Reina Sofía, el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) y la Fundació Antoni Tàpies (Barcelona).

En aquel 2001 se trasladó a la capital catalana y, desde entonces, sus creaciones se han podido ver en muestras en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA); Artium Museoa (Vitoria) o el Museo Guggenheim Bilbao.

El Ministerio de Cultura ha concedido el Premio Nacional de Artes Plásticas 2024 a Pedro G. Romero “por una trayectoria consolidada cuya obra artística, intelectual y material abarca múltiples campos de sentido y formatos aparentemente opuestos (escultura, cine, producciones archivísticas, performances, etc.), integrando las prácticas curatoriales y de investigación en su quehacer artístico”.

Dotado con 30.000 euros, este galardón reconoce que el onubense “logra atender, rescatar y reinsertar en nuestra esfera pública la cultura popular en sus expresiones más ingobernables, investigando de manera genealógica las manifestaciones estéticas y simbólicas de aquellas comunidades a las que se les hurtó o no se les reconoció un espacio de representación. Sus metodologías han abierto nuevos campos en las prácticas artísticas más allá de la crítica institucional”.

Por su parte, Jorge Ribalta ha obtenido el Premio Nacional de Fotografía, en su caso, por “su contribución a la revisión de la fotografía documental y su historiografía desde la práctica artística, la investigación y el pensamiento, así como el asentamiento de una consideración del hecho fotográfico a partir de su historia política, estableciendo el vínculo de la fotografía con los movimientos obreros, la cultura del trabajo y la perspectiva de clase”.

El artista madrileño Eduardo Martín del Pozo, interesado en cultivar la pintura pura y dura, entendida como huella del autor sobre una superficie, presenta en paralelo el proyecto “Las flores más raras” en las galerías F2 de Madrid (hasta el 8 de noviembre) y Vilaseco en A Coruña (hasta el día 19 de ese mes).

Tomando como título un verso de Baudelaire, constan ambas exhibiciones de una serie de variaciones sobre el imaginario de un paraíso: diurno y selvático en Madrid, y nocturno y boscoso en Galicia.

En palabras de Carlos Pardo, nada de este juego de variaciones es ingenuo: selva y bosque potencian el carácter siniestro, en cierto sentido inhumano, de la propia idea de paraíso. Y reivindican el origen romántico de este tópico, pero lo hacen desembocar en una sensibilidad contemporánea, una que completa la escisión entre la vida y su representación.

La Calcografía Nacional, dependiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1932, cuenta entre sus fondos con casi todas las planchas grabadas al aguafuerte por Goya; por su importancia, ahora se exhiben en un nuevo gabinete, el llamado Gabinete Goya, las planchas de todas las series gráficas del aragonés, con su aspecto original de cobre, tras haber sido eliminados los recubrimientos galvánicos añadidos a las láminas desde mediados del siglo XIX.

Dadas las dimensiones reducidas de la sala originaria, solo podía exponerse un máximo de cuarenta y cinco láminas: durante más de treinta años, cuatro quintas partes de las planchas de Goya quedaron ocultas al público. Teniendo en cuenta que se trata del mayor tesoro de la Calcografía, se ha trabajado para exhibir todas; con ese objetivo, en otoño de 2023 se inició la transformación de los espacios de exposición temporal de la Calcografía en una nueva sala permanente y ampliada del gabinete Francisco de Goya, finalizado este 2024. Del diseño se encargó el arquitecto Juan Pablo Rodríguez Frade, quien ha cuidado la calidad de los materiales, la conservación de las matrices en niveles adecuados de humedad relativa y temperatura, y una iluminación que acentúa los valores plásticos de las composiciones.

Actualmente, el acceso a las láminas de cobre de Goya, con el que comienza la visita a las colecciones de la Academia, da paso inicialmente a los ochenta y dos Desastres de la guerra (1810-1815). En la sala del Gabinete Goya primigenio se exhiben las treinta y tres planchas de la Tauromaquia (1814-1816), siete grabadas por ambas caras. El espacio abierto en la biblioteca del historiador Lafuente Ferrari, transición entre los dos ámbitos principales del gabinete, acoge las dieciocho láminas de su última serie grabada, los Disparates (1815-1824); por último, las ochenta láminas de cobre de los Caprichos (1797-1799) podemos contemplarlas en la sala principal de exposiciones de la Academia, de forma permanente.

En octubre de 2015, el Museo Nacional del Prado aceptó la donación con derecho de usufructo de sir John Elliott, hispanista británico que fue Patrono de Honor del Real Patronato del Museo y falleció en 2022, de un retrato de busto que representa al Conde duque de Olivares, poderoso valido de Felipe IV, uno de los personajes en los que el mismo Elliott centró sus estudios sobre la historia española de la Edad Moderna (y protagonista de uno de los mejores retratos ecuestres de Velázquez, en el mismo centro).

Esta pieza forma parte de un conjunto del que se han identificado más de seis de pinturas que derivarían del mismo original conservado en el Museo del Hermitage, y de todas ellas, esta es la más cercana a la composición de la primera, la que se cree que posee mayor calidad y que también fue fruto de un desarrollo pictórico más espontáneo.

Este tipo de réplicas fueron frecuentes durante la época en que Velázquez trabajó como retratista cortesano y respondían a la enorme demanda de imágenes que se generaba en torno a los miembros de la familia real y del primer ministro. Dada la necesidad de velar por el decoro y la calidad de esas imágenes del rey y de su valido, se consideró pertinente, para ejercer este control, encargar el mismo al pintor de cámara, que empleó su taller como instrumento para propagar imágenes que resultasen iconográficamente adecuadas y técnicamente excelentes, a menudo inspirándose muy directamente en originales del sevillano.

Se enriquece, así, la iconografía del Conde Duque en las colecciones de la pinacoteca madrileña.

Según declaraciones concedidas a El País por la hasta ahora directora de la Galería de Colecciones Reales, Leticia Ruiz abandonará este cargo en próximas fechas para regresar al Museo del Prado, donde fue Jefe de Departamento de Pintura Española del Renacimiento y del Área de Marcos hasta 2020, año en que se incorporó a Patrimonio Nacional.

Según Ruiz, Doctora en Historia del Arte y graduada en Restauración por la Escuela Superior de Restauración y Conservación de Madrid, su llegada a esta última institución estuvo vinculada a la apertura y puesta en marcha de la Galería, a la que se ha referido como proyecto sólido y referencia, y la decisión de no continuar en su dirección tiene que ver con su deseo de culminar el catálogo de El Greco, al que previamente dedicó años de estudio y que ya había iniciado José Álvarez Lopera, a cuya memoria quiere también contribuir. Está prevista la próxima convocatoria de un concurso público para sustituirla.

Este periodo no ha sido el primero de Leticia Ruiz en Patrimonio Nacional: formó parte de su Área de Conservación entre 1990 y 1998 y desarrolló el inventario y catalogación de los bienes histórico-artísticos del Palacio Real, además de dirigir la catalogación de su fondo de fotografía histórica.

El Museo del Prado ha habilitado, desde hoy, el acceso gratuito online a la visita virtual de la muestra “Arte y transformaciones sociales en España (1885-1910)“, que se clausuró en salas el pasado 22 de septiembre y que se acercaba al desarrollo del arte social en la transición entre los siglos XIX y XX.

Ha sido la exhibición más vista en la pinacoteca en lo que llevamos de 2024 y permitió disfrutar in situ de casi trescientas obras de artistas como Darío de Regoyos, Joaquín Sorolla, Isidre Nonell, Pablo Gargallo, Picasso, Juan Gris y Gutiérrez Solana, entre otros, ahora accesibles en la web del Museo. Además, el Prado extiende el acceso gratuito a las visitas virtuales a otras cuatro exposiciones temporales recientes: “Pasiones mitológicas”, “Otro renacimiento“, “Tornaviaje” y la muestra dedicada a Guido Reni, que previamente requerían un pago, y que desde hoy estarán disponibles de manera libre. A ellas se suma la visita virtual y gratuita a su propia colección, que desde el pasado abril ofrece un recorrido por las plantas baja, primera y segunda del edificio Villanueva a través de panorámicas en 360⁰ que posibilitan apreciar las pinturas y su disposición en las salas, ofreciendo una selección de 89 obras digitalizadas en gigapixel e incluyendo cinco esculturas en 3D-Photo.

La tecnología Gigapixel permite una exploración detallada de las obras, acercando al espectador a los detalles más nimios de las pinceladas y texturas. Esas visitas están acompañadas de audios explicativos y tours guiados por los comisarios de las exposiciones y expertos del centro.

Culminado un proceso de selección internacional, el Cleveland Museum of Art ha anunciado el nombramiento de Andria Derstine como su próxima subdirectora y comisaria jefe.

Supervisará el trabajo de aproximadamente una veintena de curadores y trabajará en estrecha colaboración con el director y el equipo del museo para fortalecer la colección permanente de este centro y expandir su programa de exposiciones y programas relacionados. Además, supervisará el Departamento de Conservación, el Departamento de Gestión de Colecciones y la Biblioteca y Archivo, así como el Departamento de Artes Escénicas, Música y Cine.

Derstine cuenta con una extensa experiencia en museos, incluidos más de dieciocho años de andadura en el Allen Memorial Art Museum del Oberlin College, donde hasta ahora se desempeñaba como directora, a cargo de unos fondos de cerca de 16.000 obras que abarcan seis milenios. Antes, igualmente, fue comisaria de arte europeo y americano de ese centro y, anteriormente, curadora asistente de arte europeo en el Detroit Institute of Arts y voluntaria en diversos puestos en el Metropolitan Museum of Art, el Isabella Stewart Gardner Museum y el Fogg Art Museum.

La artista británica Suzanne Treister, que presenta en la galería madrileña The Ryder Projects la muestra “From Fictional Videogames to Hypothetical Museums of the Future”, ha logrado el Premio APERTURA Comunidad de Madrid correspondiente a este año por su pieza Alchemy/Le Figaro 16 January 2008. Esta obra, como es habitual, se sumará a los fondos del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles; forma parte de una serie integrada por acuarelas y dibujos en los que se representa el mundo como lugar movido por fuerzas y creencias desconocidos.

El galardón viene otorgándose, en cada edición de APERTURA Madrid Gallery Weekend, a creadores participantes en este estreno de la temporada en las salas pertenecientes a la asociación ARTE MADRID y está dotado con 15.000 euros. Treister, que cuenta con cerca de treinta años de andadura, ha trabajado en los ámbitos del arte digital y los nuevos medios analizando las relaciones entre tecnología y sociedad, sistemas de creencias alternativos y el modo en que la vigilancia determina nuestro comportamiento.

El jurado que la ha galardonado ha estado formado por Ferran Barenblit, miembro de la comisión asesora para la adquisición de obras de la Comunidad; Lucía Casani, directora de la Fundación Daniel y Nina Carasso en España; María Asunción Lizarazu, técnico del CA2M; Tania Pardo, directora de este mismo espacio; Juana Arana, asesora de artes plásticas de la Consejería de Cultura; Asunción Cardona, subdirectora general de Bellas Artes de la Comunidad; y Gonzalo Cabrera, director general de Cultura e Industrias Creativas de la Comunidad de Madrid.

Tras su paso por el Museo ICO de Madrid, del 15 de septiembre al 17 de noviembre la Fundación Cerezales Antonino y Cinia de Cerezales del Condado (León) acogerá la muestra “PUEBLOS DE COLONIZACIÓN. Miradas a un paisaje inventado“.

Este proyecto estudia los cerca de trescientos nuevos pueblos levantados por el Instituto Nacional de Colonización entre 1939 y 1973, un emblema en la arquitectura popular española después de la Guerra Civil. La labor implicó a ingenieros, arquitectos, artistas y colonos y tuvo como objetivo la transformación del territorio rural en muy diversas provincias, con implicaciones económicas, productivas y estéticas.

El montaje cuenta con documentos, fotografías y obras de arte.

El próximo 13 de septiembre, Virginia Rivas abre en el Museo Barjola de Gijón la muestra “Los espacios en Blanco”: comisariada por Adonay Bermúdez, contará con pinturas, vídeos, fotografías e instalaciones en las que la artista abordará la fragilidad de la memoria humana partiendo del caso de su propia abuela, enferma de alzheimer, y del crecimiento de su hijo. Basándose en esas experiencias íntimas, busca lo que tienen de colectivo las vulnerabilidades y recalca la necesidad de contar con espacios seguros, de cuidado y compromiso, que en algún momento todos necesitaremos.

Para el comisario, con “Los espacios en blanco”, Virginia Rivas evidencia la importancia de la familia y el hogar, de las pausas y los sosiegos, de disfrutar de esos pequeños momentos de felicidad cantando con la abuela un cantar del Cancionero Villuercas Ibores a pleno pulmón. Todo ello lo hace sin premuras ni agobios, entendiendo y asumiendo una etapa de madurez personal y artística. Los espacios en blanco es una gran ironía, aquí no hay nada blanco, todo es luz y color, es un cántico al amor y a la vida, es un homenaje a todas esas personas que nos han ayudado a ser como somos, que han decidido formar parte de una historia conjunta. Los espacios en blanco es un homenaje a la Yeya, a esa mujer que nunca pintó y que, sin embargo, lo ha llenado todo de azul de Prusia, rojo veneciano y verde turquesa.

Este año se cumple un siglo del nacimiento en Sevilla de José María García de Paredes, arquitecto fundamental de nuestro movimiento moderno cuyos trabajos se caracterizan por la conjunción de funcionalidad y estética. Para conmemorar esa efeméride, el Museo ICO de Madrid inaugurará el 2 de octubre la exposición “José María García de Paredes. Espacios de encuentro”, comisariada por la también arquitecta Ángela García de Paredes.

La antología desplegará una panorámica por las obras más emblemáticas del autor, como sus proyectos públicos y auditorios, e incidirá en su influencia en la arquitectura reciente en nuestro país. Repasará cuatro décadas de trabajo -desde 1950 hasta 1990- a través de imágenes inéditas de edificios como el Auditorio Nacional de Música o el Colegio Mayor Aquinas –este último diseñado junto a Rafael de La-Hoz–, ambas edificaciones realizadas en Madrid. Además, su obra se pondrá en contexto con el panorama cultural, arquitectónico y artístico de su tiempo, haciendo hincapié en sus lazos con la música.

La muestra es fruto de la colaboración entre la Fundación ICO y el Museo Reina Sofía, que ha llevado a cabo la catalogación del material original del archivo García de Paredes, donado por su familia a esa institución en 2021 y del que el Museo ICO ha recibido en préstamo más de 400 documentos, entre planos, maquetas, dibujos o fotografías.

A partir del 15 de septiembre, el MoMA de Nueva York presenta su primera individual del fotógrafo Robert Frank, “Life Dances On: Robert Frank in Dialogue”, un repaso a sus seis décadas de carrera desde la publicación, en 1958, del volumen The Americans hasta su fallecimiento en 2019. Serán dos centenares los trabajos reunidos, entre imágenes, vídeos y libros, muchos procedentes de los propios fondos del Museum of Modern Art y algunos inéditos.

La antología toma su título de una conmovedora película de Frank datada en 1980, en la que el artista reflexiona sobre las personas que han moldeado su perspectiva como creador. Como gran parte de su obra, el fime está ambientado en la ciudad de Nueva York y en Cape Breton, Nueva Escocia, donde él y su esposa, June Leaf, se mudaron en 1970. En la grabación, Leaf mira a la cámara y le pregunta a Frank: “¿Por qué haces estas fotografías?”. En una introducción a la proyección, él responde: “Porque estoy vivo”.

La artista madrileña Blanca Gracia y el navarro Fermín Jiménez Landa han resultado ganadores de la cuarta edición del Programa de Residencias Artísticas Fundación María José Jove, organizado en colaboración con la Universidade da Coruña, a través de NORMAL. Espazo de intervención Cultural de la UDC. La finalidad de dichas residencias es ahondar en las relaciones entre creación artística, pensamiento crítico y participación social, además de promover proyectos de artistas visuales vinculados a la comunidad gallega.

El jurado, formado por Ángel Calvo Ulloa, crítico de arte y comisario; Ane Rodríguez Armendáriz, gestora cultural y responsable del programa del Centro de residencias artísticas de Matadero de Madrid hasta 2023; Yolanda Pérez, adjunta de Cultura de la Universidade da Coruña y responsable de NORMAL; y Susana González, comisaria, gestora cultural y directora del Centro de Arte Fundación María José Jove, valoró en sus proyectos la “adecuación al propósito de la convocatoria y la calidad de las propuestas, así como las relaciones con el contexto planteadas desde la fidelidad a sus respectivos lenguajes artísticos”.

Cerca de doscientas candidaturas optaban a esta convocatoria, que cuenta con una dotación económica de 6.000 euros por cada una de las dos propuestas seleccionadas. El programa pretende favorecer la creación de un entorno óptimo para el desarrollo del pensamiento desde el acercamiento horizontal a lo territorial, abriendo otras posibilidades de lectura del patrimonio natural y cultural de Galicia.

William Bryan Jordan, historiador de arte estadounidense e hispanista que, hasta su muerte el pasado 2018, fue filántropo y patrono de honor del Museo del Prado -también consejero y conservador que ayudó a Algur Meadows a configurar los fondos de arte español del Meadows Museum de Dallas-, legó al museo madrileño, además de un retrato de Felipe III inédito a cargo de Velázquez que él mismo había descubierto, y que permitió avanzar en las investigaciones en torno a La expulsión de los moriscos, pintura datada en 1627 que se perdió en el incendio del antiguo Alcázar -para la que aquel retrato era estudio preparatorio-, La batalla de lapitas y centauros de Rafael Tegeo, pintor murciano a medio camino entre el neoclasicismo y el romanticismo, y veintiocho miniaturas que han recalado recientemente en Madrid.

Se trata de piezas realizadas sobre materiales diversos (cobre, cartón, metal o marfil), que vienen a completar los fondos de miniaturas del Prado, no muy extensos pero sí selectos (cerca de ochenta obras, algunas parte de una exhibición temporal en el verano de 2018) y que se atribuyen a autores fundamentales y bien representados en sus colecciones, como Sofonisba Anguissola (un retrato de la Infanta Isabel Clara Eugenia), Carreño de Miranda (una composición dedicada a un joven), El Greco (el retrato de una dama), Sánchez Coello o Juan van der Hamen.

Han llegado al Prado tras un depósito temporal en el Museo de Bellas Artes de Dallas y, además de en su calidad, su valor radica en su exclusividad: son escasas las miniaturas pictóricas realizadas en España en los siglos XVI y XVII que han llegado a nuestros días.