El artista madrileño Cristóbal Hara recibirá el Premio Nacional de Fotografía 2022, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte y dotado con 30.000 euros.

El jurado ha valorado “la aportación única que representa su trayectoria, con un lenguaje singular, y la influencia que su obra tiene en el imaginario fotográfico español, con una producción en la que resuena la pintura, la literatura y la cultura popular, donde se diluyen las fronteras que separan el documento de la ficción. Muchos fotógrafos actuales se reivindican herederos de su trabajo, el cual sigue renovando incansablemente”.

Formado en Derecho y Dirección de empresas, Hara comenzó a dedicarse a la fotografía en 1969 en Londres, bajo la influencia de Henri Cartier-Bresson. Su obra se exhibió por primera vez en la muestra itinerante “Three Photographers”, organizada por el Victoria & Albert Museum en 1974, y en aquellos años colaboró con agencias como John Hillelson (Londres), Viva (París) o Cover (Madrid).

Aunque solo había trabajado en blanco y negro, desde 1985 comenzó a utilizar únicamente el color, transformación que le permitió ejercer el fotoperiodismo y desarrollar su propio lenguaje fotográfico, evolucionando hacia una dirección en la que se difuminaban las fronteras entre realidad y ficción.

El jurado, presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, y Mercedes Roldán Sánchez, subdirectora general de Museos Estatales, ha estado formado por Pilar Aymerich Puig, Premio Nacional de Fotografía 2021; Nicolás Combarro García, artista visual, cineasta y comisario; Lee Douglas, investigadora y docente; Inés Plasencia Camps, investigadora, docente y gestora cultural; Rosalind Williams, comisaria independiente de exposiciones y artista visual; Ramón Reverté Mascó, editor y director creativo de la Editorial RM; Sandra Moratinos, comisaria independiente; José Enrique Font de Mora, director de la Fundación Foto Colectania y María Teresa Méndez Baiges, catedrática de Historia del Arte de la Universidad de Málaga.

La artista italiana, establecida en Buenos Aires, Elda Cerrato es la ganadora del Premio Velázquez de Artes Plásticas 2022, que concede nuestro Ministerio de Cultura y está dotado con 100.000 euros.

Docente e investigadora además de creadora, ha abordado en su trabajo la memoria personal y colectiva y las presencias y ausencias de lo pasado, atendiendo a lo político y a lo esotérico. Junto a su pareja, el músico experimental Luis Zubillaga, formó parte desde principios de los cincuenta de los primeros grupos del maestro místico Gurdjeff en América Latina y emprendió otras búsquedas espirituales y filosóficas alternativas. En la década siguiente se acercaría a Aldo Pellegrini, Juan Carlos Paz, Oscar Masotta, el Instituto Di Tella y el CAYC y participó, junto a Juan Carlos Romero, en la fundación del SUAP (Sindicato Único de Artistas Plásticos).

En Venezuela, donde residió durante la última dictadura militar argentina, se integró en el grupo El Techo de la Ballena y en adelante su obra haría referencia a las amenazas a la democracia en contextos de crisis económica, política y social.

En 2015, la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, donde dio clases, publicó La memoria en los bordes, volumen que reúne sus archivos junto a textos de distintas autoras e investigadoras y, en 2021, el Museo de Arte Moderno de la misma ciudad organizó una antológica de su obra llamada “El día maravilloso de los pueblos”. Actualmente, Cerrato trabaja junto a su hijo Luciano Zubillaga en el proyecto audiovisual Family Reunion.

El jurado que le ha concedido el galardón ha estado formado por Tania Bruguera, ganadora del Premio Velázquez en 2021; Isidro López-Aparicio, artista, comisario y profesor universitario; Juan Manuel Bonet, escritor y crítico de arte; Gilberto González, director artístico de TEA -Tenerife Espacio de las Artes; Marta Pérez Ibáñez, investigadora, docente y presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo; María Ángeles López Fernández Cao, catedrática de Educación Artística de la Universidad Complutense de Madrid y asesora de Mujeres en las Artes Visuales (MAV); Paula Barreiro López, catedrática de historia del arte contemporáneo de la Université Toulouse 2 Jean Jaurès y Ana Longoni, investigadora del CONICET y profesora de la Universidad de Buenos Aires.

La directora general adjunta de la Fundación ”la Caixa”, Elisa Durán, y el director general del Museo Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte, han firmado hoy la renovación del convenio de colaboración existente entre ambas instituciones, que cooperan desde 1999, cuando la primera se integró en el Programa de Miembros Corporativos del centro vasco en calidad de Patrono.

Con el nuevo acuerdo estrechan esos lazos, al formularse una alianza digital que permitirá la aportación de contenidos del Museo en la futura plataforma digital de la Fundación ”la Caixa”, CaixaForum+, y establecerse que la entidad seguirá formando parte del Patronato de la Fundación del Guggenheim.

Este convenio forma parte de una línea de actuación consolidada por la Fundación ”la Caixa” y destinada a promover alianzas estratégicas con los grandes museos del mundo, con el fin de intensificar su acción cultural e impulsar sinergias entre instituciones culturales de primer nivel internacional. Entre otros centros, la entidad colabora con el British Museum, el Centre Pompidou y el Museo del Prado para la organización conjunta de exposiciones.

El Museo del Prado y The Frick Collection (Nueva York) han alcanzado un acuerdo para que nueve obras de la colección de ese centro puedan contemplarse en la pinacoteca madrileña en la primavera de 2023: trabajos de El Greco, Velázquez, Goya y Murillo que, salvo dos excepciones, no se han visto en España desde que cruzaron nuestras fronteras. Hay que recordar que la pintura española de The Frick compone uno de los mejores fondos de nuestro arte en el extranjero.

La mayoría de estas piezas fueron adquiridas por el industrial y filántropo Henry Clay Frick, fundador de ese espacio, actualmente sometido a un proceso de renovación arquitectónica. Su acervo ha recalado temporalmente en el Frick Madison.

Sabemos que la exposición se inaugurará en marzo, que se podrá visitar durante cuatro meses y que el traslado de las piezas a España, con motivo de este préstamo, será posible con el apoyo de la Comunidad de Madrid. De El Greco viajarán San Jerónimo (hacia 1590-1600), La purificación del templo (hacia 1600) y Vincenzo Anastagi (hacia 1575) y la obra velazqueña en la muestra será su retrato de Felipe IV en Fraga datado en 1644. Completan el conjunto un autorretrato de Murillo (1650-1655) y las pinturas de Goya Retrato de señora, quizá María Martínez de Puga (1844); Un oficial, quizá el conde de Teba (hacia 1804); La forja (hacia 1815-1820) y Don Pedro, Duque de Osuna (década de 1790).

Deseo de juego y de encontrar certezas, formales o conceptuales: son dos sensaciones habituales del espectador al contemplar la obra de Fernando Guijar, quien en sus trabajos incorpora referencias a la naturaleza y, también, a la vertiente artificial (construida) de los paisajes.

En sus piezas tridimensionales más recientes, que podemos ver en la Galería Javier Silva de Valladolid, se vale de tramas geométricas con degradados sutiles. Funde fondo y figura y convierte en intencionadamente imprecisos los límites físicos de sus propuestas, desdibujando asimismo la línea entre lo pictórico y lo escultórico, en alusión a nuestra compleja y confusa relación con el medio natural.

La producción de Antonio Guerra contiene una aproximación interdisciplinar a la fotografía, desde los terrenos de la escultura y la instalación, y busca invitarnos a reflexionar sobre los procesos de transformación del paisaje y sobre nuestra percepción del mismo a través de la imagen.

Hasta el 18 de noviembre, presenta en Espacio Alexandra, en Santander, su proyecto “Ser Estar Parecer”, que investiga los límites entre lo natural y lo cultural a partir de nuestra experiencia con sus espacios. Para ello, se vale de fotos como medio vertebrador de ilusiones verdaderas y de la capacidad ilusoria del paisaje como constructo social, valiéndose de la intervención en el territorio y la escenificación para reinterpretar esos lazos entre sociedad y naturaleza.

Sus obras enfrentan la realidad frente a su doble, lo orgánico frente a lo inorgánico, lo corpóreo frente a lo efímero.

Como viene siendo habitual desde hace años, un buen número de empresas apoyan la creación artística en la feria ESTAMPA a través de premios de adquisición. Repasamos los galardonados en la última edición de esta cita, abierta en IFEMA hasta el domingo:

El gobierno regional ha concedido el premio Comunidad de Madrid/ESTAMPA a Irene de Andrés, por su obra Turismo per cura, en el stand de la Galería Juan Silió, y a Victoria Encinas por E 01, en el de Fernando Pradilla, mientras la Colección DKV ha adquirido esta vez piezas de Laura F. Gibellini (NF/ Nieves Fernández), Christian Lagata (Artnueve) y Antonio Montesinos (Isabel Hurley).

Por su parte, el Premio Colección ENATE ha sido para Javier Garcerá, de la Galería Daniel Cuevas, y el Colección La Escalera para la producción de Ana Buenaventura en el espacio de José de la Mano.

La Colección Navacerrada ha reconocido el trabajo de Manuel Minch (Juan Silió) y Alberto Ros (Blanca Berlín) y el Premio Colección Studioloha recaído en Marina Vargas (RoFa Projects) y, de nuevo, en Garcerá.

La artista Paula Anta, de la Galería Daniel Cuevas, ha sido la ganadora del Premio Fundación Campocerrado, mientras que Lorena Torres (Herrero de Tejada) lo ha sido del Premio Casa de Indias. También la Colección Julián Castilla ha reconocido la obra de Cecilia Paredes, en la Galería Blanca Berlín, y la de Marco Alom, en la Galería Arizar, ha sido galardonada con el Premio Aldebarán.

El Premio Colección MGEC ha recaído en Miki Leal, de la Galería F2, y la Colección Kells ha premiado el Proyecto Culebra, de ATM y Espacio Valverde.

Asimismo, el Premio Colección SÛ se ha repartido entre Claudia Caremi, Florencia Rojas y David Benarroch; el Premio Cervezas Alhambra: Atrévete con Arte ha recaído, como dijimos, en Día Muñoz, de Ponce+Robles, y la Galería Set Espai d´Art, de Valencia ha sido reconocida con el premio al Mejor Stand ESTAMPA 2022, con la colaboración de Taittinger.

Cervezas Alhambra ha premiado a la artista ecuatoriana Día Muñoz por su obra Gene Hybrid, que puede verse en el stand de Ponce + Robles en la 30ª edición de ESTAMPA. El propósito de este galardón, dotado con 1.000 euros para la autora, es dar a conocer a jóvenes artistas y galeristas comprometidos con la actualidad del mundo del arte.

Han formado parte del jurado Ianko López, gestor y periodista especializado en arte; Lorena Martínez de Corral, comisaria independiente y asesora artística; Antonio Fernández Alvira, artista y uno de los finalistas del quinto Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente y Álvaro Trujillo, Brand Manager Territory de Cervezas Alhambra.

Gene Hybrid, la pieza reconocida, es una escultura realizada siguiendo una técnica de contrachapado de abedul con vidrio soplado sin plomo que hace referencia al ataque ruso efectuado al banco de semillas de Ucrania “Yuriev Plant Production” y también al egoísmo del ser humano al destruir el medio ambiente por razones políticas o personales. Cada pieza del conjunto representa una simbiosis entre una semilla perdida y ya grande siendo regenerada y protegida por un microorganismo: una relación armónica entre todo ser vivo y un pacto no escrito de protección entre especies.

Además de conocer la obra seleccionada, los visitantes a ESTAMPA podrán realizar el recorrido por las galerías integradas en el proyecto “Cervezas Alhambra: Atrévete con el Arte”, destinado a fomentar el nuevo coleccionismo y comisariado por Alicia Ventura: se recomiendan las propuestas de Julia Puyo, Cristina Ramírez, Luna Bengoechea, Laura F. Gibellini, Sandra Paula Fernández, Mar Arza, Chigsum Jessye, Paloma de la Cruz y Sandra Val.

En paralelo Muñoz exhibe, hasta el 28 de octubre en la sala madrileña, su proyecto “Intestinal Affaire”.

Obras de Andy Warhol, Nina Saunders, Richard Wilson, Caroline McCarthy, M+M, Chila Kumari Burman, Marijke van Warmerdam y Patrick Vanden Eynde forman parte de “Función y Ficción. Formas de encuentro con las obras de la Colección Bergé”, muestra que presentan en el Despacho Cuatrecasas de Madrid Santiago Ávila y Celeste Garduño, alumnos de la cuarta promoción del Máster en Estudios de Comisariado del Museo Universidad de Navarra.

El proyecto nos invita a repensar las relaciones que mantenemos con espacios y objetos cotidianos en un entorno como el de esa firma, concebido desde la pulcritud y la asepsia, y una de sus piezas será escogida por visitantes y trabajadores en una votación impulsada por los comisarios.

La propuesta de Ávila y Garduño fue escogida por un jurado compuesto por Jorge Badía Carro, la coleccionista Alicia Alcocer Koplowitz, Ángel J. Gómez Montoro, presidente del Patronato del Museo Universidad de Navarra; Nieves Acedo del Barrio, directora del Máster en Estudios de Comisariado; Pedro Enciso Bergé, vicepresidente de Bergé y cía y María Aguilera Aranaz, conservadora de la Colección Bergé.

CaixaForum Madrid presenta, hasta enero de 2023, una muestra biográfica sobre Nikola Tesla que realiza un recorrido cronológico por su vida y por los avances tecnológicos que fueron hitos en su trayectoria, desde sus inicios en Europa hasta su etapa americana, donde falleció casi arruinado.

La exhibición, la primera en España organizada en colaboración con el Nikola Tesla Museum de Belgrado, subraya la relevancia del croata en la historia de la ciencia: se han documentado cerca de trescientas patentes suyas, inventó el motor de inducción y favoreció el desarrollo de la corriente alterna como fuente de energía y la transmisión inalámbrica de energía e información.

De personalidad tan excéntrica como seductora según quienes lo conocieron, fue plagiado y tratado a veces injustamente por algunos de sus contemporáneos, protagonizando episodios controvertidos como la llamada guerra de las corrientes con Edison. Tras su muerte cayó en el olvido hasta que volvió a ser convertido en leyenda.

El próximo 13 de octubre abrirá sus puertas en la calle Bárbara de Braganza de Madrid la Galería Rosenblut & Friedmann, una iniciativa de la marchante chilena Yael Rosenblut y el coleccionista alemán Mario Friedmann.

Su exposición inaugural, que podrá verse hasta el 18 de diciembre, estará dedicada al colectivo “New Barbizon”, cuyo trabajo no se había mostrado hasta ahora en España. Lo componen cinco mujeres artistas de Rusia y Ucrania que, tras emigrar a Israel en los años noventa, decidieron salir del estudio y pintar el mundo que las rodeaba, atendiendo especialmente a las tensiones sociales a veces silenciadas, ocasionalmente raciales y religiosas.

Forman parte del grupo, fundado en 2010, Anna Lukashevsky, Zoya Cherkassky, Maria Pomiansky, Natalia Zourabova y Olga Kundina.

Judith y su criada con la cabeza de Holofernes (1639 – 1640), obra poco conocida atribuida a Artemisia Gentileschi, acaba de ser adquirida por la Norwegian DNB Savings Bank Foundation y se exhibe ahora en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo, de cuyas colecciones formará parte.

Es habitual que las pinturas de esta artista ofrezcan dudas en cuanto a datación y atribución; en este caso, el nombre de Artemisia Gentileschi aparece visible en la espada que sostiene la propia figura de Judith en el lado izquierdo. Anteriormente, este trabajo solo se conocía a través de una fotografía en blanco y negro, por lo que los expertos no pudieron concluir que era obra de la autora hasta que el original reveló la firma.

Dado que el lienzo es demasiado fino para haber sido tejido en Italia, es posible concluir que debió realizarse durante el período que Artemisia pasó en la corte de Londres desde finales de 1638 hasta que regresó a Nápoles en 1640. Acudió a Gran Bretaña para ayudar a su padre enfermo, Orazio Gentileschi, que trabajaba con sus hermanos en encargos de la corte para el rey Carlos I.

La pieza se sumará a otras obras de Gentileschi en el Museo Nacional noruego, como la temprana Santa Catalina de Alejandría (1614-1615), prestada por una colección privada, y María Magdalena penitente (1640).

Hasta el 12 de noviembre, la Galería Marta Cervera expone, en “Cuando el color respira”, un conjunto de pinturas de Menchu Lamas: trabajos actuales y piezas representativas de etapas anteriores, de gran formato y de tamaño medio. Se trata de composiciones en las que la geometría vibra y da lugar a intensos campos de color, conjugándose recursos abstractos y figurativos y abriéndose a las texturas.

Pueblan su producción figuras enigmáticas, animales totémicos, huellas, óvalos, círculos y sombras de cariátides.

Hasta el 19 de noviembre, la sede madrileña de la Galería Marlborough presenta la muestra de Francisco Leiro “A filla da porteira”, que reúne nuevamente esculturas del gallego en las que cuerpo y objeto se funden, generando una sensibilidad híbrida que hace referencia a un universo onírico. Muy a menudo, el cuerpo se cosifica y el objeto se humaniza, vertebrándose un juego perverso pero visualmente muy rico.

Sus trabajos, no obstante, continúan ofreciendo la ambigüedad suficiente para que el espectador pueda obtener sus propias interpretaciones: sugieren sin imponer y se elimina la expresividad de las texturas de la madera para generar figuras más anónimas, o anodinas, en las que gana importancia la policromía.

La artista neoyorkina Danica Phelps suele recoger en su producción referencias a autores conceptuales para emprender proyectos vinculados a la recopilación de datos, al testimonio exhaustivo, y sus dibujos pueden interpretarse como representaciones documentales de actividades cotidianas.

Hasta el próximo 22 de octubre, presenta en la Galería Nieves Fernández de Madrid “Founding”, un proyecto planteado como diario personal en el que registra el crecimiento de su hijo a partir de un viaje por el Cañón del Colorado en Arizona: vida y cercanía.

Entre los artistas vivos irrenunciables se encuentra Bruce Nauman, que desde los sesenta ha marcado la historia de la creación contemporánea de la mano de instalaciones, vídeos, esculturas, performances, fotografías, dibujos y proyectos sonoros que remiten a la experiencia humana, a los aspectos más profundos del psiquismo, la percepción del cuerpo y la relación del individuo con el espacio, el tiempo y el lenguaje.

Tras pasar por la Tate Modern londinense y el Stedelijk Museum de Ámsterdam, Pirelli HangarBicocca expone en Milán una selección de sus investigaciones espaciales y arquitectónicas en la muestra “Neons Corridors Rooms”, que analiza al completo sus ensayos en términos de las tres dimensiones, uso de luz, sonido, lenguaje y vídeo. Hasta el 26 de febrero de 2023.

La Galería Gerhardt Braun ha abierto un nuevo espacio en el número 72 de la calle Claudio Coello de Madrid, que se suma a sus sedes consolidadas de Palma de Mallorca, Ibiza y Port Andratx (Mallorca). Estrena la sala Leon Löwentraut, que en la exposición “No Limits” exhibe sus últimas pinturas, esculturas, dibujos, ediciones y también la instalación interactiva Volar, un proyecto desarrollado en colaboración con un programa de diseño virtual de la Universidad de Kaiserslautern que pretende sumergir al espectador en la experiencia inmersiva del vuelo, entablando en él cierto paralelismo con la experiencia creativa.

Löwentraut, nacido en 1998 en Renania, ha presentado su producción en galerías de Nueva York, Basilea y Singapur, el Parlamento de Düsseldorf o el Museo Pushkin de San Petersburgo y Gerhardt Braun lo representa desde 2018.

La Galería Hilario Galguera, enraizada en Ciudad de México, donde cuenta con dos espacios expositivos, ha abierto este mes de septiembre sede en Madrid, en el número 12 de Doctor Fourquet. Hasta el 5 de noviembre, presenta allí la primera muestra individual de Peter Buggenhout en España, titulada “Un perro con ojos para los ciegos”.

Este artista belga trabaja en series profundizando en aspectos vitales de la existencia contemporánea, como la decadencia, la sobreacumulación, la incertidumbre, la destrucción o el desconocimiento. En Madrid puede verse una de sus nuevas propuestas, King Louie; su título deriva del personaje de El libro de la selva de Kipling, cuya personalidad pudo perjudicarle a sí mismo, a su pueblo y sus planes.

Establece lazos entre sus trabajos y la historia o la literatura y están elaborados estos con objetos encontrados o de desecho, previamente insignificantes o poco estables, como polvo, escombros o sangre, por lo que generan información inaccesible, o accesible solo en parte. Sus procesos son largos y metódicos y dan lugar a estructuras y construcciones de gran formato, cuya lógica interna se desvela en la interacción directa del espectador con ellos; a menudo se asemejan a ruinas, contrapuestas a las actuales tendencias de consumo fácil.

La sede madrileña de la Galería Juan Silió presenta “3mm”, su primera exposición de Irene Grau. En la producción reciente de esta autora, la pintura nace de lo que se desecha al cortar la piedra, que son tres milímetros de residuo, de material que pierde su corporeidad para recobrarla en el lienzo, jugando con las formas y su desaparición.

En una escala de grises, sus piezas sugieren las grietas de lo aparentemente sólido y componen un paisaje que señala caminos alternativos y rutas en principio imperceptibles. Justamente los muchos caminos desde los que se puede abordar la construcción del paisaje en la pintura son el punto de partida del trabajo de la artista, que disecciona la naturaleza para tomar de ella elementos que, abordados desde una nueva perspectiva, devienen composición y encuentran en ese terreno la capacidad de expresarse de forma pura.

Las suyas son, por tanto, obras contradictorias en las que la sencillez de un solo material, o de un único color, reflejan la complejidad y el poder de transformación que puede contener una unidad. En sus últimas imágenes, Grau busca las grietas de los procesos que marcan un sistema productivo lineal que condena igualmente las formas que deben adoptar los elementos naturales.