La comisaria y gestora portuguesa Sandra Guimarães será la primera directora del Museo Helga de Alvear de Cáceres, tras ganar el concurso público internacional convocado por el centro en noviembre del 2022. La ha seleccionado una Comisión de Valoración presidida por la galerista Helga de Alvear y compuesta por Manuel Borja-Villel, anterior director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Udo Kittelmann, director artístico del Museo Frieder Burda de Baden-Baden; Ute Meta Bauer, directora del NTU Centre for Contemporary Art de Singapur; Nuria Enguita, directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno; Mercedes Roldán Sánchez, Subdirectora General de Museos Estatales del Ministerio de Cultura; Ana Jiménez del Moral, Técnica de Arte de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Junta de Extremadura; y María Jesús Ávila, Coordinadora del Museo Helga de Alvear, esta última en calidad de secretaria.

Han atendido, según ha anunciado el Museo, a “la carrera internacional de la candidata, que le aporta una amplia experiencia y una red de contactos con instituciones museísticas, artistas y profesionales que se consideran determinantes para la proyección internacional que se pretende dar al Museo Helga de Alvear, y que se completa con su conocimiento y experiencia en Portugal, considerado un país clave en el ámbito de relaciones a propiciar en la nueva fase que se abre para el Museo”. También han valorado su bagaje como comisaria de exposiciones y su conocimiento de los fondos de la Colección Helga de Alvear.

Guimarães, que se incorporará al equipo del centro cacereño en los próximos meses, era desde 2020 directora artística de Bombas Gens (Valencia) y ha sido comisaria en el Museu Serralves de Oporto, su ciudad, entre 1998-2010, así como directora de programas en Remai Modern (Saskatoon, Canadá) entre 2015 y 2019.

Hasta el próximo 29 de julio y bajo el comisariado de Paco Barragán, Blanca Berlín se suma al Festival OFF de PHotoESPAÑA de la mano de la muestra colectiva “IN SUB/URBIA”, que cuenta con trabajos de artistas internacionales que ofrecen visiones críticas, poéticas u oníricas sobre distintas tipologías urbanas: espacios interiores más o menos intimistas y captados desde enfoques, a veces, pictorialistas (Alexandra Ranner, José Manuel Ballester) y lugares de culto como iglesias (Darren Siwes, Chus García-Fraile), urbanizaciones de playa sin personalidad (Sergio Belinchón), aparcamientos y puentes (Igor Mishiev, Aitor Ortiz), andamios o azoteas (Martin Liebscher, Brad Temkin), hangares (Rosemary Laing) y no-lugares (Íñigo Lasheras).

Propone a su vez esta exhibición una investigación sobre las diversas estéticas y lenguajes fotográficos frecuentes en la fotografía escenificada (Laing), la manipulada con Photoshop (García-Fraile, Mishiev, Ballester, Ortiz), la documentalista-conceptual (Belinchón, Temkin, Lasheras), la realizada a partir de maquetas (Ranner) o la que surge a raíz de la manipulación del tiempo de exposición (Siwes, Liebscher).

Hasta el próximo 15 de julio, la Galería Elvira González de Madrid presenta el proyecto “Las Islas Vírgenes” de Jorge Macchi. El artista argentino, autor de ficciones visuales en las que se vale del humor como vía de acercamiento al espectador, ha utilizado objetos, signos y conceptos, y muy diversas técnicas y materiales, para generar imágenes abiertas al recuerdo, la poesía y el misterio.

En las piezas ahora reunidas, ha querido llamar nuestra atención sobre aquello que no vemos y sobre los límites que separan lo asible de lo inasible; a veces, la arquitectura ejerce ese rol.

La comisaria e historiadora del arte belga-británica Zoë Gray será directora de exposiciones en el BOZAR de Bruselas desde el próximo 1 de septiembre. Cuenta con un amplio bagaje en instituciones de arte contemporáneo tanto nacionales como internacionales y, desde 2015, era comisaria senior en WIELS, también en la capital belga. En este último espacio ha desarrollado un programa de exhibiciones caracterizadas por conjugar arraigo local y atractivo internacional.

Anteriormente trabajó en Francia como directora artística de la Bienal de Rennes (2014) y como directora de proyectos de la Fundación LUMA en Arlés (2012-2013); fue, asimismo, comisaria en el Kunstinstituut Melly (antes Witte de With) en Rotterdam (2006-2012) y organizó varias exposiciones internacionales como curadora invitada.

John M. Coetzee, Premio Nobel de Literatura hace justo dos décadas, será el primer autor en formar parte del proyecto Escribir el Prado, una propuesta anunciada por la pinacoteca, en colaboración con la Fundación Loewe, por la que se invitará a escritores internacionales de prestigio a desarrollar narrativas a partir de las colecciones del Museo.

El autor de Esperando a los bárbaros, de origen sudafricano, convertirá el Prado en su centro de actividad y contemplación durante tres semanas, desde finales de junio hasta mediados de julio, y escribirá un texto vinculado al Museo que será el primero de una serie que se centrará en la exploración de los lazos expresivos entre la ficción y las artes plásticas. Durante su estancia en Madrid, Coetzee mantendrá igualmente un coloquio abierto al público con su traductora al español, la filósofa y escritora Mariana Dimópulos.

Nacido en Ciudad del Cabo en 1940, el escritor ha publicado hasta ahora diecinueve novelas, así como crítica literaria, cultural y traducciones, y ha recibido el premio Booker en dos ocasiones, además del Nobel. Reside actualmente en Adelaida (Australia), en cuya universidad es profesor, y ha sido asimismo docente invitado a las de Harvard, Johns Hopkins y Stanford.

El Museu Nacional d´Art de Catalunya ha anunciado el inicio, en este mes de mayo, de los trabajos para incorporar a sus conjuntos pictóricos de Sant Climent de Taüll, Sant Pere del Burgal y Sant Joan de Boí fragmentos de pintura mural que este centro conservaba hasta ahora en la reserva. Una vez finalizadas las obras, explica el MNAC que se habrá enriquecido de forma significativa la lectura de uno de los mayores tesoros de sus fondos.

Los diversos equipos técnicos del Museu han colaborado en la recuperación de estos fragmentos, con el fin de identificarlos, estudiarlos y restaurarlos. Una vez conocida su ubicación original, se incorporarán paulatinamente a las salas de exposición, en una operación que está previsto que acabe en septiembre.

En los casos concretos de Sant Climent de Taüll y Sant Pere del Burgal, se sumarán a los fragmentos expuestos figuras de gran tamaño y cuya iconografía se conserva muy íntegra, como la de Caín en el ábside de Taüll. En cuanto a Sant Joan de Boí, sus pinturas se completarán con ornamentaciones que correspondieron a las columnas de la iglesia.

El añadido de estas pinturas a las salas de la colección abiertas al público ha implicado la realización de unas actuaciones previas complejas y extensas: el estudio de los fragmentos, su historia y localización, la consolidación y limpieza de los materiales, la realización de calcos de las imágenes para comprobar su posible encaje y la realización de análisis químicos que han ofrecido información sobre la naturaleza de los pigmentos, además de datos inéditos sobre el proceso de ejecución original de las pinturas utilizado por los maestros medievales.

Este proyecto coincide con la celebración de los nueve siglos transcurridos desde la consagración de Sant Climent y Santa Maria de Taüll y con el centenario del redescubrimiento, arrancamiento y musealización de las pinturas murales y de la formación del núcleo principal de la colección actual de arte románico del MNAC. La conmemoración continuará hasta 2025 e incluye, en el año en que estamos, la apertura de un nuevo espacio dedicado al Maestro de Cabestany, un proyecto en los valles de Àneu y un simposio internacional organizado conjuntamente con la Sapienza Università di Roma y la Universitat Autònoma de Barcelona, que tendrá lugar en septiembre en el centro barcelonés y en Boí.

Además, el MNAC prepara una página especial dedicada a estas nuevas aportaciones en su web (museunacional.cat/mesromanic), que contará con un diario de campaña.

La expansión internacional de Opera Gallery, fundada en 1994 por Gilles Dyan, llega a Madrid, donde el galerista acaba de inaugurar su nueva sede, que constituye la decimoquinta en el mundo. Ubicada en el número 56 de la calle Serrano, en el barrio de Salamanca, la galería abre sus puertas con la exposición colectiva “Loving Picasso”, un homenaje al malagueño, coincidiendo con la celebración del 50 aniversario de su fallecimiento. En ella se puede ver una selección de obras de grandes maestros del siglo XX, que subrayan el potencial de este artista universal como factor determinante en la historia del arte de los siglos XX y XXI.

Un retrato de Picasso pintado por Botero, a partir de una foto de Picasso en su estudio realizada por Brassaï, da la bienvenida al imponente espacio de la galería, que cuenta con un total de 1000 metros cuadrados para exposición repartidos en tres plantas. Obras de Picasso, Chagall, Léger, Miró, Soluages o Calder, se distribuyen por el espacio generando un diálogo con piezas de otros artistas de generaciones más jóvenes como Saura, Manolo Valdés, Genovés (cuyo patrimonio está ahora representado internacionalmente en exclusiva por Opera Gallery), Barceló, George Condo, David Kim Whittaker, Alex Katz, Lila Cabellut o Andy Denzler.

La responsable de dirigir esta galería especializada en arte moderno y contemporáneo será Belén Herrera Otino, que llega a Opera Gallery desde Marlborough, donde ha desarollado su carrera profesional durante las últimas dos décadas.

Maribel López, directora de ARCO; Diogo Moura, Concejal de Cultura, Economía e Innovación del Ayuntamiento de Lisboa y Bruno Múrias, miembro del Comité Organizador de ARCOlisboa, han presentado los detalles de la sexta edición de esta cita, que se celebrará en la Cordoaria Nacional de la capital portuguesa del 25 al 28 de mayo.

Participarán 86 galerías de 23 países, la mayor cifra en la historia de esta muestra, un 32% superior a la del año pasado; y sus propuestas se organizarán, como viene siendo habitual, en tres secciones: el Programa General, compuesto por 55 galerías, y los apartados comisariados: Opening Lisboa, con una selección de 23 galerías, y África en Foco, que integrará a ocho. Respecto a su origen, el 30% de las salas en la Cordoaria estarán radicadas en Portugal y, entre las salas internacionales, la mayor parte serán europeas. Las africanas procederán de Angola, Marruecos, Mozambique y Sudáfrica.

En el Programa General, encontraremos centros que se estrenan en ARCOlisboa, como Carlier| Gebauer, Document, Elisabeth & Klaus Thoman, Fernando Pradilla o The Goma; varios que se estrenan tras alguna edición sin participar, como Fernández-Braso, Georg Kargl, Moisés Pérez de Albéniz o Pelaires; y salas que se incorporan a este apartado tras su paso por Opening, como Lehmann + Silva y NO·NO. Tampoco faltarán las habituales Bruno Múrias, Cristina Guerra Contemporary Art, Francisco Fino, Madragoa, Pedro Cera, Vera Cortês, Alarcón Criado, Elvira González, Helga de Alvear, Juana de Aizpuru o Leandro Navarro.

Como novedad, se han programado en ARCOlisboa once solo projects dedicados a artistas internacionales: los de Mané Pacheco (Balcony), Sidival Fila (Baró), Alejandra Venegas (Dürst Britt & Mayhew), Simon Ling (Greengrassi), Nacho Criado (José de la Mano), Eugenia Mussa (Monitor), Fidel Évora (Movart), Túlio Pinto (Nosco), FOD (T20), Ana López (W-Galería) y Hong Zeiss (Zeller Van Almsick).

Las salas noveles que concurrirán a Opening las han seleccionado Chus Martínez, Luiza Teixeira de Freitas y Diogo Pinto: vuelven a la sección Artbeat, Atm, Foco, Rodríguez Gallery y The Ryder Projects, mientras que se estrenan Anca Poterasu, Britta Rettberg, Livie Gallery, Menoparkas, Portas Vilaseca, Ravnikar. El Premio al mejor stand de este apartado lo concederán Beatriz Alonso, Ela Bittencourt, Lucía Casani, Natxo Checa, Bárbara Rodríguez, Manuel Segade y Luis Silva.

En cuanto al programa África en Foco, comisariado por Paula Nascimento, reunirá a la marroquí African Arty, las sudafricanas Afronova y Guns & Rain, la mozambiqueña Arte de Gema y a salas de Francia (193 Gallery), Alemania (Artco) y Portugal (insofar y Perve), con stands individuales intercalados en la Cordoaria. Estos contenidos se completarán con los de otras galerías africanas participantes en el Programa General, caso de L’ Atelier 21 Art Gallery (Marruecos) y las angoleñas Movart y This Is Not A White Cube.

Otra novedad será el fallo del Primer premio Fundação Millenium BCP al mejor stand de la feria, cuyo jurado estará formado por Filipa Oliveira y Julia Morandeira.

Ha fallecido el galerista José Martínez Calvo, fundador junto a Luis Valverde de la Galería Espacio Mínimo, que inició su andadura en Murcia en 1992 y el año pasado celebró su 30º aniversario. Situada en un principio en un local de 14 metros cuadrados, en 2000 esta sala trasladó su sede a la calle Doctor Fourquet de Madrid, siendo una de las primeras en abrir sus puertas en un área que ahora es centro de la actividad galerística en la capital.

Martínez Calvo fue, asimismo, Presidente del Consorcio de Galerías de Arte Contemporáneo de España y miembro del comité de la Feria ARCO, así como académico correspondiente en Murcia de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Previamente trabajó como crítico, comisario y coordinador de exposiciones, publicaciones y Bienales de Pintura y Escultura del Departamento de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura de la Comunidad de Murcia.

Espacio Mínimo representa a autores como Kristoffer Ardeña, Miguel Ángel Gaüeca, Juana González, Nono Bandera, Bene Bergado, Diana Larrea, Maider López, Juan Luis Moraza, Manu Muniategiandikoetxea, Liliana Porter (último Premio Tomás Francisco Prieto) o Elena Blasco.

El Museo Guggenheim Bilbao es desde ayer miembro activo de Gallery Climate Coalition. GCC, una comunidad internacional de organizaciones artísticas que velan por la reducción del impacto ambiental en su sector. Su objetivo es disminuir en un 50% las emisiones de CO2 que produce su actividad desde ahora a 2030, así como impulsar el desperdicio cero. Este centro vasco se convierte, así, en el primer museo español en formar parte de esta iniciativa, a la que ya se han sumado espacios internacionales como el MoMA de Nueva York o las galerías Tate.

La Gallery Climate Coalition distingue como “miembros activos” a instituciones que reúnen una serie de requisitos vinculados a la sostenibilidad ambiental: la medición de la huella de carbono en los años 2021 y 2022; la creación en 2021 de un grupo de trabajo Gu-Zero compuesto por personas de distintas áreas de la organización para informar, sensibilizar e implicar en el proyecto a la plantilla, los proveedores y los agentes sociales; y la publicación, también hace dos años, de un Marco Estratégico de sostenibilidad ambiental alineado con los Objetivos de Desarrollo Sostenible.

Otras organizaciones de nuestro país en GCC son STICK NO BILLS, TAC7 y UreCulture; las galerías BARO, Álvaro Alcázar, Senda y Lucía Mendoza; la Fundación Ideasbio y JOYA: AiR.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha comunicado hoy el nombramiento de Andrés Gutiérrez Usillos como nuevo director del Museo de América, centro de titularidad estatal.

Gijonés y doctor en Geografía e Historia, en la especialidad de Antropología Americana, por la Universidad Complutense de Madrid, Gutiérrez Usillos cuenta con un máster en Museografía y exposiciones y es especialista universitario en Archivística.

Inició su trayectoria profesional en el cuerpo facultativo de conservadores de museos en 1999 y, desde entonces, ha formado parte de los equipos del Museo Nacional del Prado y del Museo del Ejército. En 2008 fue nombrado subdirector general adjunto de Museos Estatales en la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio, puesto que desempeñó hasta 2010, fecha en que se incorporó al Museo de América como responsable del desarrollo de proyectos e investigación y después como miembro del Departamento de América Precolombina, donde ha permanecido hasta ahora.

En esta última etapa dentro del centro de Moncloa, Gutiérrez Usillos ha desarrollado distintos proyectos de investigación y comisariado de exposiciones, entre ellos “Trans. Diversidad de identidades y Roles de Género” (2017) o “La hija del virrey. El mundo femenino novohispano del siglo XVII” (2018). Además de diversos artículos de investigación sobre el patrimonio americano, ha publicado catálogos y manuales de museografía y ha impartido conferencias nacionales e internacionales. Sucede a Encarnación Hidalgo Cámara, cesada en 2022 por “renovación de cargos”.

Desde el 4 de mayo y hasta el 16 de junio, la sede madrileña de Galería La Cometa presenta “Piscinas”, la primera exposición individual de la artista cubana Rachel Valdés en la capital. Cuenta con una selección de trabajos en torno a un tema central, las grandes piscinas vacías de La Habana: podremos ver acuarelas, dibujos digitales y fotografías inmersos en un montaje que incluye la reproducción del sonido de un aguacero.

Propone la exhibición una reflexión sobre esos escenarios deshabitados; en palabras de la autora, no quiero darle un tono fatalista. Evidentemente hablo del aislamiento, de la soledad, del vértigo. Pero a la vez son como templos. No dejan de ser paisajes arquitectónicos, que son para mí de una belleza inmensurable. Esas paredes de concreto, llenas de estructuras perfectas, corrompidas pero fuertes que, a lo mejor, en algún momento volverán a funcionar como en el pasado.

Valdés comenzó a trabajar en esta serie hace más de una década, retomándola en 2020.

Bajo el comisariado de Daniela Zyman y hasta marzo de 2024, TBA21 presenta en el C3A cordobés “Remedios: donde podría crecer una nueva tierra”, exhibición colectiva que cuenta con trabajos de Marina Abramovic, Kader Attia, Cecilia Bengolea, Regina de Miguel, Olafur Eliasson, Asunción Molinos Gordo, Shirin Neshat, Ernesto Neto y los huni kuin, Belén Rodríguez, Sandra Vasquez de la Horra o Francesca Woodman, entre otros cuarenta artistas.

Su propósito es explorar prácticas creativas relacionadas con la curación y la reparación, la restitución o la remediación, desde una perspectiva tanto política como cultural y espiritual, y ligada a menudo a saberes primitivos. En algún caso apelan estas obras a prácticas ceremoniales o purificadoras; en otros, al lenguaje, la tierra o el poder de las comunidades.

Dado su éxito de público, la Fundación MAPFRE ha decidido extender el horario de la muestra “Leonora Carrington. Revelación” en su sede madrileña, donde permanece abierta hasta el 7 de mayo.

Para favorecer la asistencia de visitantes en los próximos días festivos, desde el 28 de abril y hasta el mismo día de su clausura la exposición no cerrará hasta las 22:00 horas, dos más de lo habitual.

Organizada en colaboración con el ARKEN Museum of Modern Art de Dinamarca, esta exhibición recorre la trayectoria completa de la artista surrealista: su producción como pintora, escritora, escultora y creadora de tapices desde la década de 1930 hasta su fallecimiento.

El recorrido expositivo se despliega a lo largo de una decena de secciones en las que el relato cronológico se conjuga con la presentación de los temas más destacados en la obra de esta autora: desde su formación y las influencias tempranas que recibió en Inglaterra y Florencia hasta su contacto con los surrealistas en París, pasando por su época en Saint-Martin-d’Ardèche, su experiencia traumática en España, la emigración a Nueva York y a México como patria última.

En el mismo horario podremos también visitar la exhibición “Estampas porteñas“, del fotógrafo argentino Facundo de Zuviría. Ha capturado las calles, fachadas, patios interiores, escaparates y peatones de Buenos Aires… la multiplicidad de elementos que conforman su fisonomía urbana, desde una mirada personal y nostálgica.

Cuenta esta muestra con 195 fotografías en blanco y negro y en color, destacando las series Siesta argentina, la más crítica, y Frontalismo, centrada en la simetría compositiva de las imágenes.

Hasta el próximo 26 de noviembre, el Palazzo Grassi de Punta della Dogana (Venecia) acoge la muestra “Icones”, formada por obras fundamentales de la Colección Pinault, que nos propone una reflexión sobre el tema del icono y el valor de la imagen en el mundo contemporáneo. Se atiende a ese término de icono desde dos perspectivas: la etimología griega lo define como “imagen”, y en el ámbito de la creación oriental se trata de un tipo de pintura religiosa.

En el eje de la exhibición, concebida específicamente para este enclave, se encuentra el estatuto de la representación, su capacidad de encarnar una presencia, de albergar la sombra y la luz, recrear un espacio o suscitar una emoción. También se apela a la estrecha relación entre la ciudad de Venecia y los iconos: desde finales de la Edad Media, las creaciones nacidas en esta ciudad han sintetizado influencias, en particular la bizantina, la gótica y la flamenca, dado el rol de puente entre Oriente y Occidente desempeñado por la Serenissima. Incluso hoy, Venecia continúa siendo una encrucijada en la que múltiples horizontes se hibridan y es una fuente recurrente de inspiración para algunos de los artistas expuestos en “Icones”, como Danh Vo y James Lee Byars.

Parte de las obras seleccionadas están tanto más ancladas en este contexto en cuanto que reviven la memoria de propuestas expuestas en ediciones anteriores de la Bienal veneciana, como los hilos dorados de Ttéia de Lygia Pape o las iluminaciones textuales y conceptuales de Joseph Kosuth que se presentaron en 2007 en San Lazzaro degli Armeni. El arte de la Rusia ortodoxa, a través de la poética de Tarkovski y su película Andrei Rublev, dedicada al pintor de iconos del siglo XV, también se refleja en la muestra, que cuestiona la capacidad de las imágenes para encarnar, en palabras del cineasta, “la idea de la libertad absoluta del potencial espiritual del hombre”.

Otros autores presentes son David Hammons, Agnes Martin, Rudolf Stingel, Sherrie Levine y On Kawara.

La artista argentina Liliana Porter ha sido galardonada con la trigésima edición del Premio Tomás Francisco Prieto de Medallística, concedido por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre – Real Casa de la Moneda en reconocimiento al conjunto de la trayectoria profesional y humana de creadores de prestigio.

El jurado ha estado presidido por Valldecabres Ortiz y formado por Hernán Cortés, académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Guillermo Navarro, director académico del Máster en Grabado y Diseño Gráfico de la Universidad de Castilla-La Mancha; Inma Prieto, directora de Es Baluard Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca; y Yolanda Romero, directora de la Colección del Banco de España. Han querido reconocer tanto la carrera internacional de Porter como la diversidad de técnicas que ha abordado (dibujo, grabado, fotografía, escultura) en su reflexión sobre los métodos de reproducción y las fronteras de la representación. Actualmente predominan en su obra la fotografía, el vídeo, los collages y las pequeñas instalaciones: figuritas y discretos recuerdos tomados de sus viajes -con transfondo histórico y geográfico- son puestos sobre fondos vacíos monocromáticos para abordar asuntos filosóficos y estados emocionales.

El premio está dotado con 20.000 euros e implica el compromiso de diseñar una medalla que posteriormente es acuñada por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre-Real Casa de la Moneda, además de una exposición retrospectiva en el propio Museo Casa de la Moneda.

El anuncio hoy del fallo ha coincidido con la inauguración de la exposición “La Medalla, Lenguaje de Vanguardia”, que puede visitarse hasta el 2 de julio en ese centro. Se trata de una antología del trabajo medallístico de los 29 artistas que, hasta ahora, han sido distinguidos con este reconocimiento.

El perfil del Museo del Prado en TikTok ha sido galardonado con uno de los Webby Awards concedidos por la International Academy of Digital Arts & Sciences como la mejor iniciativa mundial en la categoría de “Arte y Cultura”, en su modalidad de premio del público. Estos premios vienen concediéndose desde 1996 y son conocidos por su prestigio en la esfera de Internet.

La cuenta de TikTok del Prado cuenta ya con más 476.000 seguidores y 4,0M de Me gusta.

Por su parte, la web del Museo Guggenheim Bilbao presentada el pasado noviembre, con motivo del 25º aniversario del Museo, ha obtenido también un Webby Award en la categoría de Mejores webs de instituciones culturales, de nuevo gracias al voto popular.

Con un diseño visual y llamativo, este portal busca fomentar la interacción del Museo con sus distintos públicos: aficionados al arte, educadores, turistas, artistas, jóvenes, Amigos y seguidores y Miembros Corporativos.

La muestra “Juan Muñoz. Todo lo que veo me sobrevivirá“, que reúne en Alcalá 31 algunas de las obras fundamentales del artista madrileño realizadas entre los noventa y 2001, año de su muerte, ha alcanzado los 50.000 visitantes, motivo por el que la Comunidad de Madrid ha decidido prorrogarla hasta el 9 de julio.

Comisariada por Manuel Segade, se ha concebido como una instalación de instalaciones y ofrece trabajos dominados por una concepción neobarroca del espacio y por la recuperación de la figura humana como elemento central de la producción de este autor. De cariz existencialista, estos proyectos reivindican el truco y la suspensión de la incredulidad; también la ficción como una de las claves interpretativas de la creación contemporánea.