Under the subway Video Art Night vuelve al Centre del Carme Cultura Contemporània, en Valencia. Será la noche del sábado 2 de junio y en esta octava edición se proyectarán obras de veintisiete artistas internacionales, seleccionados y comisariados por Antonio Ortuño. USVAN nació en 2011 con el objetivo de mostrar y demostrar que el videoarte tiene un desarrollo importante dentro de la comunidad artística y también que cada vez está más cerca del gran público.

Una de las particularidades de esta iniciativa es que se desarrolla de manera simultánea en cinco ciudades. Además del ya mencionado Centre del Carme, este año serán sede de USVAN el JCC HARLEM (Nueva York), la Verbeke Foundation (Kemzeke, Bélgica), el Taller Gorria Gallery (La Habana, Cuba) y el Instituto Cervantes de Sao Paulo (Brazil).

Los artistas que participan en Under the subway Video Art Night 2018 son: Rodrigo Arenas (Guatemala), K. Linh Le-Vu (Vietnam – España), Toby Kaufmann-Buhler (Estados Unidos), Zacharie Gaudrillot-Roy (Francia), Melania Avanzato (Francia), Selene Citron (Italia), Mauricio Sanhueza (Perú), Johanna Evans (Estados Unidos), Arnaud Brihay (Bélgica-Francia), Teresa Robles Urdiales (España), David Kims (España), Johannes Langkamp (Alemania), Mena Rusciano (Italia), Paqui Pellicer (España), Dario Ricciardi (Argentina), Sonia Li (Estados Unidos), Ricardo Muñoz Izquierdo (Colombia), Jim Rolland (Francia), Manuel López (España), Kuesti Fraun (Alemania), Shahar Marcus (Israel), Hamza Kırbaş (Turquía), Aleksandra Mlynarczyk (Polonia), Andrej Polukord (Lituania), Ana Brotas y Xavier Ovídio (Portugal), Andrea Leoni (Italia) y Ana Mombiedro (España).

Dice el fotógrafo coruñés Jesús Madriñán que no entiende creación ni reflexión artística no vinculada a las experiencias cotidianas. En sus trabajos capta su entorno más próximo y espontáneo, pero lo hace sirviéndose de técnicas tradicionales, en procesos minuciosos, por eso sus imágenes atrapan al ojo, subvirtiendo convenciones.

Tras obtener el año pasado el Premio Fundación Banco Santander Open Studio, presenta en la Galería Trinta de su ciudad, Santiago de Compostela, su serie “Dopo Roma”: un conjunto de retratos, analógicos y de gran formato, que realizó a las puertas de varios afters romanos. En sus palabras, frente al objetivo, los jóvenes retratados improvisan en base a aquello que ellos mismos deciden mostrar u omitir, sin que exista mediación ni condicionamiento por mi parte. Así, cada retrato muestra una realidad dual, a medio camino entre la fabricación del retratado y la involuntaria franqueza de los mensajes contenidos en su apariencia y su actitud.

Junto a esos retratos, presenta imágenes de flores y arbustos con fondos negros, prácticamente bodegones. La exhibición puede visitarse hasta el 24 de junio.

Este mes se ha materializado un proyecto en el que en la Fundación Ibercaja llevaban muchos años trabajando: la web Fondo Histórico de Aragón. Fue en 1996 cuando esta institución acordó con el entonces Ministerio de Educación y Cultura, titular del Archivo de la Corona de Aragón en Barcelona, la digitalización de las imágenes y las noticias históricas contenidas en dichos fondos; desde entonces, un equipo coordinado por Esteban Sarasa ha seleccionado, digitalizado y descrito esos documentos fechados entre los siglos X y XVIII.

Se trata de privilegios reales, pleitos, licencias, sentencias… relativos a las ciudades y a los pequeños núcleos de población de Aragón. Los estudiosos e investigadores ya podían consultarlos presencialmente en la Biblioteca José Sinués (y antes en el Palacio de Larrinaga), pero desde ahora, coincidiendo con el séptimo centenario del archivo, cualquier persona interesada en la historia de esta región puede hacerlo en su ordenador.

En la web fondohistoricodearagon.ibercaja.es encontrará más de 48.000 fichas descriptivas y casi 500.000 imágenes agrupadas por temas: Real Patrimonio, Real Cancillería, Real Audiencia, Órdenes religiosas y militares, Generalitat, Consejo de Aragón y diversos. Destacan el testamento de Alfonso I el Batallador (1134), el documento en el que la reina Petronila entrega el trono a su hijo Alfonso II (1164) y los documentos del Consejo de Aragón tras 1591.

La idea original de esta puesta en común del Archivo de la Corona aragonesa, creado por Jaime II en 1318, fue de un profesor que a muchos sonará familiar: Guillermo Fatás.

Hasta el próximo 7 de julio, la Galería Carles Taché de Barcelona acoge la tercera muestra individual en sus salas del artista catalán Guillermo Pfaff. Presenta un conjunto de pinturas fechadas en el último año, en formato grande, mediano y pequeño, que destacan por su depuración y por aludir a la superficie delantera y trasera de los lienzos; de ahí el título de la exposición, “Over easy”, relacionado con el método típico anglosajón de freír huevos.

Tras ocho años cerrado por obras de remodelación, el Museo Arqueológico de Granada volvió a abrirse al público el pasado viernes, coincidiendo con la celebración del Día Internacional de los Museos. La intervención, cuyo coste, de algo más de 300.000 euros, ha asumido el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, ha consistido en la reforma del vestíbulo y la planta baja de la Casa de Castril, la renovación de la instalación museográfica en las salas de esa planta baja y la restauración de las dos fuentes ornamentales del museo; se ha recuperado su estética y se las ha puesto en funcionamiento.

La Casa del Castril, sede del centro, es un palacio renacentista construido en el siglo XVI sobre el solar de una serie de casas musulmanas demolidas tras la conquista de Granada por los Reyes Católicos. Se ha modificado varias veces para adaptarse a su actual uso museístico.

La Gallerie dell’Accademia de Venecia, que alberga la mayor colección de pintura veneciana en el mundo, acogerá en 2019 una retrospectiva dedicada a Baselitz que será comisariada por Kosme de Barañano y que contará con pinturas, esculturas y dibujos..

El alemán, con seis décadas de trayectoria a sus espaldas, ha presentado recientemente muestras en el Kunstmuseum y la Fondation Beyeler de Basilea y se ha ganado una merecida fama de dudar de todo, que él achaca a su pasado: Nací en un orden destruido, en un paisaje destruido, en una sociedad destrozada. No quería restaurar un orden. Me vi obligado a poner todo en tela de juicio para empezar de nuevo.

En Venecia podrán verse algunos de sus trabajos más influenciados por la tradición artística italiana; de hecho, Baselitz ha visitado este país a menudo y contó con estudio aquí durante algún tiempo.

El próximo 12 de octubre, el Victoria & Albert Museum de Londres abrirá al público la primera fase de su Centro de Fotografía, que diseñará la firma David Kohn Architects y duplicará la superficie que ya se dedica a esta disciplina en el museo británico. Allí se expondrán experimentos fotográficos tempranos a cargo de Fox Talbot, Julia Margaret Cameron o Frederick Scott Archer; imágenes de Steichen y Stieglitz, las fotografías de Linda McCartney donadas por su familia y un proyecto comisionado encargado a Thomas Ruff e inspirado en la colección de fotografías decimonónicas tomadas en India de la colección del V&A.

Peras gigantes de ladrillos, cines voladores u hombres-ordenador pueblan el mundo de la artista alemana Judith Hopf, que defiende que el arte no debería ser serio y ha hecho del humor el sello de su trabajo. Reside y crea en Berlín y explora cómo los objetos cotidianos, la arquitectura y la tecnología afectan al cuerpo humano y también nuestro comportamiento y nuestras relaciones interpersonales.

Tras la inauguración de una gran escultura al aire libre en Milán, exhibe algunos de sus trabajos en la National Gallery of Denmark, en la muestra “Out”. Puede visitarse hasta el 30 de diciembre.

El Museo de la Universidad de Navarra ha sido galardonado en los Premios EMYA 2018, en palabras del jurado, por mostrar “a visitantes de todas las edades y perfiles que el arte puede abrir mentes y revelar nuevas y creativas maneras de pensar y resolver problemas” y porque su “enfoque inclusivo y multidisciplinar tiene el potencial para redefinir el papel de los museos universitarios en todo el mundo”.

Junto al navarro, han sido premiados otros seis centros artísticos europeos, como Lascaux IV- International Centre for Cave Art (Francia), el Helsinki City Museum (Finlandia) y el Museo Dell’ Opera Del Duomo (Italia), entre otros. El Desing Museum de Londres ha recibido el Premio al Museo del Año 2018.

El Museo Universidad de Navarra ha sido el único centro español que ha competido en la última edición de estos galardones, fundados en 1977 por el periodista Kenneth Hudson para apoyar y reconocer la excelencia y la innovación en el ámbito de los museos. Los concede el European Museum Forum y están considerados los más prestigiosos del continente. Cuentan con la colaboración del Consejo de Europa y en anteriores ediciones recayeron en otros museos españoles, como la Fundación Joan Miró de Barcelona y el Museo Guggenheim de Bilbao.

No fue concebido para que viera la luz pública, pero Christie´s lo subastará el 5 de julio en Londres y se estima que podría adquirirse por entre 3 y 5 millones de libras. Nos referimos al retrato de Clara Serena de Rubens que en 2013 el Metropolitan Museum de Nueva York consideró obra de un seguidor del artista y que, tras una posterior restauración, volvió a contar con su autoría. Desde entonces ha formado parte de exposiciones en el Rubenshuis de Amberes y en la Scottish National Gallery de Edimburgo.

Se trata de un retrato muy espontáneo de la única hija que Rubens tuvo con Isabella Brant, y pudo realizarlo en una fecha próxima a la temprana muerte de la niña, que falleció a los doce años.  Es también la primera pintura importante del autor barroco en ser subastada por Christie´s tras el récord logrado en 2016 con Lot y sus hijas.

La exposición “Warhol. El arte mecánico” finalizó el pasado fin de semana en CaixaForum Madrid tras ser visitada, en sus tres meses de exhibición, por más de 257.000 personas.

Así, Warhol se convierte en uno de los nombres que ha atraído más público a las salas de este centro: ha sido la muestra más visitada en él de los últimos cinco años, superando a las dedicadas a Dalí y Lorca o Méliès.

La exposición llegó a CaixaForum Madrid tras su paso por Barcelona en otoño de 2017. Entre ambas ciudades, la han visto 482.000 personas y desde el 31 de mayo podrá contemplarse en el Museo Picasso de Málaga.

La propuesta del comisario Peio Aguirre ha sido la seleccionada para presentarse en el Pabellón español de la Bienal de Venecia en 2019 por un jurado presidido por el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, y formado por Nuria Enguita, Iñaki Martínez, Paul B. Preciado, Marta Gili y Manuel Segade, además del Director de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación-AECID, Roberto Varela, y la Directora General de Acción Cultural Española, Elvira Marco.

En su primera reunión, el pasado 17 de enero, el jurado decidió invitar a seis comisarios/as a presentar un proyecto para el Pabellón de España en la 58ª Bienal. Se recibieron finalmente cinco propuestas y la de Aguirre fue la elegida por unanimidad.

Es la primera vez que, en respuesta a las demandas del sector artístico, la selección del proyecto ha recaído en un jurado. Además, a diferencia de años anteriores, la decisión se anuncia más de un año antes de la inauguración de la Bienal, ampliando el margen de tiempo para la producción del proyecto, cuyos costes asumirán el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación-AECID y Acción Cultural Española.

El proyecto de Aguirre se plantea como una exposición realizada en diálogo entre dos artistas vascos, Itziar Okariz y Sergio Prego, en torno a la economía política del cuerpo. Se ha valorado en él la especificidad del diálogo que los artistas establecen con la arquitectura y el contexto del Pabellón español en Venecia.

El Museo del Prado y la Orden de las Escuelas Pías de Betania han firmado un convenio por el que la pinacoteca recibirá, en préstamo temporal durante un año prorrogable por otro, La última comunión de san José de Calasanz de Goya.

El préstamo coincidirá con la celebración del bicentenario de la apertura de puertas al público del Prado y con el de la misma obra, que data de 1819. Así, esta pintura se expondrá junto al resto de las del aragonés en Madrid, en la que es la mayor colección internacional del artista.

La última comunión de san José de Calasanz es un gran lienzo de altar en el que destaca el estudio de cada uno de los personajes de la escena, que parecen prefigurar un tema clásico del arte occidental, como es el de estudio de las tres edades del hombre, o quizá el de la serenidad frente a la violencia, o el de la luz y la sombra como metáfora de los actos y pensamientos de los protagonistas.

Hasta época reciente no se ha puesto debidamente en valor la producción religiosa de Goya, y ha sido así gracias al descubrimiento de nuevos lienzos suyos de asunto religioso conservados en colecciones particulares y a la revisión de los frescos y lienzos de altar antes conocidos.

La Última comunión de san José de Calasanz, que, como decíamos, realizó Goya en 1819 para las Escuelas Pías de Madrid, dos años después de pintar el cuadro de altar de las Santas Justa y Rufina para la Catedral de Sevilla, fue la última obra pública (y también religiosa) de Goya.

En los últimos años el Museo del Prado ha adquirido algunos de sus cuadros de devoción privada, como Santa Bárbara, dos composiciones de la Sagrada Familia, el compañero de una de ellas, Tobías y el ángel, y un San Juan Bautista niño en el desierto, buscando incrementar la representación de la pintura religiosa del artista en sus fondos.

Hasta el próximo 20 de mayo, la Sala Rekalde de Bilbao presenta el proyecto “Si aparezco aparezco” de Raisa Álava en su Gabinete Abstracto. Álava, que obtuvo una de las Becas de Creación Artística concedidas por la Diputación Foral vizcaína, trabaja con el dibujo, el grabado y la cerámica explorando las nuevas iconografías generadas en Internet o las redes sociales y atiende a sus formas, más que a sus significados.

En sus palabras, trabajo con su forma decorativa, para mí son imágenes misteriosas porque no conozco su código simbólico. El poso de la iconografía es lo que el inconsciente ha seleccionado, esa parte que no se sabe explicar, el por qué unas cosas quedan y otras no. Por alguna razón, la memoria selecciona que subsistan unos trazos. La directriz a la hora de trabajar es inconsciente.

Debido al éxito de público, la Fundació Sorigué ha decidido prorrogar hasta el próximo diciembre su muestra “Oscar Muñoz: des/materializaciones”, de la que el propio artista, reciente Premio Hasselblad, es comisario junto a Ana Vallés, directora de esta institución. En inicio, la exposición iba a finalizar este mes de junio.

Hasta ahora ha sido visitada por 4.000 personas y más de setenta centros educativos han participado en visitas guiadas. Por otro lado, con motivo de la muestra, la Fundació ha adquirido dos obras de Muñoz presentes en ella: El Coleccionista y Biografías.

Os recordamos que “des/materializaciones” puede visitarse en el museo de la Fundació Sorigué en Lleida y recoge algunas de las obras más representativas de este autor, en las que reflexiona sobre los momentos anteriores y posteriores a la fijación de la imagen en un soporte y sobre el carácter efímero de la fotografía.

El próximo 5 de julio se dará a conocer en el Victoria & Albert Museum de Londres el centro británico ganador del premio Art Fund Museum of the Year 2018, que recibirá 100.000 libras (los museos preseleccionados reciben 10.000).

La organización británica Art Fund concede anualmente estos premios a museos británicos que, según la opinión del jurado, hayan destacado por el desempeño de sus tareas con imaginación e innovación. Esta vez ese jurado, presidido por Stephen Deuchar, está formado por Ian Blatchford, director del Science Museum Group; Rebecca Jones, corresponsal de arte de la BBC; la artista Melanie Manchot y Monisha Shah, consultora de medios independiente y miembro de Art Fund.

Optan al galardón el Brooklands Museum de Weybridge, la Ferens Art Gallery de Hull, la Glasgow Women’s Library, Tate St Ives y The Postal Museum.

A partir del 23 de junio, el Centro Botín expondrá de forma permanente, en una de las salas de su primera planta, una selección de obras del siglo XX procedentes de la colección de Jaime Botín.

Las piezas cedidas son Femme espagnole (1917) de Henri Matisse; Self Portrait with injured eye (1972) de Francis Bacon; Arlequín (1918) de Juan Gris; Al baño. Valencia (1908) de Joaquín Sorolla; Mujer de rojo (1931) de Daniel Vázquez Díaz; Figura de medio cuerpo (1907) de Isidre Nonell; El constructor de caretas (1944) de José Gutiérrez Solana y Retrato de mi madre (1942) de Pancho Cossío. Esa cesión, que tiene una duración inicial de cinco años renovables, se completa con la donación a este centro, por parte del propio Jaime Botín, de un millón de euros anuales que se destinarán a cubrir los gastos de mantenimiento y conservación de las obras y al programa artístico y a la misión social del Centro Botín.

El título de este conjunto en el marco de la muestra permanente de este espacio será “Retratos: Esencia y Expresión”. Pese a sus diferencias estilísticas y cronológicas, las obras tienen notas importantes en común, como la búsqueda de la máxima expresividad a través del color y la luz, la utilización de la figura como hilo conductor y, por último, claro, su género: el retrato.

La cesión se produce cuando se cumple un año de la apertura del Centro Botín y poco antes de que se abra al público una nueva presentación de la colección de la Fundación: “El Paisaje Reconfigurado”, muestra que podrá visitarse a partir del 23 de junio.

Hoy ha fallecido en Madrid el escultor Julio López Hernández. Tenía 88 años y recientemente pudimos ver su obra en la exposición “Realistas de Madrid”, que presentó el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en 2016.

López y su esposa, la pintora Esperanza Parada, pertenecen al grupo de pintores y escultores que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de 1950, unidos por formación, trabajo y vida. De él también formaron parte Antonio López, María Moreno, Francisco López Hernández, el hermano de Julio fallecido el año pasado; su mujer, la pintora Isabel Quintanilla, que también nos dejó en 2017, y Amalia Avia.

Julio López Hernández nació en Madrid en 1930 y estudió, junto a Lucio Muñoz, en la Escuela Superior de Bellas Artes. Se inició siendo muy joven en la escultura y en 1955 participó en una exposición colectiva en las salas de la Dirección General de Bellas Artes con Antonio López, su hermano Francisco y Lucio Muñoz. En 1980 se le dedicó una retrospectiva en el Palacio de Cristal del Retiro y en 1986 fue nombrado académico de la Real Academia de San Fernando.

En palabras de Guillermo Solana, su estética está dominada por el valor expresivo del gesto y de la máscara, el fragmento y la ruina… Julio López subordina la forma a lo narrativo. En sus piezas siempre queda algo de ese argumento, aunque solo sea una mínima anécdota.

Tras obtener el Wolfgang Hahn Prize correspondiente a este año, la artista Haegue Yang presenta, hasta el 12 de agosto en el Museum Ludwig de Colonia, su primera gran individual en un museo. Nacida en Seúl y residente en esa ciudad y en Berlín, Yang exhibe un centenar de trabajos fechados desde 1994 y representativos de la diversidad de su producción, desde sus primeros objetos realizados bajo la influencia del movimiento Fluxus hasta sus más recientes pinturas lacadas, fotografías, trabajos en papel, vídeos, esculturas, performances e instalaciones.

No faltan sus persianas, reflexiones sobre la intimidad que conoceréis los asiduos a la Fundación Helga de Alvear de Cáceres.