Cuatro obras del Prado, en la S Pen Academy de Samsung
Cuatro obras esenciales de las colecciones del Museo Nacional del Prado se han incorporado a la app S Pen Academy, exclusiva para Tablets Samsung con S Pen, que ofrece a los interesados cursos impartidos por un profesor especializado en dibujo digital. Será posible aprender, con estas incorporaciones, un amplio abanico de técnicas y estilos, desde el óleo sobre tabla utilizado por El Bosco hasta los dibujos a lápiz, aguafuerte y sanguina de Goya, pasando por el óleo sobre lienzo de Mariano Fortuny.
Estos cursos, que aportan además comentarios sobre la técnica y el contexto de cada una de las obras, permiten compartir las nuevas creaciones del alumno con sus amigos.
Las piezas incorporadas son Ydioma universal. El Autor soñando y Brabisimo!, de Francisco de Goya; El jardín de las delicias, de El Bosco y Los hijos del pintor en el salón japonés, de Mariano Fortuny y Marsal. La aplicación está disponible para su descarga en este enlace: https://play.google.com/store/apps/details?id=samsunges.spenacademy
Esta iniciativa forma parte del marco de colaboración entre Samsung y el Prado y busca acercar el arte a amplios públicos de una manera innovadora, a través del desarrollo de proyectos interactivos y multimedia. Ambas instituciones han colaborado en la creación de la galería digital Museo Nacional del Prado disponible en el televisor The Frame y, recientemente, Samsung ha ampliado su colección artística en su Tienda de Arte, pasando de 37 a 48 obras, coincidiendo con la conmemoración del Bicentenario del Museo del Prado.
App S Pen Academy
Finaliza la restauración de una parte de la muralla cristiana de Madrid
Ya han finalizado, en la calle Almendro de Madrid, próxima al Museo de San Isidro, las obras de restauración llevadas a cabo por la Dirección General de Patrimonio Cultural para recuperar el lienzo de muro que ahora sabemos que correspondió a la muralla cristiana de la capital.
El inmueble que ocupaba el número 17 de dicha calle fue demolido en 1967, dejando al descubierto un tramo de muralla de unos 16 metros de longitud y seis de altura media que lindaba con el edificio contiguo de la Cava Baja. Tras esa demolición, el lienzo de la muralla presentaba graves signos de deterioro que la hacían difícilmente reconocible.
En la reciente intervención se ha restituido el material perdido para garantizar la seguridad y la estabilidad del muro, se han repuesto los morteros de cal perdidos y se han identificado las zonas originales y sus materiales, retirándose las partes añadidas de ladrillo, chapa y uralita que coronaban la muralla, para lo que se ha dado un tratamiento superficial diferenciador a las partes que no conservaban los materiales originales.
La muralla cristiana, según los restos arqueológicos contrastados en distintas excavaciones en el área urbana intra y extramuros, pudo comenzarse a construir tras la caída de Toledo durante el reinado de Alfonso VI y siguió su construcción coincidiendo con la inestabilidad de fronteras y dominios durante el siglo XII y el primer tercio del XIII hasta el año 1212, fecha de la batalla de las Navas de Tolosa. La muralla, por lo tanto, no sería unitaria en su construcción ni coetánea en todo el perímetro, tal como refleja el Fuero de Madrid.
El tramo de lienzo conservado en Almendro se corresponde con parte del trazado original entre Puerta de Moros y Puerta Cerrada, lienzo amurallado que recorre las actuales medianeras entre la calle del Almendro y la Cava Baja. Ese trazado se encuentra representado en el plano de Marcelli-Witt, datado en el siglo XVII, donde se aprecian las paredes de la muralla y un torreón en el interior de la manzana.
La ocupación de la zona amurallada, actualmente situada entre la calle el Nuncio, Costanilla de San Pedro y Almendro, en el interior del recinto, y entre Almendro y la Cava Baja en el exterior, se realizó por cesiones del concejo desde mediados del siglo XV a principios del siglo XVI, con la colmatación del foso-cava. En esas donaciones, la villa continuó manteniendo el derecho sobre la muralla, por lo que se permitió la construcción a una cierta distancia de los muros y torres sin poderla dañar ni en la altura ni en su cimentación.
Isabella Lenzi, Claudia Rodríguez-Ponga, Lorenzo G. Andrade y Javier Cruz, últimos ganadores de Se busca comisario
La Comunidad de Madrid ha anunciado, el pasado fin de semana, los proyectos ganadores de la XII edición de Se busca comisario. Nudo Nido, de Isabella Lenzi y Claudia Rodríguez Ponga y Licra, de Lorenzo G. Andrade y Javier Cruz, han sido los proyectos elegidos por el jurado para formar parte de la programación expositiva y de actividades de la Sala de Arte Joven durante un semestre de 2021.
Nudo Nido reflexiona sobre la etapa post-pandemia atendiendo al entorno físico de esa Sala de la Comunidad. Metaforizan el nudo de comunicación que es la Avenida de América, considerándola como nido de acogida y recepción a la capital e incorporando trabajos de artistas latinoamericanos jóvenes, residentes en Madrid.
Por su parte, el proyecto Licra, de Lorenzo G. Andrade y Javier Cruz, se sitúa igualmente en el presente inmediato de la escena artística de la región. Su punto de partida es la periferia de los procesos de producción, situando en un primer plano los aspectos terciarios, el residuo y el concepto de lo efímero y aunando disciplinas y generaciones en la construcción de su relato artístico.
La originalidad de su propuesta reside en la utilización de los espacios de la Sala de Arte Joven para multitud de actividades, prácticas materiales, ensayos y momentos lúdicos y de encuentro destinados a distintos agentes artísticos y abiertos a la posibilidad del éxito o del fracaso.
El jurado ha estado formado por Blanca de la Torre, comisaria independiente y crítica de arte; Soledad Gutiérrez, comisaria; Lola Hinojosa, comisaria y responsable de la colección de artes performativas e intermedia del Museo Reina Sofía; Gonzalo Cabrera, director general de Promoción Cultural; Antonio J. Sánchez Luengo, subdirector general de Bellas Artes; Tania Pardo, asesora de arte de la Comunidad de Madrid y subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo y Manuel Segade, director del mismo espacio.
Penelope Curtis abandona la dirección del Museo Calouste Gulbenkian
Penelope Curtis, responsable del Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa en los últimos cinco años, abandonará su cargo el 1 de agosto y la Fundación que rige el centro ya ha iniciado un proceso internacional para encontrar quien la sustituya. El nuevo director deberá hacer frente a la unificación de las dos colecciones del centro (la llamada Colección del Fundador y la Colección Moderna) y también a los trabajos de remodelación de este espacio, que comenzarán justo el mes que viene.
Ya conocemos, entretanto, el próximo destino de Curtis: será profesora invitada en el Centro para Estudios Avanzados de las Artes Visuales en la National Gallery De Washington. Con anterioridad, la británica dirigió el Henry Moore Institute de Leeds y la Tate Britain de Londres.
Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa
Pintura en las venas
Chechu Álava, Alberto Ámez, Breza Cecchini, Maite Centol, Paco Fernández, Juan Fernández Álava, Miguel Galano, Assaf Iglesias, Jorge Nava y Armando Suárez son los artistas presentes, ya en el Museo Barjola de Gijón, en la muestra “Pintura en las venas”, comisariada por uno de ellos, Juan Fernández Álava.
Los reunidos, al margen de su conexión asturiana, tienen en común su manejo pictórico desde el instinto, desde un impulso que va más allá del afán por representar la realidad. Los trabajos expuestos abarcan cerca de siete décadas, desde los trabajos de Armando Suárez fechados a mediados del siglo pasado a piezas de Cecchini o Iglesias datadas este mismo año. Sus géneros también son variados: contemplaremos retratos, desnudos, bodegones, paisajes… de estilos igualmente diversos, del ciclo de la vida, a las esperanzas, las sombras o los animales.
Assaf Iglesias. Sin título I, 2020
El gran juego de Cartier-Bresson
En colaboración con la Biblioteca Nacional de Francia y con la Fondation Henri Cartier-Bresson, el Palazzo Grassi veneciano presenta, desde este sábado 11 de julio, “Henri Cartier-Bresson. Le Grand Jeu”, muestra en la que la producción del fotógrafo es analizada por cinco comisarios, que se centran en la llamada Master Collection, una selección de 385 imágenes que el propio artista escogió entre las más significativas de su carrera a principios de los setenta, a petición de sus amigos Jean y Dominique de Menil, coleccionistas.
La fotógrafa Annie Leibovitz, el director de cine Wim Wenders, el escritor Javier Cercas, la conservadora y directora del Departamento de Grabados y Fotografía de la Bibliothèque Nationale de France Sylvie Aubenas y el coleccionista François Pinault han seleccionado cincuenta piezas de aquel conjunto, compartiendo a partir de ellas su personal visión del legado de Cartier-Bresson. En la primavera de 2021, la exposición se presentará en la Bibliothèque Nationale de France.
Henri Caetier-Bresson. Simiane-la-Rotonde, France, 1969. Fondation Henri Cartier-Bresson. Magnum Photos
Las Tate reabrirán todos sus espacios el 27 de julio
Los cuatro centros de las galerías Tate en Londres, St. Ives y Liverpool reabrirán sus puertas al público el mismo día: el próximo 27 de julio.
Para administrar correctamente la afluencia de público y garantizar que puedan mantenerse las distancias de seguridad, todos los visitantes deberán reservar online su entrada con anterioridad; pueden hacerlo ya en la web tate.org.uk, donde también encontrarán todas las recomendaciones relativas a la visita, así como en las redes sociales de las Tate o vía correo electrónico, en caso de registrarse.
Además de sus respetivas colecciones permanentes, la Tate Modern volverá a exhibir a Andy Warhol y Kara Walker; la Tate Britain recuperará a Aubrey Beardsley y Steve McQueen, Tate Liverpool mostrará un nuevo trabajo de Mikhail Karikis y Tate St Ives reabrirá su muestra de Naum Gabo. Algunas de las próximas exhibiciones de estos centros, eso sí, han sido reprogramadas y buena parte de sus actividades presenciales se trasladarán a la red, al menos durante este año.
Aubrey Beardsley. Black coffee, 1895. Harvard Art Museums/Fogg Museum
Jesús Zurita, asomarse al interior
Hasta el 29 de agosto, la galería asturiana Gema Llamazares acoge “Al final me asomé”, segunda exposición en esta sala de Jesús Zurita. Consta de obras en las que el pintor ha tratado de profundizar en su interior, tras la etapa compleja del confinamiento: Quiero recordar esta exposición como terreno fértil. Un lugar para arraigos, torceduras y podredumbres. No voy a hablar de estos tiempos y sus manos gélidas. He estado congelado y cuando la exposición me ha reclamado solo he podido volcar la cabeza y desescombrar lo que allí hay. Y todo lo que ha caído soy yo: él que fui y él que seré.
El artista ceutí es autor de dibujos, pinturas e instalaciones que cuestionan los mecanismos de representación (ejecución y puesta en escena), narratividad y silencio.
Jesús Zurita. Doble labor, 2020
Xesús Vázquez: proyectos y avalancha
Tras repasar ocho años de su trayectoria en “Hinterland”, en la Biblioteca Central de Cantabria, Xesús Vázquez presenta, del 4 al 31 de julio en la Galería Siboney de Santander, “Proyectos y Avalancha”, trabajos de formato íntimo y acuarelas realizadas en el último año donde aborda sus iconografías habituales: paisajes y atalayas.
Alberto Ruiz de Samaniego define su obra como “una investigación y una concitación que en series delimita una insistencia de la catástrofe. De las batallas y las pérdidas, de las destrucciones y los desvaríos. De su cruel e inexorable repetición”. Trabaja a medio camino entre la abstracción y la figuración y su obra está plagada de símbolos sutiles.
Xesús Vázquez. Tierra, pan, paz, 2020
Desescavar: Ángel Padrón regresa a la Galería Artizar
Cinco años después de su última exposición en la Galería Artizar de Tenerife, Ángel Padrón regresa a este espacio para presentar “Desescavar”, conjunto de trabajos realizados hace cerca de veinte años que hasta ahora no se habían mostrado en Canarias, aunque sí formaron parte de exhibiciones de este autor en las salas sevillanas Rafael Ortiz y Milagros Delicado en aquella etapa. Están marcados por el peso de la geometría y los colores vibrantes y pueden contemplarse hasta el 8 de agosto.
Reabre el Meadows Museum, tras 16 semanas de cierre
El Meadows Museum de Dallas ha vuelto a abrir sus puertas, con un aforo reducido al 25 % de su capacidad, tras cerrar durante cerca de cuatro meses debido a la crisis del coronavirus. Sin embargo, y como medida preventiva, el centro mantendrá al completo su programación online a lo largo del otoño y es probable que también continúe la suspensión de sus visitas guiadas hasta 2021.
Podemos admirar actualmente en el Meadows su colección permanente de arte español, que cuenta con trabajos de Velázquez, El Greco, Murillo, Ribera, Goya, Picasso, Dalí o Miró, y también la exposición especial “Berruguete Through the Lens: Photographs from a Barcelona Archive”. Consta de fotografías del Archivo MAS, perteneciente a los fondos del museo estadounidense, y, en principio, iba a acompañar a la muestra “Alonso Berruguete: First Sculptor of Renaissance Spain“, cuya inauguración estaba preparada para finales de marzo y llegará finalmente en otoño.
Será un análisis exhaustivo de la trayectoria de Berruguete organizado en colaboración con la National Gallery of Art de Washington y el Museo Nacional de Escultura de Valladolid (España). Incluirá 45 pinturas, esculturas y obra en papel procedentes de colecciones internacionales.
Por último, pueden verse aún en el Meadows dos obras en préstamo cuyos plazos se han ampliado: Desnudo femenino (1902) de Joaquín Sorolla y un monumental lienzo Sin título (2019) de Secundino Hernández, presentado para el lanzamiento de la iniciativa MAS: Meadows/ARCO Artist Spotlight.
Secundino Hernández. Sin título, 2019
El Prado crea una app para visitar virtualmente su Tesoro del Delfín
El Museo Nacional del Prado y Samsung, su colaborador tecnológico, desarrollaron hace dos años una app dedicada al Tesoro del Delfín, la primera aplicación de artes decorativas disponible para smartphones y tablets. Ese conjunto es la única parte de la colección permanente del Prado (por ahora, cerrada al público debido a la pandemia) que cuenta con una app para disfrutar virtualmente de todas sus piezas y contemplarlas en detalle.
A través de la aplicación, llamada justamente “El Tesoro del Delfín”, el usuario puede descubrir cada una de las obras de esta colección, acompañadas de su ficha técnica, curiosidades y la reproducción de su estuche, en los casos en que se conserva. Además, gracias a las imágenes en alta resolución y en 360º, el usuario podrá visualizar las piezas desde distintos ángulos solo deslizando los dedos sobre la pantalla de su dispositivo.
La aplicación, disponible en castellano e inglés, se puede descargar ya en dispositivos Android e iOS de forma gratuita y se puede acceder a todo su contenido por una tarifa de 2,99 euros, aunque, solo hasta el 10 de agosto, los usuarios de dispositivos Samsung con modelos compatibles con la app podrán disfrutar de todo el contenido libremente.
Recordamos que el Tesoro del Delfín es una colección de Felipe V heredada de su padre, el Gran Delfín de Francia: un conjunto de vasos de cristal de roca y piedras ornamentales, llamadas “piedras duras”, enriquecidos en su mayoría con guarniciones de oro y plata y con diamantes, rubíes, esmeraldas, perlas y otras gemas. Puede equipararse a otros grandes tesoros dinásticos europeos, por su calidad, valor intrínseco y belleza, además de ser un ejemplo destacado del coleccionismo europeo de artes suntuarias en los siglos XVI y XVII, imagen del poder y prestigio regios.
Taza de oro con turquesas y rubíes, 1580-1630. Museo Nacional del Prado
El Museo del Prado eleva su aforo diario a 2.500 personas
El Museo del Prado ha anunciado que, desde hoy 6 de julio, un mes después de su reapertura tras la crisis del coronavirus, aumentará su aforo diario de visitantes hasta las 2500 personas. Estos espectadores podrán, durante su recorrido, atender a Escuchar el Reencuentro, narración sobre su actual presentación de lo más granado de su colección permanente a cargo de los responsables de este proyecto.
Miguel Falomir, director de la pinacoteca, y los conservadores Leticia Ruiz, Alejandro Vergara y Javier Portús comentan en esa grabación la disposición de las obras de este montaje y sus explicaciones se pueden encontrar en este enlace, al que podrá accederse también a partir de un código QR disponible en la entrada.
“Reencuentro”. Museo Nacional del Prado
Las visitas guiadas regresan a la muestra sobre Rodin y Giacometti en la Fundación MAPFRE
El pasado 2 de junio, la Fundación MAPFRE reabrió en sus salas del Paseo de Recoletos la muestra “Rodin-Giacometti” y anunció su prórroga hasta el 23 de agosto; ahora sabemos también que, desde el próximo jueves, 9 de julio, retomará sus visitas guiadas.
Se desarrollarán, hasta esa fecha de cierre de la exposición, cada martes (12:30 horas) y jueves (19:30 horas); mantendrán su duración habitual, de una hora, y se realizarán en grupos de un máximo de siete personas.
Las reservas pueden efectuarse en el correo cultura@fundacionmapfre.org, indicando la sesión a la que se desea asistir. Se confirmará disponibilidad por orden de llegada de las solicitudes.
Alberto Giacometti en el parque de Eugène Rudier en Vésinet, posando junto a Les Bourgeois de Calais (Burgueses de Calais) de Rodin, 1950. Fotografía: Patricia Matisse. Fondation Giacometti, París
Romper el aire
“Romper el aire” es la nueva muestra que podemos visitar, hasta final de julio, en la Galería Alarcón Criado de Sevilla y también la carta de presentación de los nuevos rumbos de pie.flamenca (Plataforma independiente de estudios flamencos modernos y contemporáneos), refundada por Joaquín Vázquez, Chema Blanco y Pedro G. Romero como Asociación Cultural este año. Una de sus alianzas la ha establecido justamente con Carolina Alarcón y Julio Criado.
Pueden verse en esta sala obras vinculadas al flamenco y a las relaciones de este con la libertad sexual y la temática queer. Se exhiben trabajos de Nazario, Colita, José Pérez Ocaña, Julio Jara, Joy Charpentier, Miguel Benlloch, Rafael Agredano, Álvaro Romero, Niño de Elche & Los Volubles, Isabel do Diego, Rocío Molina, María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca.
“Romper el aire”. Galería Alarcón Criado
Jacques Monory reabre la Fondation Maeght
Para su reapertura hoy, 1 de julio, la Fondaton Maeght de Saint-Paul-de-Vence presenta la primera gran muestra monográfica de Jacques Monory desde su muerte en 2018. La antología revisa los sesenta años de carrera del que fuera miembro del movimiento Figuration Narrative, y quizá el más narrativo de ellos, bajo el comisariado de Laurence d’Ist y dejando al margen órdenes cronológicos para detenerse en los caminos menos conocidos de su obra, más allá de la célebre intensidad de sus azules.
A veces hiperrealista, realizó Monory escenas enigmáticas que componen una suerte de diario embrujado de un pintor que cuestionó lo real todos los días. Justamente el color azul, monócromo o abierto a varias tonalidades, fue velo onírico y herramienta para la duda.
Bajo la influencia de la fotografía y del cine, sobre todo de los thrillers de los cincuenta, su pintura en gran formato cobijaba paisajes urbanos y naturalezas, visiones románticas e imágenes dramáticas de la actualidad o de la historia contemporánea. Un pesimismo fundamental, teñido de humor negro, coexistía en su producción con la fascinación por el vacío y la atención a la violencia, la irracionalidad o el reinado de lo falso en el mundo que conocía.
Jacques Monory. Death Valley n°1, 1974
Los gusanos de Shrigley
Hasta el próximo 30 de diciembre, Copenhagen Contemporary acoge la mayor muestra dedicada hasta ahora al artista británico David Shrigley y, conforme a su personal estética, veinte gusanos rosas de gran tamaño transforman el espacio de la sala más grande del centro danés en un caótico pozo de serpientes.
Sus trabajos se encuentran sujetos siempre a múltiples interpretaciones; esos mismos gusanos parecen implicar un peligro latente para los humanos, a punto de dominarnos por la fuerza, tan viscosos como poderosos, pero su aspecto infantil nos hace sonreír. Puede suscitarnos Shrigley desaliento o alegría, preocupación o humor sutil, y suele invitarnos a volver la mirada hacia nosotros mismos. Aborda, sobre todo en sus dibujos plagados de ironía británica, asuntos complejos desde cierta ligereza, postura quizá muy necesaria en tiempos de pandemia y desafíos climáticos y sociales múltiples.
“David Shrigley. Do not touch the worms”. Copenhagen Contemporary
No oír a Nalini Malani
La creadora india Nalini Malani, Premio Joan Miró 2019, presenta hasta noviembre, en la Fundació Miró barcelonesa, una selección de trabajos representativos de su trayectoria, marcada por el feminismo y la denuncia y condena de la violencia.
Su producción evoca la fragilidad de toda existencia humana, sirviéndose de una iconografía personal que se nutre de mitologías tan antiguas como universales. Justicia social, feminismo y ecología son las bases de su trabajo, del que en Barcelona exhibe un conjunto de instalaciones inmersivas de gran formato -proyecciones de películas y animaciones, sombras chinas o paneles pintados-, así como una serie de dibujos en las paredes, específicamente creados para la Fundació Joan Miró.
El título de la muestra, “No me oyes”, interpela de forma directa al patriarcado, interlocutor que, para Malani, es indiferente e insensible a las demandas de los vulnerables y, sobre todo, de las mujeres.
El jurado del Premio Joan Miró reconoció a la artista por su imaginación radical y conciencia sociopolítica, por su curiosidad intelectual y su diálogo con algunas de las figuras más destacadas de su tiempo, que han sido sus referentes.
La Comunidad de Madrid anuncia sus adquisiciones en el marco del Plan de Estímulo de las Artes Visuales
La Comunidad de Madrid ha anunciado hoy sus compras en el marco del plan extraordinario de adquisición de obras de arte que anunció el pasado abril, con el fin de contribuir a paliar las pérdidas derivadas de la crisis del COVID-19. Ha adquirido piezas por valor de 545.000 euros a galerías establecidas en Madrid y a artistas no representados por ninguna sala.
En total, las adquisiciones de la Comunidad este año sumarán 800.000 euros, la cifra más alta desde la creación de su colección de arte contemporáneo, y la comisión que ha decidido las compras ha estado formada por María Paz Corral, Estrella de Diego, Manuel Segade, Tania Pardo, Antonio Sánchez y Gonzalo Cabrera. Se han adquirido obras en todo tipo de técnicas y soportes, desde el dibujo a la instalación.
La región ha comprado pintura de clásicos, como Luis Gordillo (Galería Estampa), Mitsuo Mihura (Galería Cayón), Jordi Teixidor (Galería Nieves Fernández), Felicidad Moreno (Rafael Pérez-Hernando) o Isabel Villar (Galería Fernández-Braso) y de autores jóvenes como Fernando García (Galería Heinrich Erhardt), Miki Leal (Galería F2), Nacho Martín Silva (Max Estrella), Belén Rodríguez (Galería Juan Silió) o Luis Vassallo (Espacio Valverde). También trabajos conceptuales de Irma Álvarez-Laviada o proyectos digitales de Enrique Radigales (The Goma). A los fondos de libros de artista se ha incorporado la colección de La Más Bella.
La tradición reciente de creación política en Madrid se ha incrementado en los fondos de la Comunidad con piezas de Olalla Gómez, Diego del Pozo (Galería Adora Calvo), Fernando Sánchez-Castillo (Galería Albarrán Bourdais) o una propuesta conjunta de Avelino Sala y Eugenio Merino. Otras artistas incorporadas a estos fondos reivindican temas relacionados con la memoria histórica, como María Cerdá, Paula García-Masedo (Twin Gallery), Amaya Hernández, María José Ollero Alameda y Cristina Spinelli.
Otra de las tendencias recogidas son los experimentos en torno a la naturaleza de los objetos a cargo de Carlos Fernández-Pello (García Galería), el estudio del artista en Luis Úrculo, la memoria personal en Belén Zahera, las intervenciones urbanas de Marlon de Azambuja o el arte textil de Sonia Navarro.
También se incrementan los fondos de la Comunidad relacionados con el cine de exposición, con Lois Patiño y Luis López Carrasco, y en el campo de las artes vivas con Óscar Bueno, Cuqui Jerez, el colectivo formado por María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca o con una instalación de vídeo performativa de Momu & No Es. En cuanto a la fotografía, se han sumado a estas colecciones Alberto Lizaralde (Ivorypress), Alejandro S. Garrido (Moisés Pérez de Albéniz) y José Manuel Ballester (Galería Pilar Serra).
En cuanto a líneas de trabajo de la Colección del CA2M, se han adquirido propuestas de artistas latinoamericanas residentes en Madrid, como Sol Jacobs o Sandra Gamarra (Juana de Aizpuru), de otros autores que visibilizan a las comunidades racializadas españolas, como Rubén H. Bermúdez y el Colectivo Ayllú, y otras centradas en temas postcoloniales, como las de Gabriela Bettini (Galería Sabrina Amrani), Paloma Polo y Candela Soto.
Asimismo, se han adquirido obras que inciden en asuntos relacionados con el género o con la crisis del sida, como las de Jana Leo o Cabello/Carceller (Galería Elba Benítez), con la recuperación de genealogías feministas en la historia del arte, como las de Diana Larrea (Espacio Mínimo), o relativas a la visibilidad homosexual, como las de Álvaro Perdices (con la colaboración de Jorge Diezma). Y, por último, también ha comprado la Comunidad trabajos ligados al medio ambiente de Estela de Castro y Clara Montoya y arte outsider por Andrés Fernández y Costa Badía (La Juan Gallery).
Las obras seleccionadas por esta comisión pasarán a completar la colección del CA2M de Móstoles.
Clara Montoya. Revolución, Carrara, 2016
Luis Pérez Calvo dibuja nuestra vida reciente
La Gran cierra la temporada, en su nuevo espacio en Madrid, con una pequeña exposición formada por los libros y cuadernos que el artista Luis Pérez Calvo ha dibujado en los últimos meses y que se completan con otros de años pasados que el público puede ver por primera vez.
Intencionadamente dados los desafíos de lo que llaman nueva normalidad, la galería plantea un proyecto en el que es necesario tomar las obras con las manos (con guantes, aunque ya era así antes) y pasar sus páginas para poder conocer su contenido por completo: los cuadernos solo pueden verse tacto mediante y bajo sus tapas hay dibujos y collages que existen o se activan únicamente utilizando las manos, con una cadencia siempre más lenta que la de las pantallas.
En los trabajos de Pérez Calvo encontraremos historias mínimas que albergan, a menudo, una invitación a aferrarnos a los pequeños detalles de la vida que teníamos antes del confinamiento –o soñábamos tener – para intentar reconstruirla después. Se trata de pequeñas crónicas, a menudo denostadas en favor de los grandes relatos, pero que muestran, en la suma de todas sus páginas, cómo el arte es siempre una necesidad, no solo para los creadores, y una inquebrantable fe en su capacidad para transformar nuestra mirada e incluso para aportar esperanza.
El autor madrileño tuvo que abandonar otros proyectos de mayor formato para volcarse casi compulsivamente en los cuadernos de pequeño formato que encontró a mano. Los pensamientos que podemos leer en ellos transitan entre lo apocalíptico –lo vemos en esas ciudades abandonadas en medio de paisajes desolados llenos de agujeros por donde salen “bichos”–; la desesperanza, a causa de los fallecimientos de artistas admirados o de las noticias pésimas de las primeras semanas de encierro; la necesidad de refugiarse en la anécdota y poner algo de humor para huir del pesimismo o el lento regreso a los temas de siempre, como las relaciones entre la música popular y la alta cultura. Por eso las tres historias principales que muestran estos cuadernos llevan por título “Apocalipsis”, “Cronicavirus” (compuesta por viñetas que el artista ha compartido en redes sociales) y “Discoteca Esencial Post Covid”.
Contemplaremos, en suma, metáforas de la vida misma: cada dibujo constituye un borrador que no se podrá pasar a limpio porque nació en un momento concreto e irrepetible y narra lo que sucedió en unos días terribles como única vía para superar los traumas. Nos propone La Gran, en suma, pasar página en la medida de lo posible pasando páginas. La exhibición puede visitarse hasta el 17 de julio.
Luis Pérez Calvo. Página del cuaderno Apocalipsis, 2020
![Alberto Giacometti dans le parc d’Eugène Rudier au Vésinet, posant à côté des Bourgeois de Calais de Rodin [Alberto Giacometti en el parque de Eugène Rudier en Vésinet, posando junto a Les Bourgeois de Calais (Burgueses de Calais) de Rodin], 1950 Fotografía: Patricia Matisse](https://masdearte.com/media/mapfre_audio_giacometti_rodin.jpg)
