Hasta el próximo 25 de abril, el Centro de Arte y Tecnología ETOPIA de Zaragoza presenta “Tensiones escópicas”, proyecto nacido de la beca de producción Cesar e-Fluxus Laboratorio Audiovisual que el artista turolense David Cantarero Tomás desarrolló recientemente en este mismo espacio. La exhibición, comisariada por Nerea Ubieto, recoge los frutos de esta estancia y también varios trabajos vinculados a la línea de investigación del artista realizados en otras dos residencias artísticas, en Bilbao y Bregenz (Austria), además de dos obras inéditas.

DRAWING ROOM MADRID celebrará su quinta edición, del 26 de febrero al 1 de marzo, en el Palacio de Santa Bárbara. Contará con una selección de 16 galerías de España, Portugal, Holanda, Reino Unido, Suecia, Italia, Colombia y Argentina; será dirigida por la comisaria y productora cultural Mónica Álvarez Careaga y presentará los trabajos de cuarenta artistas, algunos inéditos en nuestro país.

Esta cita es la única feria realizada en España dedicada en exclusiva al dibujo contemporáneo y cuenta también con edición lisboeta.

Las salas participantes serán Fonseca Macedo (con José Loureiro, Isabel Madureira Andrade y Olivier Nottellet), José Amar (Alejandro García Restrepo, Felipe Bedoya y Yosman Botero), Lucía Mendoza (Salustiano), Monumental (Manuel Gantes, Teresa Dias Coelho, Sebastião Castelo Lopes y Lourenço de Castro), Siboney (Sergio Mora), Silvestre (Irene González, Marta Barrenechea, Klass Vanhee), Bart (Lawrence James Bailey, Raymond Lemstra y Toni van Tiel), La Carbonería (Jorge Vicén y Elián Stolarsky), My Name´s Lolita Art (Paco Pomet e Illán Argüello), Ogami Press (Javier Pividal, Almudena Lobera y Alfonso Albacete), Otto Galería (Eduardo Stupía, Flavia Martini), Pepita Lumier (Daniel Torres, Alejandra de la Torre), Pitt Studio (John Robinson y Tony Squance), Shazar Gallery (Rocco Dubbini, Stefania Ricci), Uma Lulik (Paulo Lisboa y AnaMary Bilbao) y WADSTRÖM TÖNNHEIM GALLERY (María José Gallardo, Daniel Fleur y Ana Vélez).

Hasta el próximo 21 de junio, la Sala permanente de fotografía del Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presenta una selección de imágenes de Alberto Schommer pertenecientes a este centro y escogidas, en su momento, por el propio autor. El artista, fallecido en 2015, se inició en la fotografía tras su paso por los ámbitos de la pintura y la publicidad y su primera estética se acercó al neorrealismo italiano.

En 1969 comenzó a desarrollar su célebre serie de Retratos Psicológicos (1969-1973), en los que se alejó de la austeridad de los grandes retratistas de la época, como Irving Penn y Richard Avedon, para construir ampulosas puestas en escena en las que situar a sus modelos. Sus retratos se acercan a un simbolismo barroco: además de diseñar la escenografía, dirigía las poses y caracterizaba a los personajes que se exponían a su mirada.

Han sido muchos los fines con los que el color negro se ha utilizado en la historia del arte, por razones técnicas (otorgar profundidad) o emotivas (apelar a nuestro lado oscuro). Víctor Lope lo convierte en protagonista de su nueva muestra colectiva, abierta hasta el 1 de febrero: “Seis historias y un color” reúne trabajos de artistas que han desarrollado su obra fundamentalmente en blanco y negro y dando primacía a lo oscuro sobre lo claro, también a las emociones.

Se trata de Mariajosé Gallardo, Kepa Garraza, Max Gärtner, Concha Martínez Barreto, Frank Plant y Alastair Whitton.

El patronato de la Fundación Oteiza ha decidido hoy nombrar nueva presidenta de la Fundación Museo Jorge Oteiza a Jaione Apalategi, que sucede  a Rafael Moneo, quien ha ejercido el cargo desde 2014.

Apalategi, profesora  titular del Área de Conocimiento y Didáctica y Organización Escolar en el Departamento de Ciencia Humanas y de la Educación de la Universidad Pública de Navarra, es miembro del patronato de la Fundación Museo Jorge Oteiza desde su creación en 1996.

Moneo, por su parte, continuará vinculado a la Fundación como patrono y presidente de honor. El patronato de esta institución ha agradecido su labor, “un trabajo esencial que ha impulsado numerosas acciones dirigidas a reordenar los objetivos de la Fundación y ayudar en la consideración de la obra de Jorge Oteiza”, a la vez que ha valorado su “calidez humana y ambición intelectual”.

Hasta la fecha han presidido el patronato de la Fundación Oteiza Juan Huarte, Pedro Manterola, Francisco Calvo Serraller y el mencionado Moneo.

Hasta el próximo 21 de febrero, la Galería Freijó madrileña presenta “Archivos cromáticos”, un repaso a la producción reciente del pintor abstracto Enrique Brinckmann. En ella se sirve de soportes y materiales que trascienden lo pictórico (rejillas, cartones, elementos industriales) y, sobre todo, introduce metal y contrachapado, homenajeando la estética de la tecnología pero sin dejar a un lado las posibilidades del reciclaje.

El 11 de diciembre de 2019 quedó proclamada la nueva Junta Directiva del Instituto de Arte contemporáneo (IAC) para el periodo 2020-2023, que asumirá sus funciones la primera semana de febrero de 2020. Marta Pérez Ibáñez es su presidenta, Daniel Castillejo, su vicepresidente; Begoña Martínez Deltell es su secretaria y Sonsoles Vidal, su tesorera. Serán vocales Eugenio Ampudia, María Virginia Jaua, Lucía Mendoza, Isabel Niño, Juan Carlos Robles, Blanca de la Torre y Lucía Ybarra.

El IAC ha anunciado que sus líneas de trabajo serán la implantación de buenas prácticas en museos y centros de arte, la mejora en la transparencia en la gestión de los museos y centros de arte contemporáneo, el diálogo con las autoridades políticas locales, el impulso a la promoción internacional del arte español contemporáneo, la reflexión sobre la noción de patrimonio y arte público, el estímulo hacia el patrocinio, la elaboración de un completo estudio sobre la educación artística para examinar sus carencias y reconducir sus premisas, lograr un acuerdo generalizado sobre las buenas prácticas en las relaciones entre artistas, comisarios, educadores, gestores culturales, mediadores, galeristas, coleccionistas y museos, centros o instituciones y la apertura de un debate sobre el tratamiento de la información en materia de arte contemporáneo y sobre su presencia en los medios de comunicación.

Los contemporáneos de Tiepolo lo consideraron, en el siglo XVIII, el mejor pintor veneciano. Para conmemorar el 250 aniversario de su muerte, Staatsgalerie Stuttgart ha reunido en una gran antología los trabajos del artista presentes en su colección y también pinturas prestadas por destacadas colecciones internacionales, públicas y privadas. Se trata de la primera muestra en revisar el legado del italiano en un país de habla alemana y arroja luz sobre la diversidad de su producción, que consta de obras de temática mitológica, histórica y religiosa, así como de caricaturas, dibujos y grabados.

En diálogo con ellas, el centro también exhibe un vídeo creado especialmente para la ocasión a cargo de Christoph Brech. La retrospectiva puede visitarse hasta el 2 de febrero.

El pasado 2 de enero falleció en Los Ángeles John Baldessari, el artista estadounidense que fue en la década de los sesenta pionero del entonces emergente arte conceptual gracias a pinturas en las que combinaba texto e imagen. Tras conmocionar al mundo del arte cuando anunció su intención de quemar todas las obras que había realizado entre 1953 y 1966, centró su atención en el medio fotográfico, sirviéndose de fotogramas cinematográficos y material descartado por directores de filmes norteamericanos para elaborar célebres fotocomposiciones.

Su producción se caracteriza por el ingenio, la ironía y la superposición de imágenes tomadas de los medios de comunicación, de la pintura y de la publicidad, y ha ejercido una influencia fundamental en los trabajos de Cindy Sherman, David Salle o Barbara Kruger.

1.170.669 personas visitaron el Museo Guggenheim Bilbao el año pasado, la cuarta mejor cifra en la historia del centro vasco. Se mantiene el porcentaje habitual y mayoritario de extranjeros (69% del total), que proceden fundamentalmente de Francia, Gran Bretaña, Alemania, Estados Unidos e Italia. El público del País Vasco se sitúa en el 9%, mientras que el porcentaje de visitantes del resto de España es del 22%, destacando como en años anteriores los procedentes de Cataluña y Madrid.

Las exposiciones más visitadas de 2019 en el Museo Guggenheim fueron “Una mirada atrás: Giorgio Morandi y los maestros antiguos” (más de 700.000 visitas), “Jenny Holzer: Retrospectiva” (más de 650.000) y “Lucio Fontana. En el umbral” (más de 550.000).

En cuanto a los programas educativos, en 2019 han participado 105.790 personas en las diferentes actividades presenciales y online que ofrece el Museo y 917.987 han hecho uso de los espacios didácticos complementarios a la programación artística.

El Museo Picasso malagueño registró 703.807 visitas en 2019, cifra que supone un incremento del 4% respecto al número de personas que se acercaron a la pinacoteca en 2018. Además, durante el pasado año tomaron parte en sus actividades educativas 27.515 personas, entre las que se encuentran los participantes del proyecto de accesibilidad que desarrolla la pinacoteca con la colaboración de Obra Social “la Caixa”.

Junto al interés por acercarse a la obra de Picasso a través de la Colección Museo Picasso Málaga, gran parte de los visitantes ha recorrido las tres exposiciones temporales de 2019: “Olga Picasso“, organizada junto al Musée Picasso de París, que viajó posteriormente a CaixaForum Madrid; “Bruce Nauman. Estancias, cuerpos, palabras“, producida por el Museo Picasso Málaga con la colaboración de Obra Social “la Caixa”; y más recientemente, “Calder-Picasso“, que puede contemplarse hasta el próximo 2 de febrero.

En la década de los sesenta, un grupo de artistas de vanguardia comenzó a impulsar la abstracción en nuevas direcciones: Helen Frankenthaler aplicó lavados acrílicos diluidos al lienzo de algodón sin imprimar y Morris Louis, Kenneth Noland o Jules Olitski vertieron, empaparon o rociaron metódicamente pintura sobre lienzos, eliminando el gesto que había resultado fundamental para los expresionistas abstractos en los cincuenta. En sus nuevos trabajos, figura y fondo se fundieron a través del color.

El Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York presenta, hasta el 2 de agosto de 2020, “The Fullness of Color: 1960s Painting”, un exhaustivo examen al movimiento de la llamada abstracción postpictórica bajo el comisariado de Megan Fontanella.

Aún no ha terminado el año, pero el Rijksmuseum de Ámsterdam ha alcanzado ya su cifra anual más alta de visitas desde que abriera sus puertas en 1885: 2,7 millones. De ellos, más de un millón procedía de los Países Bajos, lo que significa un aumento en el público nacional del centro de un 20%; el incremento de visitantes menores de 18 años fue de 100.000, hasta los cerca de 475.000.

Desde la dirección del Rijksmuseum se atribuyen estas cifras positivas a las celebraciones del Año Rembrandt, y las exposiciones vinculadas a esta iniciativa, y al proyecto Operation Night Watch, para la investigación y restauración de la obra más célebre de ese artista: Ronda de noche.

La escultura Julia, de Jaume Plensa, realizada bajo el mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, continuará en la Plaza de Colón de Madrid durante un año más, hasta el 20 de diciembre de 2020, tras alcanzar un acuerdo esa institución y el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

El consistorio solicitó a la Fundación, que ha estrenado sede en la capital, la prórroga para mantener durante doce meses más esta escultura en su actual emplazamiento: sobre el antiguo pedestal de la plaza de Colón, donde hasta hace unos años estuvo situada la estatua del almirante.

Julia, que tiene una altura de 12 metros, está realizada con resina de poliéster y polvo de mármol blanco y fue creada específicamente para la plaza de Colón. Andrea Levy, responsable del Área de Cultura, ha avanzado además que se está valorando la instalación de otras esculturas en diferentes emplazamientos que complementen la oferta cultural de la ciudad.

Hasta el 19 de julio de 2020, Los Angeles County Museum of Art presenta “Fiji: Art & Life in the Pacific”, la primera muestra importante dedicada al arte de aquella cultura que se presenta en Estados Unidos. Consta de más de 280 piezas procedentes del Museo de Fiji, el British Museum, el Museo de Arqueología y Antropología de Cambridge o el Smithsonian y también de destacadas colecciones privadas.

No faltan en el recorrido esculturas figurativas, cuencos rituales, telas y objetos de marfil o perla, templetes portátiles… y tampoco fotografías históricas de la colección Blackburn de este museo.

El Museo del Prado se aproxima al fin del año de su Bicentenario habiendo logrado un récord anual de visitantes: 3.353.685 personas se han acercado a su sede o a sus muestras itinerantes, superando el anterior máximo histórico, que se remontaba a 2016, año en que la pinacoteca presentó su exhibición dedicada a El Bosco. La cifra supone, además, un incremento del 10% respecto a su público de 2018.
Han sido 3.068.380 espectadores los que han disfrutado de la colección permanente del Museo en el edificio Villanueva y de sus exposiciones temporales en el edificio Jerónimos y cerca de un millón y medio han accedido al centro de forma gratuita, por hacerlo en horario de entrada libre o por pertenecer a alguno de los colectivos que cuenta con ese beneficio.

El aumento del número de visitantes ha llevado a que este Bicentenario sea el ejercicio en el que mayor número de entradas generales se han vendido: 1,4 millones, que han permitido el ingreso de más de 21 millones de euros.

Según Javier Solana, presidente del Real Patronato del Museo del Prado, el objetivo prioritario del Bicentenario era estrechar lazos con los ciudadanos españoles y extranjeros, volver a tender puentes con la sociedad y poner en valor el inmenso tesoro artístico que se aquí se conserva y tengo claro que, gracias a un tremendo esfuerzo de los empleados y de la dirección del Museo, lo hemos conseguido.

El Centro Botín, Chillida Leku y el Museo de Bellas Artes de Bilbao han firmado hoy un acuerdo con el objetivo de generar sinergias que contribuyan a la promoción de nuevas actividades culturales al servicio de la sociedad. Estará vigente a partir del 20 de diciembre y busca favorecer la visita a los tres museos y dar a conocer sus programaciones. Tendrá una duración de un año y, salvo que se decida lo contrario, se prorrogará automáticamente por periodos iguales.

El convenio se materializa en tres ámbitos específicos de la gestión museística: la política de tarifas, los beneficios para los colectivos de socios y la comunicación para la difusión de actividades.
Respecto a la bonificación tarifaria, se ha acordado aplicar un descuento del 20% sobre el precio de la entrada general que cada uno de los museos tenga establecido a quienes hayan visitado previamente cualquiera de las otras dos instituciones y presenten en la taquilla la entrada que lo acredite.

Quienes pertenezcan a colectivos de socios de estos centros (poseedores del bono anual o Amigos del Museo) se beneficiarán de un descuento del 30% sobre la entrada general vigente, también previa acreditación y, en cuanto a la comunicación, el acuerdo implica que los beneficios incluidos en este convenio se anunciarán en los soportes de comunicación de cada uno de los tres museos y, especialmente, en sus canales digitales, conforme a un plan de difusión que destaque los hitos anuales consensuados por las tres instituciones (periodos vacacionales, festividades, exposiciones de alcance, etcétera).

Luis San Sebastián presenta, en la Galería Adora Calvo salmantina, “Hyperviolence”, exhibición en la que reflexiona sobre el tratamiento de la violencia política en la historia del arte durante los siglos XIX y XX analizando las relaciones entre movimientos artísticos y sociales y subculturas.

Ha tomado como referentes la exposición “Laocoonte Devorado. Arte y Violencia Política”, que Javier González de Durana comisarió en ARTIUM en 2004, y La Naranja Mecánica, novela de Burgess llevada al cine por Stanley Kubrick. Al reflexionar sobre estos asuntos, San Sebastián los vincula además al ensayo Lo personal es político (1969) de Carol Hanisch y a la revolución feminista; también al terrorismo y a la historia que se repite. Comparte el artista la afirmación de Bourriaud de que la historia es la caja de herramientas que hay que usar ante la amnesia que se impone globalmente.

El pasado 14 de diciembre, tuvo lugar en Antequera la entrega de los Premios del XXIII Certamen Nacional de Pintura de la localidad y la inauguración de la exposición con las obras seleccionadas y ganadoras de la convocatoria en la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, donde podrán contemplarse hasta el 19 de enero de 2020.

El primer premio ha sido para Leonor Solans Gracia, por Niña y flora; el segundo ha recaído en Raúl Gil Rodríguez, por Pérgola; el tercero lo ha obtenido Pablo Díaz Merchante, por Frida Black y el cuarto ha sido para Isaac Cruces, por Madrid desde Cibeles. Todas las pinturas expuestas en la Pinacoteca pueden consultarse aquí.

Convoca el certamen la Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera, que este año, como novedad, ha establecido una bolsa de premios de 9.000 euros, que será el importe máximo destinado a reconocer las obras.