El Museo del Romanticismo participa, una vez más, en PHotoESPAÑA: presenta un proyecto de Alicia Martín que plantea disonancias y tensiones entre creencias y emociones que están en conflicto en el contexto del Romanticismo en nuestro país.
La idea central de la muestra reside en el intento de la artista de repensar el siglo XIX y las consecuencias que se derivan de algunas de las actuaciones, leyes e ideas que se desarrollaron entonces. Esta relectura la lleva a cabo a través de esculturas, vídeos y fotografías, sirviéndose del libro, su soporte habitual, como metáfora de los cambios sociales que se estaban produciendo y de nuestra mirada hacia lo “exótico”, a lo que se entendía como atraso respecto a la modernidad.
La exhibición puede visitarse hasta el 10 de enero de 2021.
“Alicia Martín. Disonancia” en el Museo Nacional del Romanticismo
La partida inmortal de Mabi Revuelta
Hasta el próximo 24 de enero, Azkuna Zentroa (Bilbao) acoge la muestra “Acromática. Una partida inmortal” de la artista, también bilbaína, Mabi Revuelta.
Bajo el comisariado de Susana Blas y tomando el ajedrez como hilo conductor, la exposición revisa la carrera de Revuelta y presenta también el proyecto inédito que da título a la misma. El recorrido se inicia con la instalación Naturaleza muerta con perlas negras, una pieza escultórica revisada que determina el tono poético del conjunto. Le siguen las diversas obras que componen Acromática, inspiradas en la partida de ajedrez llamada Inmortal, disputada en 1851 entre Adolf Anderssen y Lionel Kieseritzky. La última sección lleva por nombre Línea de tiempo y resume la trayectoria de la artista a partir de las cuatro eras del ajedrez: romántica, científica, hipermoderna y dinámica.
Las obras de Mabi Revuelta reflexionan, desde sus inicios, sobre asuntos universales: las relaciones entre realidad y ficción, la permeabilidad entre disciplinas como la literatura, las artes escénicas, la escultura, el dibujo o las artes audiovisuales; la investigación sobre la educación artística y la búsqueda de estrategias didácticas para valorar el hecho artístico como motor de cambio social.
La exhibición podrá verse en Tabacalera Promoción del Arte (Madrid) a partir de febrero de 2021.
Mabi Revuelta. “Acromática. Una partida inmortal”. Azkuna Zentroa
El Museo Picasso de Málaga celebra su 17º aniversario con una jornada de puertas abiertas
El Museo Picasso de Málaga celebra, una vez más, el aniversario de su apertura con una jornada de puertas abiertas. Este mes de octubre el centro cumple diecisiete años y quienes se acerquen a visitarlo mañana, 27 de octubre, podrán acceder de forma gratuita en horario de 10:00 a 18:00 horas (acceso hasta las 17:30 horas) y así conocer sus renovadas salas de la colección permanente (Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023), además de la exposición fotográfica “Picasso visto por Otero”, que nos descubre la vida cotidiana del artista a través de la cámara de Roberto Otero.
Además, con motivo de la apertura de El otro museo, un espacio para el debate y los talleres, desde las 11:00 hasta las 14:00 horas todos los visitantes, con la ayuda de un educador, podrán experimentar y descubrir técnicas como la cerámica, la estampación y la hilatura, con las que Picasso estuvo relacionado.
Mostrado por primera vez en MACRO – Museo de Arte Contemporáneo de Roma en 2018, este impresionante proyecto escultórico, que reflexiona sobre el concepto de límite, es una instalación concebida como itinerante, pero a la vez site-spefic, que en este caso está integrada por 56 módulos de láminas de vidrio serigrafiadas por ambos lados, de dos metros y medio de alto por ochenta de ancho, adaptada por el artista a este espacio.
En palabras de Borondo ““Non Plus Ultra” es en primer lugar una experiencia, una sensación. El espectador se enfrenta constantemente con los límites del espacio, constituidos por las láminas de vidrio, obstáculos visibles pero también transparentes. Límites que podrías romper, cruzar, si eliges arriesgar. Romper los límites asusta. Vivimos con el miedo de ir más allá del límite, siempre acompañados por el sentimiento de incertidumbre. Pero creo que el artista dentro de la sociedad desempeña precisamente este papel, transgredir los límites impuestos por las normas.”
Podéis visitarlo hasta el próximo 31 de octubre.
Gonzalo Borondo. “Non plus ultra”. Foto: Roberto Conte
Paula Anta lleva al Jardín Botánico sus Topologías de la memoria
Hasta el próximo 8 de diciembre, la fotógrafa madrileña Paula Anta presenta en el Real Jardín Botánico “Nudos: Topologías de la memoria”, muestra en la que reflexiona sobre la naturaleza y las leyes que la rigen y sobre si su posible caos es tal o solo aparente. Nos enseña imágenes que presentan una colección de cúmulos vegetales; en su desorden azaroso encuentra esta autora un orden aplicable al universo.
Encontraremos marañas vegetales fáciles de vincular a nuestras conexiones neuronales, pero también a los movimientos de las galaxias unidas gravitacionalmente, a órbitas que parecen desordenadas y aleatorias, pero corresponden asimismo a un orden.
En palabras de la artista, en mis imágenes no hace falta perspectiva, no necesitamos la tridimensionalidad, no existe profundidad porque todo se mueve dentro de unos parámetros universales. Ya no es importante si estas imágenes pertenecen a un lugar determinado, a un país específico, a una geografía concreta. Estos nudos vienen de muchos lugares y del mismo. Por eso el encuadre encierra, no da más información innecesaria, se centra en el cúmulo de líneas, en su movimiento aparentemente estático. Ni siquiera hay un movimiento circular, un ir y venir, porque todo esta ya ahí de antes: en nuestro discernir, en nuestro sistema circulatorio, en nuestra mirada hacia la realidad externa, en la naturaleza a la que pertenecemos, en nuestra propia esencia.
Paula Anta. Faces, 2019
El Museo Nacional del Prado presenta su primera Guía Oficial para smartphones
El Museo del Prado, junto a Samsung, ha lanzado la app La Guía del Prado, destinada tanto a amantes de la historia del arte como a quienes quieran preparar su visita a la pinacoteca o estudiar a fondo los detalles de sus obras preferidas, porque pone a disposición de los usuarios cuatro centenares de obras para disfrutarlas desde cualquier lugar y en cualquier momento.
Según el director del Prado, Miguel Falomir, esta aplicación quiere servir tanto al visitante no iniciado como al especialista, y acercar el Museo a un público cada vez más numeroso e interesado en obtener una información clara y precisa de las obras que en él se conservan. Nuestro deseo es que esta guía acompañe e ilustre a quienes tengan el placer de recorrer las salas, y que aproxime la colección a quienes no puedan hacerlo.
Está disponible para smartphones y sigue la estela de la versión impresa de la guía, publicada por primera vez en 2008, que se ha convertido en la publicación del Prado con mayor difusión: más de 600.000 ejemplares vendidos en 10 idiomas.
Categorizada por escuelas y autores, incluye más de 400 obras comentadas por los conservadores y especialistas del Museo, que informan al usuario sobre la historia narrada en cada obra, la personalidad artística del autor o su importancia en el conjunto de las colecciones u otros asuntos de interés histórico artístico con datos actualizados. Además, todas las obras incluyen ficha técnica y sus imágenes están accesibles para la descarga en alta definición.
De navegación sencilla e intuitiva, la app cuenta con una presentación general, una historia del Museo y capítulos con introducciones que dividen cada colección y que agrupan las obras en torno a un artista, un género, una época, etc.
Se trata de la segunda app oficial del Prado, tras “El Tesoro del Delfín”, y se suma al reciente lanzamiento de obras disponibles del Prado en la app “S Pen Academy”. Como novedad, hasta el 21 de noviembre y en exclusiva los usuarios de dispositivos Samsung compatibles podrán descargarse gratuitamente el contenido completo de la aplicación, que de otra forma cuesta 5,49 euros.
La guía está disponible en español e inglés, y próximamente en francés, alemán, italiano, portugués, japonés, chino, ruso y coreano, tanto en Android como en iOS.
App La Guia del Prado
Carlos Irijalba, Premio La Palabra Pintada por Exaptación
La Fundación Ankaria ha concedido al creador navarro Carlos Irijalba el VII Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista, por su proyecto Exaptación. Se trata de una reflexión sobre ese concepto, que acuñó la paleontóloga sudafricana Elisabeth Vrba para referirse a los rasgos genéticos originales de algunas especies que, durante la evolución, adoptan funciones diferentes.
Sirviéndose de espuma metálica (empleada desde los sesenta para prótesis) como material de trabajo, el artista ha creado un libro formado por 24 piezas únicas, el mismo número que costillas tiene el ser humano, junto al texto original de Elisabeth Vrba y anotaciones del propio Irijalba sobre un papel piedra irrompible e impermeable.
Según el autor, el libro remite en su forma y apariencia al libro tradicional, con lomo, cubiertas y tripa, en un juego dialéctico entre la obsolescencia y la misma exaptación, pero el interior aloja la diversidad latente de otros posibles usos, como un repositorio mineral capaz de nuevos propósitos.
El segundo premio ha recaído en el venezolano José Luis Castro por su obra Velázquez, un ejercicio de deconstrucción y recreación a partir de un libro ilustrado de la obra del genio sevillano. Sobre las láminas que reproducen algunas de las pinturas más famosas del autor barroco, y valiéndose del collage, Castro ha llevado a cabo una intervención que dota a estas obras, y al mismo libro, de connotaciones nuevas.
Por último, el premio especial Javier Rosón Pérez, destinado a un artista joven menor de 28 años, ha recaído en la madrileña María del Carmen Rodríguez Jiménez por su obra Kalós Éidos Scopéo, una pieza única articulada en torno a la cuestión del empleo de superficies especulares para la creación de ilusiones ópticas que demandan al espectador su interacción con la obra. El libro cuenta con 13 imágenes caleidoscópicas.
A esta última edición del Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista concurrían 276 obras de artistas procedentes de todos los lugares del mundo y el jurado estuvo compuesto por el presidente de la Fundación Ankaria, Ricardo Martí Fluxá, y por los patronos de la institución, Saleta y Javier Rosón, Jaime Mairata y José María Luna.
La dotación económica del galardón (3.000 euros para el primer premio, 1.500 para el segundo y 1.000 para el vencedor en la categoría joven) está destinada a la adquisición de obra de los artistas galardonados. Por otro lado, el proyecto ganador pasará a formar parte de la exposición “La Palabra Pintada”, que continúa su itinerancia por España. En ella se pueden encontrar los trabajos de los últimos premiados: Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016), Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018) y Ana Soler (2019), junto a las piezas de figuras consagradas que componen el cuerpo central de la muestra.
Carlos Irijalba. Exaptación
Elisa Torreira: sobre vestido y protección
Hasta el próximo 8 de diciembre, el Centro de Escultura de Candás Museo Antón (Candás, Asturias) presenta “Área protegida”, muestra dedicada a la propuesta de Elisa Torreira que obtuvo la Beca Antón de ayuda a la creación e investigación escultórica en 2019.
Artista y poeta, Torreira presenta un proyecto justamente híbrido, a medio camino entre la escultura, la instalación y la poesía, en el que se sirve del vestido como símbolo de protección y también como signo de autoidentificación y de identificación de cara a los demás en tiempos de Big Data uniformante.
La producción de esta autora tiene como eje el estudio de las posibilidades de verbalización del objeto artístico: trata de llevar la poesía a contextos más allá del literario y ha trabajado en libros de artista, poemas-objeto, performances e instalaciones escultóricas. En Candás exhibe ahora un imaginario de vestidos que trascienden lo que las prendas pueden tener de apariencia más o menos fútil para hablarnos de rasgos atribuibles a nuestra sociedad, como la tendencia a la decepción, a la soledad y a un dolor a duras penas expresado. Estos vestidos son metáforas de nuestra fragilidad ante los traumas personales y sociales; según Natalia Alonso Arduengo, el vestido-nicho es el refugio en el espectáculo del mundo del cual somos actores y actrices en escena, pero también somos el público con trastorno por déficit de atención.
En el Museo Antón, Torreira nos invita a transitar entre intersticios: los existentes entre los lenguajes de la poesía, la escultura y la instalación y, físicamente, entre los vestidos, que son a su vez barrera liminal entre nuestro cuerpo y el mundo, entre lo oculto y lo que se desvela, lo íntimo y lo social. Los que aquí se presentan son, a veces, frágiles como el papel o transparentes como el metacrilato: no tapan sino que exponen interiores y nos identifican como vulnerables. Además, desde su vaciedad plantean preguntas sin respuesta: desconocemos si podrían habitarse, a quién pertenecen esas ropas-escultura; los cuerpos ausentes que pudieron ceñir escapan a nuestra mirada.
La exhibición se articula en tres estancias: Silencio, Soledad y Ruido; desde sus mismos nombres, plantean la frecuente orfandad física y emocional del individuo contemporáneo, frente a la proliferación de felicidad propia de las redes sociales, y la necesidad de reconectar con la propia interioridad. El biólogo Edward O. Wilson se refería a nuestro tiempo como La Era de la Soledad y puede que la pandemia no haya hecho sino refrendarlo; en estos meses, la indumentaria, sobre todo la nueva del rostro, ha multiplicado su sentido protector.
Elisa Torreira. Silencio. “Área Protegida”. Museo Antón. Fotografía: José Ferrero
Victoria Iranzo, Premio BMW de Pintura 2020
La artista valenciana Victoria Iranzo ha obtenido el 35º Premio BMW de Pintura con su obra Rue Africaine. Recibirá 25.000 euros. José Castiella, con Fail anti stuff mechanism, ha logrado la Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica (8.000 euros) y Carolina Ferrer ha sido reconocida con el Premio a la Innovación, dotado con 6.000 euros, por El lugar de la espera. En la categoría infantil, que premia el “talento más joven”, ha sido galardonada la madrileña Helena Serrano con El baño del gato. Esta modalidad está premiada con 4.000 euros.
Victoria Iranzo ya recibió la Beca Mario Antolín en el año 2014 por Protective custome. En Rue Africaine muestra su imaginario personal, que se basa en la idea de pintura como campo de batalla. Presenta a una figura erguida, frontal y valiente ante la incertidumbre del tiempo y se sirve de la metáfora del vestido como protección y nuevo elemento sujeto al cambio y a la necesidad de adaptación al medio.
Castiella, por su parte, concibe la pintura como herramienta para la especulación y las figuras que encontramos en sus obras surgen como fruto del azar, adquiriendo un rol narrativo durante su proceso creativo. Sin embargo, contemplando sus pinturas y esculturas tendremos la sensación de que unas y otras pertenecen al mismo mundo, coherente aunque de reglas desconocidas.
Y Carolina Ferrer ha representado en El lugar de la espera un espacio para la pausa y la reflexión y quizá para el cambio: contiene ambivalencias, ilusión e inquietud, porque puede entenderse como prólogo o como epílogo. La obra debe su título al libro homónimo de Sònia Hernández.
El jurado del premio ha estado compuesto por su presidente Enrique de Ybarra e Ybarra, Tomás Paredes, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte; Carmen Iglesias, miembro de la Real Academia Española y de la Real Academia de la Historia y Luis María Anson, periodista y escritor, presidente de El Imparcial y Miembro de la Real Academia Española.
El resto de artistas finalistas de este año han sido Alejandra Freymann con Sobre espejos iluminados (sur); Alejandro Calderón Martín con Contigo; Ana Barriga Oliva con La ofrenda; Cristina Toledo con Messages from spirits; Diego Vallejo Pierna con Negativo; Guillermo Mora con 2001 en 2020 y José Luis Cremades Milla con Plain air.
Victoria Iranzo. Rue Africaine
ESTAMPA pospone su 28ª edición a marzo de 2021
El pasado julio, la feria ESTAMPA anunciaba que participarían en su 28ª edición, a celebrarse en noviembre, ochenta galerías y que su Programa COLECCIONA se convertiría en un estudio de producción audiovisual para retransmitir en directo, y grabar, los proyectos artísticos de salas y artistas y el desarrollo de sus actividades.
La pandemia también ha obligado a posponer sus planes: el Comité Organizador de esta cita ha decidido retrasarla a marzo de 2021; tendrá lugar entre los días 18 y 21 en el Pabellón 6 de IFEMA. Según un comunicado hecho público hoy por los responsables de la feria, el objetivo es asegurar un contexto más favorable para la movilidad de galerías y visitantes, así como un entorno económico más positivo para el desarrollo comercial. Por ello, toda la estrategia y esfuerzo de producción, comunicación y protección seguirá su marcha, adecuándose a las nuevas fechas, y manteniendo un alto nivel de seguridad, con rigurosas medidas y protocolos que conviertan a los pabellones de IFEMA en un espacio seguro tanto para expositores como para visitantes y coleccionistas de la feria, que son el motor de ESTAMPA.
Próximamente, dicho Comité Organizador considerará la incorporación a la feria de proyectos que no pudieron sumarse al programa de la edición prevista para noviembre.
Vista general de ESTAMPA 2019
La Comunidad de Madrid adquiere obras de medio centenar de artistas para los fondos del CA2M
La Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid ha llevado a cabo una nueva adquisición de obras de artistas contemporáneos, con una inversión de 500.000 euros, con la doble finalidad de aumentar la colección del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles y de apoyar al sector en este año especialmente complicado.
La Comisión de valoración de adquisiciones resolvió, en su última reunión anual, adquirir 54 nuevas piezas de técnicas diversas (dibujo, instalación, escultura o fotografía) tras la importante respuesta obtenida en la convocatoria extraordinaria anunciada el pasado abril y destinada a paliar las pérdidas ocasionadas por la crisis del coronavirus. Se ha decidido realizar un aumento presupuestario significativo y retomar ofertas de las ya presentadas entonces para continuar apoyando al sector y ampliar su colección de obras de arte.
Estas nuevas adquisiciones responden tanto a ofertas de galerías de arte madrileñas como a las de artistas residentes en Madrid no representados por ninguna de ellas. En total, durante este 2020 la Comunidad de Madrid ha invertido 1.300.000 euros en obras de artistas contemporáneos, el importe más elevado destinado a este objetivo desde la creación de la colección de la Comunidad de Madrid (se ha incrementado un 433% del presupuesto para este fin).
Entre los autores del más de medio centenar de obras que han pasado a formar parte de la colección del CA2M se encuentran Cruz Novillo (Galería Fernando Pradilla), María Luisa Fernández (Galería Maisterravalbuena) o Francisco Leiro (Galería Marlborough), Begoña Goyenetxea o Josep Grau-Garriga (Galería Michel Soskine).
También se han adquirido instalaciones escultóricas y proyectos objetuales de jóvenes autores como Antonio Fernández Alvira, Antonio Guerra, Christian Lagata, Clara Sánchez-Sala, Elena Bajo o Marta Fernández Calvo, Esther Gatón, Luna Bengoechea (Galería Lucía Mendoza), Miren Doiz, Manuel Prados o Javier Fresneda.
En el terreno de la imagen, destacan la nueva pintura de Ángela Cuadra o Julio Sarramián (Galería Herrero de Tejada) y la de figuras consolidadas como Prudencio Irazábal (Galería Helga de Alvear), así como fotografías de Félix Lorrio, Clemente Bernad, Álvaro Sánchez Montañés, Isidro Blasco (Galería Ponce + Robles) o Nicolás Combarro. Los fondos de videoarte del CA2M se completarán con trabajos de Theo Firmo, Carlos Aires, Ana Esteve Reig, Alex Reynolds, Ion de Sosa y Mar Reykjavik.
Además, se han adquirido piezas de artistas pioneras del feminismo como Paloma Navares o Victoria Gil (Formato Cómodo) y de nuevos valores como Elena Jiménez o Marina Vargas, Andrés Senra (Swinton Gallery), María Gimeno o Daniel García-Andújar (Galería 1Mira Madrid).
El arte local relacionado con las políticas de la representación se enriquecerá en Móstoles con piezas de Chus García-Fraile, Cristina Llanos, Jorge García o Paula Rubio, y la investigación sociológica de la cultura de club en España, con una obra de Irene de Andrés.
La presencia latinoamericana en el arte de Madrid queda representada con obras de Marcelo Brodsky, Alexander Apóstol, Patrick Hamilton (Casado Santapau), María María Acha-Kutscher o Jimena Kato, y las artes vivas, con el registro de una performance de John Baldessari (Galería La Caja Negra) y las obras de Antonio de la Rosa (Galería Freijó), Nora Barón (The Ryder Projects), María Sánchez, PLAYDramaturgia y SEPA.
La Comisión de Adquisiciones que ha decidido las compras ha estado formada por Gonzalo Cabrera, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid; Manuel Segade, director del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo; Tania Pardo, subdirectora del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo y asesora de Artes Plásticas, y las especialistas Estrella de Diego y María Paz Corral.
OPEN GALLERY SEVILLA regresa los días 23 y 24 de octubre
Los días 23 y 24 de octubre tendrá lugar la segunda edición de Open Gallery, evento organizado por la Asociación de Galerías de Arte de Sevilla (AGAS) con el que inaugurarán conjuntamente la temporada artística en la capital andaluza, con horarios especiales de apertura y diversas actividades.
Las galerías que componen AGAS son Alarcón Criado, la Galería Birimbao, Delimbo Gallery, Di Gallery, Espacio Olvera, la Galería Haurie, la Galería Rafael Ortiz, la Galería Weber-Lutgen y la Galería Félix Gómez; esta última no podrá sumarse esta vez a la iniciativa. Con todas las medidas de seguridad sanitaria necesarias, sus nuevas exposiciones podrán visitarse el viernes 23, de 11:00 a 14:00 y de 18:00 a 22:00 horas, y el sábado 24, de 11:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 horas.
Alarcón Criado ofrece visitas guiadas a su exhibición de MP&MP Rosado y Di Gallery también programa recorridos guiados durante todo el fin de semana. El domingo, a las 12:00 horas, el crítico Carlos Delgado Mayordomo y el comisario de exposiciones Guillermo Amaya Brenes llevarán a cabo en esta sala una visita que será retransmitida por su cuenta de Instagram: @digallery_contemporaryart.
La Galería Haurie contará ese fin de semana con la presencia de la pintora burgalesa María José Castaño, protagonista de su nueva exposición, y la Galería Rafael Ortiz llevará a cabo una visita a su exposición colectiva el sábado 23.
Esta nueva edición de Open Gallery Sevilla se acompañará de ARCO Gallery Walk, una iniciativa organizada por la Fundación ARCO que se desarrolla también en ciudades como Madrid, Valencia o Barcelona. Constará en la capital hispalense de tres recorridos gratuitos y guiados a los diferentes espacios galerísticos de la ciudad que conforman AGAS. Solo podrán asistir a cada uno 10 personas –nueve interesados junto con la persona que realizará las visitas-, por lo que se requiere inscripción en el correo agasopengallery@gmail.com.
Quienes no puedan acercarse a Sevilla, podrán disfrutar de visitas virtuales a las exposiciones en la plataforma RedCollectors: www.redcollectors.com/opengallerysevilla.
MP&MP Rosado. “La bestia y el alma”. Alarcón Criado
TEFAF Maastricht 2021 se aplaza a mayo
Debido a la situación sanitaria internacional que todos conocemos, el Comité Ejecutivo de la feria TEFAF ha decidido modificar las fechas de celebración de TEFAF Maastricht 2021. La cita tiene lugar habitualmente a mediados de marzo, pero esta vez se desarrollará, en una versión acortada, del 31 de mayo al 6 de junio, con dos jornadas de preinauguración los días 29 y 30 de mayo de 2021. El objetivo del cambio es permitir que la comunidad global del arte –también los expositores de TEFAF– pueda reunirse de la forma más segura posible.
Hidde van Seggelen, presidente de TEFAF, explica esas razones: La seguridad de nuestra comunidad de TEFAF es nuestra máxima prioridad en el cumplimiento de nuestro compromiso de servir de inspiración a amantes del arte, coleccionistas e instituciones, contribuyendo al mismo tiempo a fomentar un mercado del arte flexible en el cual nuestros marchantes puedan prosperar.
El proceso de selección de galerías y anticuarios se desarrollará en las próximas semanas. Entretanto, del 1 al 4 de noviembre tendrá lugar TEFAF Online, nueva feria digital en la que casi 300 expositores mostrarán piezas únicas de sus fondos. Podremos contemplar desde un lienzo de Paul Cézanne hasta una escultura del artista chino Ai Weiwei, pasando por una silla del diseñador Sam Maloof, una pieza única de alta joyería de Hemmerle o una monumental cabeza egipcia de Min de la dinastía XVIII, entre otras obras destacadas. Sustituirá a la edición presencial de TEFAF Nueva York.
Helena Toraño y el soplo de los días
Hasta el próximo 31 de octubre, la Galería Gema Llamazares de Gijón dedica nueva individual, la segunda en este espacio, a Helena Toraño: “El soplo de los días”.
Consta de trabajos realizados por la artista de Llanes durante el pasado confinamiento y abundan entre ellos los paisajes y escenas que nos trasladan a mundos idílicos o soñados, como vía de escape. Parte la autora de composiciones cinematográficas a la hora de representar paseos de figuras solitarias o instantes, tan placenteros como cotidianos, anhelados.
En palabras de Toraño, los lienzos de esta serie están plagados de cielos inmensos, atardeceres y amaneceres, mares en calma y otros más bravíos, prados, árboles, flores, caminos, acantilados, amigas…
En este tiempo tan extraño, siento que la idea del arte como vía de escape tiene más sentido que nunca. Después de la cantidad de información que recibimos por todos los medios (redes sociales, radio, televisión o prensa) muchos hemos sentido la necesidad de desconectar. Yo encuentro esos momentos de paz mientras pinto y quiero conseguir ese mismo efecto en el espectador. Me gustaría que cuando miren mis cuadros se sumerjan en ellos y se olviden, aunque sea por un momento, de la realidad. Quiero que mis cuadros sean ese lugar y ese momento al que les gustaría escaparse si pudieran.
Helena Toraño. La carta, 2020
José Roca, director de la próxima Bienal de Sidney
El comisario colombiano José Roca será director artístico de la próxima edición de la Bienal de Sidney, cuya 23ª edición tendrá lugar del 12 de marzo al 13 de junio de 2022.
Roca es director artístico del espacio de arte contemporáneo sin fines de lucro FLORA ars + natura, con sede en Bogotá, y fue Curador Adjunto de Arte Latinoamericano Estrellita B. Brodsky para la Tate entre 2012 y 2015. También ha dirigido el programa de artes del Museo del Banco de la República (MAMU) de Bogotá, fue curador en jefe de la octava Bienal de Mercosul (2011) y co-curador de la 27ª Bienal de São Paulo o director artístico de Philagrafika 2010.
José Roca, director de la próxima Bienal de Sidney
Elisa Terroba teje referentes
Esculturas, instalaciones, piezas textiles y libros intervenidos de Elisa Terroba forman parte de la muestra “Tejer los referentes”, que la artista presenta hasta el 4 de octubre en la Fundación Laxeiro de Vigo.
El procedimiento de trabajo habitual de esta autora malagueña consiste en desmontar, disolver y fragmentar libros para volver a montarlos de forma diferente, deconstruyendo y pervirtiendo sus estructuras para construir un nuevo orden matemático y subrayando la realidad híbrida que el libro vive en nuestros días y la modificación de su lenguaje en la sociedad digital. Sus piezas en la exposición centran su temática en la Historia del Arte.
Elisa Terroba. “Tejer los referentes”. Fundación Laxeiro
La violencia en la escultura
La Galería Nordés de Santiago de Compostela ha iniciado la temporada de la mano de Dalila Gonçalves. Su exposición, “Amanhar”, hace referencia a la violencia, nunca desordenada, inherente a los procesos de trabajo de la escultura. Es posible atisbar paisajes en las piezas, evocaciones del agua, los peces y la tierra, pero estas surgen sobre todo de las redes de sentido que se establecen entre unas obras y sus vecinas.
Algunos de los trabajos expuestos parecen fruto de la disección: para Gonçalves, destripar y desgarrar la materia puede ser un acto poético además de un método.
Dalila Gonçalves. “Amanhar”. Galería Nordés
Javier Balda: todo no es color
Hasta el próximo 23 de octubre, Javier Balda presenta en la Galería Lumbreras de Bilbao “Todo no es color”, una selección de trabajos en los que ha continuado trabajando en la reformulación de la pintura a partir de su fragmentación y el estudio de su materialidad, hasta convertirla prácticamente en un artefacto ambiguo.
La acumulación resulta fundamental en sus procesos de trabajo: Componer y ocupar como una extensión del cuerpo y del lugar, del espacio que se llena de fragmentos aparentes; realmente las capas de color y los materiales van negando la composición de la imagen, clausuran la anterior y los efectos de esa clausura se transforman en cuerpos estéticos en sí mismos. La aplicación de una intuición acumulativa, aceptándola y no trabajando contra su apariencia, dan la respuesta a la experiencia de lo inacabado.
Javier Balda. Sin título, 2020
ARCO 2021 se celebrará en julio para no perder presencia internacional
IFEMA y el Comité Organizador de ARCOmadrid han anunciado esta tarde que, excepcionalmente, la 40ª edición de la ARCO no se celebrará en febrero, sino del 7 al 11 de julio de 2021. La decisión, según han explicado, se debe a “la permanente voluntad de ofrecer una feria con garantías de éxito comercial para las galerías participantes, en unas fechas en las que previsiblemente se vivirá un mejor entorno que permita la movilidad internacional, y con ello el encuentro con galerías, coleccionistas y profesionales de todo el mundo, y que permita el desarrollo de la Feria en un contexto económico más estable”.
Ha tenido, asimismo, peso en la decisión el hecho de que la cita cumpla el año que viene cuatro décadas: se está preparando, con ese motivo, un programa que espera alcanzar la repercusión internacional debida. Además, así podrán contar con más tiempo de trabajo y preparación de proyectos las galerías, instituciones y agentes participantes y se espera garantizar a los visitantes, tanto a público general como a profesionales, un entorno más seguro y unas condiciones sociales y comerciales más favorables.
Se ha anunciado, asimismo, que ARCOmadrid 2021 acogerá una selección de grandes nombres del galerismo internacional y de galerías que han tenido presencia en la feria a lo largo de su historia, que serán invitadas a participar en la sección “ARCO 40 Aniversario”, comisariada por María Inés Rodríguez, directora de Tropical Papers y comisaria adjunta de arte moderno y contemporáneo de MASP, São Paulo; Sergio Rubira, subdirector de Colección y Exposiciones del IVAM valenciano y Francesco Stocchi, comisario de Arte Moderno y Contemporáneo del Museum Boijmans Van Beuningen y co-curador de la 34ª Bienal de São Paulo.
Las responsables de Opening serán, por su parte, Övül Durmuşoğlu, crítica y comisaria independiente, y Julia Morandeira, comisaria e investigadora.
Vista de ARCO 2020
Diego Gil Hernando, ganador del concurso para seleccionar la imagen del Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja
A este concurso de diseño, de carácter abierto, concurrieron 28 proyectos presentados por diseñadores de toda España y estaba dotado con un premio de 750 euros.
Su jurado ha estado formado por el artista riojano Francisco Javier Garrido, el diseñador e ilustrador catalán Iván Bravo y el presidente del Parlamento de La Rioja, Jesús María García.
Atendiendo a las bases, el diseño de la imagen debía tener clara vinculación con el Parlamento riojano, por eso se han recibido trabajos dedicados al claustro, la fachada, los ornamentos del antiguo convento, sus obras pictóricas…
El ganador del concurso, Gil Hernando, ha creado su imagen mezclando el trazo artístico del Claustro del edificio donde se sitúa el Parlamento de La Rioja con una degradación estética de los colores que conforman la bandera de La Rioja.
