El Museum Boijmans van Beuningen ha recibido, en calidad de préstamo a largo plazo de la Fundación Erasmus, el espléndido retrato de Erasmo de Rotterdam que llevó a cabo hacia 1530-1536 Lucas Cranach el Viejo, maestro del Renacimiento alemán, y que ha sido comprado por la Ciudad de Rotterdam. Coincidiendo con la cesión de esta pieza, el Boijmans ha preparado un programa de actividades para escolares y familias y una exposición especial que se iniciará el 12 de octubre.

Este centro se ha convertido en el único museo holandés que cuenta con un retrato de Erasmo.

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El Museum of Fine Arts Boston presenta, hasta el 12 de enero, “She Who Tells a Story”, muestra que incluye trabajos de doce fotógrafas pioneras de Irán y el mundo árabe: Jananne Al-Ani, Boushra Almutawakel, Gohar Dashti, Rana El Nemr, Lalla Essaydi, Shadi Ghadirian, Tanya Habjouqa, Rula Halawani, Nermine Hammam, Rania Matar, Shirin Neshat y Newsha Tavakolian.

La exhibición aborda cómo han cuestionado en su obra la tradición y el poder en sus respectivos países y cómo han desafíado además la percepción occidental de la cultura actual en Oriente Próximo, desde el fotoperiodismo o desde la provocación más puramente artística. Los trabajos seleccionados destacan por su sofisticación y expresividad.

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Desde el pasado 1 de agosto, Susie Lingham dirige el Singapore Art Museum en sustitución de Tan Boon Hui, nuevo director del Programas del Consejo de Patrimonio Nacional de Singapur.

Lingham será la tercera persona en dirigir el Singpore Art Museum desde su apertura; es doctorada en filosofía por la Universidad de Sussex, artista, teórica del arte y educadora y cuenta con amplia experiencia en la investigación de las implicaciones sociales de las artes visuales. Ha impartido además clases en universidades y escuelas de arte en Australia, Singapur y Reino Unido.

El Centre Pompidou de Metz abre el 28 de septiembre una retrospectiva, la primera en Francia, dedicada a Hans Richter, pionero del cine experimental, pintor, dibujante y escritor de origen berlinés y nacionalidad estadounidense. La muestra repasará su medio siglo de carrera haciendo hincapié en sus colaboraciones con Jean Arp, Theo van Doesburg, Alexander Calder, Marcel Duchamp, Viking Eggeling, Max Ernst, Marcel Janco, Fernand Léger, Kasimir Malevich, Man Ray, Gerrit Rietveld y Ludwig Mies van der Rohe y en el papel del cine como catalizador de su obra diversa.

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El 7 de septiembre, el centro WIELS de Bruselas abre al público la muestra “Petrit Halilaj: Poisoned by men in need of some love”, dedicada a la producción de este artista nacido en 1986 en Kostërrc, demasiado joven para recordar la caída del muro de Berlín pero conocedor de los episodios vividos a comienzos de los noventa en la antigua Yugoslavia: conflictos étnicos, guerra, exilios forzados, desarraigo…que forman parte de su historia personal, pues Halilaj huyó con su familia a un campo de refugiados durante la contienda en Kosovo.

Pese a su experiencia, en su obra el artista ha tratado de rechazar la nostalgia por su primer hogar y el pathos propio de sus experiencias para ofrecer una visión optimista de su futuro y del de su país sin dejar de lado la crítica política. Tierra, escombros, listones de madera, pollos vivos y delicados dibujos componen su obra, tan personal como utópica, en la que incorpora referencias a Beuys. En esta exposición, la primera de Halilaj en Bélgica y su mayor individual hasta la fecha, presenta también conclusiones de sus investigaciones en el Museo de Historia Natural de Kosovo.

La Pennsylvania Academy of the Fine Arts venderá una pintura de Edward Hopper para recaudar fondos para incrementar su colección de arte moderno. La obra a la venta es East Wind Over Weehawken (1934) y se subastará en diciembre en Christie’s Nueva York con un precio de salida de entre 22 y 28 millones de dólares.

La institución conservará otras pinturas de Hopper de sus fondos, como Apartment Houses (1923), que compró el centro directamente al artista y fue el primer óleo de Hopper en incorporarse a una coleción.

Si la obra logra venderse por su precio estimado, quintuplicará el presupuesto anual para la compra de arte del museo.

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El cineasta japonés Hayo Miyazaki, maestro de la animación contemporánea, ha anunciado su retirada del cine tras presentar “Kaza tachinu” en la 70 Mostra de Venecia.

Miyazaki cuanta con una trayectoria de cerca de cincuenta años a su espaldas y su último film narra la historia del ingeniero que inventó el avión zero, Jiro Horikoshi.

Las películas de este realizador siempre han estado relacionadas con la ecología y el pacifismo. Fue autor de series como Heidi, Marco o Ana de las tejas verdes y también de largometrajes como La princesa Mononoke o El castillo ambulante. En 2003 obtuvo un Óscar por El viaje de Chihiro y en 2005 la Mostra de Venecia le concedió un León de Oro honorífico.

El director del Museu d´Art Contemporani de Barcelona, Bartomeu Marí, ha sido elegido nuevo presidente del Comité Internacional de Museos y Colecciones de Arte Moderno (CIMAM), un organismo formado por casi medio millar de representantes de 78 países.

El director del MACBA ha sido secretario y tesorero del CIMAM en los últimos tres años y ha citado entre los desafíos de esta institución el hecho de que en China y en las antiguas repúblicas soviéticas esté previsto que abran sus puertas más de mil museos de arte contemporáneo en los próximos años.

En el último congreso del CIMAM, celebrado en Rio de Janeiro con el lema “New Dynamics in Museums: Curator, Artwork, Public, Governance”, 521 miembros votaron el nuevo aparato ejecutivo del comité, que se renueva cada tres años y cuyos miembros no pueden superar los nueve años como representantes.

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Junto a Andreas Gursky, Thomas Ruff, Thomas Struth y Tata Ronkholz, Candida Höfer fue una de las alumnas aventajadas en las lecciones de fotografía de
Bernd Becher en la Academia de Arte de Düsseldorf. Sus imágenes se caracterizan por su fría objetividad, su minuciosa observación de los detalles y su patente interés por las estructuras que ordenan los espacios públicos.

Desde sus inicios, Höfer ha encontrado de forma constante inspiración en la ciudad de Düsseldorf y, desde el 14 de septiembre, las fotografías que ha tomado en la ciudad alemana a lo largo de cuatro décadas se exhibirán en el Museum Kunst Palast. Algunas de ellas retratan un mismo espacio con muchos años de diferencia y desde distintos enfoques.

La muestra también presentará obras inéditas creadas específicamente para la ocasión. En su conjunto serán un centenar las imágenes expuestas, muchas de ellas inéditas.

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El SFMoMA ha anunciado la incorporación a su Consejo de Administración de Ed Ruscha, artista que se suma así a la lista de creadores que en el pasado se incorporaron a esta institución, como el diseñador Yves Béhar (de 2010 a 2013), el fotógrafo Larry Sultan (desde 2009 hasta su muerte ese mismo año), y el pintor Robert Bechtle (de 2006 a 2009).

El SFMoMA destina un puesto en su Consejo a un artista cada tres años, y éste participa actívamente en su programación.

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La producción de Santiago Sierra estudia el desmantelamiento de las estructuras que conforman los sistemas nacionales, políticos y económicos, a cargo de las propias personas afectadas por esos sistemas, en un empoderamiento simbólico de los desfavorecidos que a veces incluye la contratación de trabajadores para realizar tareas a menudo consideradas desagradables o inútiles en nombre de su arte.

De Pont presenta, desde el 14 de septiembre, “The Destroyed Word”, un proyecto sobre la fricción entre la creación y la destrucción que ha recorrido el mundo desde 2010 de la mano de letras gigantes que formaban la palabra Kapitalism, que estaban elaboradas con materiales tomados del paisaje local de allí donde se traslaban y que finalmente eran públicamente destruídas. Esa destrucción de cada una de las letras ha formado parte de un film que también podrá verse en De Pont.

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El Philadelphia Museum of Art abrirá al público el próximo 14 de septiembre una muestra que examinará al completo la trayectoria de Barbara Chase-Riboud a través de cuarenta obras procedentes de Estados Unidos y Europa y que se centrará en su célebre serie de esculturas Malcolm X: cinco de las piezas que la integran, fechadas en 1969,  y otras cinco estrechamente relacionadas con ella estarán presentes en la exhibición. Junto a ellas podremos ver varios exquisitos dibujos a carboncillo de fines de los sesenta y principios de los setenta y otros treinta Monument Drawings datados en 1996 y 1997.

La serie Malcolm X se compone de esculturas abstractas a tamaño natural de bronce fundido, seda y lana, que juegan con la controposición de conceptos opuestos:
lo vertical y lo horizontal, lo mineral y lo orgánico, lo masculino y lo femenino, lo pesado y lo ligero, lo rígido y lo flexible.

Nacida en Philadelphia y formada en la Universidad de Temple, Chase-Riboud vive actualmente entre París y Roma y es conocida por su trayectoria como artista, poeta y escritora.

La National Portrait Gallery de Londres acaba de hacerse con una colección de retratos fotográficos de celebridades de Bob Carlos Clarke apenas conocidos hasta ahora por el público. Entre las diez nuevas imágenes que se suman a los fondos de la NPG figura un icónico retrato del chef Marco Pierre White.

Clarke falleció en 2006 y estos trabajos han pertenecido desde entonces a su esposa y su hija, que los han donado al centro británico. El museo los califica como obras “clásicas y definitorias de una era”.

El reconocido fotógrafo ganó numerosos premios por sus campañas de publicidad y fue aclamado por su periodismo fotográfico y sus retratos a veces polémicos de celebridades y estrellas de rock.

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Desde el próximo 12 de septiembre, David Zwirner Nueva York mostrará al público las fotografías que componen la serie Hustlers de Philip-Lorca diCorcia, instantáneas tomadas en su mayoría entre 1990 y 1992 en el Santa Monica Boulevard de Los Ángeles en las que el artista retrató a hombres dedicados a la prostitución a los que pagó por ello una tarifa equivalente a la que cobrarían en el ejercicio de sus servicios. Esa cantidad procedía de la dotación que Lorca di Corcia recibió del Fondo Nacional de las Artes, en un gesto audaz que quería apoyar las críticas sufridas entonces por fotógrafos como Robert Mapplethorpe o Andrés Serrano.

Veintiuna de las cuarenta imágenes que componen esta exposición ya se mostraron en 1993 en el MoMA en la que fue la primera exhibición individual de Lorca di Corcia en un museo; la propuesta de David Zwirner incluye quince piezas de nueva producción y a gran escala. Cada una de las fotografías es resultado de un minucioso proceso de preparación de su composición y los retratados aparecen en una gran variedad de escenarios, como terrenos baldíos, cadenas de comida rápida, paradas de autobús y  habitaciones de motel.

Los títulos de las fotografías indican su nombre, edad, lugar de nacimiento y el pago recibido por posar para la cámara.
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En 1941, el crítico de arte suizo Pierre Courthion entrevistó a Matisse mientras éste se encontraba convaleciente de una seria operación de salud. Sus declaraciones fueron extensas e iban a ser publicadas con el consentimiento del artista, pero éste finalmente dio su negativa a la difusión de sus palabras. El Getty Research Institute ha publicado ahora esas conversaciones, en inglés y en francés.

En ellas, Matisse desentrañaba recuerdos de su juventud, de su formación en el taller de Gustave Moreau y de su experiencia con coleccionistas como
Albert C. Barnes, sus viajes y su amistad con escritores, músicos o políticos. El libro incluye correspondencia inédita y documentos originales y puede adquirirse aquí.

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La reestructuración de la Catedral de Wellington (Nueva Zelanda) a cargo del arquitecto japonés Shigeru Ban quedó inaugurada oficialmente el pasado jueves. Durante las obras de remodelación del templo se ha sustituido su anterior armazón neogótica, dañada por el terremoto de 2011 que causó 185 muertos en la segunda ciudad más poblada del país.

Entre los materiales empleados, se ha utilizado una base de hormigón y poliuretano resistente al agua y también se han cuidado especialmente los dispositivos anti-incendios. El plano de la catedral tiene forma de A y puede albergar a 700 personas.

Se creó con el fin de premiar el conjunto de la obra de un creador del ámbito de las artes plásticas y de convertirse en el Cervantes de las artes, pero el Premio Velázquez lleva dos años sin fallarse.

Según sus bases, el galardón debe tener carácter anual y no puede quedar desierto, lo que por el momento ya ha ocurrido en su edición de 2012, cuya convocatoria fue publicada en el BOE en junio del pasado año.

La dotación inicial de este Premio fue de 90.000 euros y la organización de una exposición dedicada al galardonado en el Museo Reina Sofía. En 2008, por decisión del entonces ministro de Cultura César Antonio Molina, esa cifra aumentó hasta 125.000 y se rebajó a 100.000 euros en la última convocatoria del premio.

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Según se acordó el pasado miércoles, la colección de arte del s XX de Ulla y Heiner Pietzsch, de la que forman parte obras de Rothko, Magritte, Dalí, Max Ernst, André Breton y Joan Miró, tendrá museo propio en Berlín, en su Cultural Forum, con un coste de 130 millones de euros, veinte menos que la cifra en la que se valoran estos fondos.

De este modo, se despeja el futuro de la Gemäldegalerie. Sus colecciones de pintura, en las que encontramos trabajos de Rembrandt, Caravaggio, Durero o Cranach, podrán permanecer en su ubicación actual y no serán trasladados a la Isla de los Museos.

Una alta cifra de visitas podría esperarle a este nuevo centro: el número de asistentes a los museos berlineses se incrementó en un 73% entre 2002 y 2010, frente a un crecimiento de “sólo” el 8% en el resto de museos alemanes.

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La Galería Fúcares abrirá el 14 de septiembre la quinta exposición individual de Lluís Hortalà en su espacio de Madrid con el título de “Hurqalya”, en referencia a la tierra de resurrección de los sufíes, un mundo considerado intermedio y dominado por su simbolismo.

Hortalà se concentra en detalles de estructuras geológicas de las grandes paredes que ha escalado y que evocan pinturas o esculturas abstractas. Veremos en Madrid dibujos retinianos dispuestos sobre variadas superficies volumétricas de formas circulares planas o convexas.

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Entre el 12 de septiembre y el 19 de enero de 2014, podremos ver en el Ashmolean Museum de Oxford la muestra “Francis Bacon / Henry Moore: Flesh and Bone”, que presentará una amplia selección de pinturas de Francis Bacon y dibujos y esculturas de Moore seleccionadas para poner de relieve las conexiones y evidentes diferencias entre la obra de ambos.

Pese a trabajar con medios y lenguajes muy distintos, la exposición maneja la tesis de que Bacon y Moore, cuyos trabajos se exhibieron unidosen la década de los sesenta en diversas exposiciones, compartieron temas de exploración comunes y recurrieron el uno al otro para encontrar inspiración.

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