Desde el 4 de mayo y hasta el 16 de junio, la sede madrileña de Galería La Cometa presenta “Piscinas”, la primera exposición individual de la artista cubana Rachel Valdés en la capital. Cuenta con una selección de trabajos en torno a un tema central, las grandes piscinas vacías de La Habana: podremos ver acuarelas, dibujos digitales y fotografías inmersos en un montaje que incluye la reproducción del sonido de un aguacero.

Propone la exhibición una reflexión sobre esos escenarios deshabitados; en palabras de la autora, no quiero darle un tono fatalista. Evidentemente hablo del aislamiento, de la soledad, del vértigo. Pero a la vez son como templos. No dejan de ser paisajes arquitectónicos, que son para mí de una belleza inmensurable. Esas paredes de concreto, llenas de estructuras perfectas, corrompidas pero fuertes que, a lo mejor, en algún momento volverán a funcionar como en el pasado.

Valdés comenzó a trabajar en esta serie hace más de una década, retomándola en 2020.

Bajo el comisariado de Daniela Zyman y hasta marzo de 2024, TBA21 presenta en el C3A cordobés “Remedios: donde podría crecer una nueva tierra”, exhibición colectiva que cuenta con trabajos de Marina Abramovic, Kader Attia, Cecilia Bengolea, Regina de Miguel, Olafur Eliasson, Asunción Molinos Gordo, Shirin Neshat, Ernesto Neto y los huni kuin, Belén Rodríguez, Sandra Vasquez de la Horra o Francesca Woodman, entre otros cuarenta artistas.

Su propósito es explorar prácticas creativas relacionadas con la curación y la reparación, la restitución o la remediación, desde una perspectiva tanto política como cultural y espiritual, y ligada a menudo a saberes primitivos. En algún caso apelan estas obras a prácticas ceremoniales o purificadoras; en otros, al lenguaje, la tierra o el poder de las comunidades.

Dado su éxito de público, la Fundación MAPFRE ha decidido extender el horario de la muestra “Leonora Carrington. Revelación” en su sede madrileña, donde permanece abierta hasta el 7 de mayo.

Para favorecer la asistencia de visitantes en los próximos días festivos, desde el 28 de abril y hasta el mismo día de su clausura la exposición no cerrará hasta las 22:00 horas, dos más de lo habitual.

Organizada en colaboración con el ARKEN Museum of Modern Art de Dinamarca, esta exhibición recorre la trayectoria completa de la artista surrealista: su producción como pintora, escritora, escultora y creadora de tapices desde la década de 1930 hasta su fallecimiento.

El recorrido expositivo se despliega a lo largo de una decena de secciones en las que el relato cronológico se conjuga con la presentación de los temas más destacados en la obra de esta autora: desde su formación y las influencias tempranas que recibió en Inglaterra y Florencia hasta su contacto con los surrealistas en París, pasando por su época en Saint-Martin-d’Ardèche, su experiencia traumática en España, la emigración a Nueva York y a México como patria última.

En el mismo horario podremos también visitar la exhibición “Estampas porteñas“, del fotógrafo argentino Facundo de Zuviría. Ha capturado las calles, fachadas, patios interiores, escaparates y peatones de Buenos Aires… la multiplicidad de elementos que conforman su fisonomía urbana, desde una mirada personal y nostálgica.

Cuenta esta muestra con 195 fotografías en blanco y negro y en color, destacando las series Siesta argentina, la más crítica, y Frontalismo, centrada en la simetría compositiva de las imágenes.

Hasta el próximo 26 de noviembre, el Palazzo Grassi de Punta della Dogana (Venecia) acoge la muestra “Icones”, formada por obras fundamentales de la Colección Pinault, que nos propone una reflexión sobre el tema del icono y el valor de la imagen en el mundo contemporáneo. Se atiende a ese término de icono desde dos perspectivas: la etimología griega lo define como “imagen”, y en el ámbito de la creación oriental se trata de un tipo de pintura religiosa.

En el eje de la exhibición, concebida específicamente para este enclave, se encuentra el estatuto de la representación, su capacidad de encarnar una presencia, de albergar la sombra y la luz, recrear un espacio o suscitar una emoción. También se apela a la estrecha relación entre la ciudad de Venecia y los iconos: desde finales de la Edad Media, las creaciones nacidas en esta ciudad han sintetizado influencias, en particular la bizantina, la gótica y la flamenca, dado el rol de puente entre Oriente y Occidente desempeñado por la Serenissima. Incluso hoy, Venecia continúa siendo una encrucijada en la que múltiples horizontes se hibridan y es una fuente recurrente de inspiración para algunos de los artistas expuestos en “Icones”, como Danh Vo y James Lee Byars.

Parte de las obras seleccionadas están tanto más ancladas en este contexto en cuanto que reviven la memoria de propuestas expuestas en ediciones anteriores de la Bienal veneciana, como los hilos dorados de Ttéia de Lygia Pape o las iluminaciones textuales y conceptuales de Joseph Kosuth que se presentaron en 2007 en San Lazzaro degli Armeni. El arte de la Rusia ortodoxa, a través de la poética de Tarkovski y su película Andrei Rublev, dedicada al pintor de iconos del siglo XV, también se refleja en la muestra, que cuestiona la capacidad de las imágenes para encarnar, en palabras del cineasta, “la idea de la libertad absoluta del potencial espiritual del hombre”.

Otros autores presentes son David Hammons, Agnes Martin, Rudolf Stingel, Sherrie Levine y On Kawara.

La artista argentina Liliana Porter ha sido galardonada con la trigésima edición del Premio Tomás Francisco Prieto de Medallística, concedido por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre – Real Casa de la Moneda en reconocimiento al conjunto de la trayectoria profesional y humana de creadores de prestigio.

El jurado ha estado presidido por Valldecabres Ortiz y formado por Hernán Cortés, académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Guillermo Navarro, director académico del Máster en Grabado y Diseño Gráfico de la Universidad de Castilla-La Mancha; Inma Prieto, directora de Es Baluard Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca; y Yolanda Romero, directora de la Colección del Banco de España. Han querido reconocer tanto la carrera internacional de Porter como la diversidad de técnicas que ha abordado (dibujo, grabado, fotografía, escultura) en su reflexión sobre los métodos de reproducción y las fronteras de la representación. Actualmente predominan en su obra la fotografía, el vídeo, los collages y las pequeñas instalaciones: figuritas y discretos recuerdos tomados de sus viajes -con transfondo histórico y geográfico- son puestos sobre fondos vacíos monocromáticos para abordar asuntos filosóficos y estados emocionales.

El premio está dotado con 20.000 euros e implica el compromiso de diseñar una medalla que posteriormente es acuñada por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre-Real Casa de la Moneda, además de una exposición retrospectiva en el propio Museo Casa de la Moneda.

El anuncio hoy del fallo ha coincidido con la inauguración de la exposición “La Medalla, Lenguaje de Vanguardia”, que puede visitarse hasta el 2 de julio en ese centro. Se trata de una antología del trabajo medallístico de los 29 artistas que, hasta ahora, han sido distinguidos con este reconocimiento.

El perfil del Museo del Prado en TikTok ha sido galardonado con uno de los Webby Awards concedidos por la International Academy of Digital Arts & Sciences como la mejor iniciativa mundial en la categoría de “Arte y Cultura”, en su modalidad de premio del público. Estos premios vienen concediéndose desde 1996 y son conocidos por su prestigio en la esfera de Internet.

La cuenta de TikTok del Prado cuenta ya con más 476.000 seguidores y 4,0M de Me gusta.

Por su parte, la web del Museo Guggenheim Bilbao presentada el pasado noviembre, con motivo del 25º aniversario del Museo, ha obtenido también un Webby Award en la categoría de Mejores webs de instituciones culturales, de nuevo gracias al voto popular.

Con un diseño visual y llamativo, este portal busca fomentar la interacción del Museo con sus distintos públicos: aficionados al arte, educadores, turistas, artistas, jóvenes, Amigos y seguidores y Miembros Corporativos.

La muestra “Juan Muñoz. Todo lo que veo me sobrevivirá“, que reúne en Alcalá 31 algunas de las obras fundamentales del artista madrileño realizadas entre los noventa y 2001, año de su muerte, ha alcanzado los 50.000 visitantes, motivo por el que la Comunidad de Madrid ha decidido prorrogarla hasta el 9 de julio.

Comisariada por Manuel Segade, se ha concebido como una instalación de instalaciones y ofrece trabajos dominados por una concepción neobarroca del espacio y por la recuperación de la figura humana como elemento central de la producción de este autor. De cariz existencialista, estos proyectos reivindican el truco y la suspensión de la incredulidad; también la ficción como una de las claves interpretativas de la creación contemporánea.

El proyecto Pinacoteca migrante, de la artista Sandra Gamarra y comisariado por Agustín Pérez Rubio, representará a nuestro país en la 60ª edición de la Bienal de Arte de Venecia, que tendrá lugar del 20 de abril al 24 de noviembre del año que viene.

Ha seleccionado su propuesta un jurado formado por Nuria Enguita, directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno; Bea Espejo, crítica de arte y comisaria del Pabellón español en 2022; Cabello/Carceller, equipo de artistas presentes en el Pabellón de España en la Bienal de 2015; Carlos Urroz, crítico y exdirector de la Feria ARCO; Peio H. Riaño, historiador del arte y periodista; Elvira Dyangani Ose, directora del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y Blanca de la Torre, comisaria y crítica de arte contemporáneo. Votó, asimismo, un representante de la Dirección de Relaciones Culturales y Científicas de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), entidad organizadora de la participación española en la Bienal.

En una primera reunión, a inicios de este año, el jurado invitó a cinco artistas a presentar un proyecto para el Pabellón de España y, finalizado el plazo establecido, se recibieron sus propuestas. Tras una votación hace unos días, se determinó por unanimidad que el proyecto ganador era Pinacoteca migrante.

Gamarra, de nacionalidad peruana y española, maneja una concepción de la historia en la que no hay pasados cerrados con consecuencias presentes, conforme a una relación de linealidad y coherencia, sino formas de poder y de violencia que se manifiestan con mayor o menor vehemencia en unas etapas u otras. Hace dos años presentó en la Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid su proyecto “Buen gobierno”, que ofrecía una genealogía del peso del colonialismo en Perú, camuflado bajo distintas ópticas: desde las reproducciones de pinturas de historia, en su característico formato monumental, hasta las escenas ligadas a la cultura popular que dispuso en una suerte de gabinete de incomodidades coloniales, pasando por pinturas de castas, bodegones o noticias tomadas de La República.

La comisión de valoración del concurso público convocado el pasado noviembre para proveer el cargo de Administrador del Museu Nacional d´Art de Catalunya ha propuesto a su Patronato nombrar a Josep Desquens Farrés. El nombramiento cuenta tanto con el acuerdo de ese organismo como con la aprobación de la Junta de Museus de Catalunya.

Directivo con experiencia en instituciones públicas y privadas, y en los sectores de la cooperación y de la cultura, Desquens ha sido subdirector-gerente del Centro de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), director general de Cooperación al Desarrollo de la Generalitat catalana y responsable de programas en ese área de la Unión Europea. Licenciado y máster en Administración y Dirección de Empresas por ESADE, cuenta también con un master en Relaciones Internacionales por la School of Advanced International Studies de la John Hopkins University. Su incorporación al MNAC se realizará en mayo.

Al concurso se presentaron treinta candidaturas, cuatro de las cuales pasaron a la fase final. La comisión de valoración la formaron representantes de las tres administraciones consorciadas, el presidente, el director y la secretaria del patronato del Museu.

Hasta el 20 de mayo, Mar Reykjavik ofrece su segunda exposición individual en la sede madrileña de la Galería Rosa Santos: muestra una escultura, una instalación cinemática y una película que prueban su interés por ensayar con las formas del presente o con los modos en los que emergen presencias. En ese afán ha creado La Voltereta, un sistema que se autoconstituye a partir de sus preocupaciones sobre las relaciones entre estructura y contenido, entre archivo y repertorio, repetición y unicidad.

La producción de esta autora valenciana se despliega desde el videoensayo y a partir de construcciones existentes que busca comprender desde dentro.

Por su parte, el Centro Párraga de Murcia exhibe “Miya Sama Miya Sama”, la versión de una versión, una vuelta de tuerca a un trabajo que Reykjavik ya presentó en Can Felipa (Barcelona) y que se inspiraba en la opereta El Mikado de Arthur Sullivan y W.S Gilbert, en su desarrollo por la compañía de teatro catalán Dagoll Dagom en 1985. Los guiones de la grabación podrán ser performados por los visitantes y la exhibición puede verse hasta el 4 de mayo.

¿Tienen que estar desnudas las mujeres para conseguir entrar en el Metropolitan Museum of Art? fue una de las primeras y más celebradas preguntas que se hizo el colectivo Guerrilla Girls tras constatar que, en 1989, menos del 5 % de los artistas representados en las secciones dedicadas al arte moderno en el MET eran mujeres, pero a ellas correspondían el 85 % de los desnudos.

Este grupo de creadoras anónimas se formó en 1985 en Nueva York, desde una vocación feminista, y su primera acción fue una manifestación delante del MoMA, donde entonces se mostraba la gran exposición “An International Survey of Recent Painting and Sculpture”, en la que participaban solo trece mujeres de un total de 169 artistas y casi ninguno era de color.

Célebres por emplear máscaras de gorilas para ocultar su rostro, sus miembros se identifican con el nombre de creadoras fallecidas, como Frida Kahlo, Eva Hesse, Paula Modersohn-Becker, Käthe Kollwitz, Gertrude Stein o Georgia O’Keeffe, omitiendo de esta forma su identidad real y reivindicando los logros de las homenajeadas.

Hasta el próximo junio, bajo el comisariado de Yolanda Torrubia y Santiago Olmo, el CGAC de Santiago de Compostela repasa las acciones y obras de las Guerrilla, que, desde hace 38 años, han intentado contrarrestar las tradiciones patriarcales en el ámbito cultural desde un discurso analítico y crítico, pero también reforzado mediante la ironía y el sentido del humor. Podremos contemplar algunos de sus pósteres, libros, pegatinas, proyectos de dibujo, ediciones gráficas y revistas, medios que han utilizado para señalar el sexismo y la discriminación de las mujeres en el mundo de las artes visuales, el cine y la cultura en general; unos contenidos que, en las propias palabras del colectivo, “no están listos para agradar”.

San Borondón, como muchos gallegos conocen, es el nombre de la isla mítica en la que recalaría Brandán el Navegante en su periplo por el Atlántico en busca del llamado Otromundo, y ha dado pie a muchos debates entre quienes creen en su existencia y quienes piensan que aquel fue un viaje simbólico. Su relato, en todo caso, se trenza con la leyenda de Jasconio, un monstruo marino que emerge a la superficie o se oculta según las intenciones de quien lo aviste.

Para su primera exposición individual en la Galería The Goma de Madrid, que puede visitarse hasta el 28 de mayo, Christian García Bello ha partido de esa aventura iniciática para idear otras leyendas en torno a las tradiciones marineras de la costa atlántica en las que se enhebren el pasado, el presente y el futuro; exhibe trabajos, de estética austera, en los que las pieles, la madera, los tejidos o el hueso se relacionan con reminiscencias de las antiguas expediciones marítimas; y la anatomía de sus esculturas, con las geometrías de las embarcaciones o con los órganos que tendría Jasconio.

El relato sin tiempo que articula esta muestra comienza en las costas portuguesas y finaliza en los acantilados de las islas Sisargas, aglutinando las tradiciones irlandesas y gallegas y presentándonos elementos materiales propios de esta geografía y de su historia pesquera. Las esculturas de la serie Bellow, por ejemplo, nacen del empleo de antiguos métodos de fabricación de velas y atuendos marineros, como el teñido con corteza de roble y el encerado con espermaceti de cachalote; contemplaremos, asimismo, rastros cetáceos en Currach, piezas que hacen alusión a las antiguas embarcaciones irlandesas, elaboradas con madera y cubiertas con pieles de animales. En su interior podremos descubrir cordones de algodón, como los que se usaban en la manufactura de redes de pesca, encascados con tintes vegetales para preservar sus fibras y facilitar su camuflaje cuando se lanzasen al mar.

Los propios títulos de algunas obras -y sus etimologías- nos aproximarán, igualmente, a los órganos mitológicos de Jasconio, mientras algunas ferroacetatografías -unas falsas fotografías reveladas mediante una técnica inventada por el artista, inspirada en el suminagashi japonés- nos propondrán imaginar la orografía de San Borondón, descrita por João de Sousa en sus notas, dibujos y grabados como una piel rugosa, como de una arcilla ocre, granítica y pedregrosa. Esos documentos también podrán consultarse en la exposición.

En definitiva, este último proyecto de García Bello navega entre la realidad y la ficción, del mismo modo que las culturas desarrolladas en torno al Atlántico tienen un despliegue tanto terrenal como abierto a lo oculto.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado este fin de semana el nombramiento de Isabel Izquierdo Peraile como nueva directora del Museo Arqueológico Nacional, dependiente de esa institución por su titularidad estatal.

Nacida en Valencia en 1970, Izquierdo Peraile ha dedicado su carrera a la investigación, la docencia y la difusión de la arqueología, desempeñando además cargos vinculados a la gestión cultural, como los de conservadora de museos y coordinadora de proyectos. Doctora en Historia -con especialidad en Arqueología- por la Universidad de Valencia (1998), sus campos habituales de estudio y publicaciones han sido la cultura ibérica, la arqueología de género y la planificación museológica.

Conservadora de Museos del Estado desde 2001 y Máster en Dirección Pública por la UIMP-INAP (2014-2016), ha gestionado y coordinado distintos proyectos de reforma de museos, sobre todo arqueológicos, entre ellos el del propio Museo Arqueológico Nacional entre 2002 y 2014. Fue, asimismo, vocal asesora en la Dirección General de Bellas Artes de 2015 a 2020 y ha desempeñado desde ese año el rol de directora de programación de Acción Cultural Española (AC/E).

El perfil del Museo del Prado en TikTok ha sido nominado a los Webby Awards por la International Academy of Digital Arts & Sciences, en la categoría de Arte y Cultura. Estos galardones, que cumplen su vigésimo séptima edición, darán a conocer sus ganadores el próximo 25 de abril y se conceden desde 1996.

También la nueva web del Museo Guggenheim Bilbao, presentada el pasado noviembre coincidiendo con el 25º aniversario del centro, ha sido seleccionada para los premios. El portal se concibió para ofrecer una experiencia digital inmersiva, que contribuya al conocimiento y disfrute del arte, y es candidato en la categoría de Instituciones Culturales; el voto popular decidirá si se alza con el premio.

Las webs que compiten con la del Guggenheim Bilbao en esa categoría son las de la actual exposición de Vermeer en el Rijksmuseum de Amsterdam, la David Collection de Copenhague, la Trienal de arte indígena de la National Gallery de Australia y los museos de Bellas Artes de San Francisco.

El plazo para votar termina, en ambos casos, el 20 de abril y los usuarios pueden apoyar el proyecto que deseen en la página web de los Webby Awards.

Desde hoy y hasta el 25 de junio, la Comunidad de Madrid dedica una muestra a la imagen de Picasso que ofrecieron destacados fotógrafos de su tiempo: 65 instantáneas pueden verse en la nueva sede del Museo Picasso-Colección Eugenio Arias de Buitrago del Lozoya, con entrada gratuita.

La exhibición lleva por título “Picasso por los maestros: de Cecil Beaton a Irving Penn”, la ha comisariado Cristina Carrillo de Albornoz y se enmarca en la conmemoración del medio siglo del fallecimiento del malagueño. La presencia y el carisma de Picasso evidentes en estos trabajos nos hablan de su conciencia del poder de la imagen en su proyección pública y del culto que mantuvo hacia su personalidad, pero también suelen asomar en estas fotos los talleres y espacios donde trabajaba o donde discurría su vida íntima.

Los autores representados en el recorrido son Cecil Beaton, Irving Penn, Robert Capa, David Seymour, Man Ray, Willy Rizzo, Gjion Mili, Michel Sima, David Douglas Duncan e Irving Penn. La más temprana de las imágenes muestra a un Picasso joven, de 26 años, en el barrio de Montmartre; las últimas lo presentan a los 86 en Mougins, en el Sur de Francia, donde se trasladó al final de los cuarenta. Encontraremos instantáneas con su primera esposa, Olga Khlokova, en París; con Dora Maar en la playa, con Françoise Gilot y Jacqueline Rocque; en sus estudios parisinos de la rue Boetie o de Grands Agustins y en sus distintas residencias del Sur de Francia: el castillo Grimaldi en Antibes, la Villa Galloise en Vallauris–donde comenzó a cultivar la cerámica–, La Californie o su última residencia en Mougins, Notre Dame de Vie.

En el marco de este mismo aniversario, la Galería Blanca Berlín acoge, también desde hoy pero hasta el 20 de mayo, una selección de retratos del artista tomados por Antonio Cores en la primavera de 1966. Corresponden a negativos que permanecieron en una caja hasta que vieron la luz en 2007 y, en este caso, el encuentro entre Picasso y ese fotógrafo lo propició Luis Miguel Dominguín, que era amigo de ambos. Se tomaron estas fotos en Mougins, Cannes y Vallauris.

El Patronato del Museu Nacional d’Art de Catalunya, compuesto por la Generalitat de Catalunya, el Ministerio de Cultura, el Ayuntamiento de Barcelona y personas e instituciones vinculadas a la cultura y el mecenazgo, ha decidido que Manuel Borja Villel, último director del Museo Reina Sofía, sea el coordinador del Programa temporal para el desarrollo y encaje en el sistema museístico de arte del proyecto de ampliación e impulso del MNAC, un nuevo instrumento de asesoramiento y reflexión al servicio de este centro barcelonés, puesto en marcha por la Generalitat.

La decisión se ha tomado, según un comunicado del Museu, por su experiencia en la materia y en el ámbito internacional y la contratación será efectiva a partir del mes de septiembre de este año.

Dicho programa de asesoramiento se inscribe en un Plan de trabajo más amplio que el MNAC inició en mayo de 2022, cuando el Patronato aprobó el inicio de las actuaciones necesarias para la conceptualización y definición de futuro del Museo. Esta etapa incluye la realización de trabajos técnicos ya iniciados (un plan de viabilidad o un plan de impacto económico y social, entre otros) y un proceso de análisis, diálogo y participación que conllevará consultas y sesiones de trabajo con expertos, museos y otras instituciones o colectivos.

El pasado 19 de marzo abrió sus puertas en la localidad mallorquina de Llucmajor el Centro Internacional de Fotografía Toni Catany, obra del arquitecto Josep Lluís Mateo y situado en el espacio que ocupaban las viviendas del propio Toni Catany y de Tomàs Monserrat.

Este Museo abordará las relaciones entre la producción de este autor y otras disciplinas creativas y su primera gran muestra plantea confluencias entre su trabajo y el de Michael Kenna, a partir de seis ejes temáticos: la naturaleza muerta, las estatuas, el desnudo, el sudeste asiático, Mallorca y Venecia.

En el marco de su muestra “Gravedad Zero”, Chillida Leku exhibe temporalmente en una de sus campas la obra de Chillida Lugar de encuentros IV, escultura perteneciente a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Concebida para quedar suspendida y de 13,5 toneladas de peso, se ha utilizado para ella una nueva estructura en el centro vasco, diseñada por Tecnalia y ejecutada e instalada con la colaboración de Loire Gestamp y otras empresas.

El escultor la llevó a cabo entre 1973 y 1974, utilizando hormigón armado, y forma parte de una serie de siete obras, la mayoría de ellas de escala monumental y planteadas para mostrarse en lugares públicos. La donó al espacio bilbaíno en 1982 y permanecerá en Hernani hasta 2024, cuando está previsto que finalicen las labores de ampliación del Bellas Artes.

Lugar de encuentros IV remite a la obsesión de Chillida por la lucha contra la gravedad y también a su frecuente trabajo en conexión con la esfera industrial y las técnicas propias de la ingeniería. Las piezas de la serie a la que pertenece, que se pueden ver en ciudades como Madrid, Toledo o Palma de Mallorca, fueron creadas entre 1964 y 1974 y, salvo las dos primeras que se llevaron a cabo en madera y acero corten, el resto se elaboraron en hormigón armado en colaboración con el ingeniero de Caminos, Canales y Puertos José Antonio Fernández Ordóñez. Junto a él, el artista probó hormigones de diferentes elasticidades.

De las siete piezas, solo Lugar de encuentros III y Lugar de encuentros IV se pensaron para ser suspendidas en el aire, desafiando las leyes gravitatorias. Además, son las primeras esculturas públicas que Chillida crea con este material, subrayando sus cualidades expresivas; se refirió a ellas como “lugares de encuentro, espacios para el diálogo y la convivencia”.

El Museo del Prado ha elevado a setenta el número de obras de sus fondos que procederían de los envíos de la Junta de Incautación y Protección del Tesoro Artístico -tanto a este centro como al Museo de Arte Moderno, cuyos fondos se adscribieron a la pinacoteca en 1971- y de las entregas en depósito del Servicio de Defensa del Patrimonio Artístico Nacional.

Se ha podido encontrar la procedencia de una decena de pinturas con origen concreto: propietarios como Pedro Rico -alcalde de Madrid en dos ocasiones (1931-1934 y 1936)-; la iglesia de Yebes o la de Pareja, en Guadalajara; o el Marqués de Villalonga. De dos piezas más constan direcciones exactas, pero no referencia al propietario.

El Museo continúa investigando y a ese número se podrían sumar siete medallas ingresadas en 1936, procedentes del Palacio de Exposiciones del Retiro, y 89 dibujos depositados en 1971 por el Ministerio de Educación y Ciencia, sin referencia a propietarios anteriores; estudia estos casos el área de Documentación y Archivo del Prado, con María Luisa Cuenca al frente.

Once de estas obras pueden verse en la Galería Baja Norte del edificio Villanueva, hasta el 2 de mayo, y el listado completo puede consultarse aquí.