NOMBRE: Cristina
APELLIDOS: Gamón Lázaro
LUGAR DE NACIMIENTO: Valencia
FECHA DE NACIMIENTO: 1987
PROFESIÓN: Artista
De nuestra última fichada, Cristina Gamón, os hemos hablado en masdearte en dos ocasiones: cuando en 2014 formó parte de la docena de artistas becados por la Casa de Velázquez (ella presentó el políptico de aire romántico Polvo de estrellas) y cuando, tres años antes, obtuvo el Premio BMW de Pintura por Infinito II, un trabajo abstracto en el que utilizaba de forma vibrante y fluida pinceladas y colores. Su currículum es mucho más extenso: licenciada en Bellas Artes en la Universidad de San Carlos de Valencia, ha presentado individuales en la Galería del Tossal, el Ateneo de Madrid, el Palacio de la Música valenciano, el Museo MAM de Catarroja, la Galería Kreisler, la Insula Gallery de París o la Galería Lucía Mendoza, la galería que la representa en Madrid, y ha participado en colectivas en el IVAM, el Museo de la Universidad de Alicante, la citada Casa de Velázquez, Matadero o el Espace Pierre Cardin francés. También en ferias como ESTAMPA, Marbella Art Fair, Context NY, Más que Libros, Libros Mutantes o ART MADRID.
En 2016 fue premiada con el Reina Sofía de Pintura y Escultura y antes con el Virgen de las Viñas de Valdepeñas, el Emilio Ollero de Jaén o el Villa de Aoiz, entre otros galardones; además, en 2013 participó en Noruega en las residencias de The Arctic Circle. Pero, ficha de méritos al margen, incorporamos a Cristina a esta sección por su trabajo con el color, por conducirlo a expresividades que beben de las vanguardias, pero que, por la fluidez de las pinceladas, el manejo equilibrado de las tonalidades y lo personal del gesto, dan lugar a un estilo propio que no es difícil reconocer.
Precisamente tras la búsqueda de un lenguaje personal ha trabajado Cristina desde que comenzó a pintar, y ella nos ha subrayado, al preguntarle por sus comienzos, esa importancia de entender la actividad creativa como una labor que requiere perseverar: Casi siempre se sobreentiende que ser artista es una cualidad, como si el arte surgiera por casualidad, y se olvida que es un trabajo que requiere de una entrega, innovación y creatividad constantes. En mi caso podría decirse que siempre he vivido del arte. Desde los primeros años de Universidad pude sacar rendimiento económico de mi obra y autofinanciar así mis proyectos. Empecé a presentarlos a concurso para comprometerme a intentar crear un lenguaje propio. Más adelante, y casi sin darme cuenta, esta decisión acabaría por llevarme a adquirir compromisos profesionales como artista. Me dedico profesionalmente al arte, es decir, trabajando con galerías, desde los 21 años.
Su medio de trabajo fundamental, aunque no el único, es la pintura, y con las esencias y tensiones propias de esta técnica se relacionan los intereses de Cristina, tanto en sus proyectos puramente pictóricos como en otros ámbitos: Desde distintas realidades de representación revisito la historia del arte, componiendo una trama en donde se solapan dicotomías en torno a la pintura, tales como figuración y abstracción, color-materia y color-luz o continente y contenido, que poco a poco expanden el discurso de los límites pictóricos hacia otras disciplinas. La aspiración de mi pensamiento visual es dotar a la obra de un sentimiento de eterno retorno.
Sus referencias son variadas, como las de todo artista actual con la mirada abierta, pero si, al contemplar su producción, pensáis en el trabajo con la materialidad del cuadro y con el principio de la sola pintura de los expresionistas americanos, no estáis desencaminados, sobre todo si recordáis a los artistas de su corriente más reposada y mística, el Colour Field Painting: Soy bastante dispersa, y quizás mis influencias oscilan en función del resultado de mi trabajo tanto conceptual como formalmente. Normalmente, cuando intento poner en relación mi pintura cito el expresionismo abstracto americano en su vertiente más lírica (Helen Frankenthaler) o incluso contemplativa (Rothko), porque estos son referentes cercanos y accesibles para adentrarse en la obra. Así y todo, esto es solo la punta del iceberg. Por supuesto siempre hay mucho más detrás en todo campo de trabajo.
Casi siempre se sobreentiende que ser artista es una cualidad, como si el arte surgiera por casualidad, y se olvida que es un trabajo que requiere entrega
Como os decíamos al principio, su producción es fundamentalmente pictórica, y, como los artistas expresionistas a los que citaba, la ha desarrollado especialmente en grandes formatos, pero hay excepciones en función de los mensajes que busque transmitirnos. Nos habla de la importancia del plástico como soporte de sus trabajos por sus significados inherentes y su magnetismo de cara al espectador, y de su cada vez mayor intención de hacer dialogar su pintura con la fotografía, la imagen en movimiento o las instalaciones destinadas a no durar: La escala condiciona el acercamiento que tienes a una obra, sea como autor o como receptor. Cambia el marco perceptivo y este tema me interesa. Se suele reconocer mi trabajo con el gran formato, aunque cada proyecto tiene el suyo: el formato, como el material, son instrumentos que condicionan el significado que la obra puede transmitir, así que la elección de los mismos es importante.
A nivel pictórico, empleo comúnmente el plástico como soporte, por ser un material cotidiano e icono de la actualidad con el que mantener una mirada constante hacia el pasado sin perder la relación con el presente. Me gusta pensar que el plástico supone un espacio de conquista para la pintura donde suceden cosas. En él intervienen muchos otros agentes: la importancia del marco, la transparencia, el vacío… y se genera un diálogo de conceptos opuestos. A través de su invisible barrera, la sensualidad de la pintura se presenta expuesta; paralizada analísticamente tras el frío pulido del material. Sin embargo, esta apariencia no consigue negar su naturaleza. El arte actual se ha desligado en gran parte de su capacidad de seducción y trato de reivindicarlo con mi trabajo.
Esta idea de barrera invisible o de pantalla tan presente en nuestra sociedad también convive en el entorno que rodea mi obra. Me interesa poner en relación instalaciones más efímeras, vídeos o fotografías donde la imagen se convierte en un elemento más de diálogo para el espectador, capaz de conducirle hacia nuevas vías de pensamiento a la hora de abordar una exposición.
El arte actual se ha desligado en gran parte de su capacidad de seducción y trato de reivindicarlo con mi trabajo
Plásticos y colores dan título a las series de Cristina, y con ellos continúa trabajando en sus proyectos más recientes, que este año expondrá: Me gusta llevar varias vías de investigación en paralelo. Durante 2018, podrán verse piezas de mi obra reciente en varias ferias internacionales como Context New York o Marbella Art Fair, de la mano de la Galería Lucía Mendoza. También presenté mi trabajo por primera vez en el continente asiático, participando en Art Fair Philippines con motivo de mi estancia en residencia en Manila como artista invitada por la Galerie Stephanie.
Mis proyectos más recientes se relacionan con la Teoría del Color de Goethe, a raíz de una estancia en residencia en el Polo Norte geográfico. Allí, ante la ausencia de amanecer y atardecer a causa del solsticio de verano, me planteé cómo representar la transición de colores provocada por la luz del Sol a lo largo del día. La imposibilidad se convirtió en una posibilidad poética. De algún modo, mi trabajo actual supone la contrapartida tropical a mi experiencia nórdica. En el archipiélago de las Islas Filipinas la vida se divide en dos únicas estaciones: la húmeda y la seca. Frente a la ausencia de invierno, ¿de qué color es un copo de nieve tropical? Si los pueblos de las regiones árticas distinguen hasta 30 tonalidades de blanco en sus paisajes, en Filipinas se podrían contar 7000 verdes. Estas son algunas de las premisas sobre las que he trabajado para la exposición “Acquatopia”, que se inauguró en la Galerie Stephanie, en Manila, el 4 de abril.
Podéis encontrar aquí más imágenes de esta exposición, en la que Cristina se ha valido de materiales acrílicos en pinturas muy evocadoras de los maridajes cromáticos entre paisajes muy distintos y del poder poético de los fragmentos hechos abstracción; destaca el precioso díptico de tonos degradados Amihan.
Para conocer mejor a la artista, pasad por aquí: www.cristinagamon.com
