Aún no ha terminado el año, pero el Rijksmuseum de Ámsterdam ha alcanzado ya su cifra anual más alta de visitas desde que abriera sus puertas en 1885: 2,7 millones. De ellos, más de un millón procedía de los Países Bajos, lo que significa un aumento en el público nacional del centro de un 20%; el incremento de visitantes menores de 18 años fue de 100.000, hasta los cerca de 475.000.

Desde la dirección del Rijksmuseum se atribuyen estas cifras positivas a las celebraciones del Año Rembrandt, y las exposiciones vinculadas a esta iniciativa, y al proyecto Operation Night Watch, para la investigación y restauración de la obra más célebre de ese artista: Ronda de noche.

La escultura Julia, de Jaume Plensa, realizada bajo el mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, continuará en la Plaza de Colón de Madrid durante un año más, hasta el 20 de diciembre de 2020, tras alcanzar un acuerdo esa institución y el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

El consistorio solicitó a la Fundación, que ha estrenado sede en la capital, la prórroga para mantener durante doce meses más esta escultura en su actual emplazamiento: sobre el antiguo pedestal de la plaza de Colón, donde hasta hace unos años estuvo situada la estatua del almirante.

Julia, que tiene una altura de 12 metros, está realizada con resina de poliéster y polvo de mármol blanco y fue creada específicamente para la plaza de Colón. Andrea Levy, responsable del Área de Cultura, ha avanzado además que se está valorando la instalación de otras esculturas en diferentes emplazamientos que complementen la oferta cultural de la ciudad.

Hasta el 19 de julio de 2020, Los Angeles County Museum of Art presenta “Fiji: Art & Life in the Pacific”, la primera muestra importante dedicada al arte de aquella cultura que se presenta en Estados Unidos. Consta de más de 280 piezas procedentes del Museo de Fiji, el British Museum, el Museo de Arqueología y Antropología de Cambridge o el Smithsonian y también de destacadas colecciones privadas.

No faltan en el recorrido esculturas figurativas, cuencos rituales, telas y objetos de marfil o perla, templetes portátiles… y tampoco fotografías históricas de la colección Blackburn de este museo.

El Museo del Prado se aproxima al fin del año de su Bicentenario habiendo logrado un récord anual de visitantes: 3.353.685 personas se han acercado a su sede o a sus muestras itinerantes, superando el anterior máximo histórico, que se remontaba a 2016, año en que la pinacoteca presentó su exhibición dedicada a El Bosco. La cifra supone, además, un incremento del 10% respecto a su público de 2018.
Han sido 3.068.380 espectadores los que han disfrutado de la colección permanente del Museo en el edificio Villanueva y de sus exposiciones temporales en el edificio Jerónimos y cerca de un millón y medio han accedido al centro de forma gratuita, por hacerlo en horario de entrada libre o por pertenecer a alguno de los colectivos que cuenta con ese beneficio.

El aumento del número de visitantes ha llevado a que este Bicentenario sea el ejercicio en el que mayor número de entradas generales se han vendido: 1,4 millones, que han permitido el ingreso de más de 21 millones de euros.

Según Javier Solana, presidente del Real Patronato del Museo del Prado, el objetivo prioritario del Bicentenario era estrechar lazos con los ciudadanos españoles y extranjeros, volver a tender puentes con la sociedad y poner en valor el inmenso tesoro artístico que se aquí se conserva y tengo claro que, gracias a un tremendo esfuerzo de los empleados y de la dirección del Museo, lo hemos conseguido.

El Centro Botín, Chillida Leku y el Museo de Bellas Artes de Bilbao han firmado hoy un acuerdo con el objetivo de generar sinergias que contribuyan a la promoción de nuevas actividades culturales al servicio de la sociedad. Estará vigente a partir del 20 de diciembre y busca favorecer la visita a los tres museos y dar a conocer sus programaciones. Tendrá una duración de un año y, salvo que se decida lo contrario, se prorrogará automáticamente por periodos iguales.

El convenio se materializa en tres ámbitos específicos de la gestión museística: la política de tarifas, los beneficios para los colectivos de socios y la comunicación para la difusión de actividades.
Respecto a la bonificación tarifaria, se ha acordado aplicar un descuento del 20% sobre el precio de la entrada general que cada uno de los museos tenga establecido a quienes hayan visitado previamente cualquiera de las otras dos instituciones y presenten en la taquilla la entrada que lo acredite.

Quienes pertenezcan a colectivos de socios de estos centros (poseedores del bono anual o Amigos del Museo) se beneficiarán de un descuento del 30% sobre la entrada general vigente, también previa acreditación y, en cuanto a la comunicación, el acuerdo implica que los beneficios incluidos en este convenio se anunciarán en los soportes de comunicación de cada uno de los tres museos y, especialmente, en sus canales digitales, conforme a un plan de difusión que destaque los hitos anuales consensuados por las tres instituciones (periodos vacacionales, festividades, exposiciones de alcance, etcétera).

Luis San Sebastián presenta, en la Galería Adora Calvo salmantina, “Hyperviolence”, exhibición en la que reflexiona sobre el tratamiento de la violencia política en la historia del arte durante los siglos XIX y XX analizando las relaciones entre movimientos artísticos y sociales y subculturas.

Ha tomado como referentes la exposición “Laocoonte Devorado. Arte y Violencia Política”, que Javier González de Durana comisarió en ARTIUM en 2004, y La Naranja Mecánica, novela de Burgess llevada al cine por Stanley Kubrick. Al reflexionar sobre estos asuntos, San Sebastián los vincula además al ensayo Lo personal es político (1969) de Carol Hanisch y a la revolución feminista; también al terrorismo y a la historia que se repite. Comparte el artista la afirmación de Bourriaud de que la historia es la caja de herramientas que hay que usar ante la amnesia que se impone globalmente.

El pasado 14 de diciembre, tuvo lugar en Antequera la entrega de los Premios del XXIII Certamen Nacional de Pintura de la localidad y la inauguración de la exposición con las obras seleccionadas y ganadoras de la convocatoria en la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, donde podrán contemplarse hasta el 19 de enero de 2020.

El primer premio ha sido para Leonor Solans Gracia, por Niña y flora; el segundo ha recaído en Raúl Gil Rodríguez, por Pérgola; el tercero lo ha obtenido Pablo Díaz Merchante, por Frida Black y el cuarto ha sido para Isaac Cruces, por Madrid desde Cibeles. Todas las pinturas expuestas en la Pinacoteca pueden consultarse aquí.

Convoca el certamen la Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera, que este año, como novedad, ha establecido una bolsa de premios de 9.000 euros, que será el importe máximo destinado a reconocer las obras.

El XIV Comité Intergubernamental para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la UNESCO decidió ayer reconocer el valor de la tradición alfarera de Talavera de la Reina y El Puente del Arzobispo (Toledo) declarando sus cerámicas Patrimonio Cultural Inmaterial.

Ambas manifestaciones culturales formaban parte de una candidatura internacional presentada por España y México bajo la denominación Procesos de fabricación de las Talaveras artesanales de Puebla y Tlaxcala (México) y Cerámica de Talavera de la Reina y Puente del Arzobispo. En palabras de José Guirao, ministro de Cultura y Deporte, por primera vez, la Lista de la Unesco reconoce explícitamente el fuerte vínculo cultural que une a América Latina con España y contribuye a impulsar la cooperación internacional entre las naciones de habla hispana en torno al Patrimonio Cultural Inmaterial.

Coincidiendo con la declaración, se ha inaugurado en la sede del Comité de la Unesco en Bogotá una muestra sobre esta candidatura bajo el título “Manos de barro, agua, fuego y corazón”, que dará a conocer los procesos artesanales de estas cerámicas.

Fue una de las grandes de la Nueva Objetividad, pero también una de las artistas que con mayor vigor desarrolló los procedimientos de la creación gráfica en el pasado siglo XX: en sus imágenes conjugó la representación cruda de la guerra, la pobreza y la injusticia y el virtuosismo técnico.

Hasta el próximo 29 de marzo, el Getty Center muestra una selección de trabajos en papel de Käthe Kollwitz procedentes de la Dr. Richard A. Simms Collection, alojada en el  Getty Research Institute, incluidos dibujos preparatorios apenas expuestos y pruebas de trabajo que revelan la profundidad de su compromiso social y político.

Carlos Aires continúa investigando los males y virtudes de la sociedad actual y los caminos para la representación política del poder en su cuarta exposición en la ADN Galería de Barcelona: “Nothing New”. Su título es ya una declaración de intenciones: se rebela contra la pretensión constante de innovar y agradar al mercado, pero también hace un ejercicio de ironía, porque todas las piezas mostradas son recientes e inéditas para el público.

Sin embargo, podemos considerarlas representativas de los intereses que viene desarrollando desde los noventa: de su uso de materiales y letras de canciones y de su empleo del dinero como símbolo de poder y autoridad o de efigies de personajes célebres.

Hasta el próximo 22 de enero de 2020, la artista sueca Leo Wellmar presenta su tercera exposición individual en la Galería Guillermina Caicoya de Oviedo: “Quietud. Un instante atrapado en el tiempo”. Exhibe de nuevo escenarios naturales que entiende como idóneos a la hora de evocar emociones, enigmas e instantes detenidos a través de la luz.

En sus palabras, la vida es un paisaje misterioso donde no se puede parar el tiempo, donde las sensaciones adquiridas toman forma a través de una luz propia, llegando así, como un instante atrapado en el tiempo, a formar parte del misterio que evoca.

Desde el pasado 2 de diciembre y durante los próximos cinco años, Chiara Parisi dirigirá el Centre Pompidou-Metz. Así lo ha decidido por unanimidad la Junta del centro, formada por representantes del Centro Pompidou parisino, el Estado francés, Metz Métropole, el Consejo Regional y la Ciudad de Metz, además de por la directora del Louvre de Lens, Marie Lavandier.

Parisi sucede en el cargo a Emma Lavigne, nombrada Presidenta Ejecutiva del Palais de Tokyo el pasado mes de septiembre, y es la tercera responsable de esta institución, inaugurada en 2010. Durante cinco años fue directora de Programas Culturales en la Monnaie de Paris y también ha comisariado exposiciones en la Villa Medici o en la Noche en Blanco parisina. Es Doctora en Historia del Arte por la Universidad de La Sapienza romana.

Desde el pasado 23 de noviembre, los visitantes del Moderna Museet de Estocolmo descubren profundos cambios en su visita a la colección permanente del centro: se ha reorganizado por completo y las diecinueve salas en que se dispone se han renovado a fondo.

Son 140.000 las obras que forman parte de los fondos del museo y, con el fin de que el mayor número posible de ellas pudieran ser contempladas, el recorrido por la colección venía cambiando casi constantemente. Esta vez, se ha optado por dar prioridad en las presentaciones a temas o artistas individuales, de ahí que las nuevas salas expositivas respondan, desde el mes pasado, a epígrafes como Una habitación propia, Collage y ensamblaje, Después de la pared o Abstracción excéntrica.

Técnicos, conservadores y comisarios han preferido que solo sean 300 las piezas expuestas por ahora en representación del acervo del Moderna Museet, y también han decidido dar protagonismo a las mujeres artistas y a los creadores suecos, incluyéndose, con una representación importante de piezas, a Siri Derkert.

Nos esperan igualmente trabajos de Lygia Clark y Robert Gober que no se habían expuesto antes y veremos también obras de Ola Pehrson o Mona Hatoum que habían estado durante años en el almacén o que habían sido prestadas a otras instituciones suecas o extranjeras. Algunas de las piezas estrella del centro, como uno de los monogramas de Rauschenberg, un paisaje marroquí de Matisse o un Sigrid Hjertén se exhiben integradas en renovadas constelaciones de obras.

Gitte Ørskou, directora del Moderna Museet, ha señalado que este espacio cuenta con una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo de Europa y que mostrarla, al menos parcialmente, conforme a criterios temáticos y no estrictamente cronológicos arrojará nuevas luces sobre las obras individuales y revelará el poder intemporal de la creación para transmitir ideas y emociones más allá de contextos de época.

Hasta el 16 de febrero de 2020, el MALBA argentino presenta “Soplo”, retrospectiva de Ernesto Neto, figura esencial de la escultura contemporánea, que reúne sesenta de sus obras. Desde sus inicios en los ochenta, el artista ha producido un cuerpo de trabajo en el que buscaba hacer dialogar arte, espacio y espectadores bajo la influencia de la creación neoconcreta brasileña.

Sus primeros trabajos los realizó a partir de materiales como medias de poliamida, esferas de poliestireno, especias y hierbas, en grandes instalaciones inmersivas concebidas como espacios de convivencia y también de toma de conciencia; asimismo suele favorecer el desarrollo de tensiones entre materiales textiles recientes y técnicas artesanales como el crochet. Con el tiempo, sus proyectos han avanzado hacia la afirmación del cuerpo como elemento que no se puede disociar de la mente y de la espiritualidad.

El Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, que dirige Andrea Levy, ha nombrado a la gestora cultural Natalia Álvarez Simó directora teatral del Centro Cultural Conde Duque, con el objetivo, según el consistorio, de “convertir a este emblemático espacio, situado en un edificio del siglo XVIII, en un centro de artes vivas y del movimiento que recoja los nuevos lenguajes escénicos de la escena contemporánea”.

Álvarez Simó, que se incorporará a su puesto a comienzos del próximo año, desarrollará su programación en el teatro, el auditorio, las salas de exposiciones y los patios de este complejo cultural, que abarca 58.000 metros cuadrados en el barrio de Universidad y en el que también tienen sede instituciones como la Biblioteca Benito Pérez Galdós, la Hemeroteca Municipal o el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

El Van Gogh Museum y el Drents Museum han anunciado que han comprado conjuntamente la pintura de Van Gogh Campesino quemando maleza (1883), obra de pequeño formato pero muy expresiva en la que una figura solitaria prende fuego a malas hierbas bajo la luz simple del crepúsculo. El artista la llevó a cabo en Drenthe, donde permaneció en el otoño de aquel año capturando el paisaje de sus alrededores en diversas pinturas y dibujos, aunque este trabajo es uno de las pocos que se ha conservado. Se exhibirá alternativamente en ambos centros.

Trató Van Gogh de capturar el estado del campo en otoño, sirviéndose sobre todo de colores oscuros. Atendiendo a sus cartas, llevó a cabo dieciocho estudios allí y, con Campesino quemando maleza, todos los que consta que se preservan forman ya parte de colecciones públicas holandesas.

Al concentrarse en los efectos lumínicos, en la captación del crepúsculo, el autor de Los girasoles alumbró aquí una obra intrigante. Logró reproducir hábilmente la iluminación derivada del fuego, el humo ascendente y la sombra que proyecta sobre la tierra.

En 1883 Van Gogh solo había pintado óleos durante un año y aún buscaba un estilo propio como pintor. La adquisición de este trabajo ha sido posible con la colaboración del BankGiro Loterij, la Mondriaan Fund, Vereniging Rembrandt y la Vincent van Gogh Foundation.