Hoy, 17 de febrero, ha fallecido en Madrid María Moreno a los 87 años de edad. Una de las más recientes ocasiones en que pudimos ver su trabajo fue la exposición “Realistas de Madrid“, que acogió el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza entre febrero y mayo de 2016.

Moreno nació en Madrid en 1933 y se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde ingresó en 1954 para cursar Bellas Artes, especializándose en pintura. Desde los años setenta, su producción comenzó a mostrarse y a formar parte de colecciones internacionales y en 1973 se celebró una exposición individual de su obra en la Galería Herbert Meyer-Ellinger de Frankfurt, a la que siguió otra en 1990 en la Galería Claude Bernard de París.

María y su marido, el pintor Antonio López, pertenecen al grupo histórico y generacional de pintores y escultores que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de los cincuenta, unidos por su formación y su trabajo y también por sus relaciones personales y familiares. Además de María y Antonio, este grupo lo formaban el escultor Julio López Hernández, Esperanza Parada, el escultor Francisco López Hernández, hermano de Julio; su mujer, la pintora Isabel Quintanilla y Amalia Avia. No todos nacieron en Madrid, pero la capital fue su lugar de residencia y de trabajo.

En las últimas décadas, la obra de María Moreno ha formado parte de varias muestras colectivas además de la del Thyssen, como la organizada en 1991 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Es autora de paisajes, centrándose en Madrid y La Mancha; de retratos de su entorno próximo, datados sobre todo en su primera etapa; de interiores, muy presentes desde el comienzo de su carrera, y de bodegones, jardines y flores, obras estas que realizó especialmente desde los noventa.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado que publicará a partir de hoy y semanalmente, en su página web y dentro del canal Museo, el número de visitantes que acceden a la institución, así como el tipo de entrada que se ha emitido (general, reducida, gratuita y otro precio). Los datos recogerán las cifras de cada semana y el acumulado.

Además, el portal del Prado ofrecerá un histórico del total de visitantes anuales desde 2011 y la evolución mensual por tipo de entrada desde 2014. Hay que recordar que la pinacoteca registró en 2019 más de 3.200.000 visitantes, el máximo histórico de la institución.

Según Miguel Falomir, su director, presentar estas cifras refuerza el carácter público de la institución porque el conjunto de los ciudadanos españoles pueden acceder a unas cifras que, en definitiva, son suyas.

El Centro de Creación Contemporánea de Andalucía. C3A de Córdoba presenta, hasta el próximo 2 de febrero, los trabajos que Marta Beltrán, Paco Chanivet, Paloma de la Cruz, Enrique del Castillo, Antonio Montesinos y Cristina Ramírez han realizado durante sus residencias en este centro, en el marco de su Programa de Investigación y Producción. Los seis han tomado en este periodo cierta distancia respecto a su propia obra, se han abierto a la reflexión y la experimentación y exhiben ahora los frutos de ese proceso.

Beltrán expone nuevos dibujos dedicados a la imagen de la mujer en la cultura moderna, deudores del cine y la literatura; Chanivet transforma su parcela de espacio expositivo con el proyecto Crisis, en el que aborda el miedo a lo desconocido y Paloma de la Cruz nos muestra Paños de abluciones, una serie de cerámicas decoradas con motivos ligados a la lencería con las que explora identidades a partir de las culturas materiales ligadas a la higiene corporal y la ropa íntima.

Por su parte, Enrique del Castillo ha investigado las características tímbricas del sonido óptico, el que se produce cuando una célula fotosensible lee las opacidades de una película fílmica en movimiento y, a través de un altavoz, las traduce en sonidos; Antonio R. Montesinos ha estudiado modos de cuidado entre seres naturales y elementos artificiales y Cristina Ramírez exhibe en Córdoba paisajes oceánicos que ponen de relieve nuestra dificultad esencial a la hora de articular respuestas frente al horror. Comisaría la muestra Javier Sánchez Martínez.

El próximo 30 de enero, el museo mallorquín Es Baluard celebrará su 16º aniversario invitándonos a reflexionar sobre la memoria del espacio y las urgencias de nuestra contemporaneidad: el cambio climático y el agua como recurso escaso. Presentará en su Aljub Phasing Rain, instalación site-specific de luz y sonido codirigida por Onionlab y Xavi Bové Studio con diseño de sonido y música de Zinkman.

Su objetivo es modificar radicalmente el antiguo aljibe de agua dulce que abastecía todo el barrio del puig de Sant Pere y que actualmente forma parte del centro, un espacio que favorece el diálogo entre el pasado y el presente. Los visitantes podrán caminar y percibir la luz y la música a su propio ritmo desde las 19:00 hasta las 21:00 horas, durante pases de 10 minutos.

Phasing Rain está inspirada en la labor del compositor minimalista Steven Reich, que utilizó palabras del sacerdote Brother Walter sobre el diluvio en la Biblia y el Arca de Noé para advertir a la sociedad sobre el posible fin del mundo debido a la Guerra Fría en los sesenta.

Además, con esta actividad Es Baluard comienza una serie de iniciativas que simbólicamente rememoran la figura de Giovan Giacomo Palearo Fratini (1520-1586), ingeniero que proyectó la fortificación renacentista de su edificio.

La Royal Academy of Arts de Londres ha concedido su Premio Royal Academy Architecture 2020 a la escultora Cristina Iglesias por invitarnos a mirar no solo los edificios, sino también los espacios que surgen entre ellos. El jurado ha estado presidido por Norman Foster y ha valorado la estrecha relación de sus proyectos con sus entornos y con la naturaleza: Dado que las ciudades albergan a más y más personas, el espacio público generoso es cada vez más necesario para la reflexión y el descanso. Las obras de Iglesias existen en diálogo con los edificios a su alrededor, pero van más allá al invitar a sus audiencias, habitantes de la ciudad, a contemplar su entorno a través de la introducción de agua corriente e imágenes naturalistas que recuerdan las hojas caídas.

Este es el tercer año en que se concede este galardón, que antes recayó en los fundadores de Diller Scofidio + Renfro, Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio, y en el arquitecto japonés Itsuko Hasegawa.

Hasta el próximo 25 de abril, el Centro de Arte y Tecnología ETOPIA de Zaragoza presenta “Tensiones escópicas”, proyecto nacido de la beca de producción Cesar e-Fluxus Laboratorio Audiovisual que el artista turolense David Cantarero Tomás desarrolló recientemente en este mismo espacio. La exhibición, comisariada por Nerea Ubieto, recoge los frutos de esta estancia y también varios trabajos vinculados a la línea de investigación del artista realizados en otras dos residencias artísticas, en Bilbao y Bregenz (Austria), además de dos obras inéditas.

DRAWING ROOM MADRID celebrará su quinta edición, del 26 de febrero al 1 de marzo, en el Palacio de Santa Bárbara. Contará con una selección de 16 galerías de España, Portugal, Holanda, Reino Unido, Suecia, Italia, Colombia y Argentina; será dirigida por la comisaria y productora cultural Mónica Álvarez Careaga y presentará los trabajos de cuarenta artistas, algunos inéditos en nuestro país.

Esta cita es la única feria realizada en España dedicada en exclusiva al dibujo contemporáneo y cuenta también con edición lisboeta.

Las salas participantes serán Fonseca Macedo (con José Loureiro, Isabel Madureira Andrade y Olivier Nottellet), José Amar (Alejandro García Restrepo, Felipe Bedoya y Yosman Botero), Lucía Mendoza (Salustiano), Monumental (Manuel Gantes, Teresa Dias Coelho, Sebastião Castelo Lopes y Lourenço de Castro), Siboney (Sergio Mora), Silvestre (Irene González, Marta Barrenechea, Klass Vanhee), Bart (Lawrence James Bailey, Raymond Lemstra y Toni van Tiel), La Carbonería (Jorge Vicén y Elián Stolarsky), My Name´s Lolita Art (Paco Pomet e Illán Argüello), Ogami Press (Javier Pividal, Almudena Lobera y Alfonso Albacete), Otto Galería (Eduardo Stupía, Flavia Martini), Pepita Lumier (Daniel Torres, Alejandra de la Torre), Pitt Studio (John Robinson y Tony Squance), Shazar Gallery (Rocco Dubbini, Stefania Ricci), Uma Lulik (Paulo Lisboa y AnaMary Bilbao) y WADSTRÖM TÖNNHEIM GALLERY (María José Gallardo, Daniel Fleur y Ana Vélez).

Hasta el próximo 21 de junio, la Sala permanente de fotografía del Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presenta una selección de imágenes de Alberto Schommer pertenecientes a este centro y escogidas, en su momento, por el propio autor. El artista, fallecido en 2015, se inició en la fotografía tras su paso por los ámbitos de la pintura y la publicidad y su primera estética se acercó al neorrealismo italiano.

En 1969 comenzó a desarrollar su célebre serie de Retratos Psicológicos (1969-1973), en los que se alejó de la austeridad de los grandes retratistas de la época, como Irving Penn y Richard Avedon, para construir ampulosas puestas en escena en las que situar a sus modelos. Sus retratos se acercan a un simbolismo barroco: además de diseñar la escenografía, dirigía las poses y caracterizaba a los personajes que se exponían a su mirada.

Han sido muchos los fines con los que el color negro se ha utilizado en la historia del arte, por razones técnicas (otorgar profundidad) o emotivas (apelar a nuestro lado oscuro). Víctor Lope lo convierte en protagonista de su nueva muestra colectiva, abierta hasta el 1 de febrero: “Seis historias y un color” reúne trabajos de artistas que han desarrollado su obra fundamentalmente en blanco y negro y dando primacía a lo oscuro sobre lo claro, también a las emociones.

Se trata de Mariajosé Gallardo, Kepa Garraza, Max Gärtner, Concha Martínez Barreto, Frank Plant y Alastair Whitton.

El patronato de la Fundación Oteiza ha decidido hoy nombrar nueva presidenta de la Fundación Museo Jorge Oteiza a Jaione Apalategi, que sucede  a Rafael Moneo, quien ha ejercido el cargo desde 2014.

Apalategi, profesora  titular del Área de Conocimiento y Didáctica y Organización Escolar en el Departamento de Ciencia Humanas y de la Educación de la Universidad Pública de Navarra, es miembro del patronato de la Fundación Museo Jorge Oteiza desde su creación en 1996.

Moneo, por su parte, continuará vinculado a la Fundación como patrono y presidente de honor. El patronato de esta institución ha agradecido su labor, “un trabajo esencial que ha impulsado numerosas acciones dirigidas a reordenar los objetivos de la Fundación y ayudar en la consideración de la obra de Jorge Oteiza”, a la vez que ha valorado su “calidez humana y ambición intelectual”.

Hasta la fecha han presidido el patronato de la Fundación Oteiza Juan Huarte, Pedro Manterola, Francisco Calvo Serraller y el mencionado Moneo.

Hasta el próximo 21 de febrero, la Galería Freijó madrileña presenta “Archivos cromáticos”, un repaso a la producción reciente del pintor abstracto Enrique Brinckmann. En ella se sirve de soportes y materiales que trascienden lo pictórico (rejillas, cartones, elementos industriales) y, sobre todo, introduce metal y contrachapado, homenajeando la estética de la tecnología pero sin dejar a un lado las posibilidades del reciclaje.

El 11 de diciembre de 2019 quedó proclamada la nueva Junta Directiva del Instituto de Arte contemporáneo (IAC) para el periodo 2020-2023, que asumirá sus funciones la primera semana de febrero de 2020. Marta Pérez Ibáñez es su presidenta, Daniel Castillejo, su vicepresidente; Begoña Martínez Deltell es su secretaria y Sonsoles Vidal, su tesorera. Serán vocales Eugenio Ampudia, María Virginia Jaua, Lucía Mendoza, Isabel Niño, Juan Carlos Robles, Blanca de la Torre y Lucía Ybarra.

El IAC ha anunciado que sus líneas de trabajo serán la implantación de buenas prácticas en museos y centros de arte, la mejora en la transparencia en la gestión de los museos y centros de arte contemporáneo, el diálogo con las autoridades políticas locales, el impulso a la promoción internacional del arte español contemporáneo, la reflexión sobre la noción de patrimonio y arte público, el estímulo hacia el patrocinio, la elaboración de un completo estudio sobre la educación artística para examinar sus carencias y reconducir sus premisas, lograr un acuerdo generalizado sobre las buenas prácticas en las relaciones entre artistas, comisarios, educadores, gestores culturales, mediadores, galeristas, coleccionistas y museos, centros o instituciones y la apertura de un debate sobre el tratamiento de la información en materia de arte contemporáneo y sobre su presencia en los medios de comunicación.

Los contemporáneos de Tiepolo lo consideraron, en el siglo XVIII, el mejor pintor veneciano. Para conmemorar el 250 aniversario de su muerte, Staatsgalerie Stuttgart ha reunido en una gran antología los trabajos del artista presentes en su colección y también pinturas prestadas por destacadas colecciones internacionales, públicas y privadas. Se trata de la primera muestra en revisar el legado del italiano en un país de habla alemana y arroja luz sobre la diversidad de su producción, que consta de obras de temática mitológica, histórica y religiosa, así como de caricaturas, dibujos y grabados.

En diálogo con ellas, el centro también exhibe un vídeo creado especialmente para la ocasión a cargo de Christoph Brech. La retrospectiva puede visitarse hasta el 2 de febrero.

El pasado 2 de enero falleció en Los Ángeles John Baldessari, el artista estadounidense que fue en la década de los sesenta pionero del entonces emergente arte conceptual gracias a pinturas en las que combinaba texto e imagen. Tras conmocionar al mundo del arte cuando anunció su intención de quemar todas las obras que había realizado entre 1953 y 1966, centró su atención en el medio fotográfico, sirviéndose de fotogramas cinematográficos y material descartado por directores de filmes norteamericanos para elaborar célebres fotocomposiciones.

Su producción se caracteriza por el ingenio, la ironía y la superposición de imágenes tomadas de los medios de comunicación, de la pintura y de la publicidad, y ha ejercido una influencia fundamental en los trabajos de Cindy Sherman, David Salle o Barbara Kruger.

1.170.669 personas visitaron el Museo Guggenheim Bilbao el año pasado, la cuarta mejor cifra en la historia del centro vasco. Se mantiene el porcentaje habitual y mayoritario de extranjeros (69% del total), que proceden fundamentalmente de Francia, Gran Bretaña, Alemania, Estados Unidos e Italia. El público del País Vasco se sitúa en el 9%, mientras que el porcentaje de visitantes del resto de España es del 22%, destacando como en años anteriores los procedentes de Cataluña y Madrid.

Las exposiciones más visitadas de 2019 en el Museo Guggenheim fueron “Una mirada atrás: Giorgio Morandi y los maestros antiguos” (más de 700.000 visitas), “Jenny Holzer: Retrospectiva” (más de 650.000) y “Lucio Fontana. En el umbral” (más de 550.000).

En cuanto a los programas educativos, en 2019 han participado 105.790 personas en las diferentes actividades presenciales y online que ofrece el Museo y 917.987 han hecho uso de los espacios didácticos complementarios a la programación artística.

El Museo Picasso malagueño registró 703.807 visitas en 2019, cifra que supone un incremento del 4% respecto al número de personas que se acercaron a la pinacoteca en 2018. Además, durante el pasado año tomaron parte en sus actividades educativas 27.515 personas, entre las que se encuentran los participantes del proyecto de accesibilidad que desarrolla la pinacoteca con la colaboración de Obra Social “la Caixa”.

Junto al interés por acercarse a la obra de Picasso a través de la Colección Museo Picasso Málaga, gran parte de los visitantes ha recorrido las tres exposiciones temporales de 2019: “Olga Picasso“, organizada junto al Musée Picasso de París, que viajó posteriormente a CaixaForum Madrid; “Bruce Nauman. Estancias, cuerpos, palabras“, producida por el Museo Picasso Málaga con la colaboración de Obra Social “la Caixa”; y más recientemente, “Calder-Picasso“, que puede contemplarse hasta el próximo 2 de febrero.

En la década de los sesenta, un grupo de artistas de vanguardia comenzó a impulsar la abstracción en nuevas direcciones: Helen Frankenthaler aplicó lavados acrílicos diluidos al lienzo de algodón sin imprimar y Morris Louis, Kenneth Noland o Jules Olitski vertieron, empaparon o rociaron metódicamente pintura sobre lienzos, eliminando el gesto que había resultado fundamental para los expresionistas abstractos en los cincuenta. En sus nuevos trabajos, figura y fondo se fundieron a través del color.

El Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York presenta, hasta el 2 de agosto de 2020, “The Fullness of Color: 1960s Painting”, un exhaustivo examen al movimiento de la llamada abstracción postpictórica bajo el comisariado de Megan Fontanella.