Bárbara Rodríguez, directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín
Bárbara Rodríguez Muñoz se incorporará en septiembre al equipo del Centro Botín de Santander como directora de exposiciones y de la colección. Desarrollará e implementará el Programa de Artes Plásticas de la Fundación, en colaboración con la Comisión Asesora de Artes Plásticas, será responsable de la gestión de la colección de arte de esa institución y se encargará de comisariar las diferentes exposiciones que de ella se presenten; también representará al Centro Botín en el ámbito artístico, tanto a nivel local como nacional e internacional, y establecerá y potenciará las relaciones con otros centros de arte y museos, así como con artistas, comisarios, coleccionistas y galerías.
Rodríguez Muñoz, que cursó un Máster en Comisariado de Arte Contemporáneo por el Royal College of Art de Londres gracias a una Beca de Comisariado de Exposiciones y Gestión de Museos de la Fundación Botín, ha sido curadora durante siete años de la Wellcome Collection británica y también ha colaborado con instituciones como la South London Gallery, el Freud Museum, The Royal Opera House London, La Casa Encendida, Martin Gropius Bau o MAAS Sydney.
Barbara Rodríguez Muñoz, nueva directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín
Goshka Macuga, cerca del poder pero a distancia prudencial
La artista polaca Goshka Macuga explora en su obra los vínculos entre arte, poder e historia: en sus grandes instalaciones, mezcla piezas de creación propia con material encontrado en archivos y colecciones para, a partir de ese conjunto, proponer nuevas aproximaciones a los relatos heredados sobre hechos y personajes históricos. Recicla continuamente imágenes y referencias, en un método semejante al del historiador del arte Aby Warburg: a modo de collage, se yuxtaponen imágenes tomadas de diferentes etapas históricas que comparten tema o estética y se articulan en un continuum visual.
Desde el 10 de julio, presentará en el MUSAC leonés “IN FLUX”, su primera exposición en España. Comisariada por Neus Miró, albergará tres instalaciones especialmente significativas en su trayectoria: Plus Ultra (2009), Untitled (2011) y The Nature of the Beast (2010), junto a material encontrado en archivos y colecciones. A partir de unas y otro, propondrá nuevas aproximaciones a los relatos convencionales sobre los hechos y personajes históricos presentados en cada instalación.
El mismo título de la exhibición, “IN FLUX”, se refiere a la constante circulación de imágenes y hechos en su trabajo; a la persistencia cíclica de determinados episodios históricos y a las variaciones históricas de sucesos pasados.
Goshka Macuga. Anti-Collage (Crowd), 2011. Cortesía de la artista y Kate MacGarry Gallery
La revista Atlántica inicia nueva etapa
El Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas ha reactivado su revista internacional Atlántica de arte y cultura contemporánea, que presenta nuevas secciones y también un nuevo consejo editorial. Sus contenidos continuarán atendiendo a las pulsiones del arte y el pensamiento contemporáneos, pero también abordarán la programación del CAAM y propuestas culturales relevantes que se relacionen con los espacios de investigación y de acción de este espacio.
Atlántica nació en 1990 y, desde sus inicios y hasta 2014, se editaron de ella en formato impreso 54 números hasta que, en 2015, coincidiendo con el 25º aniversario del museo canario, dio el salto a Internet, donde se mantiene actualmente en formato digital.
Su consejo editorial, encargado de la selección de contenidos, estará desde ahora formado por Eli Cortiñas, Ticio Escobar, Hans Michael Herzog, Marta Mantecón, Simon Njami, José Manuel Noceda, Nilo Palenzuela, Gabriela Salgado, Annabelle Teneze y Blanca de la Torre y los nuevos apartados de la publicación serán cuatro.
El primero se denomina La Revista, presenta el formato tradicional y cuenta con textos, entrevistas o proyectos de artistas. La coordinación editorial de cada número propondrá la selección de contenidos e invitará a colaborar a especialistas y artistas, hasta un máximo de siete colaboraciones por número.
Más Atlántica se dedicará a entrevistas grabadas en vídeo, o registradas en streaming, a personalidades del sector artístico y de la cultura que visitan el CAAM; Atlántica Islas será el altavoz de los programas de trabajo de las galerías e instituciones artísticas y culturales de Canarias y Atlántica Internacional se ha concebido como canal de difusión de eventos destacados en el contexto internacional, en relación con los espacios de investigación y de acción del propio centro.
Presentación de la revista Atlántica del CAAM
Buste de Femme 43, de Picasso, depositado en el Prado
El Real Patronato del Museo Nacional del Prado se ha reunido hoy en sesión plenaria y ha aceptado el depósito, por un período de cinco años, de Buste de Femme 43, obra realizada por Pablo Picasso en 1943. La ha donado a la entidad American Friends of the Prado Museum la Aramont Art Collection de la familia Arango Montull y se exhibirá en el contexto de la colección permanente.
La obra, datada en 1943, ejemplifica la respuesta del malagueño a la violencia de la II Guerra Mundial; en las imágenes femeninas que llevó a cabo en ese periodo, deformó los rasgos de las figuras de manera radical. Pintada en un solo día, se elaboró con trazos rápidos y muy seguros y la resonancia de los tonos del fondo y la presencia contundente del tipo femenino revelan los ecos de su gusto por lo español y su conocimiento hondo de la tradición pictórica de nuestro país. El busto será expuesto de forma inmediata en las salas de retratos de El Greco, una de las referencias claras en la pintura picassiana.
Pablo Picasso. Buste de femme 43, 1943. Donado por Aramont Art Collection de la familia Arango Montull a American Friends of the Prado Museum
Además, el Patronato ha comunicado la aceptación de la donación del Retrato de Felipe III de Velázquez, que igualmente ha ofrecido la American Friends, tras haber permanecido en depósito desde 2016. Se trata de una obra identificada en 2015, cuyos rasgos estilísticos y características técnicas permitían atribuirla al sevillano y relacionarla con su Expulsión de los moriscos. Este cuadro desapareció en el incendio del Alcázar de Madrid en 1734, pero se conservan descripciones que demuestran que su protagonista era Felipe III, que se encontraba de pie, junto a una alegoría de España y apuntando hacia los moriscos, que estaban siendo expulsados.
El artista no llegó a conocer a Felipe III, muerto en 1621, y para conocer su rostro acudió a retratos ajenos. Este lienzo sería el ensayo previo que le permitió fijar una imagen de aquel monarca, por eso su carácter abocetado, que habla de él como instrumento de trabajo antes que como pintura con finalidad en sí misma.
Por último, también se han aprobado las cuentas correspondientes al ejercicio 2020, marcado por la emergencia sanitaria debido a la pandemia, que se cerró con un resultado patrimonial negativo de 18,5 millones de euros para el Prado. La caída más significativa se ha producido, como era esperable, en los ingresos por venta de entradas, que cayeron desde los 22,6 millones en 2019 a menos de 3,7.
Durante el año 2020 el número total de visitas a la pinacoteca fue de 852.161, pero más de 550.000 tuvo lugar antes del confinamiento de marzo.
Velázquez. Retrato de Felipe III, 1627. Donado por American Friends of the Prado
Concha Jerez, invitada en la próxima edición de ESTAMPA
La 29ª edición de ESTAMPA tendrá lugar en IFEMA del 21 al 24 de octubre de este año y ya conocemos su artista invitada: Concha Jerez, que presentará en la feria su instalación En busca de paraísos olvidados.
No necesita muchas presentaciones: pionera del arte conceptual en nuestro país, desarrolla desde los setenta trabajos de carácter multidisciplinar, especialmente instalaciones concebidas para escenarios específicos. En los ochenta comenzó a adentrarse en la performance y desde 1989 conjuga su producción individual con el desarrollo de proyectos en colaboración junto al artista sonoro José Iges.
En relación con la feria, sabemos que mantendrá su Programa General y dos propuestas comisariadas: Solo Project y Duo Project. Se trabaja en el desarrollo de un programa para coleccionistas internacionales y los Encuentros Colecciona estarán dedicados, esta vez, a hacer balance y exposición del estado de la cuestión del mercado del arte en España tras la pandemia.
Concha Jerez, invitada en la próxima edición de ESTAMPA
Abraham Lacalle nos invita a ir al paisaje
Los últimos paisajes, en óleos y acuarelas, de Abraham Lacalle se exhiben, hasta el 14 de agosto, en la Galería Juan Silió de Santander. Se trata de obras de mediano y gran formato intencionadamente crudos; no ha querido el almeriense incidir en su belleza ni ofrecer visiones idealizadas, sino presentarnos imágenes de lo a menudo desechado: maleza, barro, árboles secos. Subyace una intención crítica, en relación con nuestro trato al medio ambiente.
Colores vibrantes y pinceladas potentes rompen el aparente bucolismo de las escenas; especialmente en las imágenes de campos abiertos apreciamos atmósferas sombrías.
Abraham Lacalle. Ciprés, 2021
Gesto, danza y expresión en Barbara Morgan
El Museo Nacional del Romanticismo presenta, en el marco de PHotoESPAÑA, la antología “Barbara Morgan: gesto, danza y expresionismo”, que estudia la carrera de esta artista, fundamental en la vanguardia estadounidense, a través de sus imágenes de danza contemporánea de los años treinta y cuarenta y de su obra más experimental: fotomontajes y dibujos de luz enmarcados en la Action Photography.
En el centro podremos establecer, así, paralelismos entre el carácter rupturista del movimiento romántico y el interés de Morgan por los cambios introducidos por la danza contemporánea en el siglo XX, en la medida en que incorpora la subjetividad.
Comisariada por Pia Ogea, los fondos de la exhibición se basan en la Colección Astudillo; en seis apartados se repasa el interés de la fotógrafa por la cinética, el movimiento, el llamado ritmo vital y la utilización del cuerpo como medio de expresión, destacándose su fotografía de danza y su vinculación con la coreógrafa y bailarina Martha Graham, a través de piezas como Letter to the World. The Kick o Lamentation.
También se analiza la vertiente más social de su trabajo, recogida en Deep Song, que situó a la Guerra Civil Española en el punto de mira internacional a través de la danza, o en sus fotomontajes, que buscaban plasmar una realidad compleja y multifacética.
La retrospectiva puede visitarse hasta el 26 de septiembre.
“Barbara Morgan: Gesto, danza y expresionismo”. Museo Nacional del Romanticismo
Tàpies, Chillida y la tierra chamota
Chillida Leku ha comenzado este mes una línea expositiva centrada en el desarrollo de un programa dedicado a artistas invitados conectados al universo del escultor vasco. La primera de sus muestras es “Tàpies en Zabalaga”, que ocupa completamente el piso superior del caserío Zabalaga y puede visitarse hasta enero de 2022.
Consta de obras de pequeño y gran formato, sobre todo esculturas, fechadas en los ochenta y noventa; se establece un diálogo directo entre ellas y las de Chillida, que se exponen en la planta baja, y con el propio caserío Zabalaga, restaurado por el artista donostiarra. Han colaborado en el proyecto la Fundación Antoni Tàpies y la familia del artista catalán, así como colecciones privadas, como la de Iberdrola, que ha prestado Ocho cruces (1981) y Huellas de hoja (1982).
Según Mireia Massagué, directora de Chillida Leku, esta exposición hunde sus raíces en los principios comunes que guiaron la vida y la práctica artística de ambos autores.
Las conexiones en las trayectorias vitales de Chillida y Tàpies son mayores de lo que parecen; en ellas y también en sus conocidas diferencias se fija la exposición. El material con el que están realizadas muchas de las esculturas que la integran es la tierra chamota, que actúa como nexo de unión entre ambos creadores; fue en 1981 cuando el barcelonés comenzó a experimentar con las posibilidades de esa técnica en el taller del ceramista Hans Spinner. En aquella época recibió varias invitaciones para trabajar en el taller del galerista Aimé Maeght en Saint-Paul- de-Vence (Francia) y Eduardo Chillida, que había descubierto ese mismo material en aquellos hornos, insistió a su amigo para que aceptara la propuesta y se animara a trabajar con esa materia.
De la mano de estos paralelismos, la relación entre Tàpies y Chillida se consolidó igualmente en el plano teórico: en su trato con el barro y su voluntad de trascenderlo como pasarela hacia la espiritualidad, en la influencia de la filosofía y la poesía en su producción o en el interés por el espiritualismo oriental. Los dos abordaron desde un enfoque humanista su trabajo e incidieron en la capacidad transformadora del arte.
Algunas de las piezas expuestas pueden verse por primera vez fuera de la Fundación Antoni Tàpies y casi todas subrayan el lenguaje propio de este artista y la riqueza de su repertorio iconográfico.
Al comienzo de este año, la Casa Árabe y el Festival PHotoESPAÑA decidieron impulsar la colaboración que ya mantenían hace varios años y que se ha materializado en diversas exposiciones de fotografía organizadas en la sede de la primera institución en Madrid. Con este objetivo, presentaron conjuntamente NUR | نور (Luz), una convocatoria abierta para la selección de una propuesta expositiva de carácter fotográfico que sería presentada allí con motivo de esta cita con la imagen.
El proyecto escogido fue “Barzakh. Entre mundos”, que tiene como comisarios a Xavier de Luca y Houari Bouchenak y cuenta con trabajos de Zied Ben Romdhane, M’hammed Kilito, Sonia Merabet, Souad Mani, Hakim Rezaoui, Yasmine Hatimi / Toni Serra *) abu ali y Abdo Shanan, ocho autores procedentes de Marruecos, Túnez, Argelia y España y ligados a cinco colectivos o asociaciones independientes (KOZ Collective, Collective220, rhizome, Maison de l’Image y Jiser).
El eje temático de la muestra es la noción de barrera (en el idioma árabe, barzakh); en el Corán se define así a la zona entre los mares dulce y salado que impide que el alma de los difuntos regrese al mundo tras su muerte. Ese lugar intermedio se convierte en esta exhibición, abierta hasta el 17 de octubre, en punto de partida para reflexionar en torno al universo de la imagen y la imaginación y sobre dos realidades muy vigentes en el contexto árabe: una juventud rebelde y vibrante emergente y un mundo interior, no visible, asociado a la memoria y a territorios aún por explorar.
Es también una finalidad de esta exhibición, titulada “Barzakh. Entre mundos”, abordar la riqueza de usos de la fotografía en formatos diversos (obras en papel, diapositivas, imágenes en movimiento y otros soportes de carácter más experimental) y analizar las variadas formas de narración que posibilita la disciplina.
Yasmine Hatimi. Amarcord, 2017
Eduardo Nave y la dignidad del rastro
En las playas de Normandía, el fotógrafo valenciano Eduardo Nave inició en 2003 un proyecto fotográfico en el que reivindicaba que los lugares guardan memoria y que la imagen, desde su estatismo, puede capturar tiempos. Esa memoria es la del Desembarco crucial de los aliados en la II Guerra Mundial; de hecho, varias de esas playas son conocidas hoy por los nombres en clave que recibieron durante el conflicto: Utah, Gold, Omaha, Juno…
Desde su pulcritud depurada, y precisamente por ella, las imágenes de Nave conmueven y escuecen: medio millón de soldados murieron en estas muy bellas playas, escenario a la vez de desgracia y del principio de la esperanza. Ocurrió, en el fondo, ayer, por eso uno de los propósitos del fotógrafo con este proyecto es llamar la atención sobre los peligros del coqueteo con la sinrazón y de la ignorancia o el olvido de la historia; ya muchos de sus trabajos anteriores los llevó a cabo en escenarios donde habían tenido lugar acontecimientos destacados, explorando los recuerdos que esos espacios guardan y el modo en que pueden apelarnos.
Lo hace fotografiando en días grises o claros, con el mar en calma o bravo, a veces fijándose en las gaviotas que se posan sobre los restos de esa arquitectura militar o deteniéndose en paseantes apacibles entre vestigios del pasado. La paz que unos y otros desprenden no disminuye nuestra vasta sensación de que nos encontramos casi ante un gran templo del recuerdo, apto para el recogimiento aunque no tenga paredes.
Aquellos trabajos se han articulado en dos series: Les rivages du débarquement (2003-2005) y Mulberry Harbour (2004), pero en 2019, coincidiendo con el 75º aniversario del Desembarco, el fotógrafo regresó a esa región para reencontrarse con el lugar y fotografiar de nuevo su mar a la luz de su bagaje personal y creativo. Captó elementos y ambientes, también restos en la costa, que escaparon a su mirada en aquellos primeros viajes. Sirviéndose de nuevas tecnologías, ha completado su visión de este lugar, cerrando el proyecto presentando unas “normandías” diferentes.
Según el escritor Rafael Argullol, Eduardo Nave da cuenta exacta de la turbulenta dignidad del rastro. Su paseo por la luz de Normandía es memorable. Para mí, como alguien nacido en la orilla del Mediterráneo, con sus colores sensorialmente tan contrastados, la luz del Norte siempre tiene algo mágico, la promesa de una abstracción espiritual. De ahí el valor, revolucionario en su momento, de la pintura de Caspar David Friedrich con el que Nave está exquisitamente emparentado. La luz del Norte es especialmente difícil para un cazador de imágenes porque exige temple, sutileza y un activismo desenfrenado del ojo interior, el que mira el mundo desde dentro y hacia dentro.
Imágenes inéditas de sus dos primeras series, junto a una selección de las tomadas en 2019 y vídeos, pueden verse en la Galería Daniel Cuevas hasta el 20 de julio. Forman parte de la muestra “Normandías: Lugar y luz de la memoria”.
Eduardo Nave. Serie Normandías: Lugar y luz de la memoria, 2019
Paisajes que respiran
La Gran se suma por primera vez a la programación del Festival OFF de PHotoESPAÑA con “Paisajes que respiran”, una colectiva que reúne trabajos de Verónica Vicente, Eva Díez y Moreno & Grau, artistas habituales de la galería.
La muestra consta de fotografías en las que la naturaleza se toma como punto de partida para la elaboración de paisajes íntimos abiertos al pensamiento y la introspección. Las artistas encuentran mensajes escondidos en los detalles y fragmentos de su identidad en lo orgánico.
Verónica Vicente. Escrito en las hojas 12, 2021
El Museo del Prado adquiere La diosa Juno de Alonso Cano
Hasta ahora el Museo del Prado contaba en sus fondos con diecinueve pinturas y algo más de una treintena de dibujos de Alonso Cano, la mayoría de asunto religioso; a ese acervo se suma una nueva obra: La diosa Juno, excepcional por su calidad y también por su temática, dado que la mitología y el desnudo parcial femenino no eran frecuentes en las representaciones de los artistas españoles en el siglo XVII.
Se tiene constancia de esta pieza a partir de su presentación en un Congreso en 1997 y se ha identificado con una Pallas citada en 1657 en el inventario de bienes de Margarita Cajés, hija del pintor Eugenio Cajés. A su viudo se la compró, en una almoneda, Juan Antonio de Frías y Escalante, seguidor de Cano, que se inspiraría en ella para su San José con el Niño, en la colección del Museo de Bellas Artes de Asturias. En la pinacoteca madrileña, que ha adquirido el lienzo por 270.000 euros, se exhibirá junto a un dibujo de este autor que representa una mujer recostada y desnuda, otro ejemplo de hasta qué punto conoció la gran tradición de representaciones mitológicas y trabajó por ofrecer de ellas una interpretación personal.
Alonso Cano. Desnudo femenino, 1645-1650. Museo Nacional del Prado
La de La diosa Juno es la segunda pintura suya de este género que ha sido identificada y no es la primera vez que se muestra al público: tras ser incorporada por Pérez Sánchez a la publicación Figuras e imágenes del barroco. Estudios sobre el barroco español y sobre la obra de Alonso Cano, pudo verse en dos exhibiciones sobre el artista en Granada y Madrid.
Su atribución deriva de indicios documentales y de la comparación con otras obras de Cano: el rostro de Juno obedece a una tipología presente ya en la Visión de san Antonio de Padua de la pinacoteca de Múnich y el paisaje sugerido, el minucioso estudio de los pliegues con su sombra o la combinación de gamas frías con otras cálidas responden, asimismo, a los parámetros habituales en los que se mueve la pintura de Alonso Cano. Por otro lado, la evidente corrección formal y la forma en que la figura invade la superficie pictórica hacen patente que el pintor fue uno de los mejores compositores y dibujantes españoles de su época.
Por su tema y estilo, y por esa cita en un inventario de 1657, se estima que esta imagen se fecharía entre 1638 y 1652, cuando Cano se encontraba en Madrid colaborando en la decoración del Alcázar.
Alonso Cano. La diosa Juno, 1638-1651. Museo Nacional del Prado
Margaret Watkins, luz negra
En el marco de la programación de PHotoESPAÑA y bajo el comisariado de Anne Morin, CentroCentro acoge, a partir del 9 de junio, la antología de Margaret Watkins “Black Light”. Pionera de la fotografía en Canadá, desafió los roles de género de su época para desarrollar, en los veinte, una carrera brillante y convertirse en una de las primeras autoras en cultivar la imagen publicitaria (trabajó para agencias como Condé Nast o Reimers y revistas como The New Yorker, Ladies’ Home Journal o Country).
En su producción destacan fotografías de objetos cotidianos bajo un estilo modernista, trabajos que favorecieron la consideración autónoma de esta disciplina respecto a la pintura. Moholy-Nagy vio en ellos un verdadero instrumento de expresión que permite ver el mundo de manera diferente.
En Cibeles podrán verse 150 obras fechadas entre 1914 y 1939, incluyendo retratos y paisajes, bodegones modernos, escenas callejeras, trabajos publicitarios y diseños comerciales.
Julia Llerena presenta su primera individual en Sabrina Amrani
A la artista sevillana Julia Llerena le interesa abordar el concepto de vacío como espacio donde puede nacer el pensamiento y donde se generan estrategias, como la nada donde surge la posibilidad de ser.
Hasta el próximo 24 de julio presenta su primera individual en la Galería Sabrina Amrani, en su sede de la calle Madera: “Caen sílabas negras”; se trata de un compendio de cerámicas, troncos quebrados y sábanas que aluden a las geografías íntimas de la autora.
Destacan tres grandes telas con versos bordados sobre lino pero tamizados por un espectrómetro, de modo que quedan convertidos en caligramas dedicados a la intensidad táctil de su poesía y de las emociones. Dado que un espectrograma es la representación gráfica de frecuencias sonoras, incluso las imperceptibles para el oído humano, incide Llerena en que la vida también discurre en el intersticio, en lo no conscientemente percibido.
Julia Llerena. “Caen sílabas negras”. Sabrina Amrani Gallery
Cristino de Vera, Guillermo Pérez Villalta y Xavier Valls: dibujos contra los compartimentos estancos
En la autobiografía que Guillermo Pérez Villalta publicó el año pasado en Ediciones Mecánica Lunar, Espejo de la memoria, escribía el artista: El dibujo carece de los tonos de color que hacen más vívidas las bellezas de la luz y las atmósferas, esa sensación metafísica alejada del tiempo, de lo transitorio y de lo contemplativo. Algunos artistas, como Seurat y Bonnard, me indicaron el camino. También me transmitieron sensaciones varios artistas españoles del siglo XX, como Cristino de Vera o Xavier Valls, injustamente olvidados por la crítica.
Esas sensaciones, aquel párrafo de las memorias del artista, han sido el punto de partida de la exposición que, hasta el próximo 31 de julio, podemos visitar en la Galería Fernández-Braso: “Blanco, negro y, a veces, gris”, que aúna dibujos del mismo Pérez Villalta y de Cristino de Vera y Valls. A su vez, este título procede del texto de Enrique Andrés Ruiz para el catálogo de la muestra, en el que señala que, pese a lo inhabitual del planteamiento del proyecto, no hay razón que impida contemplar unidos los trabajos en papel de estos tres autores porque ya quedaron atrás los tiempos de las incompatibilidades, cuando todo era “o blanco, o negro. O tradición o vanguardia. O conceptual o, como se decía entonces, retiniano”.
Xavier Valls. Membrillo, granada y botella, 1983
De blanco, de negro y, a veces, de gris, también hablaba Robert Venturi en los sesenta, en el que se considera uno de los libros fundaciones del posmodernismo: Complexity and Contradiction in Architecture, y la mención no es casual porque Pérez Villalta lo leyó cuando estudiaba arquitectura. Defendía, ese texto, una noción ecléctica del estilo, proponiendo una interpretación inclusiva de la tradición y también abogando contra la idea de pureza.
En cualquier caso, la muestra que cierra la temporada en esta sala madrileña reivindica el dibujo como expresión artística contemporánea y también el papel como escenario adecuado para dilucidar las tensiones formales y estéticas desplegadas en las últimas décadas.
Villalta, De Vera y Valls tendrían, en ese sentido, más en común de lo que parece: son autores de obras singulares y reconocibles que se han mantenido fieles a sus propios principios intelectuales, que han convivido con las vanguardias y han tomado de ellas aquello que consideraban nutritivo, dejando a un lado los elementos que no aportaban sino divergencia a su producción. Aunque no por ello dejan de ser notorias, tampoco en estos dibujos, sus diferencias, relacionadas en parte con su pertenencia a generaciones diferentes.
A Pérez Villalta lo asociamos a una pintura ilusionista, enraizada en el manierismo y poblada de ornamentos, perspectivas especiales y laberintos; escorzos y narrativas. La producción de sus mayores, Xavier Valls y Cristino de Vera, es difícil, sin embargo, de explicar, sin hablar de sencillez, silencio y pureza, por eso a la hora de entender las razones de la admiración del gaditano por aquellos tendremos que pensar en la apelación de los tres a la sensibilidad, lo corporal y la carne. Probablemente supo distinguir en Vera “el tratamiento metafísico de la luz”, que él consideraba el elemento más importante de su pintura, y en Valls una “sensación metafísica alejada del tiempo”.
“Blanco, negro y, a veces, gris”. Galería Fernández-Braso
Arquitectura atemporal, Margaret Watkins y cómic sueco, entre lo próximo en CentroCentro
CentroCentro ha anunciado los próximos proyectos expositivos que presentará en Cibeles en junio y julio.
Desde mañana podremos contemplar allí “Arquitectura Atemporal”, una muestra organizada por INTBAU, con el apoyo del Richard H. Driehaus Charitable Lead Trust, que cuenta con una selección de materiales y documentos relativos a las técnicas y oficios de la construcción y a las prácticas arquitectónicas y urbanísticas tradicionales que contribuyen a la sostenibilidad, tanto medioambiental como económica.
En el marco de PHotoEspaña 2021, y a partir del 9 de junio, podremos visitar allí “Black Light”, de Margaret Watkins; una retrospectiva de la fotógrafa canadiense que contribuyó a forjar la historia de esta disciplina a principios del siglo XX. Desafiando los roles asociados a las mujeres, fue una de las primeras autoras en dedicarse a la fotografía publicitaria y sus imágenes sobre objetos cotidianos se convirtieron en el paradigma sobre el que se desarrollarían los nuevos estándares de aceptabilidad. Además, con su estilo modernista anticipó las grandes revoluciones estéticas y conceptuales que llegarían después. Contemplaremos en Madrid 150 de sus imágenes, datadas entre 1914 y 1939, entre retratos y paisajes, bodegones modernos, escenas callejeras, trabajos publicitarios y diseños comerciales.
Desde el 24 de junio, nos esperan en la cuarta planta dos exhibiciones: “Cuestión de ambiente. Una cartografía de la diversidad en el Madrid literario y artístico de los años 20”, que recordará cómo la capital experimentó entonces un gran crecimiento demográfico y urbanístico que tendría su eco en una apertura cultural y de costumbres, e “Imágenes desde el retrovisor: distantes, aparentes, espejadas”. Se ha invitado al artista cubano Carlos Garaicoa a comisariar esta propuesta a partir de los fondos del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, sobre todo de su colección fotográfica.
Por último, durante julio y agosto, dentro de la programación de los Veranos de la Villa y en colaboración con la Embajada de Suecia en Madrid, el Patio de operaciones de CentroCentro acogerá la exposición “¿Aquí llegan!…con nuevos cómics. El matriarcado del cómic sueco”, que reunirá una selección de trabajos de diez artistas de la Escuela de Cómic de Malmö.
Gregorio Prieto / Eduardo Chicharro Briones. Herido por la belleza clásica, 1929-1932. Museo Fundación Gregorio Prieto
Marco Godoy, al servicio de la visión
Hasta el próximo 17 de julio, la Galería madrileña Max Estrella presenta la obra más reciente de Marco Godoy, centrada en investigaciones en torno a las protestas públicas que inició en 2010. La muestra lleva por nombre “Al servicio de la visión” y supone una reflexión sobre la responsabilidad individual a la hora de evitar la violencia y sobre la mirada como atributo intelectual que puede evitar que quien contempla se convierta en agresor.
El eje de la exhibición lo constituye su intervención en las manifestaciones de Santiago de Chile en octubre de 2019: repartió medio centenar de escudos antidisturbios espejados cuyos portadores podían defenderse simplemente por la vía del deslumbramiento. Se trataba de una acción simbólica en la que la luz y el reflejo protegían la integridad física.
Marco Godoy. “Al servicio de la visión”. Galería Max Estrella
El MoMA reivindica el Fotoclubismo brasileño
Hasta el 26 de septiembre, el MoMA de Nueva York acoge “Fotoclubismo. Brazilian Modernist Photography, 1946–1964”, una muestra que explora los logros creativos del Foto-Cine Clube Bandeirante (FCCB) de São Paulo, un colectivo de fotógrafos aficionados cuyos trabajos encarnan la originalidad de la cultura en aquel país tras la II Guerra Mundial. Su producción se divulgó internacionalmente durante los cincuenta, pero después cayeron en el olvido y esta exhibición es la primera que se les dedica en un museo fuera de Brasil.
Para la mayoría de los miembros de FCCB, la fotografía era una suerte de pasatiempo: trabajaban como empresarios, contables, periodistas, ingenieros, biólogos y banqueros entre semana y, sábados y domingos, emprendían salidas en grupo con la cámara. No obstante, se tomaron muy en serio su ambición artística, abriéndose a la experimentación a la hora de destilar en sus imágenes la vida cotidiana, en diálogo con figuras del diseño, el cine o la pintura.
La exposición cuenta con más de sesenta fotografías, procedentes en su mayoría de los propios fondos del MoMA, que subrayan la variedad estilística del colectivo.
Julio Agostinelli. Circus (Circense).,1951. The Museum of Modern Art, New York.
María Lara, líneas y emociones
La artista granadina María Lara viene trabajando desde principios de los sesenta en la traducción de emociones e impresiones sensoriales a pinturas compuestas por bandas y líneas que, por un lado, sintetizan esos efectos perceptivos y, por otro, inciden en las posibilidades de su traslación plástica.
Reúne sus composiciones la Galería Adora Calvo, que presenta, hasta el 15 de julio en Las Rozas, “Percepciones de interior”, lienzos y trabajos en papel de estética austera que logran resultar evocadores pese al rigor de la autora en los procesos y esa economía de medios.
En palabras de Manuel Olveira, aparentemente silenciosas, sus piezas reclaman una interioridad y una intimidad muy alejadas de lo espectacular o lo anecdótico, y se concentran en una intensidad abstracta y depurada que, lejos de restarle emoción, transmite impresiones tan vívidas como perspicaces y sensaciones cotidianas relacionadas con asuntos inefables como la luz, el aire, la reverberación espacial, la cotidianeidad o la espiritualidad, entre otros.
María Lara. “Percepciones de interior”. Galería Adora Calvo
El Museo del Prado reabre nuevas salas, un año después de “Reencuentro”
Más de 250.000 visitantes han recorrido el Museo del Prado en lo que llevamos de año y la media mensual es superior a los 60.000 desde marzo, así que la pinacoteca recupera progresivamente sus ritmos de recepción de público y a ellos acompaña la reapertura, también paulatina, de las salas del edificio Villanueva.
Desde hoy, 2 de junio, podemos contemplar El Descendimiento de Van der Weyden en su sala habitual, la 58, junto a Calvario con santos y donantes (obra del círculo de Hugo van der Goes que se exhibe por primera vez tras su adquisición en marzo de 2020) y otras de sus coetáneos: Robert Campin, Dirk Bouts y el Maestro de la Leyenda de Santa Catalina.
Ese Calvario, pieza de extraordinaria calidad, se data según su estudio dendrocronológico probablemente en la década de 1470 y revela, por parte de Van der Goes y sus seguidores, un hondo conocimiento del arte desarrollado entonces en el contexto de Gante. La tabla presenta un Calvario, o representación de Cristo en la cruz, con la Virgen María y san Juan. A los lados aparecen los santos Jerónimo, Santiago Apóstol, María Magdalena y Catalina, junto a una amplia familia de donantes, y el paisaje del fondo incluye una vista de Jerusalén, captada como una ciudad flamenca de aquella época.
Además de la sala 58, hoy se han reabierto otras: 57 A, 58 A, 56 y 57. Próximamente se podrán visitar las salas 55 B, 56 B, 57 B y 58 B, que guardan obras del Renacimiento europeo, como Adán y Eva de Durero o La Anunciación de Fra Angelico. Así se pondrá fin a la distribución expositiva de “Reencuentro”, la exhibición que, tras el confinamiento, reunió obras emblemáticas de los fondos del Prado en un número limitado de espacios.
