Hasta el próximo 30 de enero, la Galería Gema Llamazares de Gijón presenta “El Cuerpo del Amor”, primera individual de la artista granadina Marina Vargas en Asturias, comisariada por Óscar Alonso Molina.

La producción de esta autora es sensible al sustrato cristiano y barroco de la cultura andaluza, y a los procesos de sincretismo establecidos en religión y arte, más allá de periodos y geografías. También a la complejidad de lecturas vinculadas al cuerpo y el feminismo. En esta exposición se han reunido trabajos recientes: dibujos, esculturas y fotografías protagonizados por diosas que son a la vez creadoras y destructoras y que cuestionan los roles tradicionalmente asociados a la mujer.

El 12º Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja, cuyo plazo de inscripción finalizó el pasado 11 de diciembre, tiene ya finalistas: se trata de Fernando Jiménez Fernández, Sofia Moreno Domínguez, Pepe Baena Nieto, Julio Sarramian Bernal, Arturo Sarramian Bernal, José Luis Aguiló Hernández, Fernando Devesa Molina, Jesús Rivero López, Antonio Lara Luque, Daniel Nuñez Pernás, Luis Javier Gayá Soler, Elena Goñi Goicoechea, M.ª Paz Pellín Sánchez, Ismael Alí de Unzaga, Yann Leto Redondo, Karlos Galarraga, M.ª Raquel Urzi Miatello, Ariadna Martínez Benito, Richard Somonte Llerena, Ana del Valle Ojeda, Jorge Llopis Jordá, Pau Cassany, Eduardo Millán Sañudo, Jorge Gallego García, Carolina Ferrer Juan, Carmen Montero Gutiérrez, David Martínez Calderón, Pedro Reinares Gurrea, Amalia Navarro Jara, Lidia Martín Pinzolas, Wenceslao Robles Escudero, Koldo Etxeberria Etxeberria, Juan José Vicente Ramírez, Juan Antonio Gil Segovia, Lucía Hervás Asins, Natalia Auffray, Luis Paltré Jiménez, Alfonso Sicilia Sobrino, Sebastián Velasco Navarro, Pablo Bellot García, Lidia Sancho Heras y Noelia Marcolain Samaniego.

Dada la situación sanitaria y las actuales restricciones de movilidad, se han modificado las fechas correspondientes a las últimas fases de esta convocatoria. El fallo del Jurado está previsto para los días 16 y 17 de abril y la inauguración de la exposición temporal y la entrega de premios se celebrará el día 30 de ese mes.

Como novedad respecto a ediciones anteriores, el director del certamen, Francisco Javier Garrido Romanos, realizará visitas guiadas a la exposición todos los viernes del mes de mayo y podremos acercarnos a la muestra de forma virtual. Además, cada obra dispondrá de una audioguía en la que se describirá la pieza y se nos transmitirán las impresiones de los artistas y creadores.

El videoartista taiwanés Hsu Che-Yu ha resultado ganador de la última edición del Premio de producción de videoarte de la Fundación Han Nefkens – Loop Barcelona, concedido en colaboración con la Fundació Joan Miró.

Este galardón tiene como fin impulsar la producción artística contemporánea en el ámbito del videoarte, apoyando a autores de origen o nacionalidad asiáticos.

Según el jurado, Hsu Che-Yu “construye una ingeniosa amalgama de tragedias reales de nuestro mundo mediante tecnologías, incluyendo animación y cine, para crear obras humanísticas que nos interpelan. Destacamos sus complejas y sofisticadas estructuras narrativas, así como su visión subversiva y poética de los temas que trata.”

El artista recibirá 15.000 dólares para la producción de una obra nueva que será presentada en la Fundació Joan Miró en noviembre de 2021, coincidiendo con Loop Barcelona. Su trabajo se presentará en 2021-2022 en el Centre d’Art Contemporain de Ginebra, en el Inside-Out Art Museum de Pekín, el MOCA Taipei y en ILHAM, en Kuala Lumpur.

Yu realiza fundamentalmente animaciones, vídeos e instalaciones que muestran la relación entre los medios y los recuerdos. Le interesa tanto la historia de los acontecimientos que se puede seguir a través de los medios como, sobre todo, la construcción y la visualización de los recuerdos, personales y colectivos.

Cristina Iglesias prepara una intervención escultórica para la Casa del Faro de la Isla de Santa Clara (San Sebastián): se llamará Hondalea y podrá visitarse en el interior de dicho faro a partir de la primavera del año que viene.

Hondalea significa en euskera abismo en el mar, porque la pieza tiene a este y su profundidad como idea fuerza; se trata de un término de extensa tradición literaria que aparece en textos del poeta Arnaud Oihenart en el siglo XVII.

Iglesias busca plasmar en su trabajo la profundidad interior de la isla, a partir de la construcción de una gruta; una isla implica, además, lo contrario a un abismo, antítesis que convenía a las inquietudes de la artista. Promueve el proyecto el Ayuntamiento de San Sebastián.

Instalaciones a pequeña y gran escala, dibujos, acuarelas y esculturas en bronce componen la nueva muestra (la segunda) de Do Ho Suh en Lehmann Maupin Londres.

Nacido en Seúl y establecido en Londres, aborda en su producción multidisciplinar asuntos relativos al hogar, la memoria, la marginalidad y la correlación entre espacios físicos y psíquicos; de hecho algunas de sus esculturas elaboradas con tejidos recrean, a escala, espacios de sus antiguas residencias y estudios, reflejo de su vida itinerante en Corea, Rhode Island, Berlín, Londres y Nueva York.

A Londres ha llegado también Hub-1, Entrance, 296-8, Sungbook-Dong, Sungboo-Ku, Seúl, Corea (2018), reproducción a escala real de un área del pasillo de la casa de la infancia del artista en Seúl. Explora el autor, en este y otros trabajos, los espacios intermedios que transitamos antes de entrar a las habitaciones, en los que la relación entre exterior e interior, lo público y lo privado se difumina. Esa indagación supone su respuesta a la calidad porosa de la arquitectura tradicional coreana, en la que las habitaciones se reconfiguran para diferentes propósitos a lo largo del día y el entorno natural se hace muy presente.

El interés de Suh en cómo construimos y mantenemos nuestro sentido identitario, así como en nuestra necesidad de seguridad, se extiende más allá de la creación de escenarios. En su Karma de tres columnas (2015) aborda la conectividad humana a través de una representación literal del yo en relación con los demás a través de figuras uniformes apiladas.

Mientras aún se exhibe en Huesca, hasta febrero, la muestra “Arte ingenuo. Colección Santos Lloro”, compuesta por una selección de obras de arte y de vida de esos fondos fechados desde la Edad Media hasta hoy, la Diputación de esta provincia ha presentado en el Jardín Botánico madrileño “Miradas ingenuas”, una reflexión sobre la inocencia a partir de juguetes populares de ese mismo acervo y del artista Antonio Santos. Se aborda tanto su presencia en la vida cotidiana como su relevancia en la historia del arte reciente.

Dos secciones articulan la exhibición, en el Pabellón Villanueva: La vida en el juego, que consta de juguetes españoles y europeos de los siglos XIX y XX, creados artesanalmente o en el ámbito doméstico, y El juego de la vida: 75 obras de Antonio Santos de cuyo proceso creativo también formó parte lo lúdico. Ambos planteamientos se entrelazan a la hora de ofrecernos una definición del arte ingenuo y de sus valores expresivos a través de una estética simple.

La vida en el juego alude a su importancia en el transcurso de la infancia, su relación con el ocio, su uso con fines educativos o de adoctrinamiento o a los modos en los que los juguetes han replicado la vida. Mientras, El juego de la vida recuerda la estrechísima relación entre creación y juego en la producción de Santos, que conjuga lo culto y lo popular y mantiene su originalidad en tiempos de uniformización.

Nos sumerge este apartado en un lugar lleno de fantasías y ensoñaciones, de objetos que contienen paradojas del crecimiento o que enlazan hogares (la intimidad) e identidades.

“Miradas ingenuas” puede visitarse hasta el 31 de enero de 2021.

El Ayuntamiento de Madrid ha adquirido media docena de obras de arte contemporáneo a las galerías madrileñas, por valor de 30.000 euros, y las piezas han pasado a formar parte de los fondos de su Museo de Arte Contemporáneo. Se trata de una adquisición extraordinaria destinada a favorecer el alivio de la situación por la que atraviesa el sector a causa de la situación sanitaria, y se enmarca dentro del Plan Aplaude.

La decisión de compra la adoptó el pasado septiembre la Junta de Valoración de Adquisiciones de Bienes de Patrimonio Cultural, órgano colegiado de apoyo y asesoramiento al Área de Cultura, Turismo y Deporte que fija las directrices que han de presidir la compra de bienes culturales para las colecciones municipales.

Esta vez, dicha Junta ha contado con expertos externos que han colaborado en la selección de las obras conforme a los criterios fijados por la Dirección General de Bibliotecas, Archivos y Museos para ampliar la colección del Museo de Arte Contemporáneo. Entre esos criterios, figuraba potenciar la obra de mujeres artistas ligadas a Madrid: de los seis trabajos adquiridos, cinco son de autoría femenina.

Se trata de El proceso mural 4 de Gabriela Bettini (Galería Sabrina Amrani), La forma dada X, VIII y VI de Miren Doiz (Moisés Pérez de Albéniz), Dramatize progress de Paula García-Masedo (Twin Gallery), una pieza sin título en gelatina de plata sobre papel de Alfredo Rodríguez (Espacio Valverde) y las series Orden Biológico I y Orden Biológico II de Ana Buenaventura (José de la Mano).

El Palacio Real presenta hasta abril la muestra “Rafael en Palacio. Tapices para Felipe II”, exhibición con la que Patrimonio Nacional homenajea a Rafael en el quinto centenario de su muerte. Se trata de la primera vez que se expone la secuencia completa del ciclo apostólico que perteneció a la colección de Felipe II (1527-1598), siendo esta la reedición de los cartones de Rafael mejor conservada. Esta propuesta es la última gran cita de 2020 a nivel internacional, en el marco del quinto centenario de la muerte del artista de Urbino.

Se trata, además, de la primera muestra temporal que Patrimonio Nacional organiza tras el confinamiento.

El origen de esta serie apostólica se remonta al encargo que el autor de La escuela de Atenas recibió en 1514 por parte del Papa León X para realizar, a escala natural, los cartones de una decena de tapices que, durante ceremonias solemnes, vestirían la parte baja de la Capilla Sixtina. Ya entonces habían trabajado en el Vaticano los mejores artistas de su tiempo: Perugino, Botticelli, Ghirlandaio y Miguel Ángel.

El Papa y su círculo de teólogos escogieron un programa iconográfico que incidía en la legitimidad del pontífice como sucesor de san Pedro y la misión de la Iglesia de predicar la palabra de Cristo. El artista llevaría a cabo una minuciosa labor de documentación e, incluso, ordenó la presencia permanente de un ayudante que le leía en alto los textos canónicos.

El resultado de ese trabajo fue un compendio de composiciones inéditas, de paisajes y arquitecturas trazadas según los principios renacentistas de la perspectiva y la geometría, y de figuras humanas a escala natural en las que se advierte un perfecto conocimiento de la anatomía, la escultura clásica y la expresión de estados de ánimo.

Hay que subrayar asimismo la maestría técnica con la que los tapiceros de Bruselas, en el taller de Pieter van Aelst, trasladaron los cartones de Rafael al juego de trama y urdimbre en hilos de oro, plata, seda y lana, entre los años 1516 y 1521. Pero Rafael murió repentinamente en abril de 1520 y solo llegó a ver expuestos, en la Capilla Sixtina, siete de los tapices.

El Museo Cerralbo madrileño ha decidido cerrar el año reforzando su compromiso con sus usuarios y con la sociedad a través de la puesta en marcha de nuevas vías de comunicación y de recién creados servicios para su público.

Presenta el cómic para niños “Aventura en el Museo Cerralbo”, editado por su Fundación; estrena página web dedicada a la comunidad educativa, con diversas propuestas digitales para todas las etapas formativas, y se estrena en el universo del podcast con el programa de radio digital mensual Radio 19.

También, en su apuesta por una visita segura y de calidad a sus salas, estrena un servicio gratuito de mediación cultural y el itinerario autoguiado “Atención Plena en el Museo Cerralbo”.

Hasta el próximo abril, el Stedelijk Museum de Ámsterdam presenta la primera exposición póstuma internacional dedicada a Ulay, que falleció este mismo año. Pionero de la fotografía Polaroid, la performance y el arte corporal, su creación se caracteriza por la experimentación y el compromiso con los problemas sociales.

La muestra incorpora obras inéditas, se trata de su mayor retrospectiva e incide en la producción de Ulay en solitario, sin restar carácter icónico a los proyectos que desarrolló junto a Marina Abramovic. El artista colaboró en su preparación hasta su fallecimiento el pasado marzo.

A partir de doscientos trabajos, se examina su carrera atendiendo a cuatro temas clave: los aspectos performativos de su fotografía, su investigación sobre la identidad de género y el cuerpo como medio, su tratamiento de temas sociales y políticos y su relación con Amsterdam, la ciudad donde vivió y trabajó durante cuatro décadas.

Se incluyen fotografías, Polaroids (tanto en blanco y negro como en color, desde pequeñas a tamaño real), esculturas, proyecciones (grabaciones de video, fotografías de performances y películas) y material documental.

Hace tres años que el Museo Reina Sofía inició el proyecto web Repensar Guernica. Historia y conflicto del siglo XX, con la finalidad de estudiar el mural de Picasso desde diferentes enfoques, metodologías y herramientas. Desde entonces, el portal ha tenido más de un millón y medio de visitas únicas y ha recibido, entre otros premios, uno de los Webby Awards concedidos por la Academia Internacional de Artes y Ciencias Digitales.

Ahora su fondo documental, de nuevo con el patrocinio de Telefónica, ha aumentado en más de doscientos archivos, y se han sumado dos lecturas: Contra-archivos (im)posibles e Historia oral, que responden a las mismas premisas con las que se concibió el proyecto: la alianza con la tecnología avanzada para abrir nuevas posibilidades de navegación, visualización, acceso e interacción, y el propósito de dar voz a investigaciones y miradas contemporáneas relacionadas con Guernica.

En paralelo, se presenta Los viajes de Guernica, una publicación que parte del estudio de los materiales reunidos para, de la mano de diferentes profesionales e investigadores, esbozar una extensa constelación de relaciones, cronologías y casos de estudio en torno al cuadro.

El Centro Botín de Santander ha anunciado ya el que será su programa expositivo del próximo año, que contará con una gran muestra dedicada a la influencia del arte de los Íberos en el trabajo de Picasso y presentará, por primera vez en nuestro país, obras maestras de la colección de arte íbero del Museo del Louvre, una de las más amplias a nivel internacional.

Con “Picasso íbero”, exhibición producida en colaboración con el Musée national Picasso-Paris y prevista para finales de abril, este espacio continúa su apuesta por difundir aspectos menos conocidos del trabajo del malagueño, como ya hiciera con Joan Miró o Alexander Calder. Esta muestra también servirá para divulgar el estilo artístico del pueblo íbero, todo ello a través del mayor conjunto de obras nunca antes expuesta y haciéndolo, además, en diálogo con el trabajo de Picasso.

El Centro Botín también retomará la exposición de Thomas Demand que no pudo llevarse a cabo este 2020 por la pandemia, desde la intención de mostrar el trabajo de artistas de reconocido prestigio internacional y fomentar su relación con creadores más jóvenes a través de los talleres de artes plásticas (está previsto que el autor alemán dirija el próximo). Esta exhibición será la primera gran muestra del artista en España, y con ella el centro seguirá profundizando en la relación del arte y la arquitectura, ya que la experiencia del espacio está muy presente en su producción.

Completan el programa expositivo de 2021 la 26ª edición de Itinerarios, que llegará a finales de año, las exposiciones de la colección recientemente inauguradas – “Arte y arquitectura: un diálogo” y “Miradas al arte”- y las salas permanentes “Retratos: Esencia y expresión” –con obras cedidas generosamente por Jaime Botín, patrono de la Fundación Botín- y “Esculturas de Joan Miró”, que también responden a una cesión de Successió Miró.

El Mauritshuis de La Haya se ha convertido en el primer museo del mundo en digitalizar al completo sus fondos en gigapixel: el centro quiere ayudarnos así a descubrir los relatos subyacentes en sus lienzos y a comprobar la maestría en tantas pinceladas sobre las que hacer zoom. Obras de Vermeer, Rembrandt, Jan Steen, Fabritius o Paulus Potter pueden disfrutarse con todo lujo de detalles.

Está previsto además que este tour virtual, disponible en Second Canvas y en la web del centro, de lugar en el futuro a visitas guiadas digitales y otras actividades educativas.

La colaboración entre Mauritshuis y Madpixel, la compañía al frente de Second Canvas, surgió hace varios años, cuando este espacio holandés fue uno de los primeros en sumarse a esa app para favorecer la accesibilidad a sus tesoros de todo tipo de públicos. Hoy son más de 75 museos internacionales los que presentan en ella digitalmente sus colecciones.

Apreciar ciertas obras en formato gigapixel no es ya novedad, pero sí lo es que un museo haya digitalizado su acervo en bloque. En el proceso, se tomaron primero imágenes del edificio y de sus pinturas con cámaras de 360º. Para obtener fotografías de gran calidad y nitidez, Madpixel realizó innumerables capturas pequeñas. Cada centímetro, zócalo y tapiz de las piezas del Mauritshuis fue mapeado por el dispositivo Madpixel ROB, que seleccionó la resolución requerida para cada obra: cuanto más grande es la pintura, mayor es la resolución necesaria para garantizar la “experiencia de zoom” óptima a nivel milimétrico. Como resultado, podemos contemplarlas a una calidad extraordinariamente alta y descubrir los más nimios detalles.

De algunos de los trabajos también se ofrecen infrarrojos, de modo que el usuario pueda adentrarse en los cambios y retoques que los artistas introdujeron en sus procesos creativos.

La aplicación Second Canvas se puede descargar gratuitamente desde App Store y Google Play.

A Eloy Arribas le interesan las relaciones entre pintura y emociones y entre la obra y su público, subliminal y en un plano estético. Cuando hace unos meses pasó por Fichados, nos contó que ahonda en la concepción de la obra de arte como la rama objetual de un lenguaje indefinible. Y en la forma en que lo anterior se manifiesta estéticamente en nuestra mitología contemporánea.

La Galería Herrero de Tejada de Madrid le dedica su tercera muestra individual: “No tengo batería”, un proyecto basado en ritmos y compases: sus trabajos abordan las confluencias entre la composición musical y la pictórica. Dice el artista que el espacio que existe entre la primera y última percusión que da la batería se llama ‘tiempo de una canción’ y es ajeno a los tiempos pasados y futuros que lo rodean. El área que existe entre los cuatro lados de un cuadro se llama ‘superficie del cuadro’ y es ajena a todos los objetos que la rodean.

El Patronato de la Alhambra y Generalife continúa con los trabajos de restauración de yeserías en el Palacio de los Leones, una intervención que ha dejado al descubierto en la Sala de los Reyes la policromía original de época nazarí, en la que predominan los colores azul y rojo, hasta ahora ocultos por las sucesivas capas de yeso y cal aplicadas en el siglo XIX. La actuación ha comenzado en un paño de yesería de la cara norte de la sala, bajo la cúpula de mocárabes, y continuará en todos los paramentos hasta llegar a los zócalos de estuco.

Las labores de restauración, que consisten en la limpieza de yeserías con métodos mecánicos para eliminar el polvo y la suciedad acumulados, y la posterior consolidación con resinas sintéticas, con el fin de dar estabilidad a los frisos de yeso y evitar su deterioro, se enmarcan dentro de las actuaciones de conservación y restauración que realizan a diario los talleres del propio monumento.

Dentro de las actuaciones programadas en materia de conservación, el Patronato de la Alhambra y Generalife también realiza trabajos de mantenimiento en una de las placas de yesería de acceso al Patio de Comares, para devolverle sus propiedades originales y frenar así el deterioro causado por la lluvia y otras inclemencias meteorológicas.

Hasta el 3 de enero, la Fundación Sandretto Re Rebaudengo exhibe en CentroCentro “LIFTING BELLY”, colectiva que supone la culminación del Programa de Residencias para Jóvenes Comisarios de esta institución. Sus curadores han sido Marta Cacciavillani, Lxo Cohen y Laura Plant y participan los artistas June Crespo, Marina G. Guerreiro, Ariadna Guiteras, Martin Llavaneras, Carlos Monleón, Claudia Pagès, Blanca Pujals, Victor Ruiz Colomer, M Reme Silvestre y Leticia Ybarra.

La exhibición nos invita a imaginar el Palacio de Comunicaciones como un sistema digestivo, reproductivo y metabólico que transforma organismos mientras estos contaminan, a su vez, el edificio. Las obras escogidas se caracterizan por jugar con las nociones de lo interior y lo exterior, con múltiples escalas y sobre todo con nuestros sentidos.