FERIARTE, muestra de referencia para los interesados en las antigüedades y las propuestas de las galerías de arte en nuestro país, finalizó su 44ª edición en el Pabellón 3 de IFEMA el pasado 21 de noviembre, tras recibir a 16.000 visitantes.
La cita se centró en el modernismo y desplegó un buen número de actividades en el Foro FERIARTE, organizado junto con el Máster en Gestión del Mercado del Arte de la Universidad Rey Juan Carlos, donde expertos, profesionales y estudiantes participaron en mesas redondas, charlas o ponencias.
Según Ana Rodríguez, directora de la Feria, los frutos de este regreso a IFEMA tras el confinamiento han sido positivos: Para nosotros era necesario volver a ofrecer la posibilidad de encuentro entre expositores y coleccionistas. Queríamos celebrar este encuentro para ofrecer lo mejor tanto a los expositores como a los visitantes. Así lo hemos logrado, cerramos una edición con resultados muy positivos que esperamos trasladar en el tiempo para la próxima convocatoria.
Se vendieron, en los nueve días de celebración de FERIARTE, 3.000 piezas, cifra que supone una tendencia al alza; destaca el éxito de objetos arqueológicos, joyas, piezas de alta época y pintura antigua.
Vista de FERIARTE 2021
Alejandra Freymann, repeticiones y desvanecimientos
Hay un jardín en tres partes donde todo es transitorio y otro transitado por figuras que parecen habitar un mundo sin memoria. Fugitivos o fantasmas insulares que repiten su papel como átomos perdidos en el vacío.
Alejandra Freymann presenta sus trabajos más recientes, desde el 27 de noviembre y hasta el 15 de enero de 2022, en la Galería Herrero de Tejada de Madrid. Sus trabajos continúan ofreciéndonos paisajes aparentemente serenos poblados por personajes o animales que nos suscitan ternura. Nada visible los amenaza, pero contemplando las pinturas más a fondo atisbamos en ellas inestabilidad y peligros latentes. Articula la artista los planos en superficies de colores potentes que parecen fundirse unas con otras sin perder su independencia, precaria, tanto como la supuesta racionalidad de lo figurativo o la pureza de lo abstracto.
Alejandra Freymann. “Repetir y desvanecer”. Galería Herrero de Tejada
Katia Kameli y Daniel Steegmann, premiados en LOOP
La última edición de la Feria LOOP Barcelona, con 19 años de trayectoria, ha fallado sus galardones.
El Premio Adquisición La Roca Village LOOP ha sido para la artista franco-argelina Katia Kameli por The Storyteller (2012), pieza presentada por la Galería Kulte Gallery de Rabat (Marruecos). Se trata de un vídeo, de 12 minutos, que fue filmado en el Teatro Real de Marrakech y explora el poder de las narrativas y la construcción (y reconstrucción) de historias personales y colectivas en países, como Marruecos, bajo la huella colonial. La pieza formará parte de la colección LOOP, integrada en los fondos del MACBA.
El LOOP Award, por su parte, se ha concedido al artista catalán residente en Brasil Daniel Steegmann Mangrané, por A Dream Dreaming a Dream, presentado por la Galería Esther Shipper de Berlín. Es una creación de duración infinita y fechada en 2020, una animación en tiempo real dedicada a una pantera soñadora que vaga por la selva. Ofrece este proyecto la percepción ecológica de este autor sobre la complejidad de las especies y las fabulaciones que han suscitado y lo ha adquirido la Fundación MACBA.
El Jurado de esta edición estuvo formado por Claudia Segura, conservadora del MACBA, en representación de su directora Elvira Dyangani Ose; Andrea Lissoni, director de Haus der Kunst; Dirk Snauwaert, director de WIELS; Benjamin Weil, director del Centro de Arte Moderna de la Fundação Gulbenkian y Daniela Zyman, directora artistica de TBA21.
Daniel Steegmann Mangrané. A Dream Dreaming a Dream, 2020
La Alhambra conmemora el centenario de la incorporación del Generalife al patrimonio público
Fue el 2 de noviembre de 1921 cuando, tras un larguísimo litigio judicial por la titularidad de la finca donde se encuentra (casi un siglo duró el pleito), el Generalife pasó a gestionarse por un Patronato, que después se unificaría con el de la Alhambra.
Dicho Patronato de la Alhambra y el Generalife celebra ahora el centenario de esa incorporación del Generalife al patrimonio público con una programación especial de la que formarán parte talleres, visitas guiadas por especialistas y contenidos digitales. Esas actividades estarán dirigidas especialmente al público local y tendrán como fin acercar la historia y el patrimonio del Generalife a los granadinos, incidiendo en la necesidad de proteger este bien, en la Lista de Patrimonio Mundial en 1984.
Se desarrollarán talleres familiares de ilustración de flores y plantas en el Generalife los días 20 y 27 de noviembre y visitas guiadas gratuitas al Archivo, la Biblioteca y el Museo de la Alhambra el día 25.
Para dar a conocer las huertas y jardines del Generalife, las especies que lo componen y la geología del entorno de la Dehesa del Generalife; también la importancia de la Acequia Real y la relación de la almunia del Generalife con la Alhambra, se han preparado igualmente visitas guiadas por especialistas los días 20 y 27 de noviembre.
Se ha lanzado, asimismo, un microsite específico sobre el centenario.
El Museo del Prado celebra, con música y acceso gratuito, su 202 aniversario
Mañana, 19 de noviembre, el Museo Nacional del Prado celebrará su 202 aniversario animando a sus visitantes a compartir en las salas sus habilidades musicales en tres pianos que se distribuirán en el recorrido de la colección permanente del centro. Además, el acceso será gratuito durante todo el día; las entradas se pueden adquirir con pase horario y de forma anticipada a través del canal online o en taquilla.
Desde las 10:00 y hasta las 20:00 horas, en las salas donde se exhiben Las Meninas, Ariadna dormida y las Musas habrá pianos para que quienes lo deseen puedan hacer disfrutar de la música, junto a la pintura y la escultura del Museo, al resto del público. Su ubicación será la siguiente:
Sala de las Musas – piano de media cola.
Sala 12 – piano de media cola.
Sala 74 – piano de cuarto de cola.
En lo que va de año, el Prado ha recibido más visitas que durante todo 2020, superando la cifra de los 935.000 frente a los 888.000 del pasado año, marcado por la pandemia. El mes de mayor afluencia de público desde febrero de 2020 ha sido octubre de 2021, con un total de 155.667 asistentes.
Mariano Fortuny. Fantasía sobre Fausto, 1866. Museo Nacional del Prado
El Madrid de Isabel II según Clifford
La Fundación Canal presenta la exhibición “Clifford. Vistas del Madrid de Isabel II”, dedicada a la obra del pionero fotógrafo Charles Clifford. La forman casi un centenar de imágenes estructuradas en cuatro secciones: Los placeres de la fotografía, El viejo y el nuevo Madrid, Al servicio de la monarquía y La construcción del Canal de Isabel II: una obra digna de romanos; todas ellas nos trasladan al Madrid anterior a la llegada del agua y a la ambiciosa obra de ingeniería que fue el Canal de la reina y su construcción.
La muestra, realizada con motivo del 170º aniversario de la creación de esa infraestructura, cuenta con préstamos de Patrimonio Nacional, la Biblioteca Nacional, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y otras instituciones.
Charles Clifford. Puerta de Alcalá. 1858. Biblioteca Nacional de España
Pierre Buraglio: impresos, dibujos y libretas para homenajear a Eduardo Arroyo
El Institut Français de Madrid acoge, hasta el 10 de diciembre, la muestra de Pierre Buraglio “Impresos, dibujos, libretas (1962/2020) – Exposición dedicada a Eduardo Arroyo”, tres años después de presentar la primera exhibición póstuma del español. Ambos se conocieron en 1964, en el Salon de la Jeune Peinture de París, cuando Buraglio se encontraba ya próximo a Claude Viallat, Vincent Bioulès, Michel Parmentier, Daniel Buren y el grupo Supports / Surfaces.
Únicamente se exhiben piezas en papel, material en torno al que el francés ha desarrollado su producción, y destacan sus serigrafías, solo tangencialmente políticas; a Buraglio le interesa el silencio. Algunas de las obras contienen referencias a autores españoles, como Picasso o Zurbarán.
Pierre Buraglio. Galerie Catherine Putman
Cristina Lucas, protagonista de un nuevo programa de Visiones contemporáneas
El ciclo Visiones Contemporáneas, programado por Domus Artium y dedicado a las últimas tendencias del cine y el vídeo en España, dedica su 27ª edición a Cristina Lucas, autora que cuestiona en trabajos en técnicas muy diversas el orden establecido y las estructuras de poder, a menudo desde una perspectiva de género. Le interesan los arquetipos presentes en nuestros modos de relación y nuestras consideraciones éticas y morales y entiende la creación como un juego de seducción.
En Salamanca se proyectarán, hasta el 30 de enero de 2022, sus vídeos más cercanos a la crítica a las instituciones y sus mecanismos de dominación o influencia: Más Luz (2003), Tú también puedes caminar (2006), Rousseau & Sophie (2009) y Europleasure International Ltd. TOUCH AND GO (2010).
Cristina Lucas. Tú también puedes caminar, 2006
Richard Benson, cincuenta años tras el objetivo
Reconocido en los círculos de la fotografía por su perspicacia e inventiva, e influyente en numerosos jóvenes autores a raíz de su labor docente en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, Richard Benson trabajó desde la voluntad de registrar los sucesos, lugares y objetos del mundo, enfrentándose a los retos materiales, físicos y conceptuales que ello implicaba.
Repasa su medio siglo de trayectoria el Philadelphia Museum of Art, en una muestra que incide en su trabajo desde la humildad, en su ilimitada curiosidad por el entorno y en su investigación continua de los procesos y tecnologías fotográficos: concebía el conocimiento humano, del que forma parte la tecnología, como un proceso acumulativo, casi orgánico, que tenía más que ver con la adaptación al medio que con el genio individual.
En sus imágenes encontramos productos del ingenio humano, desde tallas de piedra hasta máquinas de vapor y construcciones complejas, así como sencillos retratos de las personas que amaba o salas de estar donde descansar, justamente, de esas máquinas.
Richard Benson. Newfoundland, 2006–2008. Colección de Barbara Benson
Anastasia Samoylova obtiene el primer premio de fotografía KBr Photo Award de la Fundación MAPFRE
El primer premio KBr Photo Award, concedido por la Fundación MAPFRE, ha recaído por unanimidad del jurado en la fotógrafa rusa Anastasia Samoylova, por su proyecto Image Cities, realizado en diversas localizaciones y aún en proceso. Analiza la integración de la fotografía y la imagen en el entorno urbano, un fenómeno cada vez más habitual; se inició en Moscú y Nueva York este mismo año y se completará en otras ciudades europeas gracias a este galardón.
Además de la dotación económica, el premio incluye la producción y organización de una exposición en el centro KBr Fundación MAPFRE de Barcelona en febrero de 2023 y la edición de un catálogo.
Samoylova (Moscú, 1984) es una artista ruso-estadounidense que vive y trabaja en Miami, se graduó en Bellas Artes por la Universidad de Bradley y en Diseño ambiental por la Universidad Estatal de Humanidades de Rusia. En 2019, la editorial Steidl publicó su proyecto FloodZone, que tuvo destacado impacto en la prensa internacional y fue reseñado en Artforum, The New Yorker, The Washington Post o Frankfurter Allgemeine, entre otros.
Además, sus trabajos han podido verse hasta ahora en Kunst Haus Wien (Austria), Kunsthalle Mannheim (Alemania) y el Museo de Arte Multimedia de Moscú (Rusia) y se encuentran en las colecciones del Perez Art Museum de Miami, el Museum of Contemporary Photography de Chicago y el Wilhelm-Hack Museum, entre otros.
Anastasia Samoylova. Image Cities
Image Cities investiga cómo, en nuestro tiempo de mercados financieros interconectados y extrema fluidez visual, las grandes urbes se están volviendo cada vez más parecidas y tratan, ahora, de promover su individualidad, a veces concediendo nuevos significados a su historia específica.
Si Moscú se promociona a sí misma como un actor global en la economía mundial pero se publicita mediante una iconografía manipulada de su historia, Nueva York, ciudad tenida por incómoda consigo misma, revisa su pasado brillante y su futuro imaginado mientras olvida, en el planteamiento de la artista, sus problemas actuales. Entretanto, Londres, potencia imperial en desvanecimiento, moviliza su patrimonio como si de un valor cultural contemporáneo se tratase y todas estas ciudades se encaminan hacia la consolidación de un paisaje urbano genérico de arquitectura anónima hecha de acero y vidrio en el que viviendas, oficinas y tiendas parecen prácticamente iguales.
Image Cities analiza, en definitiva, el papel que desempeña la fotografía en la creación de esta brecha ideológica entre una identidad urbana de la que se presume y la realidad de la vida cotidiana en ellas.
El jurado de este premio ha estado formado por Carles Guerra, artista, crítico de arte y comisario independiente; Carlos Gollonet, conservador jefe de fotografía de Fundación MAPFRE; Thomas Weski, conservador del Archivo Michael Schmidt y comisario de exposiciones; Sarah Meister, directora ejecutiva de Aperture y Urs Stahel, escritor, comisario, asesor independiente y conservador de MAST – Manifattura di Arti, Sperimentazione e Tecnologia – en Bolonia.
El KBr Photo Award es un premio internacional bienal con el que la Fundación MAPFRE quiere reafirmar su apoyo a la creación artística, dando a conocer al ganador en la escena nacional e internacional e impulsando su carrera con un premio en metálico, una exposición de su obra y su correspondiente catálogo.
Pueden participar en él artistas nacionales o internacionales, mayores de edad, que tengan prevista la realización de un proyecto fotográfico nuevo o la finalización de uno ya iniciado, inédito en ambos casos, que no haya sido presentado a ninguna otra convocatoria similar.
Tania Bruguera, Premio Velázquez por su activismo performativo
El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy la concesión a Tania Bruguera del Premio Velázquez de Artes Plásticas, en palabras del jurado, “por su activismo performativo riguroso y especialmente atento a las dinámicas contextuales sociopolíticas”. Se ha tenido en cuenta, asimismo, su revisión de los caminos del arte vinculado a la participación y a la puesta en cuestión de los modos habituales de actuar en el espacio público y de habitarlo.
Este galardón se concede desde 2002 a autores españoles o iberoamericanos, está dotado con 100.000 euros y hasta la fecha ha recaído en Ramón Gaya, Antoni Tàpies, Palazuelo, Juan Soriano, Antonio López, Luis Gordillo, Cildo Meireles, Antoni Muntadas, Doris Salcedo, Artur Barrio, Jaume Plensa, Esther Ferrer, Isidoro Valcárcel Medina, Marta Minujín, Concha Jerez, Antoni Miralda, Cecilia Vicuña y Soledad Sevilla.
A través de sus performances, que reclaman siempre la involucración del público, Bruguera nos llama la atención sobre injusticias sociales y políticas y también ha cultivado el arte contextual, la instalación y el vídeo. Ha desarrollado, asimismo, una relevante investigación artística en relación al arte y sus implicaciones políticas en la vida cotidiana y acompaña su práctica creativa con ensayos en torno a la educación y la construcción de conocimiento. Es, de hecho, fundadora de Arte de Conducta, el primer programa de estudios de performance y creación política.
El jurado que le ha concedido el premio ha estado presidido por Dolores Jiménez-Blanco, directora general de Bellas Artes, y formado por la mencionada Soledad Sevilla, ganadora del Velázquez en 2020; Consuelo Vallina, artista, presidenta de la Unión AC y de la AAVA; Imma Prieto Carrillo, directora de Es Baluard-Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma; Fernando Castro Flórez, profesor de Estética y Teoría de las artes de la UAM; Lars Jakob Bang Larsen, director de Art Hub Copenhague y João Ribas, director ejecutivo del teatro Roy y Edna Disney/CalArts (REDCAT), Los Ángeles.
Tania Bruguera. Autosabotaje, 2009
Álvaro Rodríguez Fominaya, nuevo director del MUSAC leonés
La Junta de Castilla y León ha anunciado el nombramiento de Álvaro Rodríguez Fominaya como próximo director del MUSAC leonés, una vez finalizado el proceso de selección que convocó la Fundación Siglo para el Turismo y las Artes, en el que han participado diez candidatos.
Rodríguez Fominaya, nacido en Las Palmas de Gran Canaria en 1968, ha sido director artístico del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A hasta el pasado abril e inició su trayectoria en el Centro Atlántico de Arte Moderno, donde fue, entre 2002 y 2008, conservador, conservador jefe y director en funciones. Con posterioridad asumió la dirección de Para/Site Art Space, en Hong Kong, entre 2008 y 2011, y fue conservador del Solomon R. Guggenheim Museum, para cuya sede bilbaína comisarió muestras como la de Antoni Tàpies o Yoko Ono y puso en marcha la sala Film&Video, materia esta última de la que es especialista.
El nuevo director del MUSAC cuenta, asimismo, con cursos de Doctorado en Historia del Arte por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria y con formación especializada en Estudios Curatoriales por la Fundación ‘La Caixa’. Es profesor (Faculty at Large) en el master de comisariado de la School of Visual Arts SVA de Nueva York desde noviembre de 2015 y, también, tesorero de ADACE (Asociación de directoras y directores de arte contemporáneo de España) y miembro de la Comisión Consultiva de adquisiciones de TEA-Tenerife Espacio de las Artes.
Desde hace cerca de dos décadas ha desarrollado diferentes proyectos de comisariado independiente y ha impartido conferencias en la Universidad de Navarra, la School of Visual Arts de Nueva York, la Universidad Internacional de Andalucía en Sevilla, el Sotheby´s Art Institute de Singapur, la University of Hong Kong o el Centro Cultural de España en Lima, entre otros espacios. Además, ha publicado diversos ensayos para el Guggenheim de Bilbao, el Centro de Atlántico de Arte Moderno o el Istanbul Modern y ha escrito numerosos artículos para El Periódico del Arte, entre otros medios.
La comisión que ha seleccionado a Rodríguez Fominaya como director del centro leonés ha estado presidida por Gregorio Muñoz Abad, vicepresidente primero del Patronato de la Fundación Siglo para el Turismo y las Artes de Castilla y León y de ella han formado parte, como vocales, Juan Manuel Bonet, que ha sido director del Instituto Valenciano de Arte Moderno, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y del Instituto Cervantes; Ana Doldán de Cáceres, directora conservadora en el Museo Esteban Vicente de Segovia; José María Luna Aguilar, director de la Agencia Pública para la Gestión del Museo Casa Natal de Pablo Picasso, la Colección del Centre Pompidou y el Museo Ruso de Málaga; Juan González-Posada Martínez, director general de la Fundación Siglo y Cristina del Olmo Aguado, coordinadora de la Subdirección de la Fundacion Siglo, que ha actuado como secretaria con voz y sin voto.
Su contrato será de alta dirección a tiempo completo, de carácter temporal y por un periodo de cuatro años prorrogable por otros cuatro más como máximo.
Álvaro Rodríguez Fominaya, nuevo director del MUSAC leonés
Ludovica Carbotta y los dolores de crecimiento
Hasta el próximo enero, la Sala Verónicas de Murcia acoge la muestra de Ludovica Carbotta “Growing pains”. Consta de esculturas asociadas a memorias individuales a las que la artista ha procurado dotar de cierta personalidad, humanizándolas parcialmente.
Sus Telamonen remiten a familias, aludiéndose a los paralelismos entre los sistemas de reproducción escultórica y los biológicos y la serie Paphos tiene un carácter claramente autobiográfico: se refiere a su experiencia durante el confinamiento, enlazándose su cuerpo y la materia, el desarrollo humano y el del proceso de trabajo artístico de sus piezas. Una de las obras de ese conjunto se ha concebido específicamente para esta muestra e ira transformándose hasta su finalización.
Ludovica Carbotta. “Growing pains”. Sala Verónicas, Murcia
Los relatos fantásticos de Cristina de Middel, en el Museo Universidad de Navarra
Hasta el 6 de marzo de 2022, el Museo Universidad de Navarra presenta la exposición “Pseudología Fantástica” de Cristina de Middel, que recoge su nuevo proyecto en el marco del programa Tender Puentes, Aleatoris vulgaris; Man Jayen, expuesto en este mismo centro en 2015 y las series Cucurrucú, Afronautas y Party.
Tienen en común la mezcla de lo real con fantasías muy elaboradas y su uso del archivo; en palabras de la fotógrafa: Hago míos sus materiales y ofrezco versiones totalmente distintas que no tienen nada que ver con la intención con la que fueron creados. Su trabajo ahonda en la ambigua relación entre fotografía y verdad y conjuga enfoques documentales y conceptuales, jugando con la reconstrucción de arquetipos y estereotipos que ayudan a difuminar la separación entre la realidad y la ficción. En esta ocasión, nos invita a explorar las ideas de la expedición y el viaje, la cultura de la violencia en México y la aleatoriedad.
Museo Reina Sofía y Centro Niemeyer realizarán proyectos culturales conjuntos
Los directores del Museo Reina Sofía y el Centro Niemeyer de Avilés han firmado un convenio por el que ambas instituciones anuncian la próxima planificación y ejecución conjunta de proyectos culturales que buscan contribuir a la construcción de nuevos paradigmas institucionales en el ámbito de la intervención cultural y la producción de pensamiento.
El documento firmado establece un marco general de intercambio mutuo entre ambas entidades que se concretará en el desarrollo de propuestas de investigación y estudio en materias de interés común, la edición de publicaciones y otros materiales de comunicación, la organización de encuentros, seminarios y jornadas o la realización de exposiciones, entre otras actividades.
El convenio cuenta con una vigencia de cuatro años y plantea una renovación por otros cuatro. Carlos Cuadros, director del espacio asturiano, lo ha calificado como “un gran salto cualitativo del Centro Niemeyer que contribuirá a reforzar la calidad de sus actividades culturales, al asociarse con la experiencia y el conocimiento de uno de los museos más destacados de España”. Borja-Villel, por su parte, también ha valorado muy positivamente esta iniciativa, que pretende “establecer alianzas con otros agentes culturales del conjunto del país para favorecer el acceso de todo tipo de públicos al arte moderno y contemporáneo”.
Vista exterior del Centro Niemeyer, Avilés
“Tornaviaje” se amplía en Madrid y en la red
“Tornaviaje“, la muestra que el Museo del Prado dedica al arte hispanoamericano llegado a nuestro país en la etapa virreinal, se expande en tres museos madrileños y también en Internet.
El Museo Nacional de Ciencias Naturales, depositario del antiguo Real Gabinete de Historia Natural que fundó Carlos III, conserva un destacado patrimonio de ejemplares conocidos como “los envíos de América”, entre los que no faltan los fondos adquiridos en París, en 1771, al naturalista Pedro Franco Dávila, oriundo de Ecuador. Desde entonces y hasta la pérdida de Cuba, Puerto Rico y Filipinas en 1898, llegaron a este centro un buen número de animales naturalizados, fósiles, minerales, rocas, conchas, semillas, herbarios, láminas… que constituyen un vivo testimonio de los intercambios científicos, comerciales y culturales entre España y los territorios de ultramar.
En un montaje especial, se exhiben rocas procedentes de la expedición científica de los hermanos Heuland en Chile y Perú (1795-1800) y una piedra bezoar engarzada en plata. Las muestras mineralógicas, formadas por carbonatos de cobre, piritas y hematites, cobran importancia por proceder de filones metalíferos y se recolectaron para estudiar la riqueza minera de estas regiones y valorar las posibilidades de su explotación industrial. Además de ejemplares de estudio, llegaron esas piedras bezoares, formaciones orgánicas generadas en el intestino de algunos mamíferos a las que se atribuían propiedades medicinales: eran empleadas como antídotos para venenos.
Por su parte, el Museo de América presenta parte de una serie de pinturas de castas atribuidas al pintor mexicano José de Ibarra (en el Prado pueden verse dos cuadros de mestizaje de ese mismo conjunto). Este género, propiamente americano y característico del siglo XVIII novohispano, muestra el proceso de mestizaje que se produjo entre españoles, indios y africanos, en escenas familiares con leyendas informativas.
Ibarra concedió importancia a la indumentaria de los representados: a los motivos ricos de los tejidos, a la viveza de los colores e incluso a las texturas.
Por último, el Museo Nacional de Antropología nos ofrece el montaje “Un paseo por Abya Yala: América decolonial”, donde podemos contemplar una pequeña selección de obras de arte datadas en los siglos XVIII y XIX que pueden interpretarse en clave decolonial. Se introduce el nombre Abya Yala, el que el pueblo guna da al continente americano y que muchos prefieren utilizar en lugar de América, de origen europeo, para reflexionar sobre el uso de los nombres y sobre cómo la historia de los pueblos colonizados se suele narrar desde un enfoque eurocéntrico.
El Prado ha diseñado, asimismo, una visita virtual a “Tornaviaje” que nos permite recorrer cada una de las salas de la exposición con la mejor calidad de imagen de visita virtual disponible, gracias a la tecnología Gigapixel de Second Canvas. El proyecto se completa con comentarios sobre los detalles más importantes de algunas de las obras.
En la página web de la pinacoteca podrá adquirirse este recorrido online por 2,50 euros, en español o inglés, y disfrutar de las explicaciones de Rafael López Guzmán, comisario de la exposición, que pondrá en contexto al usuario antes de que inicie su Exploración Libre, con la ayuda de una audioguía, una hoja de sala y el tríptico de información. Del Biombo de la Conquista de México y La muy noble y leal ciudad de México se ofrece un nivel extremo de zoom, milimétrico, que permite percibir más allá de lo que el ojo humano puede observar a simple vista, así como comentarios sobre la simbología, la técnica o los personajes de esta obra clave.
La 29ª edición de ESTAMPA concede sus premios
La última edición de ESTAMPA, que ha regresado a sus habituales fechas otoñales, finalizó ayer y conocemos ya a los artistas galardonados con sus premios-adquisición.
El Premio Colección SÛ ha recaído en Guillermo Mora (Moisés Pérez de Albéniz), Inma Femenía (Galería Punto) y Almudena Lobera (Max Estrella) y el Premio Colección ENATE ha sido para Rafa Forteza (Ponce+Robles). El otorgado por la Colección La Escalera ha reconocido la obra de Julián Gil (Rafael Pérez Hernando) y Guillermo Mora (Moisés Pérez de Albéniz) ha recibido también el Premio Colección Artilleria.
Samuel Salcedo (Galería 3 Punts) se ha hecho con el Premio Klasse y Manuel M. Romero (Artnueve), con el Premio Colección Kells.
Por su parte, la Colección Campocerrado ha otorgado su premio a Jorge Fuembuena (Max Estrella) y la Colección Casa de Indias ha galardonado a Ana Barriga (Wecollect). El fotógrafo Juan Manuel Castro Prieto (Blanca Berlín) ha recibido, por su lado, el Premio Colección Studiolo y el Premio Colección Navacerrada ha sido para José Castiella (Ponce+Robles).
Por último, la Galeria Baró, radicada en Palma de Mallorca, se ha llevado el premio al Mejor Stand ESTAMPA 2021, con la colaboración del champán Taittinger y el Premio de la Colección DKV se fallará próximamente.
Ganadores del premio Coleccion Sû en ESTAMPA 2021
La Fundación Masaveu vuelve a abrir sus puertas en Madrid
La Fundación María Cristina Masaveu Peterson ha reabierto este mes al público su sede madrileña, cerrada temporalmente a causa de la pandemia. Se reanuda, así, su exposición “Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo”, sumándose a su recorrido once nuevas obras adquiridas en los últimos meses, y también se presenta una novedad: el Espacio Street Art, que se dedicará a proyectos de mecenazgo y a la presentación de piezas de la colección Masaveu vinculadas al arte urbano. El acceso a la sede de la Fundación continuará siendo gratuito, al igual que su programa de visitas guiadas.
Comisariada por Javier Barón, “Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo” se inicia en la Ilustración, se extiende hasta el posmodernismo catalán y cuenta con casi 130 piezas, incluyendo trabajos de Goya, Federico de Madrazo, Mariano Fortuny, Joaquín Sorolla —presente con veinticinco pinturas—, Ignacio Zuloaga, Ramón Casas o Hermen Anglada-Camarasa.
Las pinturas que se han incorporado al proyecto tras su reciente compra son, en muchos casos, inéditas y su estudio y restauración ha dado lugar, en ocasiones, a nuevas atribuciones. Algunas de ellas estuvieron vinculadas a colecciones extranjeras y, por tanto, su adquisición por la Fundación contribuye a la recuperación de patrimonio artístico español para nuestro país.
Casi la mitad de esas nuevas obras corresponden a artistas no representados anteriormente en estos fondos, como Juan Antonio Ribera, Francisco Lacoma y Fontanet, Genaro Pérez Villamil, Gustave Doré o Raimundo de Madrazo; otras, realizadas por Mariano Salvador Maella, Zacarías González Velázquez, Eduardo Rosales, Ignacio León y Escosura, Carolus-Duran y Darío de Regoyos, sí corresponden a artistas presentes, pero su inclusión en la exhibición contribuye a enriquecer su discurso y a hacerlo más didáctico.
Por su parte, al citado Espacio Street Art se podrá acceder desde el 27 de octubre y solo en visitas guiadas. Allí se exponen trabajos de autores internacionales (Banksy, Keith Haring o Vhils) o de artistas nacionales y emergentes (Mario Mankey, Muelle, Sabek y Albert Pinya), junto a cuatro proyectos promovidos bajo el mecenazgo de la Fundación y llevados a cabo por El Rey de la Ruina, Estudio Pedrita, Juan Díaz-Faes y Queen Andrea. Los dos últimos han sido diseñados específicamente para este centro.
Exposición “Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo” en la Fundación Masaveu Paterson. Fotografía: Marcos Morilla
Dora García, Premio Nacional de Artes Plásticas 2021
El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy la concesión a Dora García del Premio Nacional de Artes Plásticas correspondiente a este año, un galardón dotado con 30.000 euros, en reconocimiento a “su manera integral de concebir los espacios para crear performances en las que resulta clave la interacción con los públicos, así como su versatilidad en la utilización de soportes y su capacidad para favorecer la reflexión ética relacionando conceptos y emociones”.
El jurado ha subrayado, asimismo, “tanto la solidez de su trayectoria como el trabajo del último año que, en el contexto de una pandemia, investiga sobre las relaciones entre política y amor y las formas de solidaridad entre minorías”.
La autora vallisoletana, profesora en la Academia Nacional de las Artes en Oslo y antes miembro de la facultad del Programa de Estudios Independientes del MACBA (2015-2020) y co-directora de Les Laboratoires d’Aubervilliers, trabaja fundamentalmente en el campo de la performance, la producción de texto en diversos formatos y el documental experimental. Dos de los asuntos más presentes en su producción son la relación entre comunidades e individuos en la sociedad contemporánea y las posiciones marginales: suele homenajear a personajes excéntricos y antihéroes, como se evidencia en proyectos como The Deviant Majority (2010), The Joycean Society (2013) o Segunda Vez, un recorrido abierto por muchos de sus trabajos pasados que presentó en el Museo Nacional Reina Sofía hace tres años.
Como editora, ha producido publicaciones como las recientes Love with Obstacles (K.Verlag, 2020), On Reconciliation (K.Verlag, 2018), y Segunda Vez (Torpedo Books, 2018) y actualmente trabaja en un amplio proyecto de investigación llamado Amor Rojo, dedicado al legado de la marxista feminista Alexandra Kollontai.
El jurado del galardón ha estado presidido por la directora general de Bellas Artes, María Dolores Jiménez-Blanco; actuando como vicepresidenta la subdirectora general de Museos Estatales, Mercedes Roldán Sánchez. Lo componían el artista José María Yturralde López, galardonado en 2020; Pablo Martínez Fernández, educador e investigador; Clara Montero Tellechea, directora cultural de Tabakalera. Centro Internacional de Cultura Contemporánea; Mónica Núñez Laiseca, comisaria independiente y productora en ArtLink Central (Reino Unido); Sergio Rubira Gutiérrez, comisario de exposiciones y profesor de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid; Helga Müller, galerista y coleccionista y Consuelo Sánchez Naranjo, directora del Instituto Nacional de la Administración Pública (INAP).
Dora García. The Breathing Lesson, 2001
ESTAMPA concederá por primera vez el Premio Colección SÛ
En la próxima edición de la Feria ESTAMPA se concederá un nuevo galardón: el Premio Colección SÛ, destinado a apoyar el desarrollo profesional de artistas actuales.
Consistirá en tres becas de formación para que artistas representados por las galerías participantes en ESTAMPA se sumen al curso Getting it across: Communicating your art practice del ACT Programme, que tiene como fin impulsar la carrera internacional de artistas de media carrera. Se trata de un seminario intensivo para creadores visuales y pensadores que deseen mejorar la manera en que comunican y presentan su obra y también sus conexiones internacionales.
Está impartido Georgina Adam, periodista cultural y editora de The Art Newspaper; Alessio Antoniolli, director de Gasworks y Triangle Network; Francesca Bellini-Joseph, miembro del Comité Ejecutivo y del Comité de Adquisiciones de Arte Latinoamericano de Tate y educadora; Aaron Cezar, director de la Delfina Foundation y comisario de performance de la 58º Bienal de Venecia y por Gilda Williams, crítica en Artforum y profesora en Goldsmiths.
Las galerías presentes en esta cita pueden nominar a sus artistas para este curso completando o reenviando el formulario disponible en la web de ESTAMPA. La fecha límite para inscribir a los artistas es el 17 de octubre de 2021.
