Tras su paso por el MEIAC de Badajoz, Glenda León presenta en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo la exposición “Música de las formas”. Ambos centros comparten su pasado como cárcel, circunstancia que tiene explícitamente que ver con algunas obras de la exposición.
La música ha sido una fuente de inspiración para la creadora cubana desde muy joven: más de una vez ha explicado que quiso ser coreógrafa durante muchos años y que pronto percibió que un ingrediente principal de las ideas coreográficas que manejaba era lo visual. Ese es el núcleo de esta muestra y del conjunto de su obra: la síntesis entre los sonidos y lo visual.
Podemos ver en MARCO instalaciones, series de dibujos, esculturas, fotografías, obra sobre papel e instalaciones in situ fechadas desde 2008 y hasta la actualidad; su montaje se relaciona con las peculiaridades de las salas del Museo, adaptándose las piezas a sus dimensiones, trazado y altura.
Glenda León. “Música de las formas”. MARCO Vigo
Eva Lootz, sin pelos en la lengua
Hasta el 26 de julio, la Galería Trinta de Santiago de Compostela recoge obra reciente de Eva Lootz en la muestra “Pelos en la lengua”, que tiene ese órgano como motivo recurrente. Alude, como buena parte de su producción última, a las dificultades al hablar, a las consecuencias de la pérdida de un idioma y a la inquietud que genera carecer de palabras para expresar emociones.
Enlaza este proyecto con su reciente exhibición en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, donde ya abordó el legado perdido con las lenguas extinguidas y el rol de estas en cuanto a dominios y sumisiones políticos y sociales.
Eva Lootz. “Pelos en la lengua”. Galería Trinta
Ana Laura Aláez presenta en Bilbao su última videocreación
Ana Laura Aláez presenta, hasta septiembre en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, su última videocreación: Portadoras queer: el doble y la repetición, realizada tras obtener una de las becas Multiverso a la Creación en Videoarte de la Fundación BBVA y el propio centro vasco.
Se trata de una pieza a medio camino entre el manifiesto y el vídeo musical, la performance y el diario, que incorpora numerosas referencias a la danza, la escultura y el dibujo y que tiene a la música como hilo conductor y, como tema, su concepto abierto de lo queer: considera naturales las identidades sexuales no fijas y raro lo normativo.
Recurriendo a la duplicidad y la repetición de acciones cotidianas o más sofisticadas, compone una acción única que es replicada por diversas intervinientes, quienes finalmente vertebran una identidad femenina plural.
Ana Laura Aláez. Portadoras queer: el doble y la repetición, 2019-2020
Un nuevo marco para devolvernos la visión original de Las Hilanderas
Desde esta semana podemos adentrarnos en la complejidad técnica y temática de Las hilanderas, en el Museo del Prado, desde mejores condiciones museográficas. La pinacoteca, con el apoyo de American Friends of the Prado Museum y el patrocinio de la Fundación American Express, ha desarrollado un nuevo sistema destinado a facilitar ese entendimiento de la obra velazqueña por parte de los visitantes.
En el siglo XVIII, la tela de esta pintura fue ampliada en su perímetro para añadir una ancha banda superior (con el arco y el óculo) y bandas más pequeñas en los extremos derecho, izquierdo e inferior; este tipo de intervenciones era habitual en las colecciones reales y, en el caso de esta pieza, desvirtuó la percepción original de la composición, ocasionando que la escena que transcurre ante el tapiz se perciba más alejada y otorgando corte costumbrista a una estampa de contenido mitológico.
Teniendo en cuenta todo ello, el Prado ha trabajado en los últimos años en un sistema de enmarcado en el que quedara solo visible la parte del cuadro pintada por Velázquez, un sistema que, en inicio, hacía demasiado difícil el acceso físico a la parte posterior de la obra, por lo que desde 2017 se estuvo ideando un montaje que permitiera acceder fácilmente en todo momento al cuadro y que al mismo tiempo mostrara solo su parte original. Ese proceso ha quedado ahora culminado.
El sistema final consiste en el diseño de un panel de enmascaramiento concebido como un proyecto museográfico global que permite una completa integración estética de la obra en la arquitectura de la sala de exposición sin alterar su percepción original y, a la vez, presenta altas prestaciones desde un enfoque técnico, que son del todo indetectables para el público y permiten una experiencia única y una relación no mediada entre la obra de Velázquez y quienes la contemplan.
Se ha tratado de aunar criterios estéticos, de conservación preventiva y de sostenibilidad, buscando que el proyecto sirva como referencia para futuras intervenciones en el patrimonio mueble museístico dentro y fuera de nuestro país.
Esta es la primera acción inscrita en el proyecto “Enmarcando el Prado”, apoyado por la citada entidad filantrópica American Friends of the Prado Museum, gracias al patrocinio de la Fundación American Express. Tiene como fines colaborar en la provisión de nuevos marcos para las obras de la pinacoteca, adecuar los existentes y desarrollar soluciones innovadoras para mejorar la presentación de los fondos del Museo.
Marina Núñez, Premio ARCOmadrid BEEP de arte electrónico
La 16ª edición del Premio de la Colección BEEP en ARCOmadrid se ha concedido a Marina Núñez por dos obras que podemos contemplar en el stand de la Galería Rocío Santacruz: Naturaleza Muerta Oleaje y Naturaleza Muerta Tornados, datadas ambas en 2021. Así lo ha decidido por unanimidad un jurado formado por Fernando Castro-Flórez, Roberta Bosco, Marie-France Veyrat y Vicente Matallana.
Se trata de vídeos que reinterpretan el género del bodegón desde un enfoque neobarroco y alegorizando asuntos que tienen que ver con la existencia humana y con nuestra relación con la naturaleza. Los dos están dotados de una tonalidad pictórica sofisticada y se caracterizan por su hiperrealidad, regalando a la mirada del espectador detalles como el movimiento de una tela o el derramarse de líquido desde una copa en la que se ha producido una turbulencia sin explicación. Aúnan drama y belleza y reflejan, asimismo, la etapa de madurez creativa de Núñez.
La producción de esta autora ha evolucionado desde la pintura hasta lo fotográfico y lo computacional y nos invita a reflexionar sobre la condición femenina, la monstruosidad o lo escatológico. Más allá de los objetivos habituales de los bodegones, sus naturalezas muertas sugieren la idea de que puede haber una mínima esperanza tras el panorama en que vivimos: si no transmiten vida, al menos parecen exorcizar la muerte que llevan inscrita en su título.
Marina Núñez. Naturaleza Muerta Oleaje, 2021
Pablo Capitán Del Río y Kameelah Janan Rasheed, Premio ARCO Comunidad de Madrid
La Comunidad de Madrid ha adquirido obras por valor de 130.000 euros en ARCO 2021, una nueva compra de arte por esta institución que tiene la doble finalidad de aumentar la colección del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles y de apoyar al sector cultural en general, y al de la creación contemporánea en particular, en la actual coyuntura difícil. Los trabajos adquiridos pertenecen a Isidoro Valcárcel Medina, Ana Buenaventura y Cristina Iglesias.
La Comisión de Adquisiciones que ha decidido las compras ha estado formada por Gonzalo Cabrera, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid; Asunción Cardona Suanzes, subdirectora general de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid; Manuel Segade, director del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo; Tania Pardo, subdirectora del mismo CA2M y asesora de Artes Plásticas y las especialistas Estrella de Diego y María Corral.
Por otro lado, se ha fallado el Premio ARCO Comunidad de Madrid 2021, que ha sido para los artistas Pablo Capitán Del Río por La Fuga Ebria (2021), obra que puede verse en el stand de la Galería Art Nueve de Murcia, y Kameelah Janan Rasheed, por Mathematic casual (2021), presente en el espacio de la Galería NOME de Berlín.
Capitán Del Río basa su práctica escultórica en un trabajo casi obsesivo en la búsqueda de la experiencia táctil y La Fuga Ebria consta de piezas referidas a la mirada y el deseo, realizadas con materiales que permiten generar transparencias, huecos o reflejos.
Por su parte, la californiana Kameelah Janan es una artista interdisciplinar que centra su producción en la intertextualidad, la alfabetización, el archivo y la ecología. La instalación Mathematic casual la ha planteado como un método radical de autoedición en el que las palabras interactúan con la arquitectura y, sobre todo, como una exploración de una poética experimental de la negritud, la lengua vernacular y la no linealidad como modos de pensar la historia de la comunidad negra.
El jurado del galardón ha estado compuesto, en este caso, por Gonzalo Cabrera, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid; Asunción Cardona, subdirectora general de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid; Manuel Segade, director del Centro de Arte Dos de Mayo; Tania Pardo Pérez, asesora de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura y Turismo y subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo; María Corral, crítica de arte y Agustín Pérez Rubio, comisario independiente.
Este premio se creó en 2004 con el fin de reconocer la mejor obra de artes plásticas realizada por artistas menores de 40 años y que haya sido expuesta en la edición correspondiente de ARCO. Las adquisiciones pasan a formar parte de la Colección de Arte Contemporáneo del CA2M, cuyos fondos también se completan con la concesión de otros premios asociados a ferias de arte.
En anteriores ocasiones, el mismo galardón ha sido para Asunción Molinos Gordo, Mercedes Azpilicueta, Cristina Garrido, Teresa Solar, Julia Spínola, David Bestué o Andrea Canepa.
Marta Rivera de la Cruz asiste a la inauguración de la 40ª edición de la Feria ARCO
Daniela Ortiz, representada por Àngels Barcelona, Premio illySustainArt en ARCO 2021
La artista peruana Daniela Ortiz, representada por Àngels Barcelona, ha obtenido el Premio illySustainArt concedido en ARCO 2021; el galardón cumple catorce ediciones. Su obra reconocida se titula Papapatriarchy y supone una lectura irónica de la representación de la figura patriarcal y una reflexión sobre sus vivencias personales y las de muchas mujeres. La producción de Ortiz viene centrándose en asuntos políticos y sociales relacionados con la inmigración, el feminismo y el racismo y en el stand de Àngels Barcelona exhibe este conjunto de veinte paneles de pintura al óleo sobre madera.
El jurado que ha concedido el galardón ha estado formado por Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, coleccionista y fundadora de la Fundación Sandretto; Agustín Pérez Rubio, comisario independiente y Carlo Bach, director de Arte de illycaffè. Eran quince los artistas y galerías que optaban a este premio, dotado con 15.000 euros que no implican compra de la obra; se destinan a que el ganador pueda continuar con su desarrollo artístico.
La finalidad de este reconocimiento es dar visibilidad a jóvenes artistas de países productores de café, donde illycaffè compra su materia prima. En anteriores ediciones recayó en Matheus Rocha Pitta, Avinash Veeraraghavan, Camilo Ontiveros, André Komatsu, Voluspa Jarpa, Julia Rometti & Victor Costales, Diego Bruno, Sergio Zevallos, Felipe Cohen, Iván Argote, Marcelo Cidade, Sheroanawe Hakihiiwe y Hellen Ascoli.
Daniela Ortiz. Papapatriarchy
Julia Huete recibe el V Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente
Por quinto año, Cervezas Alhambra convocó el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente, al que un comité curatorial invita a participar a distintos jóvenes artistas del panorama artístico nacional. Entre ellos se seleccionaron cinco finalistas, que desarrollaron sus proyectos inspirados en la Alhambra granadina con el acompañamiento de artesanos contemporáneos y mentores. El resultado de su trabajo se puede ver estos días en ARCO 2021, en el stand de la marca en la feria.
La ganadora del certamen ha sido Julia Huete por De dos cuerpos vengo, una obra elaborada con dos pares de bastidores de madera de castaño sobre los que se tensan cuatro tapices, combinados de dos en dos y distintos en cada cara. Esos tejidos están inspirados en los lampás nazaríes, un tipo de paño labrado en seda, compuesto por dos urdimbres, de base y de ligamento, lo que permite la elaboración de un diseño tanto en el anverso como en el reverso. Con esa estructura, los lampás se sumaban a los elementos que modulaban el habitar en las estancias de la Alhambra y también al programa de color, caligrafía y arquitectura del palacio.
El panel de expertos que ha seleccionado a Huete ha estado formado por Juan Antonio Álvarez Reyes, director del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo; Luisa Espino, jefa de la sección de arte de El Cultural; Manuel Segade, director del Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) de la Comunidad de Madrid; Marta Rincón, responsable de artes visuales, arquitectura y diseño de Acción Cultural Española; Patrizia Sandretto, presidenta de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo; Carmen Yusty, jefa del departamento de Difusión del Servicio de Investigación y Difusión del Patronato de la Alhambra y Generalife y Álvaro Trujillo, Brand Manager Territory de Cervezas Alhambra.
Además de la obra de Julia Huete, los visitantes de ARCO que se acerquen al espacio del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente hasta el domingo podrán ver las propuestas de Antonio Fernández Alvira, Fernando García, Juan López y Belén Rodríguez, finalistas del Premio en esta ocasión.
Cervezas Alhambra está también presente en la feria en la zona VIP, donde se encuentra expuesta una estructura diseñada por FOD que juega con materiales y colores para crear una pieza inspirada igualmente en la Alhambra de Granada.
Jahmek y The Pill, Premio Opening en ARCOmadrid 2021
Las galerías Jahmek (Luanda, Angola) y The Pill (Estambul, Turquía) han resultado ganadoras en la séptima edición del Premio Opening en ARCOmadrid, un galardón que reconoce al mejor stand de esa sección con la devolución del precio de su espacio en la Feria, que en esta ocasión será repartido entre las dos salas al haberse otorgado el premio ex aequo.
El jurado ha estado compuesto por Marti Manen, director de Index, Estocolmo; Cristina Anglada y Gema Melgar, comisarias de This is Jackalope; Alper Turan, comisario y manager cultural de Protocinema (Estambul) y Silvia Franceschini, comisaria de Z33 House for Contemporary Art, Design and Architecture de Hasselt (Bélgica).
En ARCO 2021, la galería Jahmek presenta obra de la artista Sandra Poulson y un proyecto de artista de Helena Uambembe; The Pill nos ofrece obra de Eva Nielsen y Raphael Barontini y, asimismo, un proyecto de artista de Leylâ Gediz.
Las galerías Jahmek y The Pill ganadoras del VII Premio Opening en ARCO
Alarcón Criado, Premio al Mejor Stand y Contenido Artístico en ARCO 2021
Lexus, el vehículo oficial de ARCO 2021, ha concedido por primera vez su Premio al mejor Stand y Contenido Artístico de la Feria y ha recaído en la galería sevillana Alarcón Criado (stand 9C11), que recibirá una dotación de 8.000 euros. Podemos ver allí trabajos de Ira Lombardía, Irene Infantes, Cristina Mejías, Belén Rodríguez o Alegría y Piñero.
El jurado encargado de fallar el galardón lo componían la crítica de arte y comisaria Estrella de Diego y el ex director del MACBA y del CA2M Ferrán Barenblit.
Esther Gatón, Premio Veepee a la Creatividad en ARCO 2021
Hoy se han fallado en ARCO 2021 los Premios Veepee a la Creatividad, que el ecommerce gigante en ventas flash creó coincidiendo con su 20º aniversario para facilitar la visibilidad de los jóvenes artistas e incentivar la creación. Ha reconocido la obra Lo crudo y lo cocido, de Esther Gatón, entre las 26 piezas que han participado en esta primera convocatoria, a la que concurrían autores de hasta 13 nacionalidades.
La instalación ganadora consta de siete fotografías en seda de organza colocadas en el suelo, y sobre ellas tres plataformas metálicas en las que es posible caminar y ver la perspectiva. Según la propia autora, “es una representación física del libro de Lévi-Strauss al que debe su título. Encarna no solo la dialéctica entre naturaleza y cultura, o fondo y figura, sino la propia del arte y su exposición”. Las imágenes impresas sobre las telas son composiciones digitales que la vallisoletana ha realizado a partir de fotografías de archivo de cuevas, zonas pantanosas, detalles de cavernas, géiseres, túneles o suelo marciano. La pieza invita al espectador a subirse al dispositivo de hierro y convertirse en protagonista.
Gatón, autora de pinturas, esculturas, escritura o vídeos, está representada por la Galería Cibrián, de San Sebastián, sala que trabaja en torno a la idea de lo local y que se concibe como plataforma creativa en la que los artistas propios e internacionales conviven.
Han resultado finalistas Kristin Wenzel y Marian Garrido.
Esther Gatón, Premio Veepee a la Creatividad
Maria y Armando Cabral, Eulogio Sánchez y la Fundación “la Caixa”, Premios A al Coleccionismo
Hoy comienza Feria ARCO y, como es habitual desde hace 25 años, esa apertura de la muestra comienza con el anuncio de los Premios A al Coleccionismo concedidos por la Fundación ARCO. Sus ganadores han sido, en esta ocasión, la Colección Maria y Armando Cabral (en la categoría de Colección Privada Internacional), la colección Eulogio Sánchez (como Colección Privada Nacional) y la Colección de Arte Contemporáneo Fundación “la Caixa” (Premio de Honor).
El propósito de los galardones es reconocer el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones y la labor de estos en el apoyo a la difusión de la creación contemporánea y se entregaron ayer, en un acto previo a la cena de la Fundación ARCO destinada a recaudar fondos para la adquisición de obras en la Feria para su colección, alojada actualmente en el CA2M de Móstoles.
Maria João Santos y Armando Cabral comenzaron a desarrollar su pasión por el arte mientras residían en Londres, tras formarse en la Universidad de Oporto. Desde los noventa, han apoyado a las instituciones artísticas portuguesas y hace dos años fundaron Rialto6, una organización sin ánimo de lucro radicada en Lisboa que programa exposiciones de artistas portugueses e internacionales y exhibiciones con obras de su colección de arte contemporáneo. Esos fondos abarcan trabajos de autores internacionales y portugueses datados desde los setenta, con especial orientación hacia la fotografía, el video o la instalación, la corriente posconceptual y las acciones políticas.
La finalidad de Rialto6 es contribuir a la integración global del panorama artístico portugués acogiendo visitas de coleccionistas, artistas y comisarios de todo el mundo; proporcionando el espacio y las condiciones para que los creadores puedan innovar y contribuyendo a la escena lisboeta mediante el apoyo a instituciones sin ánimo de lucro.
Eulogio Sánchez, por su parte, es, además de empresario, coleccionista, divulgador del arte contemporáneo y coautor de AtrapArte. Dudas y vivencias en el arte contemporáneo; ha explicado, de hecho, que su mejor colección son sus experiencias con artistas, galeristas, comisarios o periodistas.
Comenzó interesándose por la obra de autores cercanos para ampliar después su mirada y adquisiciones a figuras como Damián Ortega, Pablo Palazuelo, Kara Walker, Ester Partegás, Raymond Pettibon, Fernanda Fragateiro, Juan Navarro Baldeweg, Olafur Eliasson, Antonio Mesones, Pierre Huyghe, Frank West o Chema Alvargonzález. Recientemente también se han integrado en sus fondos obras de Carlos Irijalba, Néstor Sanmiguel, Rosell Meseguer, Abraham Lacalle, Miguel Ángel Tornero, Julie Mehretu, Marcelo Cidade, Kati Heck o Tomasz Kowalski, equilibrándose la representación nacional y la internacional.
Por último, la Fundación “la Caixa” inició su Colección de Arte Contemporáneo hace más de tres décadas, con vocación pública y el objetivo de generar interés en el arte actual. Cuenta ya su acervo con más de un millar de piezas de autores de diversas generaciones, y en muy distintos formatos, aunque predominan las obras de quienes despuntaron desde los ochenta.
Entre sus nombres no faltan Bruce Nauman, Gerhard Richter, Agnes Martin, Robert Mangold, Sigmar Polke, Josep Beuys, Doris Salcedo, Tacita Dean, Carl Andre, George Baselitz, Soledad Sevilla, Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Mona Hatoum, Roni Horn, Christopher Williams, Jean-Michel Basquiat, Rachel Harrison, Elena Asins y Dominique González-Foerster.
Bárbara Rodríguez, directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín
Bárbara Rodríguez Muñoz se incorporará en septiembre al equipo del Centro Botín de Santander como directora de exposiciones y de la colección. Desarrollará e implementará el Programa de Artes Plásticas de la Fundación, en colaboración con la Comisión Asesora de Artes Plásticas, será responsable de la gestión de la colección de arte de esa institución y se encargará de comisariar las diferentes exposiciones que de ella se presenten; también representará al Centro Botín en el ámbito artístico, tanto a nivel local como nacional e internacional, y establecerá y potenciará las relaciones con otros centros de arte y museos, así como con artistas, comisarios, coleccionistas y galerías.
Rodríguez Muñoz, que cursó un Máster en Comisariado de Arte Contemporáneo por el Royal College of Art de Londres gracias a una Beca de Comisariado de Exposiciones y Gestión de Museos de la Fundación Botín, ha sido curadora durante siete años de la Wellcome Collection británica y también ha colaborado con instituciones como la South London Gallery, el Freud Museum, The Royal Opera House London, La Casa Encendida, Martin Gropius Bau o MAAS Sydney.
Barbara Rodríguez Muñoz, nueva directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín
Goshka Macuga, cerca del poder pero a distancia prudencial
La artista polaca Goshka Macuga explora en su obra los vínculos entre arte, poder e historia: en sus grandes instalaciones, mezcla piezas de creación propia con material encontrado en archivos y colecciones para, a partir de ese conjunto, proponer nuevas aproximaciones a los relatos heredados sobre hechos y personajes históricos. Recicla continuamente imágenes y referencias, en un método semejante al del historiador del arte Aby Warburg: a modo de collage, se yuxtaponen imágenes tomadas de diferentes etapas históricas que comparten tema o estética y se articulan en un continuum visual.
Desde el 10 de julio, presentará en el MUSAC leonés “IN FLUX”, su primera exposición en España. Comisariada por Neus Miró, albergará tres instalaciones especialmente significativas en su trayectoria: Plus Ultra (2009), Untitled (2011) y The Nature of the Beast (2010), junto a material encontrado en archivos y colecciones. A partir de unas y otro, propondrá nuevas aproximaciones a los relatos convencionales sobre los hechos y personajes históricos presentados en cada instalación.
El mismo título de la exhibición, “IN FLUX”, se refiere a la constante circulación de imágenes y hechos en su trabajo; a la persistencia cíclica de determinados episodios históricos y a las variaciones históricas de sucesos pasados.
Goshka Macuga. Anti-Collage (Crowd), 2011. Cortesía de la artista y Kate MacGarry Gallery
La revista Atlántica inicia nueva etapa
El Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas ha reactivado su revista internacional Atlántica de arte y cultura contemporánea, que presenta nuevas secciones y también un nuevo consejo editorial. Sus contenidos continuarán atendiendo a las pulsiones del arte y el pensamiento contemporáneos, pero también abordarán la programación del CAAM y propuestas culturales relevantes que se relacionen con los espacios de investigación y de acción de este espacio.
Atlántica nació en 1990 y, desde sus inicios y hasta 2014, se editaron de ella en formato impreso 54 números hasta que, en 2015, coincidiendo con el 25º aniversario del museo canario, dio el salto a Internet, donde se mantiene actualmente en formato digital.
Su consejo editorial, encargado de la selección de contenidos, estará desde ahora formado por Eli Cortiñas, Ticio Escobar, Hans Michael Herzog, Marta Mantecón, Simon Njami, José Manuel Noceda, Nilo Palenzuela, Gabriela Salgado, Annabelle Teneze y Blanca de la Torre y los nuevos apartados de la publicación serán cuatro.
El primero se denomina La Revista, presenta el formato tradicional y cuenta con textos, entrevistas o proyectos de artistas. La coordinación editorial de cada número propondrá la selección de contenidos e invitará a colaborar a especialistas y artistas, hasta un máximo de siete colaboraciones por número.
Más Atlántica se dedicará a entrevistas grabadas en vídeo, o registradas en streaming, a personalidades del sector artístico y de la cultura que visitan el CAAM; Atlántica Islas será el altavoz de los programas de trabajo de las galerías e instituciones artísticas y culturales de Canarias y Atlántica Internacional se ha concebido como canal de difusión de eventos destacados en el contexto internacional, en relación con los espacios de investigación y de acción del propio centro.
Presentación de la revista Atlántica del CAAM
Buste de Femme 43, de Picasso, depositado en el Prado
El Real Patronato del Museo Nacional del Prado se ha reunido hoy en sesión plenaria y ha aceptado el depósito, por un período de cinco años, de Buste de Femme 43, obra realizada por Pablo Picasso en 1943. La ha donado a la entidad American Friends of the Prado Museum la Aramont Art Collection de la familia Arango Montull y se exhibirá en el contexto de la colección permanente.
La obra, datada en 1943, ejemplifica la respuesta del malagueño a la violencia de la II Guerra Mundial; en las imágenes femeninas que llevó a cabo en ese periodo, deformó los rasgos de las figuras de manera radical. Pintada en un solo día, se elaboró con trazos rápidos y muy seguros y la resonancia de los tonos del fondo y la presencia contundente del tipo femenino revelan los ecos de su gusto por lo español y su conocimiento hondo de la tradición pictórica de nuestro país. El busto será expuesto de forma inmediata en las salas de retratos de El Greco, una de las referencias claras en la pintura picassiana.
Pablo Picasso. Buste de femme 43, 1943. Donado por Aramont Art Collection de la familia Arango Montull a American Friends of the Prado Museum
Además, el Patronato ha comunicado la aceptación de la donación del Retrato de Felipe III de Velázquez, que igualmente ha ofrecido la American Friends, tras haber permanecido en depósito desde 2016. Se trata de una obra identificada en 2015, cuyos rasgos estilísticos y características técnicas permitían atribuirla al sevillano y relacionarla con su Expulsión de los moriscos. Este cuadro desapareció en el incendio del Alcázar de Madrid en 1734, pero se conservan descripciones que demuestran que su protagonista era Felipe III, que se encontraba de pie, junto a una alegoría de España y apuntando hacia los moriscos, que estaban siendo expulsados.
El artista no llegó a conocer a Felipe III, muerto en 1621, y para conocer su rostro acudió a retratos ajenos. Este lienzo sería el ensayo previo que le permitió fijar una imagen de aquel monarca, por eso su carácter abocetado, que habla de él como instrumento de trabajo antes que como pintura con finalidad en sí misma.
Por último, también se han aprobado las cuentas correspondientes al ejercicio 2020, marcado por la emergencia sanitaria debido a la pandemia, que se cerró con un resultado patrimonial negativo de 18,5 millones de euros para el Prado. La caída más significativa se ha producido, como era esperable, en los ingresos por venta de entradas, que cayeron desde los 22,6 millones en 2019 a menos de 3,7.
Durante el año 2020 el número total de visitas a la pinacoteca fue de 852.161, pero más de 550.000 tuvo lugar antes del confinamiento de marzo.
Velázquez. Retrato de Felipe III, 1627. Donado por American Friends of the Prado
Concha Jerez, invitada en la próxima edición de ESTAMPA
La 29ª edición de ESTAMPA tendrá lugar en IFEMA del 21 al 24 de octubre de este año y ya conocemos su artista invitada: Concha Jerez, que presentará en la feria su instalación En busca de paraísos olvidados.
No necesita muchas presentaciones: pionera del arte conceptual en nuestro país, desarrolla desde los setenta trabajos de carácter multidisciplinar, especialmente instalaciones concebidas para escenarios específicos. En los ochenta comenzó a adentrarse en la performance y desde 1989 conjuga su producción individual con el desarrollo de proyectos en colaboración junto al artista sonoro José Iges.
En relación con la feria, sabemos que mantendrá su Programa General y dos propuestas comisariadas: Solo Project y Duo Project. Se trabaja en el desarrollo de un programa para coleccionistas internacionales y los Encuentros Colecciona estarán dedicados, esta vez, a hacer balance y exposición del estado de la cuestión del mercado del arte en España tras la pandemia.
Concha Jerez, invitada en la próxima edición de ESTAMPA
Abraham Lacalle nos invita a ir al paisaje
Los últimos paisajes, en óleos y acuarelas, de Abraham Lacalle se exhiben, hasta el 14 de agosto, en la Galería Juan Silió de Santander. Se trata de obras de mediano y gran formato intencionadamente crudos; no ha querido el almeriense incidir en su belleza ni ofrecer visiones idealizadas, sino presentarnos imágenes de lo a menudo desechado: maleza, barro, árboles secos. Subyace una intención crítica, en relación con nuestro trato al medio ambiente.
Colores vibrantes y pinceladas potentes rompen el aparente bucolismo de las escenas; especialmente en las imágenes de campos abiertos apreciamos atmósferas sombrías.
Abraham Lacalle. Ciprés, 2021
Gesto, danza y expresión en Barbara Morgan
El Museo Nacional del Romanticismo presenta, en el marco de PHotoESPAÑA, la antología “Barbara Morgan: gesto, danza y expresionismo”, que estudia la carrera de esta artista, fundamental en la vanguardia estadounidense, a través de sus imágenes de danza contemporánea de los años treinta y cuarenta y de su obra más experimental: fotomontajes y dibujos de luz enmarcados en la Action Photography.
En el centro podremos establecer, así, paralelismos entre el carácter rupturista del movimiento romántico y el interés de Morgan por los cambios introducidos por la danza contemporánea en el siglo XX, en la medida en que incorpora la subjetividad.
Comisariada por Pia Ogea, los fondos de la exhibición se basan en la Colección Astudillo; en seis apartados se repasa el interés de la fotógrafa por la cinética, el movimiento, el llamado ritmo vital y la utilización del cuerpo como medio de expresión, destacándose su fotografía de danza y su vinculación con la coreógrafa y bailarina Martha Graham, a través de piezas como Letter to the World. The Kick o Lamentation.
También se analiza la vertiente más social de su trabajo, recogida en Deep Song, que situó a la Guerra Civil Española en el punto de mira internacional a través de la danza, o en sus fotomontajes, que buscaban plasmar una realidad compleja y multifacética.
La retrospectiva puede visitarse hasta el 26 de septiembre.
“Barbara Morgan: Gesto, danza y expresionismo”. Museo Nacional del Romanticismo
Tàpies, Chillida y la tierra chamota
Chillida Leku ha comenzado este mes una línea expositiva centrada en el desarrollo de un programa dedicado a artistas invitados conectados al universo del escultor vasco. La primera de sus muestras es “Tàpies en Zabalaga”, que ocupa completamente el piso superior del caserío Zabalaga y puede visitarse hasta enero de 2022.
Consta de obras de pequeño y gran formato, sobre todo esculturas, fechadas en los ochenta y noventa; se establece un diálogo directo entre ellas y las de Chillida, que se exponen en la planta baja, y con el propio caserío Zabalaga, restaurado por el artista donostiarra. Han colaborado en el proyecto la Fundación Antoni Tàpies y la familia del artista catalán, así como colecciones privadas, como la de Iberdrola, que ha prestado Ocho cruces (1981) y Huellas de hoja (1982).
Según Mireia Massagué, directora de Chillida Leku, esta exposición hunde sus raíces en los principios comunes que guiaron la vida y la práctica artística de ambos autores.
Las conexiones en las trayectorias vitales de Chillida y Tàpies son mayores de lo que parecen; en ellas y también en sus conocidas diferencias se fija la exposición. El material con el que están realizadas muchas de las esculturas que la integran es la tierra chamota, que actúa como nexo de unión entre ambos creadores; fue en 1981 cuando el barcelonés comenzó a experimentar con las posibilidades de esa técnica en el taller del ceramista Hans Spinner. En aquella época recibió varias invitaciones para trabajar en el taller del galerista Aimé Maeght en Saint-Paul- de-Vence (Francia) y Eduardo Chillida, que había descubierto ese mismo material en aquellos hornos, insistió a su amigo para que aceptara la propuesta y se animara a trabajar con esa materia.
De la mano de estos paralelismos, la relación entre Tàpies y Chillida se consolidó igualmente en el plano teórico: en su trato con el barro y su voluntad de trascenderlo como pasarela hacia la espiritualidad, en la influencia de la filosofía y la poesía en su producción o en el interés por el espiritualismo oriental. Los dos abordaron desde un enfoque humanista su trabajo e incidieron en la capacidad transformadora del arte.
Algunas de las piezas expuestas pueden verse por primera vez fuera de la Fundación Antoni Tàpies y casi todas subrayan el lenguaje propio de este artista y la riqueza de su repertorio iconográfico.
