La Galería de Arte A Ciegas de Madrid presenta, desde el 9 de septiembre y hasta el 12 de noviembre, “Mi escritorio”, muestra de Adriana Berges en la que la artista nos propone reflexionar sobre nuestras relaciones con el entorno físico y el digital y sobre la descontextualización del paisaje (a veces por la vía de la introducción de ilusiones) en Internet.

Berges convierte justamente el escritorio de un ordenador, nuestra nueva mesa de trabajo, en soporte de contemplación del horizonte, inspirándose en la experiencia de nuestros meses de confinamiento y recordando que hemos llegado a conocer más el mundo a partir de imágenes digitales que por nuestra propia experiencia.

Tres años después de su muerte, la Galerie Marian Goodman de París homenajea a Lothar Baumgarten presentando los primeros trabajos del alemán, incluyendo su icónico filme Origin of the Night (Amazon Cosmos), una selección de fotografías, una proyección de diapositivas y varias instalaciones escultóricas.

También forma parte de la muestra, abierta hasta el 9 de octubre, la pieza de suelo America Señores Naturales, creada originalmente para el Pabellón de su país en la Bienal de Venecia de 1984 y merecedora del León de Oro. Unos y otros trabajos subrayan notas clave en los inicios de Baumgarten: el énfasis en el contexto histórico y arquitectónico de sus proyectos, la relevancia dada a la tipografía y las referencias a sus investigaciones sobre sistemas de representación.

El Museo Juan Barjola de Gijón presenta, hasta el 14 de noviembre, la muestra “Juan Barjola y la renovación figurativa asturiana”, que estudia las aportaciones de ese artista a la renovación del arte figurativo español y asturiano en la segunda mitad del siglo pasado. La exhibición se ha organizado junto al Museo de Bellas Artes de la región y forman parte de ella retratos, autorretratos, bodegones, imágenes de figuras humanas y de animales, motivos eróticos y escenas oníricas.

Junto a Barjola, quedan representados Orlando Pelayo, Álvaro Delgado, Antonio Suárez, Paulino Vicente El Mozo, Mercedes Gómez Morán, Alejandro Mieres, Cesar Montaña, Amparo Cores, Joaquín Rubio Camín, Felipe Criado, José María Navascués, Manuel Calvo, Rubén Darío Velázquez, Luis Fernando Aguirre, Jaime Herrero, Elías Benavides, Adolfo Bartolomé, Eduardo Úrculo, Juan Gomila, Manuel García Linares, José Manuel Legazpi, Miguel Ángel Lombardía, Reyes Díaz y José Paredes.

La Biblioteca Central de Cantabria inauguró, el pasado 31 de agosto, la muestra de Carlos Irijalba “And the wall became allergic to humans. Réplica alérgica”, un proyecto basado en los escaneados que se han realizado en la cueva francesa de Chauvet, uno de los yacimientos, junto al cántabro de Altamira, más importantes para entender el arte prehistórico europeo. La exhibición forma parte del programa de PHotoEspaña en Santander.

Las dos cuevas presentan condiciones de conservación similares, lo que ha permitido realizar las conocidas réplicas para preservar las originales: en el hall de la Biblioteca se pueden ver obras basadas en la digitalización de la réplica de la sala de los polícromos de Altamira que Irijalba traduce en fotografías e impresiones.

Esta muestra está organizada por la Galería Juan Silió, que en octubre presentará en su espacio “And the wall became allergic to humans. Réplica metabólica” y que inauguró en junio “And the wall became allergic to humans. Réplica aurática” en el Museo de Altamira, centradas temáticamente en la cueva española.

TBA21 presentará, en octubre en el Museo Thyssen-Bornemisza, la muestra “Cotton Under My Feet”, del artista libanés-estadounidense Walid Raad. Comisariada por Daniela Zyman, será el resultado de una honda búsqueda, por parte del artista, en la historia del centro madrileño y en las crónicas transgeneracionales de los Thyssen.

Constará el proyecto de un conjunto de obras que Raad ha creado por encargo de TBA21 en los últimos tres años y que giran en torno a la génesis del Museo Thyssen, su colección y sus archivos. A través de la intervención en varias de sus salas, Raad abrirá nuevos espacios de interpretación para las piezas de esos fondos y nos ofrecerá narraciones y episodios imaginados, relaciones absurdas u ocultas entre las obras o protocolos alternativos de conservación.

El 11 de septiembre será la emblemática fecha en la que Es Baluard abrirá la muestra “El archivo del polvo: An Ongoing Project”, una revisión completa de las líneas fundamentales que caracterizan los trabajos de Elena del Rivero relativos a los atentados de 2001 en Nueva York. Reflexiona en estas obras sobre la pérdida, la memoria colectiva y el dolor, sobre la construcción de la fe y de los valores sociales.

El eje vertebrador de la exhibición serán sus desarrollos de A CHANT, la instalación conmemorativa que realizó con más de 3.000 hojas de papel recogidas de los suelos de su casa-estudio tras el suceso. Destacan los collages construidos con las piezas de pintura rescatadas de sus obras destruidas durante el ataque.

La Fundació Vila Casas y la Fundació Joan Miró presentan en Can Mario (Palafrugell) la muestra “Miró, Gaudí, Gomis. El sentido mágico del arte”, en la que se subrayan las afinidades creativas entre el pintor surrealista y el arquitecto de Reus a partir de fotografías del que fue primer presidente de la segunda institución.

Esculturas, cerámicas y dibujos de Joan Miró dialogan con las imágenes que Gomis tomó de la arquitectura de Gaudí y con grabados que el pintor dedicó a aquel en 1979: Sèrie Gaudí, Enrajolats y Gran rodona.

La exhibición puede visitarse hasta noviembre.

En el marco de Artnou, la Galería Joan Prats presenta, hasta el 8 de septiembre, la muestra “Compulsión”, de Julia Varela, en la que esta artista ahonda en la condición performativa de las imágenes y en su posibilidad de ser, su reconocimiento social y legal.

El eje de las investigaciones de la madrileña son la materialidad de las imágenes en la era de las tecnologías digitales y los estados adoptados por lo irrepresentable, lo que se resiste a ser objeto de representación.

Art Fund ha anunciado los cinco museos seleccionados como finalistas a uno de los galardones culturales más prestigiosos en Gran Bretaña: el Art Fund Museum of the Year 2021. Se trata del Centre for Contemporary Art Derry (Londonderry, Irlanda del Norte), Experience Barnsley (Barnsley, Inglaterra), Firstsite (Colchester, Inglaterra), el Thackray Museum of Medicine (Leeds, Inglaterra) y Timespan (Helmsdale, Escocia).

Esta vez el galardón reconoce las prácticas novedosas de los museos británicos para acercarse a sus comunidades en tiempos de pandemia; el ganador se conocerá a finales de septiembre y recibirá una dotación de 100.000 libras; los otros cuatro preseleccionados obtendrán 15.000.

A partir de este mes, el Museu Nacional d’Art de Catalunya amplía el número de sus salas dedicadas al arte de la etapa de la Guerra Civil. Sus fondos han aumentado para mostrar 108 piezas (entre pinturas, dibujos, grabados, fotografías, esculturas y papel moneda) de 43 artistas, muchos de ellos inéditos hasta ahora en este centro.

Esta nueva presentación incorpora novedades relevantes, como un espacio dedicado al Pabellón de la República de la Exposición de París de 1937, con obras dadas por perdidas mucho tiempo; un espacio dedicado a la situación de la mujer en tiempos de guerra y otro centrado en propaganda, fotoperiodismo y cine. Junto a trabajos bien conocidos de artistas como Picasso o Julio González, se da cabida ahora a otros relatos y a creaciones nacidas como respuesta inmediata de los artistas de nuestro país al conflicto bélico.

Las nuevas salas abiertas ya al público son el epicentro del trabajo que el MNAC viene dedicando a la Guerra Civil y al salvamento del patrimonio artístico en aquel contexto, que ha tenido como precedentes la instalación del artista Francesc Torres Aeronáutica (Vuelo) interior y las muestras temporales “La guerra infinita. Antoni Campañà” y “¡Museo en peligro! Salvaguarda del arte catalán durante la Guerra Civil”, junto a un extenso programa público de actividades presenciales y online.

Hace unas semanas quedó inaugurada la XV edición de la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo, titulada esta vez España vacía / España llena. Estrategias de conciliación. Tiene lugar en dos sedes físicas en fechas paralelas: en el Pabellón Mies Van der Rohe de Barcelona, del 28 de junio al 16 de septiembre y en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, del 2 de julio al 23 de septiembre. Además, cuenta con una tercera sede virtual.

Pabellón y Museo albergan las consideradas como propuestas más relevantes de la arquitectura y el urbanismo desarrolladas en nuestro país en los tres últimos años (2018-2020), atendiendo al comisariado de un equipo de arquitectos compuesto por dos estudios radicados justamente en Valladolid y Barcelona: hablamos de Óscar Miguel Ares, Anna Bach y Eugeni Bach.

La propuesta expositiva de la Bienal gira en torno a siete temáticas que pretenden subrayar la dicotomía a la hora de abordar desde la arquitectura y el urbanismo las nociones de España Vacía y España Llena, con el fin último de trazar similitudes y diferencias que permitan encontrar puntos de encuentro entre ambas; esos siete bloques son territorio, sociedad, sostenibilidad, género, demografía, colectividad y economía.

El artista madrileño Rafa Macarrón ha tomado el relevo a Kaws, Keith Haring, Marco Brambilla, Bill Viola y Kenny Scharf y expone, hasta el 31 de octubre, en la Fundación La Nave Salinas de Ibiza. Presenta “El bañista/ The bather”, una quincena de lienzos en formatos diversos en los que aparecen sus características figuras sin forma definida, paisajes panorámicos y negritudes verticales, playas llenas y personajes solitarios.

Abundan las escenas simultáneas y el blanco y el negro acompañados de tonos grises; le interesa conjugar humor y cotidianidad. Según el artista, estos lienzos tratan del renacer, hablan de nueva esperanza de vida y nada mejor para ello que intentar reflejarla en el verano, en las playas de Ibiza, con la luz y el azul del Mediterráneo. Es el retrato del día a día de una persona feliz… Por ese motivo mis personajes, si se observan, nunca se molestan e, incluso para evitarlo, ni se miran entre sí.

El Centre Pompidou de París presenta, hasta el 23 de agosto, la muestra “El arte abstracto en femenino”, que estudia la contribución de las mujeres artistas a la corriente abstracta: se han reunido más de medio millar de obras datadas entre 1860 y 1980 y correspondientes a un centenar de autoras. Muchas de ellas serán inéditas para el público.

Dejando a un lado las habituales jerarquías entre Bellas Artes y arte popular, la exhibición acoge manifestaciones de danza, artes decorativas, fotografía y cine y cuenta con abundante documentación.

Hauser & Wirth ha abierto su nueva sede en Mónaco de la mano de Louise Bourgeois: la muestra “Maladie de l’Amour” explora la presencia de las relaciones de pareja y sus infelicidades en esculturas, instalaciones y obras en papel de la artista francesa, quien exploró muy a fondo los lazos interpersonales y el miedo al rechazo, al abandono y el aislamiento que implica el deseo de compañía.

La consideración tan frecuente del amor como mal o enfermedad tiene su origen en los trovadores medievales y en las tradiciones de la literatura cortesana, tan rica justamente en Francia: se entendía así por consumir a quien ama, dado que todo pensamiento y sentimiento se concentra en el objeto de su atención, generando una pérdida de interés por el resto del mundo y una retirada del afecto a otros seres y personas. Este estado de mayor vulnerabilidad y sensibilidad se convierte, se entendía, en un modo autónomo de percibir el mundo.

Pueden verse en Mónaco piezas como la instalación Toi et Moi (2002), en la que un espejo devuelve imágenes distorsionadas del otro, explorando cómo el deseo estructura o desestructura nuestras percepciones; Shredder (1983), que representa una expresión de rechazo, celos y hostilidad asesina y dos esculturas tituladas Pareja, datadas en 1996 y 2002, consistentes en dos torsos de tela abrazados, que remiten al dúo fusionado: están cosidos y no pueden existir el uno sin el otro, estado de dependencia obviamente no exento de su lado oscuro.

Hasta el próximo 12 de septiembre en su Sala Z, ARTIUM Vitoria presenta Paraíso, filme de las cineastas Maddi Barber y Marina Lameiro dedicado a las transformaciones del valle navarro de Arce. Tras su abandono en los sesenta, el Gobierno navarro plantó pinos en campos que se labraban o eran pasto para animales; en los ochenta el pueblo fue repoblado y, últimamente, se ha decidido talar los pinos y recuperar aquellas extensiones para sus pasados usos.

Para llevar a cabo Paraíso, así titulado por el sobrenombre que muchos dieron a ese lugar, Barber y Lameiro se han valido de distintas tecnologías de captura de datos e imagen.

Bajo el comisariado de Andrea Pacheco, Sabrina Amrani presenta “Weather report”, muestra individual de Dagoberto Rodríguez que plantea ficciones especulativas que a todos podrían afectarnos y que, pandemia mediante, han podido convertirse, en algún caso, en propuestas visionarias: lo vemos en Túneles (2019) y Geometría popular (2020).

Las series que forman parte de esta exhibición aluden a la vigilancia estatal por el camino del biopoder y al control de la vida por parte de dispositivos maquinales. Su producción, salvo los vídeos, carece de figuras humanas, por lo que no representa de manera directa la opresión ni a los oprimidos; atiende especialmente a los objetos que sirven a ese dominio.

Hasta el próximo 29 de agosto, el Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos Pablo Serrano acoge la muestra “Poéticas surrealistas. Arte Aragonés Contemporáneo”, que propone un diálogo entre maestros contemporáneos y artistas actuales con el surrealismo como eje.

Tomando como punto de partida a Goya, con sus Caprichos y Disparates, que muchos consideran piezas precursoras de esa corriente, pueden verse trabajos de Luis Buñuel, Pablo Serrano, Víctor Mira, Antonio Fernández Alvira, Natalia Escudero, OPN Studio y Señor Cifrián.