Hoy ha tenido lugar en ARCO la entrega del quinto Premio de Arte Catalina D’Anglade: ha sido para la artista navarra June Crespo, por su obra Cuando nuestros ojos se tocan. Consta de dos gorras fundidas directamente en acero en las que se aprecian partes del proceso de fundición, como bebederos y revestimientos de cerámica. Explica Crespo que los dos elementos soldados entre sí y anclados en la pared funcionan como receptáculos enfrentados generando un espacio vacío activo entre ellos, como el espacio entre dos manos, dos cabezas… El título es extraído de una cita de Derrida: “Cuando nuestros ojos se tocan, ¿es de día o de noche? Un momento concreto, cuando nuestras miradas se encuentran, verse mirar al otro y verse mirado por el otro. Un momento concreto que abre a su vez un espacio de indefinición”. Parece hablar del encuentro entre la vista y el tacto, de sus cualidades hechas una. En la pieza lo conocido se vuelve otra cosa, se produce un extrañamiento.

Esta artista, que expone la pieza en el stand de CarrerasMúgica, ha sido este año, además, invitada a participar en la exposición central de la Bienal de Venecia.

El Premio de Arte Catalina D’Anglade consta de dos fases: la primera es la entrega del galardón, que consiste en la adquisición de la pieza premiada por parte de la promotora, y la segunda supone el desarrollo de un proyecto inédito en el que arte y diseño conviven. Ese proyecto desarrollado por la pamplonesa como segunda fase del galardón verá la luz en 2023.

Su producción suele partir de un gesto afectivo-asociativo sobre materiales compilados y extraídos del sistema de producción y consumo; ella los une o ensambla generando nuevas relaciones que, a su vez, alumbran distintas formas de extrañamiento, apropiación y recontextualización. Sus instalaciones escultóricas son fruto de investigaciones sobre la relación del cuerpo con el espacio expositivo, el gesto, la presencia y el citado extrañamiento y están realizadas con hormigón, textiles, resina, cerámica o materiales gráficos.

Los ganadores de las anteriores ediciones del galardón fueron Daniel Steegmann Mangrané (2020), Luis Gordillo (2019), Secundino Hernández (2018) y Fernanda Fragateiro (2017).

El premio Martin Miller’s Gin al mejor stand SOLO/DÚO de ARCO, en su primera edición, ha sido para el proyecto de la artista Marta Palau expuesto en el stand de la Galería Walden de Buenos Aires (7C09). Su jurado lo han compuesto Rosa Ferrer, directora de Matadero Madrid, y Andrea Bellini, director del Centre d’Art Contemporain de Ginebra.

Marta Palau, nacida en la localidad ilerdense de Albesa en 1934 y nacionalizada mexicana, alcanzó reconocimiento internacional gracias a sus tapices: en su trayectoria se valió del textil para repensar las posibilidades de la pintura y la escultura.

La feria de arte emergente JUSTMAD y la Fundación ENAIRE han concedido, un año más, el Premio Fotografía Joven Fundación ENAIRE, destinado a impulsar la carrera del artista en quien recae a través de la producción de obra y una exposición en el marco de PHotoESPAÑA.

En su quinta edición, este galardón ha recaído en el zamorano Antonio Guerra por el proyecto La luz que nos ciega, que puede verse en esta cita en el stand de la Galería Marisa Marimón de Ourense. Se trata de una serie fotográfica iniciada en 2014 en la que el artista toma como punto de partida el concepto de naturaleza para abordar la disociación entre mito y ciencia y alumbrar un relato vinculado a asuntos universales como la muerte, la enfermedad o el dolor. Como es habitual en su obra, el entorno natural de las zonas rurales de la España interior deviene espacio simbólico y de reflexión en el que trazar un viaje entre la ficción científica y los mitos, apelando a los lazos entre cultura y paisaje.

El jurado que ha fallado el premio ha estado formado por Beatriz Montero de Espinosa, directora gerente de la Fundación ENAIRE; Ángeles Imaña Marcos, directora de Conservación y Proyectos Culturales de la Fundación ENAIRE; Semíramis González, directora artística de JUSTMAD; Estela de Castro, segunda galardonada con el Premio de Fotografía Fundación ENAIRE y Pedro Quijano, coordinador de Proyectos Culturales de esa institución.

Han valorado en Guerra “su acercamiento interdisciplinar al medio fotográfico, donde explora las diferentes capas presentes en el entorno natural y su imaginario visual”.

El Museo Picasso Málaga anunció ayer que se sumará al discurso renovado de sus fondos, Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023, como obra invitada, un lienzo cubista de este artista: El remero, que llevó a cabo en Cadaqués en el verano de 1910 y que conserva The Museum of Fine Arts de Houston. Se considera pieza fundamental del movimiento, junto a otros trabajos del malagueño como Mujer con mandolina (en el Museum Ludwig de Colonia) o Desnudo femenino (en la National Gallery of Art de Washington), que en los inicios del siglo pasado transformaron por completo la representación de la figura humana.

Puede verse El remero en la sala II, cerca del tapiz Las Señoritas de Aviñón en su versión de Jacqueline Dürrbach, porque si en la imagen de esas prostitutas de 1907 Picasso vertebró figuras femeninas a partir de segmentos curvos planos, pero disponiendo sobre ellas máscaras que desafiaban las tres dimensiones, en la tela llegada de América, tres años más tarde, reconstruyó la figura en torno a una nueva estructura cubista de figuras curvadas y facetadas. Los componentes individuales del cuerpo se sugieren a través de planos curvos y en ángulo que, o se expanden, o se inclinan hacia delante y hacia atrás en el espacio.

Dibujó Picasso la figura mediante líneas de pintura negra y después la dotó de textura incorporando trazos blancos horizontales, de forma rectangular, parcialmente sombreados con tonos ocre, gris y negro.

La última vez que El remero pudo verse en Europa fue hace más de treinta años, cuando se expuso en la Öffentliche Kunstsammlung de Basilea en 1989. Por su título, se ha interpretado que representa a un hombre remando, junto a su reflejo en el agua y ondas que indicarían el movimiento de un remo, pero otras visiones aprecian en la figura a una mujer sentada, lectura que, desde los estudios más recientes, parece más probable.

La pieza podrá verse hasta mayo en Málaga, como intercambio con el MFAH por la obra Cabeza de toro (1942), que fue cedida por el Museo Picasso para su participación en la exposición itinerante “Calder-Picasso”. Esa exhibición recaló en el Fine Arts Museum of San Francisco – de Young, en el High Museum de Atlanta y en el propio Museum of Fine Arts de Houston entre febrero de 2021 y enero de este año.

Con motivo de la gran exposición que la Fundación Beyeler suiza dedica actualmente a Goya, una selección importante de obras del aragonés han viajado desde el Museo del Prado a Basilea, circunstancia que ha favorecido la realización de varias intervenciones en las salas 34 a 38 de la pinacoteca, dedicadas a este artista. Su objetivo ha sido ofrecer al público un discurso expositivo y narrativo renovado en torno a parte de su colección en el Museo; además, se han abierto los balcones de las salas 34 y 38, dos de ellos dirigidos hacia el Paseo del Prado y el último al Jardín Botánico, para acentuar la entrada de luz natural y se ha creado una nueva sala de mayores dimensiones al fusionar las numeradas como 37 y 38, demoliendo el tabique entre ellas.

En ese nuevo espacio se exhiben ahora la Maja desnuda y la Maja vestida junto al retrato de la Marquesa de Santa Cruz y, por primera vez, también junto a una de las pinturas de Tiziano que representan a Venus, en concreto Venus recreándose con el Amor y la Música, datada hacia 1555. Procede esta pintura de la Colección Real y su ubicación aquí tiene que ver con la evocación de la decoración propia de uno de los gabinetes del palacio de Manuel Godoy, valido de Carlos IV, en el que se encontraban las citadas Majas de Goya junto a representaciones de la diosa del amor, como la Venus del espejo velazqueña (hoy en la National Gallery de Londres) y otra de Tiziano, recogida en una pequeña copia. La sala evidencia ahora, además, la novedad inherente a las composiciones de la Majas, desnudos que carecen de toda referencia mitológica y cuya modelo no esquiva, en su rostro, la mirada del espectador.

Por otro lado, la nueva ordenación se completará, en la sala 34, dedicada a pintura religiosa, con la muestra que reunirá durante un año dos bocetos goyescos de la colección de la Fundación Tatiana Pérez de Guzmán el Bueno, ambos preparatorios de su cuadro de altar de San Bernardino de Siena, situado en la basílica de San Francisco el Grande en Madrid; los visitantes podrán así conocer el proceso creativo de esta obra y la precisión aplicada por Goya a la creación de una composición, como esta, de gran complejidad. En esta misma sala, presidida por su Cristo crucificado de 1780, que le permitió el ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, se ubican otros tres bocetos de cuadros de altar para iglesias, como las catedrales de Toledo y Sevilla, y pinturas destinadas a oratorios o pequeños altares de clientes particulares.

El conjunto nos permitirá, así, adentrarnos en el desarrollo estilístico de Goya durante cinco décadas, así como en su concepción original y realista de los hechos religiosos y de las acciones de santos y divinidades y en su muy novedoso empleo de la luz.

Las salas 35 y 36, por su parte, continuarán el recorrido por los retratos pintados por el genio a partir de la década de 1780 y hasta la de 1800, haciendo hincapié en el número y diversidad de sus clientes cuando ya se había consolidado como el retratista más importante en la corte de su tiempo. En estos trabajos apreciaremos que desaparece parcialmente el idealismo y la búsqueda de atemporalidad que habían caracterizado hasta entonces el género, que se busca profundizar en el carácter de los modelos y también que su autor quiso conferir a estas imágenes un carácter diferenciado entre sí, en cuanto a composición y expresividad.

Artium Museoa, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco, ha anunciado hoy la incorporación de Catalina Lozano como su próxima comisaria jefe. Trabajará en colaboración estrecha con los departamentos de contenidos y la dirección de este centro de Vitoria.

De origen colombiano y nacida en 1979, Lozano ha desarrollado proyectos de arte contemporáneo como comisaria independiente y en distintas instituciones. En los últimos dos años, ha sido directora de Programas para Latinoamérica en KADIST (2020-2022) y antes ocupó el cargo de curadora asociada en el Museo Jumex de Ciudad de México (2017-2019). Asimismo, ha comisariado muestras monográficas dedicadas a artistas como Mariana Castillo Deball (objeto de reciente exposición en Artium), Santiago Borja, Beatriz Santiago Muñoz y Fernanda Gomes, entre otros, y sus proyectos se han presentado en espacios como Pivô São Paulo, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, el Museo Jumex y la Casa del Lago, en Ciudad de México; el Museo de Arte Moderno de Medellín; Gasworks y el Freud Museum (Londres); el CRAC Alsace y CAPC Bordeaux. Además, es co-comisaria del Pabellón de México en la próxima Bienal de Venecia.

En cuanto a su formación, Lozano es historiadora del arte por la Universidad de Bogotá, máster en Teorías y prácticas del lenguaje y de las artes por la EHESS de París y máster en Historia del Arte (Siglo XX) por el Goldsmiths College de la Universidad de Londres. Su incorporación a Artium llega tras un proceso de selección abierto con publicidad y libre concurrencia en el que han participado más de sesenta candidaturas, varias de ellas internacionales.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha avanzado las muestras que formarán parte de su temporada expositiva del 2022.

Su elenco de propuestas comenzará con la jovencísima artista malagueña Carla Hayes Mayoral, que en el marco del programa Kora, y en “Memorias mestizas”, llevará a cabo desde el 14 de febrero indagaciones identitarias en relación con el pasado colonial español y europeo. Basándose en la rafia, material muy propio de la cultura africana, y en referencias visuales del imaginario colectivo occidental, tratará de deconstruir relatos hegemónicos.

La segunda de ellas, organizada junto a TBA21 y a inaugurarse el 22 de febrero, será “Ragnar Kjartansson. Paisajes emocionales” y reunirá por primera vez cuatro de las más más celebradas videoinstalaciones del islandés (The Visitors, The Man, The End y God), junto a una serie de acuarelas; el autor ha plasmado en ellas su fascinación por la música y los paisajes de América del Norte. Estos trabajos podremos relacionarlos, además, con las obras de los siglos XIX y XX presentes en la exhibición “Arte americano en la colección Thyssen”.

Desde el 16 de marzo podremos visitar “Hiperreal. El arte del trampantojo”, gran muestra que este centro dedicará a la revisión de ese género entre los siglos XV y XXI. Contemplaremos una selección de obras concebidas para que no puedan diferenciarse de la realidad ordenadas por materias y escenarios, no cronológicamente, de modo que se subrayará la continuidad en el tiempo de esos propósitos. Las secciones que vertebrarán el recorrido serán Puestas en escena, Figuras, encuadres y límites; Huecos para curiosos, Muros fingidos: tablones y paredes, Desorden perfecto, Llamada a los sentidos y Juegos de apariencia.

De cara al verano, la gran apuesta del Thyssen será Alex Katz. De junio a septiembre, el Museo nos ofrecerá la primera retrospectiva española sobre este pintor estadounidense, para muchos precursor del Pop Art y aún en activo. Formarán parte de esa antología, comisariada por Guillermo Solana y preparada junto al artista, treinta óleos de gran formato y algunos dibujos dedicados a retratos en solitario, duplicados y de grupo; flores y paisajes de fondos planos y vivo cromatismo.

En octubre inaugurará este centro sus últimas muestras del año. Serán “Picasso y Chanel”, que explorará la relación entre ambos con el cubismo, Olga Khokhlova y los ballets como nexos de unión (hay que recordar que colaboraron profesionalmente en dos ocasiones en los años veinte, ambas con Jean Cocteau, en Antígona y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev Le Train Bleu) y una exhibición dedicada a Himali Sighn Soin, organizada de nuevo junto a TBA21.

El Van Gogh Museum de Ámsterdam enriquece sus fondos impresionistas: acaba de anunciar la adquisición de cuatro grabados apenas conocidos de Mary Cassatt, que fue contemporánea del holandés y miembro de la primera generación de pintores de aquel movimiento. Se trata de tres aguafuertes de gran formato en color y de una litografía; la decisión de aplicar tonos a esas piezas fue en aquel momento atrevida y sabemos que la autora se implicó por completo en su proceso, laborioso, de elaboración; de hecho, diseñó e imprimió ella misma la mayoría de sus trabajos gráficos.

La adquisición de las obras, largamente añorada en este centro, ha sido posible gracias a VriendenLoterij, la Mondriaan Fund, la Rembrandt Association y el círculo The Yellow House y formarán parte del recorrido expositivo de la colección permanente. Se encuentran en perfecto estado de conservación y pueden situarse entre los grabados más logrados de fines del siglo XIX.

Inicialmente escéptica al principio respecto a las posibilidades de la obra gráfica, sería hacia 1879 cuando reconoció Cassatt el atractivo de estas técnicas, como sus compañeros Edgar Degas y Camille Pissarro.

Su litografía adquirida por el museo holandés, In the Theatre (hacia 1880), es fruto de los primeros experimentos de la americana en ese medio: presenta a una mujer en un palco mirando el auditorio a través de unos prismáticos, mientras el resto del público la observa a ella misma. Se sabe que existe un número muy limitado de impresiones de esta imagen.

El resto de los grabados (The Fitting, The Letter y Woman Bathing) datan de 1890-1891 y forman parte de una serie llamada The Ten, un conjunto de diez trabajos con los que Cassatt afianzó su prestigio como grabadora. Se inspiró para su realización en una colorida serie de impresiones japonesas sobre madera que se mostraron en 1890 en París y de las que habló a Berthe Morisot: Podríamos ir a ver los grabados japoneses en el Beaux-Arts. En serio, no te lo puedes perder. Tú que quieres hacer impresiones en color, no podrías soñar con nada más hermoso. Lo sueño y no pienso en otra cosa que en color sobre cobre.

Exploró en estas piezas los rituales íntimos y cotidianos de una mujer de clase media-alta. En 1891, la decisión de producir grabados en color sería cuanto menos atrevida: era este un procedimiento complejo y laborioso que los artistas solían subcontratar. Sin embargo, Cassatt participó en todas sus fases: pasó meses trabajando en estrecha colaboración con el maestro Leroy en la impresión, el acabado, el entintado…

Los grabados en color finalizados de esta autora son extremadamente escasos y menos de una docena han salido a la venta en las últimas décadas, de ahí el valor de los cuatro ahora llegados a Holanda, que reúnen sutileza técnica, carácter experimental y atención a la intimidad de las modelos.

Ha muerto, a los 82 años, Jonathan Brown, el gran hispanista estadounidense que dedicó el conjunto de su trayectoria a estudiar la pintura del Siglo de Oro español y, especialmente, a Velázquez. Dirigió la tercera edición de la Cátedra del Museo del Prado y en el mismo centro comisarió exposiciones históricas como “Velázquez, Rubens y Van Dyck” (1999) o “La Almoneda del Siglo. Relaciones artísticas entre España y Gran Bretaña. 1604-1655” (2002).

Miguel Falomir, director de la pinacoteca, le ha dedicado hoy este obituario: El fallecimiento de Jonathan Brown es una gran pérdida para la historia del arte español y una tristísima noticia para el Museo del Prado. El mejor modo de resumir la larga y fecunda relación entre el hispanista estadounidense y la institución es afirmando que el Museo del Prado ha sido tan importante para Brown como Brown lo ha sido para el Museo del Prado. Brown visitó el Prado por primera vez en 1958 y ahí surgió su amor por el arte español, a cuyo conocimiento y difusión contribuyó de forma decisiva. Fue uno de los mayores especialistas en nuestro Siglo de Oro, autor de decisivos trabajos sobre Murillo o Ribera y máxima autoridad en Velázquez, pero su curiosidad le llevó igualmente al Renacimiento, Goya o Picasso. Dos ideas recorren estos escritos: salvar la separación entre arte y sociedad imperante en nuestra historiografía hasta entonces, y resituar el arte español en su contexto europeo y global, inquietudes plasmadas en publicaciones como Imágenes e ideas en la pintura española del si­glo XVII (1981) o El triunfo de la pintura: sobre el coleccionismo cortesano en el siglo XVII (1995), y en su interés último por una aproximación integral al arte hispánico que incluyera el realizado en los virreinatos americanos. De este magisterio intelectual se han beneficiado generaciones de historiadores y, muy particularmente, quienes disfrutaron de su generoso tutelaje en el Institute of Fine Arts de Nueva York, entre ellos varios profesionales del Museo del Prado.

La relación de Brown con el Museo del Prado se dilató durante 64 años y evolucionó a la par que lo hacía su trayectoria vital y profesional. Empezó visitándolo como turista y estudiante, después como estudioso de sus fondos, y mantuvo con él una relación aún más estrecha como miembro de su consejo científico y comisario de las exposiciones “Velázquez, Rubens y Van Dyck” (1999) y “La almoneda del siglo: relaciones artísticas entre España y Gran Bretaña, 1604-1655”, (2002), esta última realizada en colaboración con su íntimo amigo y recurrente colaborador sir John Elliott. Asiduo conferenciante en el museo, en 2012 fue titular de la Cátedra del Prado, dejándonos unas interesantísimas Reflexiones de un hispanista a la sombra de Velázquez, cuya lectura revela hasta qué punto el Prado fue fundamental en su vida.

Pero más allá de esta dilatada relación profesional e institucional, Brown sintió el Prado como algo propio. Sufrió con sus malos momentos y contribuyó decisivamente a superarlos a través de un decidido activismo en los medios y discretas pero eficaces gestiones personales. Ahora que parece inminente el inicio de las obras del Salón de Reinos, conviene recordar que sin Brown y Elliott, que dedicaron en 1980 a este espacio palaciego uno de los libros más bellos e influyentes sobre el siglo XVII español (Un palacio para el rey: el Buen Retiro y la corte de Felipe IV), probablemente nunca hubiera sido una realidad. Su inauguración será el mejor modo de recordar y agradecer su gran contribución al Museo del Prado y a nuestro país.