Hasta el 6 de marzo de 2022, el Museo Universidad de Navarra presenta la exposición “Pseudología Fantástica” de Cristina de Middel, que recoge su nuevo proyecto en el marco del programa Tender Puentes, Aleatoris vulgaris; Man Jayen, expuesto en este mismo centro en 2015 y las series Cucurrucú, Afronautas y Party.

Tienen en común la mezcla de lo real con fantasías muy elaboradas y su uso del archivo; en palabras de la fotógrafa: Hago míos sus materiales y ofrezco versiones totalmente distintas que no tienen nada que ver con la intención con la que fueron creados. Su trabajo ahonda en la ambigua relación entre fotografía y verdad y conjuga enfoques documentales y conceptuales, jugando con la reconstrucción de arquetipos y estereotipos que ayudan a difuminar la separación entre la realidad y la ficción. En esta ocasión, nos invita a explorar las ideas de la expedición y el viaje, la cultura de la violencia en México y la aleatoriedad.

Los directores del Museo Reina Sofía y el Centro Niemeyer de Avilés han firmado un convenio por el que ambas instituciones anuncian la próxima planificación y ejecución conjunta de proyectos culturales que buscan contribuir a la construcción de nuevos paradigmas institucionales en el ámbito de la intervención cultural y la producción de pensamiento.

El documento firmado establece un marco general de intercambio mutuo entre ambas entidades que se concretará en el desarrollo de propuestas de investigación y estudio en materias de interés común, la edición de publicaciones y otros materiales de comunicación, la organización de encuentros, seminarios y jornadas o la realización de exposiciones, entre otras actividades.

El convenio cuenta con una vigencia de cuatro años y plantea una renovación por otros cuatro. Carlos Cuadros, director del espacio asturiano, lo ha calificado como “un gran salto cualitativo del Centro Niemeyer que contribuirá a reforzar la calidad de sus actividades culturales, al asociarse con la experiencia y el conocimiento de uno de los museos más destacados de España”. Borja-Villel, por su parte, también ha valorado muy positivamente esta iniciativa, que pretende “establecer alianzas con otros agentes culturales del conjunto del país para favorecer el acceso de todo tipo de públicos al arte moderno y contemporáneo”.

La última edición de ESTAMPA, que ha regresado a sus habituales fechas otoñales, finalizó ayer y conocemos ya a los artistas galardonados con sus premios-adquisición.

El Premio Colección SÛ ha recaído en Guillermo Mora (Moisés Pérez de Albéniz), Inma Femenía (Galería Punto) y Almudena Lobera (Max Estrella) y el Premio Colección ENATE ha sido para Rafa Forteza (Ponce+Robles). El otorgado por la Colección La Escalera ha reconocido la obra de Julián Gil (Rafael Pérez Hernando) y Guillermo Mora (Moisés Pérez de Albéniz) ha recibido también el Premio Colección Artilleria.

Samuel Salcedo (Galería 3 Punts) se ha hecho con el Premio Klasse y Manuel M. Romero (Artnueve), con el Premio Colección Kells.

Por su parte, la Colección Campocerrado ha otorgado su premio a Jorge Fuembuena (Max Estrella) y la Colección Casa de Indias ha galardonado a Ana Barriga (Wecollect). El fotógrafo Juan Manuel Castro Prieto (Blanca Berlín) ha recibido, por su lado, el Premio Colección Studiolo y el Premio Colección Navacerrada ha sido para José Castiella (Ponce+Robles).

Por último, la Galeria Baró, radicada en Palma de Mallorca, se ha llevado el premio al Mejor Stand ESTAMPA 2021, con la colaboración del champán Taittinger y el Premio de la Colección DKV se fallará próximamente.

La Fundación María Cristina Masaveu Peterson ha reabierto este mes al público su sede madrileña, cerrada temporalmente a causa de la pandemia. Se reanuda, así, su exposición “Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo”, sumándose a su recorrido once nuevas obras adquiridas en los últimos meses, y también se presenta una novedad: el Espacio Street Art, que se dedicará a proyectos de mecenazgo y a la presentación de piezas de la colección Masaveu vinculadas al arte urbano. El acceso a la sede de la Fundación continuará siendo gratuito, al igual que su programa de visitas guiadas.

Comisariada por Javier Barón, “Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo” se inicia en la Ilustración, se extiende hasta el posmodernismo catalán y cuenta con casi 130 piezas, incluyendo trabajos de Goya, Federico de Madrazo, Mariano Fortuny, Joaquín Sorolla —presente con veinticinco pinturas—, Ignacio Zuloaga, Ramón Casas o Hermen Anglada-Camarasa.

Las pinturas que se han incorporado al proyecto tras su reciente compra son, en muchos casos, inéditas y su estudio y restauración ha dado lugar, en ocasiones, a nuevas atribuciones. Algunas de ellas estuvieron vinculadas a colecciones extranjeras y, por tanto, su adquisición por la Fundación contribuye a la recuperación de patrimonio artístico español para nuestro país.

Casi la mitad de esas nuevas obras corresponden a artistas no representados anteriormente en estos fondos, como Juan Antonio Ribera, Francisco Lacoma y Fontanet, Genaro Pérez Villamil, Gustave Doré o Raimundo de Madrazo; otras, realizadas por Mariano Salvador Maella, Zacarías González Velázquez, Eduardo Rosales, Ignacio León y Escosura, Carolus-Duran y Darío de Regoyos, sí corresponden a artistas presentes, pero su inclusión en la exhibición contribuye a enriquecer su discurso y a hacerlo más didáctico.

Por su parte, al citado Espacio Street Art se podrá acceder desde el 27 de octubre y solo en visitas guiadas. Allí se exponen trabajos de autores internacionales (Banksy, Keith Haring o Vhils) o de artistas nacionales y emergentes (Mario Mankey, Muelle, Sabek y Albert Pinya), junto a cuatro proyectos promovidos bajo el mecenazgo de la Fundación y llevados a cabo por El Rey de la Ruina, Estudio Pedrita, Juan Díaz-Faes y Queen Andrea. Los dos últimos han sido diseñados específicamente para este centro.

En la próxima edición de la Feria ESTAMPA se concederá un nuevo galardón: el Premio Colección SÛ, destinado a apoyar el desarrollo profesional de artistas actuales.

Consistirá en tres becas de formación para que artistas representados por las galerías participantes en ESTAMPA se sumen al curso Getting it across: Communicating your art practice del ACT Programme, que tiene como fin impulsar la carrera internacional de artistas de media carrera. Se trata de un seminario intensivo para creadores visuales y pensadores que deseen mejorar la manera en que comunican y presentan su obra y también sus conexiones internacionales.

Está impartido Georgina Adam, periodista cultural y editora de The Art Newspaper; Alessio Antoniolli, director de Gasworks y Triangle Network; Francesca Bellini-Joseph, miembro del Comité Ejecutivo y del Comité de Adquisiciones de Arte Latinoamericano de Tate y educadora; Aaron Cezar, director de la Delfina Foundation y comisario de performance de la 58º Bienal de Venecia y por Gilda Williams, crítica en Artforum y profesora en Goldsmiths.

Las galerías presentes en esta cita pueden nominar a sus artistas para este curso completando o reenviando el formulario disponible en la web de ESTAMPA. La fecha límite para inscribir a los artistas es el 17 de octubre de 2021.

Cineteca Madrid ha anunciado que Luis Enrique Parés dirigirá la programación de sus salas a partir de enero de 2022; ha sido elegido por concurso público y pronto se incorporará a su puesto en este espacio integrado en el centro de creación contemporánea Matadero Madrid, que tiene como objetivo convertirse en espacio de referencia local, nacional e internacional del cine y la creación audiovisual.

En el proceso de selección, diseñado por el Ayuntamiento de Madrid y abierto el pasado julio mediante un procedimiento de concurrencia pública, se ha tenido en cuenta el fomento de contenidos que conecten el cine y el audiovisual con otras artes, el refuerzo de canales estables de diálogo y cooperación con el sector cinematográfico y audiovisual local o el incentivo de la investigación entre profesionales y del aprendizaje y el encuentro con el cine entre el público general.

Parés es licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, máster en Documental de Creación por la Pompeu Fabra de Barcelona y en Estudios sobre Cine Español por la Rey Juan Carlos de Madrid. Desde 2019, trabaja en su tesis doctoral en torno al cine español en el exilio francés mientras continúa su carrera como gestor cultural en el Departamento de Programación de Filmoteca Española, el Festival de Cine Europeo de Sevilla y el Festival Internacional de Cine de Valdivia (Chile). En su faceta como divulgador, destaca su colaboración con Historia de nuestro cine, el programa de RTVE que coordina y presenta desde 2015.

La Comisión de Valoración que lo ha seleccionado ha estado formada por Javier Asenjo, Inés Enciso, Enrique Gonzalez Kuhn, Álex Lafuente y Marta Medina, así como por un representante del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento madrileño.

El Meadows Museum de Dallas ha anunciado esta semana el fallecimiento de su director, Mark A. Roglán, a los cincuenta años de edad y causa de un cáncer. Su muerte coincide con el vigésimo aniversario de ese centro, el principal en Estados Unidos dedicado a las artes y la cultura españolas, del que Roglán estaba al frente desde 2006.

En ese periodo, el Meadows ha triplicado su público y desarrollado importantes exposiciones internacionales, además de organizar becas significativas, programas educativos atractivos y accesibles y alianzas estratégicas con los principales museos del mundo.

Nacido en Madrid, Roglán se incorporó al museo como comisario interino y profesor asistente de historia del arte en agosto de 2001; se convirtió en comisario de colecciones en enero de 2002 y en comisario jefe en junio de 2004. Tras una búsqueda a nivel nacional, fue ascendido a director en 2006. Con anterioridad había trabajado en el Departamento de pintura y escultura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado y en el Departamento de dibujo del Fogg Museum de la Universidad de Harvard.

Hasta el 30 de octubre, la sede madrileña de la Galería La Cometa acoge “Dimensiones de lo Material”, una exhibición en la que Vanessa Gómez reivindica los oficios tradicionales y la artesanía como medio transmisor de saberes ancestrales.

Reutilizando tejidos hechos con hilo, algodón o frijol, recuerda nuestra conexión corporal, cultural e histórica con la tierra a través de materiales donde tiene cabida la memoria de lo vital. Los procedimientos en los telares de las comunidades indígenas latinoamericanas se unen en sus piezas a las técnicas digitales.

La maternidad y el espacio de lo doméstico constituyen el punto de partida de los últimos trabajos de la artista británica Rebecca Glover, que hasta el 13 de noviembre presenta en la Galería Silvestre de Madrid “To the edge of what I wasn’t, I was”.

Muestras esculturas elaboradas con arcilla polimérica que evocan lo orgánico y la ciencia ficción y pinturas realizadas durante su embarazo, buscando entender a través de sus telas los enigmas de la gestación.

El artista malagueño Federico Miró continúa trabajando en sus lienzos a partir de referentes y técnicas a medio camino entre la tradición y la modernidad; entiende que pasado y presente mantienen una correlación atemporal. En F2 Galería, en Madrid, exhibe hasta el 16 de octubre “The invisible thread”, un repaso a obras recientes de elaboración muy minuciosa y formato único en las que su fuente de inspiración ha sido Japón y la cultura nipona.

La paleta cromática ha quedado reducida a una gama monocroma por cuadro, sustituyendo sus anteriores colores áureos por los que ofrece la naturaleza de ese país. Continúan albergando sus pinturas elementos figurativos y abstractos y un rico horror vacui que da lugar a tramas sincronizadas y ritmos que introducen coreografías en los lienzos.

La continua experimentación es una de las claves de la trayectoria del artista barcelonés Yago Hortal, que estrena temporada en la Galería Senda de la capital catalana. Presenta “¿Otra vez?”, muestra que recoge telas donde vira a lo esencial: interviene el lienzo y retira todo lo que queda sobre él para desvelar un negativo del mismo proceso de la pintura, un registro de su elaboración.

Frente a sus trabajos anteriores basados en la aplicación de masas pictóricas y la búsqueda de la tercera dimensión, opta ahora por estructurar sus piezas a partir del movimiento y la gestualidad de la pincelada; también por el uso de tonos naturales y primarios frente a su pasada querencia por los flúor. La exhibición puede visitarse hasta el 13 de noviembre.

ABABOL, Festival de Arte Público, Memoria y Despoblación, se celebra en la localidad zaragozana de Aladrén hasta el próximo 26 de septiembre. Su objetivo es invitar a artistas contemporáneos a trabajar allí en una obra relacionada con el medio rural y también fomentar el turismo cultural en esa zona, demográficamente castigada.

Cada año se lanza una convocatoria internacional para seleccionar a tres artistas en residencia que desarrollen proyectos en los espacios públicos de Aladrén; esta vez se han recibido 44 candidaturas y una comisión formada por la gestora cultural María Gracia de Pedro, la directora de hablarenarte Flavia Introzzi y la artista Gema Rupérez ha seleccionado a Marta Castro, el colectivo Chico Trópico y David Cantarero.

Castro presenta Función Barrera, una instalación que funde piel y arquitectura en referencia a esa función barrera de ambas, nuestro constante medio de protección. Ladreán o la piedra extraña es el título de la propuesta del colectivo Chico Trópico, un proyecto de ficción comunitaria concebido para mezclarse con la memoria del pueblo de Aladrén. Han elaborado un dispositivo ficcional, un extraño objeto, que quiere ser punto de partida para generar narraciones sonoras sobre este pueblo relativas a su pasado y su presente.

Por su parte, Cantarero viene trabajando, en el marco de ABABOL, en la escultura pública Usted está aquí, realizada en hierro. Su forma funde las del icono que indica en los mapas digitales la ubicación del lector y algunas de las principales partes que formaban el tradicional arado romano.

Estos trabajos se sumarán en Aladrén a los nueve realizados en las pasadas ediciones del Festival, convirtiendo este pueblo en un espacio de arte contemporáneo al aire libre en armonía con el entorno y la comunidad; una de las señas de identidad de este proyecto es el diálogo entre vecinos y creadores. Se realizan visitas por los diferentes talleres de los artistas y varias actividades paralelas: un conversatorio, una mesa redonda sobre arte, memoria y despoblación y conciertos de Mayalde.

El premio Deutsche Börse Photography Foundation 2021 ha sido para el creador chino Cao Fei por su exposición “Blueprints”, presentada en 2020 en la Serpentine Gallery. El galardón está dotado con 30.000 libras, se le entregó en The Photographers’ Gallery (Londres) y cumple un cuarto de siglo reconociendo a artistas y proyectos que se entiende que han contribuido hondamente al avance de la fotografía en el último año.

“Blueprints” reunió trabajos pasados y recientes de Fei, como Whose Utopia? (2006), Asia One (2018) y La Town (2014), que exploran el impacto de la tecnología, las realidades virtuales y los efectos alienantes del trabajo mecanizado en las personas y las comunidades.

Revela’T, el primer festival de fotografía analógica, celebrará en Cataluña su novena edición del 18 de septiembre al 12 de octubre. Su epicentro volverá a ser Vilassar de Dalt, que presentará 38 exposiciones, pero sus propuestas llegarán también a Barcelona, Vic, Mataró, L’Hospitalet de Llobregat, Torroella de Montgrí, Premià de Mar, Cádiz y Villanueva de la Serena.

Destaca la presencia de autoras españolas como Leonor Benito de la Lastra, con sus personales visiones fragmentadas; Veronica Losantos, que exhibirá un ensayo fotográfico sobre un pueblo inundado por la creación de un embalse; Aleydis Rispa, que realiza fotografías experimentales sobre los desechos; Susana Blasco, con una selección de collages analógicos realizados con fotos encontradas de modelos de los cincuenta; Kati Riquelme, que nos enseñará fotos impresas en bolsas de té o Montse Campins, autora de una imagen panorámica montada con varias instantáneas hechas a lo largo de los años en la misma calle de Barcelona.

Entre los participantes internacionales, podemos citar a la británica Laura Pannak, con una muestra que buscará conexiones entre los jóvenes de todo el mundo; las argentinas Lucia Peluffo, que se inspiran en imágenes científicas del cuerpo humano; Giovanna Zuccarino, con una serie de fotografías de la luna hechas con el primer telescopio que llegó a Argentina en 1882 o las japonesas Miho Kajioka, que encuentran la belleza en la vida cotidiana. Eri Makita mostrará la transformación de las cosas que se han perdido y Ay Futaki, apneista y fotógrafa, nos llevará al fondo del mar.

Revela’T homenajeará, además, a Isabel Muñoz con la presentación de la exposición “Somos agua”, relativa al calentamiento global.

Tras el éxito del año pasado, Barcelona vuelve a convertirse, hasta el próximo domingo, en una de las sedes deslocalizadas del Ars Electronica Festival, la cita más importante del mundo dedicada a la creación electrónica y las confluencias entre arte, tecnología, ciencia y sociedad. Celebra su 42ª edición, tanto en Linz (Austria) como en más de cien ciudades alrededor del mundo.

Una red de instituciones catalanas da vida al Ars Electronica Garden Barcelona, que presenta exposiciones con obras inéditas y proyectos en procesos producidos especialmente para la ocasión, charlas entre artistas y científicos, talleres, performances y proyecciones fílmicas.

Las dos sedes principales del Garden Barcelona son el Canòdrom Ateneo de Innovación Digital y Democrática y Espronceda Institute of Art & Culture. El primer espacio acoge una obra histórica y una producción inédita de la Colección Beep de Arte Electrónico, además de los cinco proyectos becados expresamente para participar en Ars Electronica 2021 por el Institut Ramon Llull, la New Art Foundation, la Universitat Oberta de Catalunya, La Caldera y Hangar.

El centro de arte Espronceda despliega, por su parte, cinco instalaciones, tres de ellas resultado de las residencias artísticas IMMENSIVA Residences 2021, que ofrecen experiencias multiusuarios y abordan temas destacados relativos a la creación contemporánea como los NFT, las criptomonedas y la contaminación ecológica de los datos.

Con motivo del 40º aniversario de la llegada de Guernica a España, que tuvo lugar en 1981, mañana, viernes 10 de septiembre, la entrada al Museo Reina Sofía será gratuita durante toda la jornada.

En paralelo, el MNCARS participará en el Festival Ars Electrónica de Linz, una de las citas europeas más destacadas en el ámbito de la ciencia, las artes y la tecnología que se celebra desde 1979. Varias instituciones museísticas han sido invitadas a presentar sus proyectos digitales más innovadores en este certamen y el Reina Sofía ha decidido realizar una proyección en el espacio Deep Space, en pantalla gigante, de su iniciativa Gigapixel, con un vídeo en 8K sobre la obra emblemática de Pablo Picasso.

Es Baluard inaugurará el próximo 11 de septiembre la muestra “El archivo del polvo: An Ongoing Project”, planteada como revisión de las líneas fundamentales sobre las que Elena del Rivero ha vertebrado los trabajos que desarrolló a raíz de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York. En estas obras reflexiona sobre la pérdida, el valor de la memoria colectiva y el dolor y sobre las creencias y valores que, como sociedad, pueden permitirnos replantear el futuro.

El eje de la exposición será su obra realizada a partir de A CHANT, una instalación conmemorativa que consta de más de 3.000 hojas de papel recogidas de los pisos de su casa-estudio, así como las piezas relacionadas que ha ido completando en estos últimos veinte años, sobre todo sus collages construidos con las piezas de pintura rescatadas de sus obras destruidas durante el ataque.

También podremos contemplar Nine Broken Letters, pieza producida durante nueve noches consecutivas de insomnio mientras la artista era desplazada de su casa en el 125 de Cedar Street. Se inspiró para esta obra en su lectura de las Florentine Nights de Marina Tsvetáyeva.