Nari Ward, la escultura y la urgencia

Nueva York, 26/02/2019

Más de treinta esculturas, pinturas, vídeos e instalaciones a gran escala de Nari Ward forman parte de “We the people”, su primera retrospectiva individual en un museo neoyorquino. Pueden verse en los tres pisos principales del New Museum hasta el próximo mayo y resumen su trayectoria en el último cuarto de siglo: fue a principios de la década de los noventa cuando este artista jamaicano comenzó a idear piezas nacidas de la acumulación y la reutilización de cantidades verdaderamente asombrosas de materiales humildes que evocan tanto las tradiciones populares de su país como las prácticas creativas de reciclaje que conoció en su infancia y juventud; también las texturas de los elementos constructivos arquitectónicos habituales en Harlem, donde Ward precisamente reside y trabaja desde que inició su trayectoria artística.

Antes de comenzar sus procesos manuales de trabajo, este autor investiga microhistorias de lugares concretos, separados a veces por miles de kilómetros, para descubrir conexiones inesperadas entre comunidades geográficamente distantes y culturalmente diferentes, prestando atención a las tensiones que en cada una de ellas se generan entre tradición y modernidad. Además de Jamaica, Nueva York ha sido una fuente fundamental en esas indagaciones, en particular Harlem, el barrio que le ha proporcionado tantos temas como materiales.

Sus primeras esculturas las creó con elementos recogidos de sus calles o edificios abandonados; hablamos de cochecitos de bebés usados a menudo por personas sin hogar para transportar sus pertenencias, mangueras contra incendios, biberones o carritos de la compra. Él seleccionaba estos objetos por su conexión con vidas individuales o historias vecinales, por su posible valor metafórico y por los relatos que podían evocar en torno a una cotidianidad a la vez íntima, colectiva y urbana. Varios de estos proyectos tempranos forman parte de “We the people”, como sus instalaciones a gran escala Amazing Grace y Hunger Cradle, ambas fechadas en 1993. Ward llevó a cabo ambas en una estación de bomberos inutilizada, y ese fue también el primer espacio donde se exhibieron. Aquel mismo año de 1993, Ward presentó su primera exposición individual en Nueva York, precisamente en el New Museum, donde pudo verse la enorme y dramática escultura Carpet Angel.

Su producción desde entonces ha evolucionado al ritmo que Harlem y los periódicos le marcan: viene abordando realidades políticas y sociales complejas, pegadas a su tiempo y cuyas implicaciones no son solo neoyorquinas ni estadounidenses. En sus trabajos, al margen de las técnicas empleadas, encontramos referencias a la gentrificación de la que su barrio ha sido objeto en las últimas décadas y también al convulso estado político actual de Estados Unidos; utiliza el lenguaje, recursos arquitectónicos y formas escultóricas muy diversas para reflexionar sobre la vigencia del racismo o el ejercicio del poder, el reinado del consumismo, la pervivencia o no de las identidades nacionales y los efectos de las migraciones y también sobre memoria histórica e imaginarios colectivos, o sobre el sentido de pertenencia a una comunidad frente a un individualismo en horas altas. No obstante, no busca ofrecer en sus trabajos significados cerrados: las interpretaciones quedan intencionadamente abiertas para que el espectador pueda sentirse apelado y no genera, la producción de Ward, las mismas lecturas allí donde se presente. En Europa y América tenemos percepciones distintas, muy a menudo, de lo que nos transmiten esos objetos encontrados

A través de sus piezas emblemáticas y de otras que no se habían visto en Nueva York desde que se crearon, esta exposición, comisariada por Gary Carrion-Murayari, Massimiliano Gioni y Helga Christoffersen, subrayará la influencia de Ward en generaciones más jóvenes de escultores estadounidenses y su defensa exacerbada del arte como herramienta y escenario apto para abordar cuestiones sociales candentes.