El Ministerio de Cultura ha anunciado esta mañana la adquisición, por 1,5 millones de euros, de La Piedad, una obra fechada en una época temprana de la trayectoria de Francisco de Goya, al datarse en 1772-1774 (el pintor había nacido en 1746; no había alcanzado, por tanto, la treintena cuando realizó esta pieza). Se destinará la tela a la colección permanente del Museo Nacional del Romanticismo, de titularidad estatal y gestión ministerial, siendo su segundo Goya tras San Gregorio Magno, Papa, que se exhibe allí desde su fundación.

Inédita hasta fechas recientes, esta pintura podría abrir nuevas investigaciones en torno a la escasa producción religiosa de Goya, mide 83,5 x 58 centímetros y conserva lienzo, bastidor y marcos originales. Por su datación, aporta asimismo información sobre las fuentes de inspiración que el de Fuendetodos recogió en su viaje a Italia, donde, además de La Piedad de Miguel Ángel, pudo conocer otros modelos con este motivo de Carracci, Maratti y Giaquinto. A su regreso a Zaragoza en 1771, Goya manifestaría su evolución en los trabajos que desarrolló para la Basílica del Pilar y la Cartuja Aula Dei, en un estilo que puede compararse al de La Piedad ahora adquirida por el Ministerio.

Según ha informado Cultura, en la última década han sido varias las ocasiones en que se ha propuesto la exportación de esta obra, siendo denegadas las solicitudes por su rareza e importancia.

Goya no es estrictamente un artista romántico, aunque parte de su producción más tardía sí se considera precursora del movimiento y el historiador Manuel Bartolomé Cossío se refirió a él como el romántico quizá más glorioso y original. Su otra obra en el Museo del Romanticismo, la mencionada San Gregorio Magno, Papa, preside el Oratorio del centro, un espacio propio de las viviendas acomodadas que se empleaba para la devoción privada y donde tenían lugar actos religiosos íntimos, como bodas, bautizos o velatorios. La temática y el tamaño de La Piedad apuntarían quizá a que la pintura fue un encargo de algún eclesiástico o comitente de la burguesía zaragozana para cumplir esa función devocional privada o doméstica.

El Museu Nacional d´ Art de Catalunya ha anunciado hoy el nombramiento de Eduard Vallès como su nuevo Jefe de Colecciones, subrayando que su incorporación como tal llega cuando este centro se encuentra inmerso en el proceso de trabajo del proyecto del Nuevo Museo, que abordará el relato completo de sus colecciones. Historiador del arte y Académico, es experto en arte catalán de finales del siglo XIX y de la primera mitad del siglo XX y cuenta con una amplia experiencia en instituciones museísticas como el Museu Picasso, la Fundació Palau de Caldes d’Estrac y el propio MNAC.

Nacido en 1971 en Tortosa, Vallès es conservador de Arte Moderno y Contemporáneo del Museu Nacional desde el año 2016 y, en 2021, fue el comisario de las nuevas salas de la colección permanente dedicadas a la Guerra Civil. Desde 2019 es, asimismo, miembro de la Sección Histórico-Arqueológica del Institut d’Estudis Catalans y antes fue director-conservador de la Fundació Palau de Caldes d’Estrac y conservador del Museu Picasso.

Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona, cuenta con un Máster en estudios avanzados en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona y un posgrado en dirección de instituciones, plataformas y equipamientos culturales por la Pompeu Fabra. Ha alternado en los últimos años sus labores de investigación científica con el comisariado de exposiciones y la gestión de equipamientos museísticos y entre sus publicaciones se encuentran Picasso i Rusiñol. La cruïlla de la modernitat; Picasso. Obra catalana; Picasso i el món literari català y Nonell. Visiones desde los márgenes. Además, ha dirigido y coordinado la guía del Museo Picasso de Barcelona y la del Museu Nacional d’Art de Catalunya, y el libro Museu Nacional d’Art de Catalunya. De Tàpies a Taüll.

En el MNAC ha comisariado las muestras “Carles Casagemas. El artista bajo el mito” y “Pere Torné Esquius. Poética cotidiana” y ha cocomisariado “Anglada Camarasa. El Archivo premeditado”. También fue curador de muestras picassianas como “Picasso. Amics catalans de joventut”, “Picasso versus Rusiñol”, “Yo Picasso. Autoretrats”, “Picasso i Perpinyà. El cercle íntim”, “Picasso. The Blue Period and Beyond” o “Picasso a la retina. Retrats d’artistes catalans”.

La Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera ha dado a conocer al ganador del XXVI Certamen Nacional de Pintura de esa localidad malagueña, que esta institución convocó con el patrocinio de la Fundación Unicaja y el Ayuntamiento de Antequera. Se trata de Antonio Alejandro Mateos Pastor, por la obra Todos llevamos algún cadáver en el maletero; el segundo galardón ha sido para Juan Manuel Rodríguez González, por La Carga, y Pepa Cano García ha obtenido el premio especial Temática Antequera por Homenaje a Josefa Moreno (La Antequerana).

Esta convocatoria, que ha repartido 7.500 euros entre los premiados, ha cumplido ya ventiseis ediciones, convirtiéndose en una referencia entre los certámenes de pintura en nuestro país. Sus obras preseleccionadas en esta ocasión podrán verse en una muestra colectiva, abierta hasta el próximo 7 de enero de 2024, en la sala de la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera; además, serán incluidas en un catálogo digital que se publicará en la web del certamen: http://www.pintca.com/.

Por otro lado, se ha efectuado asimismo la entrega de premios del III Certamen Escolar de Pintura Ciudad de Antequera, en el que han participado 910 alumnos de casi una veintena de centros educativos de esta ciudad, en cuatro categorías: de 9 a 10 años, de 11 a 12 años, de 13 a 14 años y de 15 a 17 años, con dos premios en cada modalidad. Sus trabajos se mostrarán en el patio de columnas del Edificio San Juan de Dios y en el de la Biblioteca San Zoilo, sede de la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, entre los días 2 de diciembre y 7 de enero.

Con el objetivo de impulsar la accesibilidad en el acceso a sus instalaciones y también a sus actividades, y de la mano del proyecto ACAI (Arte Contemporáneo como Metodología para la Accesibilidad Integral), puesto en marcha junto a la Fundación ONCE, el Museo Reina Sofía ha anunciado hoy que trabajará en la creación, dentro de su Área de Educación, de una Sección de Accesibilidad destinada a “reflexionar críticamente sobre las relaciones de las artes visuales y la accesibilidad en los museos de arte contemporáneo”.

Para desarrollar de forma coherente el convenio suscrito con dicha Fundación ONCE, está previsto que el MNCARS incorpore profesionales con discapacidad que participen activamente de su programación y su diseño arquitectónico; en el primer caso, su presencia aparejará la renovación completa de los itinerarios ya existentes para personas con discapacidad y la creación de actividades nuevas, dedicadas a dos tipologías de públicos concretos: personas sordas y con resto auditivo, y personas con diversidad conductual, cognitiva y psicológica. En cuanto a la arquitectura, los dos edificios que albergan el Museo Reina Sofía se encuentran en proceso de valoración para su calificación con el Distintivo Internacional Indicador del Grado de Accesibilidad (DIGA).

Costa Badía, artista y activista, y Fabio Colombo, experto en accesibilidad arquitectónica (ambos profesionales con discapacidad) se sumarán al equipo del Museo coincidiendo con la celebración de la quinta edición de sus jornadas en torno a la diversidad funcional, del 1 al 3 de diciembre, fecha en la que se celebra el Día Internacional de las Personas con Discapacidad a iniciativa de la ONU. Se han organizado en colaboración con los comisarios Carlos Almela (hablarenarte) y Carlota Mir.

Feriarte 2023, la mayor feria dedicada a las antigüedades en España, cerró las puertas de su 46ª edición el pasado 19 de noviembre tras ser visitada por cerca de 16.000 personas. Según ha comunicado la organización de esta cita, se registraron destacadas adquisiciones, sobre todo en el ámbito de la pintura antigua y contemporánea, así como en arqueología y artes decorativas. Esta convocatoria, protagonizada por la creación en el siglo XIX, contó esta vez con la participación de 64 anticuarios y galerías seleccionados por un comité de expertos compuesto por 40 especialistas.

Hasta el próximo mayo de 2024, el Norman Rockwell Museum de Stockbridge acoge “Between Worlds: The Art and Design of Leo Lionni”, la primera gran retrospectiva dedicada en Estados Unidos a la producción de este diseñador e ilustrador de libros infantiles, fallecido en 1999.

Cuando la antigua distinción entre Bellas Artes y artes aplicadas fue objeto de debate tras la II Guerra Mundial, concibió diseños gráficos concisos y solo aparentemente simples con los que deseaba respaldar los valores democráticos y establecer una lengua franca visual que pudiera unir a las personas a través de generaciones y fronteras culturales. Considerado una suerte de Leonardo del siglo XX, abordó además el lenguaje publicitario, fue director de arte en las revistas Fortune y Print y creó cuarenta libros ilustrados para niños, además de trabajos personales que incluían grabados, fotografías, dibujos, pinturas y esculturas.

La junta directiva de Kunsthalle Bern ha anunciado esta semana el nombramiento de iLiana Fokianaki como nueva directora de este centro suizo. Cuenta con una amplia experiencia como comisaria, escritora, teórica y también como directora fundadora de State of Concept, una institución de arte independiente con sede en Atenas.

Fokianaki comenzará su mandato en abril de 2024 y sucederá a Kabelo Malatsie, que ostentaba este cargo desde abril de 2022 y concluye su misión el próximo febrero. La Junta de Kunsthalle Bern, con Lorenza Donati y Benjamin Dodell al frente, espera que su experiencia en las intersecciones de la práctica curatorial y las acciones culturales para el cambio social sea de utilidad para este centro.

Concibe Fokaniaki a las instituciones museísticas como importantes generadores de contenidos éticos, diversos y democráticos, que han de crear vínculos con diferentes disciplinas y regiones geográficas, además de ser sostenibles y liderar una práctica ecológicamente consciente, favorecer la justicia social y la pluralidad de la sociedad contemporánea a través de sus programas.

State of Concept, el centro griego que dirige, ha coproducido exposiciones y eventos con e-flux New York, Kunsthall Trondheim, Kunstinstituut Melly Rotterdam, Moderna galerija Ljubljana, KADIST Paris o BAK Utrecht.

Tras un tiempo buscando sumar a sus fondos una obra de Jean-François Millet, pintor francés procedente de la Normandía rural que ejercería una influencia importante en Van Gogh por su tratamiento de la vida y las labores de los campesinos, y por la dignidad con que supo representar sus tareas aunando enfoques realistas y románticos, el museo del holandés en Ámsterdam ha podido hacerse con una de sus piezas: se trata de Campesino esparciendo estiércol, y puede contemplarse ya en las salas del Van Gogh Museum junto a telas y dibujos del autor de Los girasoles con las que podemos relacionarla temáticamente.

Datada en 1851, corresponde a la representación de un campesino en la tarea sufrida de esparcir ese estiércol en la tierra; su chaqueta y su sombrero aparecen colgados en una horca que vemos detrás de su figura. Los colores terrosos del primer plano contrastan con los más suaves y vistosos del crepúsculo, al fondo: adivinamos que se encuentra en el momento último del día, que apunta al fin de la jornada de trabajo y al inicio del descanso.

En esta composición, como en la mayor parte de su producción, enfatizó Millet la dureza de la vida de los labradores en la Francia del siglo XIX, una etapa en la que la población campesina era aún mayoritaria en este país, y en Europa, pero comenzaba a desarrollarse una inmigración sostenida a las ciudades, con un paisaje y forma de vida del todo distintos especialmente entonces. No era usual que quienes habitaban en los pueblos se alejaran de las tierras que trabajaban, entre otras razones por los delincuentes o soldados que deambulaban por los caminos, y sus costumbres no eran aún demasiado distintas a las de sus antecesores, sometidas a los cambios climatológicos.

Millet fue una de las figuras de referencia para Van Gogh, que hablaba de él como Père Millet (Padre Millet) y lo consideraba consejero y guía en todo para los pintores más jóvenes. Sabemos que, en su juventud, coleccionó reproducciones baratas de sus pinturas y que, al decidir dedicarse al oficio artístico cuando tenía 27 años, quiso seguir sus pasos como pintor de la vida campesina e hizo copias precisas de sus reproducciones, además de interpretaciones libres en las que utilizó sus propias combinaciones cromáticas.

Un crítico dijo de Millet que sus campesinos parecían haber sido pintados con la tierra que siembran; Van Gogh trató de que con los suyos ocurriera algo semejante y lo puso en práctica en piezas como Los comedores de patatas (1885).

Mariët Westermann ha sido nombrada directora y CEO del Museo Guggenheim de Nueva York y de la Fundación Solomon R. Guggenheim, que dirige también la Peggy Guggenheim Collection de Venecia y trabaja en colaboración con los centros de Bilbao y Abu Dhabi, este último de próxima apertura.

Actualmente vice chancellor de NYU Abu Dhabi, Westermann ha trabajado anteriormente en organizaciones internacionales vinculadas a la educación superior, la filantropía, las artes y las humanidades. Sus áreas de conocimiento son la Historia del Arte, los museos y la investigación, la gestión institucional, la filantropía y las relaciones internacionales.

Ha dirigido el citado NYU Abu Dhabi, un campus de artes liberales e investigación de la Universidad de Nueva York (NYU), como vice chancellor, Directora Ejecutiva y profesora de Artes y Humanidades desde 2019, habiendo sido fundadora de la institución como Provost entre 2007 y 2010. Allí ha estado a cargo de todos los asuntos académicos, administrativos, financieros y operativos y, como historiadora del arte de formación, está considerada como una líder innovadora que inspira excelencia, gestiona la complejidad y aporta conocimiento de cómo el arte, la cultura y las humanidades desempeñan un rol fundamental en un mundo interconectado, pero a menudo polarizado.

Bajo el liderazgo de Westermann, la NYU Abu Dhabi ha completado su escala de grado, ha desarrollado un Máster en artes visuales y nuevos medios y otro en dirección de empresas que se ofrecerá en la Stern School of Business de NYU; asimismo, ha trabajado en el desarrollo de su primer Plan de Acción Climática, una hoja de ruta para lograr la neutralidad en carbono en 2050.

Westermann se encargará de establecer la dirección estratégica de la Fundación Guggenheim y estará a cargo de sus principales colecciones y de la llamada constelación de museos de la firma en Europa y Abu Dhabi. Se incorporará oficialmente el 1 de junio de 2024, sustituyendo a Richard Armstrong.

ESTAMPA cerró las puertas de su 31ª edición el pasado 22 de octubre con la asistencia de 16.000 visitantes, que se acercaron a conocer las propuestas de las 107 galerías y los cinco editores de arte contemporáneo participantes; también los trabajos de Secundino Hernández, artista invitado en esta ocasión.

Se registraron ventas de trabajos de 277 autores, cinco más que en 2022; las cifras superan ampliamente las alcanzadas antes de la pandemia: 219 en la edición de octubre de 2021, 193 en la de abril del mismo año; 173 en 2019; 164 en 2018; y 120 en 2017, el año en el que se inició este estudio. Un 75% de los artistas que vendieron obra fueron españoles, manteniéndose ese porcentaje estable respecto a años anteriores, y la mitad de ellos se encuentra en su etapa de media carrera, aunque han crecido notablemente las operaciones con artistas emergentes, hasta un 34% de las mismas, y disminuido las relativas a creadores establecidos, que se quedaron en un 16%. En cuanto a las ventas en el segundo mercado, caen hasta el 4% frente al 96% del primer mercado.

Un 32% de las obras adquiridas por los coleccionistas en ESTAMPA correspondieron a mujeres artistas y un 68% a hombres; se trata del segundo registro más equilibrado entre sexos desde que se efectúan estos análisis.

La Casa Encendida de Fundación Montemadrid ha anunciado hoy que el gestor cultural Pablo Berástegui tomará el relevo a Lucía Casani como su nuevo director. En los últimos veinticinco años ha trabajado en instituciones públicas y privadas, sobre todo en iniciativas a gran escala: fue Director General de la Fundación San Sebastián 2016. Capital Europea de la Cultura, ha sido responsable de Matadero Madrid (2008-2012) y Conde Duque Madrid (2013), y director de cuatro ediciones de La Noche en Blanco (2007-2010). Asimismo, ha trabajado como Director de Proyectos para La Fábrica (1999-2006) y en Elsinor Madrid, desde su creación en 2006 hasta octubre de 2008.

En los últimos años, ha llevado a cabo iniciativas artísticas propias en España y Portugal, labor que ha conjugado con el comisariado de exposiciones y con diversas colaboraciones como consultor estratégico de proyectos o docente. En el ámbito de las artes visuales y la fotografía, ha sido director de PHotoEspaña en cuatro ediciones (de 2003 a 2006) y director del espacio artístico <Salut au monde!> de Oporto, para el que ha comisariado una veintena de exhibiciones de fotografía.

Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad de Navarra, Berástegui se especializó en Producción Audiovisual en la Universidad Michel de Montaigne – Bordeaux III y ha señalado su satisfacción por este nombramiento: (Estoy) muy ilusionado por incorporarme a este equipo, a un proyecto que conozco bien porque participé de alguna manera en su génesis y al que he ido acompañando en diferentes etapas de mis trabajos profesionales en Madrid. Me parece un gran proyecto y se tiene que trabajar para proyectarlo en el futuro para hacerlo, si es posible, todavía más grande. Amaya de Miguel, directora general de Fundación Montemadrid, ha señalado que esperan que les ayude a continuar con sus líneas maestras y a articular otras nuevas.

La Cátedra del Prado correspondiente a este año, que cuenta con el patrocinio de la Fundación Notariado, se centrará en el estudio de los cambios de paradigma en las relaciones de escala en la pintura europea en el contexto temporal de la Edad Moderna: ese será el tema fundamental de las conferencias y seminarios de este programa, que se inició ayer, 2 de noviembre.

La escala –no entendida como el tamaño de las cosas, sino como la sensación del espectador al percibir dicho tamaño– es un aspecto relevante en la relación entre el público y la obra de arte. En el caso concreto de la pintura, se trata del medio principal por el que lo representado concurre con la vivencia de quien contempla, sugiriendo las posibles nuevas configuraciones que se podrían dar entre las relaciones sociales, políticas y medioambientales de cada momento. En los tres siglos transcurridos de 1300 a 1600, la pintura europea se transfiguró: surgieron nuevas categorías pictóricas y funciones para el dibujo, otras formas de reproducir imágenes a distintos tamaños, diferentes técnicas y soportes pictóricos, y distintos sistemas para idear y plasmar el espacio virtual. Todos estos cambios implicaron una experimentación continua con la escala, en la que de algún modo seguimos inmersos, dado nuestro uso de diversos dispositivos de imágenes pequeñas –móviles, tablets, ordenadores–.

Las conferencias que formarán parte de este ciclo subrayarán, justamente, que estos problemas, los de la interferencia de la escala –lo que puede significar vivir a escala y a la vez fuera de escala de nuestras imágenes– no son nuevos: parten de Giotto y, durante el siglo XVI, se acentuó el empeño de presentar las figuras a “escala natural”, lo que tendría hondas consecuencias en la pintura europea.

Este año, el responsable de la Cátedra es Alexander Nagel, catedrático en el Institute of Fine Arts de la Universidad de Nueva York y experto en arte europeo tardomedieval y moderno temprano. Ha investigado cómo el arte visual permite a las personas ver a través del tiempo y orientarse en el mundo, y también lo que ocurre cuando los modelos y artefactos creativos trascienden fronteras temporales y geográficas. Es autor de Michelangelo and the Reform of Art (2000), que obtuvo el premio Gordan de la Renaissance Society of America, y de The Controversy of Renaissance Art (2011), premio Morey de la College Art Association.

Por su parte, su texto Anachronic Renaissance, en coautoría con Christopher Wood, se publicó en 2010 y fue traducido al español bajo el título de Renacimiento anacronista, en 2017 por la editorial Akal, mientras Amerasia, un estudio sobre las visiones europeas del mundo en los siglos XVI y XVII, en coautoría con Elizabeth Horodowich, se publicó el pasado verano en Zone Books.

Desde 2022, Nagel es editor jefe de la revista I Tatti Studies, publicada por el Centro de Estudios del Renacimiento Italiano de la Universidad de Harvard en Villa I Tatti.

La Cátedra se estructura en cuatro conferencias gratuitas para los asistentes inscritos, se completa con un seminario de participación exclusiva para los veinte alumnos seleccionados entre los solicitantes, becados por la Fundación Notariado, e incluye la celebración de un coloquio el 20 de noviembre, en el que Nagel debatirá con José Riello, Gabriel Cabello y Daniel Lesmes, a partir de ponencias de todos ellos, sobre cuestiones relativas a procedimientos, criterios interpretativos y formas de pensar el tiempo cultural.

Aunque lo conocemos, sobre todo, por sus proyectos escultóricos comisionados y por su uso del sonido como material, justamente, escultórico, el artista y diseñador estadounidense, de origen italiano, Harry Bertoia (1915-1978) dedicó la mayor parte de su producción a los espacios domésticos, confiando en que fuera apreciada desde la cercanía, vivida y no observada pasivamente. Desde el inicio de su trayectoria, llevó a cabo propuestas destinadas a sus familiares y amigos, y su ya emblemática colección de asientos ideada para Knoll contribuyó a definir los interiores y espacios al aire libre a mediados del siglo pasado.

Esa firma también vendió muchas de las esculturas de Bertoia en sus salas de exposición y presentó su trabajo en sus proyectos de diseño de interiores durante el período de posguerra; y este autor colaboró, asimismo, con posibles coleccionistas y clientes privados, creando o modificando esculturas para adaptarlas a las especificidades de sus hogares y oficinas. Bajo el comisariado de Marin R. Sullivan, el Bruce Museum de Greenwich presenta, hasta el próximo 7 de abril de 2024, “Sculpture for Living”, una selección de quince de sus esculturas y piezas mobiliarias, algunas nunca mostradas al público.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado hoy la adquisición para sus fondos de una pintura de Paolo de San Leocadio (1447-1519), artista de origen italiano que desarrolló buena parte de su trayectoria en Valencia, seguramente enviado por el cardenal Rodrigo de Borja (después Papa Alejandro VI), y que favoreció la introducción del Renacimiento en la ciudad, bajo la influencia de Cosme Tura, Ercole Roberti y Francesco Cossa.

Se trata de Oración en el huerto, un óleo sobre tabla de 161 x 121,5 centímetros que ha sido comprado, por 600.000 euros, a la Galería Bernat de Madrid. La asociación American Friends of the Prado Museum ha facilitado esta adquisición aportando 300.000 euros, la mitad de ese importe.

Hasta ahora, el museo madrileño poseía tres piezas de San Leocadio: La Virgen del caballero de Montesa, adquirida en 1919 por suscripción popular, y las tablas de La Dolorosa y El Salvador, que se sumaron a sus colecciones como parte del legado Bosch.

El colombiano Felipe Romero Beltrán ha resultado ganador en la segunda edición del KBr Photo Award, convocado por la Fundación MAPFRE, con su proyecto Bravo, dedicado a la vida cotidiana en la frontera mexicana con Estados Unidos. El jurado ha valorado su aproximación poética a la fotografía documental y sus reflexiones visuales sobre espacios o situaciones de tensión y conflicto.

Su propuesta reconocida, aún en curso, se centra en el área del río Bravo y en la importancia de este por su doble naturaleza como río y frontera. Ha trabajado Romero Beltrán en el territorio inmediatamente anterior a ese limen, desde Monterrey hasta dicho caudal, atendiendo al conflicto migratorio en la zona, que no es solo local, sino que extiende sus implicaciones a todo el centro y sur del continente americano (muchos emigrantes proceden de Colombia, Venezuela, Guatemala, El Salvador u Honduras).

Las imágenes de su serie, además, hacen hincapié no únicamente en el territorio sino también en sus habitantes, que constituyen a su modo también una frontera, y en las personas que esperan a cruzarla, a veces durante meses o algunos años.

Este autor, nacido en 1992 en Bogotá, sitúa sus composiciones en los límites de la lógica fotográfica documental y aborda casos de estudio que indagan en las posibles relaciones entre el documento y la sociedad. Investiga los territorios que, como aquel, atraviesan o atravesaron procesos de conflicto desde una perspectiva social o política y, en la actualidad, cursa un programa de doctorado en la Universidad Complutense de Madrid mientras realiza proyectos fotográficos en Colombia, España y México.

Además de su dotación económica, este galardón incluye la producción y la organización de una exposición en el centro KBr Fundación MAPFRE (Barcelona) y en la sede de la Fundación en Madrid. De carácter bienal, tiene como fin contribuir al reconocimiento y la proyección de autores con una trayectoria profesional en curso y cuya obra despliegue valores artísticos de interés en el campo de la tradición de la fotografía documental.

Han resultado finalistas Laia Abril, por Unbroken Spirit. Active resistance. Political Prisoners. Alternative Narratives; Coco Capitán, por Ookini Seishun; y Juan del Junco, por No hay fronteras para un ave que vuela (o simplemente camina) por el campo.

El jurado del premio lo han formado, en esta ocasión, Michael Mack, editor; Alona Pardo, comisaria de la Barbican Art Gallery de Londres; Valentín Roma, director de La Virreina Centre de la Imatge (Barcelona); y Elisabeth Sherman, comisaria jefa y directora de exposiciones y colecciones del Centro Internacional de Fotografía -ICP- (Nueva York); junto a Carlos Gollonet, conservador jefe de fotografía de Fundación MAPFRE.

El Museo Reina Sofía recibirá cinco arpilleras chilenas procedentes del colectivo Conflict Textiles; simbolizan la reflexión y la denuncia de varios grupos de mujeres que en el periodo de la dictadura en ese país contribuyeron con su trabajo a la memoria colectiva.

Las piezas, que se depositarán de forma indefinida en los fondos del MNCARS, han sido adquiridas por la Fundación Museo Reina Sofía, y el pasado sábado fueron presentadas durante la jornada Coser para curar. La arpillera como lenguaje y resistencia, por Carolina González Castro, directora de la Fundación; la fundadora de la colección Arpilleras Conflict Textiles, Roberta Bacic; y el profesor Brandon Hamber.

La primera de las cinco piezas es No al plebiscito, No podemos ni opinar (1980), que fue adquirida por la comisaria de Conflict Textiles, Roberta Bacic, en Alemania en 2009, y que hace referencia al Plebiscito Nacional realizado en 1980. La segunda es Caín, ¿dónde está tu hermano? (1983), que posibilita que nos aproximemos al modo en que los grupos de la iglesia en Chile trabajaron en torno a las violaciones de derechos humanos.

Por su parte, No tenemos acceso a los servicios públicos (1984) fue realizada en un taller comunitario en Santiago, y Carabineros reprimiendo pobladores con carro lanza agua la elaboró en 1987 el Taller Vicaría de la Solidaridad. Por último, Roberta Bacic ha ofrecido en donación al Museo una quinta arpillera más reciente, Mapa de Chile (2009), un regalo personal de la artista Aurora Ortiz.

La bilbaína Marisa González es una de las artistas pioneras en nuestro país en el ámbito de la investigación de las relaciones entre arte y nuevas tecnologías desde que en 1971 cursara en Chicago un Máster en el Departamento de Sistemas Generativos dirigido por Sonia Sheridan. Cuatro años más tarde, presentó en el Washington Projects for the Arts su primera videocreación y, desde entonces, ha mostrado en múltiples exposiciones individuales y colectivas proyectos a medio camino entre el low tech y el high tech, transitando entre los sistemas de reproducción mecánica y el vídeo.

La serialización de sus trabajos deriva de su empleo de programas informáticos para investigar sobre asuntos como la clonación, la fragmentación o la multiplicación de lo real; en algunos de ellos, atrapa azarosamente imágenes o las captura con un rigor casi científico pretendiendo invitar con ellas al espectador a contemplar la belleza de la simplicidad.

Aproximadamente desde hace dos décadas viene gestándose un cambio notable en su producción: ha adoptado un tono más comprometido socialmente y ha apostado por el reflejo de las transformaciones sociales, urbanas y económicas propias de la actual sociedad global en documentos que tienen carácter testimonial. También son características de su obra reciente las referencias recurrentes al drama de la violencia sobre las mujeres, al posible valor combativo del lenguaje, la recuperación de la memoria histórica, los transgénicos o los usos posibles de edificios abandonados. Y es igualmente común en sus proyectos últimos la búsqueda de soluciones para responder tanto a problemas actuales como a las eternas preguntas sobre qué es el arte y qué rol puede desempeñar en el mundo de hoy.

La autora ha sido hoy galardonada con el Premio Velázquez de Artes Plásticas de este año, dotado con 100.000 euros, en palabras del jurado por “su amplia trayectoria como artista multimedia, pionera en la utilización de nuevas tecnologías desde los años 70 hasta la actualidad”, y por su labor como “espigadora incansable de archivos, documentos y arqueologías industriales, siempre comprometida frente a las desigualdades sociales y las amenazas ecológicas en nuestro mundo globalizado”.

Comenzó trabajando con fotocopiadoras a principios de los setenta, y más tarde con faxes, ordenadores y vídeo. En esa simbiosis entre el arte y la tecnología, y teniendo como método el ensamblaje de diferentes técnicas, ha generado un nuevo lenguaje codificado por ella misma, atendiendo a la reproducción de las imágenes, el empleo del fragmento y su repetición, que entiende como valores clave de lo contemporáneo.

El jurado que la ha premiado, presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, ha estado compuesto por Gloria Reguero Mélida, presidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España y artista; Luis Fernández-Galiano Ruiz, doctor arquitecto y catedrático de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid; Álvaro Rodríguez Fominaya, director del MUSAC; Claude Bussac, directora de Estudios Artísticos de la Casa de Velázquez; Rocío de la Villa, profesora titular y catedrática de Estética de la Universidad Autónoma de Madrid; Cristiana Collu, directora de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporánea de Roma; y Emiliano Valdés Melendreras, comisario jefe del Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM).

ESTAMPA 2023, que tiene lugar hasta el 22 de octubre en el cuarto pabellón de IFEMA, se acompaña una vez más de la entrega de premios de adquisición por parte de diferentes instituciones y empresas.

Como avanzamos, el concedido por la Comunidad de Madrid ha recaído en Mercedes Pimiento e Irene Infantes, mientras que el Premio Colección Studiolo ha sido para Rafael Trapiello, de la Galería Arniches 26, y Christian Fuchs, de Espacio Valverde. DiGoodCollection ha reconocido de nuevo a Trapiello, además de a la creadora María José Gallardo, de La Gran, y Lluís Hortalà, en el stand de RocioSantaCruz, ha recibido el Premio FPAC.

La Colección Navacerrada, por su parte, ha reconocido a Teresa Moro, de la Galería Siboney, mientras que la Colección Keels ha otorgado su galardón a Ubay Murilla García, de Artizar, y LUCE, de 1miramadrid. Gema Quiles, de Herrero de Tejada, ha obtenido el Premio Colección Aldebaran.

Además, la Colección Casa de Indias ha distinguido a Javier Ruiz Pérez, de la Galería Víctor Lope, y la Colección Julián Castilla ha premiado a Pierre Gonnord, en Juana de Aizpuru.

Dedé Lins, de Zielinsky, y Robert Ferrer i Martorell, de Pep Llabres, han sido los seleccionados por el Premio Colección La Escalera, al igual que Javier Ruiz Pérez, de Victor Lope, por la Colección Manuel Expósito. Por su lado, la Galería Artnueve ha recibido el Premio Cervezas Alhambra.

Por último, la adquisición del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid será de obra de Elvira Amor, en la Galería Moisés Pérez Albéniz, y 1miramadrid ha sido reconocida con el Premio al Mejor Stand ESTAMPA 2023.