Si el Museo del Prado anunció la semana pasada que en 2023 batió el récord de visitas que estableció en 2019, el Museo Reina Sofía ha hecho público hoy que las suyas (en su sede principal de Santa Isabel) superaron el año pasado, en un 20%, las de 2022: 1.409.113 respecto a un total de 2.530.560 espectadores. Las del Palacio de Cristal necesariamente han decaído, dado su cierre por obras de mejora, situándose en 479.281 frente a 1.318.823 en 2022, mientras que las del Palacio de Velázquez ascendieron de 491.086 a 536.425.

Además, 65.022 personas participaron en las actividades que organizó el Reina Sofía y 40.719 acudieron a su Biblioteca, un aumento muy notable respecto a 2022 (27.309). La recaudación por entradas ascendió un 29%, pese a que el 64,2% de los visitantes de la sede principal accedió al MNCARS en horario de entrada gratuita. El día del año con mayor afluencia de visitantes en esa sede principal fue el 12 de octubre, festivo; el 73% del público fue internacional y, entre este, los más numerosos fueron, por este orden, italianos, franceses y estadounidenses.

En cuanto al Museo Guggenheim Bilbao, 1.324.211 personas lo visitaron en el año terminado, siendo este, en esos términos, el mejor año de su historia. La cifra supera en 35.074 la de 2022 y la mayor parte de ellas procedían de fuera del País Vasco (1.152.072). Este centro ha recuperado así los niveles previos a la pandemia. El mismo récord lo ha logrado el Museo Picasso de Málaga: recibió los pasados doce meses, en el quincuagésimo aniversario del fallecimiento de Pablo Picasso, a 779.279 personas, casi 60.000 más que en 2019 y un 21% más que en 2022. Y logra, igualmente, el mejor resultado en este sentido desde su apertura en 2011 el Museo Carmen Thyssen, con 185.000 entradas, frente a las 170.000 de 2019.

La Fundación “la Caixa” también ha hecho balance de visitantes de todos sus centros de divulgación cultural y científica: más de 8,1 millones de personas se acercaron en 2023 a los CaixaForum y al Museo de la Ciencia CosmoCaixa, así como a las exposiciones itinerantes impulsadas por la Fundación “la Caixa”, lo que representa un aumento global del 13,19% respecto a 2022.

El Museo de la Ciencia CosmoCaixa ha batido el récord histórico de público de la red de centros de la Fundación, con 1.266.989 visitantes; le siguen CaixaForum Valencia, con 899.339, y CaixaForum Madrid, con 655.422.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, por su parte, volvió a superar el millón de visitantes en 2023: recibió 1.012.660 espectadores, cifra ligeramente inferior a la de 2022 (1.073.183). Es el séptimo año que este centro supera ese millón, siendo el 60,9% de su público de procedencia nacional y el 39,1%, internacional.

El Museo del Prado ha anunciado hoy que este año 2023 ha superado, a unos días de que diciembre termine, el récord de visitantes que logró en 2019, año de la celebración de su Bicentenario. Hasta ahora se han acercado a sus salas 3.209.285 personas, unas 6.000 más que las de aquel año, y un 48% de ellas (1.5547.213 visitas) accedieron a la pinacoteca de forma gratuita, en las horas en que el Museo permite el acceso sin tarifa.

Para Miguel Falomir, su director, un museo no se puede medir solamente por el número de visitantes, pero sin duda el tener un público amplio es algo que siempre te produce una enorme satisfacción.

Los meses de 2023 que han registrado un mayor número de visitas han sido abril, mayo y junio, pero el miércoles 27 de diciembre fue el día de mayor afluencia de público, con 14.345 visitantes.

El Consejo Ejecutivo de la Fundación Museo Picasso ha anunciado hoy la resolución del concurso internacional que convocó el pasado marzo para la selección del director artístico del centro malagueño entre 2024 y 2029. El candidato escogido, que asumirá el cargo el próximo enero, es Miguel López-Remiro Forcada, licenciado en Economía y Doctor en Filosofía y Letras, Estética y Teoría del Arte por la Universidad de Navarra, Executive MBA por el IESE y graduado por el Getty Leadership Institute de la Universidad de Claremont en Los Angeles.

López-Remiro ha sido también Visiting Scholar en la Universidad de California, en San Diego, y es editor de la primera antología de textos de Mark Rothko con Yale University Press y Flammarion. Recientemente ha ocupado el puesto de Profesor Doctor en la Universidad Europea de Madrid: en la Escuela de Arquitectura, Ingeniería y Diseño y su nuevo Campus Creativo, e igualmente ha desempeñado los cargos de subdirector curatorial del Museo Guggenheim Bilbao, director fundador del Museo Universidad de Navarra y comisario en instituciones como la Fundación Sorigué o la Fundación Otazu.

En su octava edición, UVNT Art Fair estrenará sede: Matadero Madrid. Esta vez se celebrará del 7 al 10 de marzo de 2024 y reunirá las propuestas de 38 galerías, nacionales e internacionales, en una carpa de 3.000 metros cuadrados. La pintura y la figuración reciente serán sus protagonistas.

Según ha explicado el director de esta cita, Sergio Sancho, el cambio de ubicación se debe a la búsqueda de stands más amplios y a la posibilidad de generar un espacio con condiciones propias en dicha carpa, que permitirá la instalación de muros altos. El año que viene, el estudio arquitectónico que diseñará UVNT Mahou Talks será Studio Animal.

Junto al Programa General de la feria, podremos recorrer de nuevo la sección Young Galleries, que promocionará proyectos más jóvenes, y también se pondrá en marcha un Programa de Arte Público.

Las salas participantes serán Gallery Afternoon (Seúl), Alzueta Gallery (Barcelona/Girona/Madrid), Antonio Colombo Arte Contemporánea (Milán), A Pick Gallery (Turín), Arma Gallery (Madrid), Arniches 26 (Madrid), Berlín Galería (Sevilla), La Bibi Gallery (Palma de Mallorca), La Causa Galería (Madrid), El Castillete (Madrid), Cerquone Gallery (Caracas, Venezuela / Madrid), Delimbo Gallery (Sevilla), DiGallery (Sevilla), Espacio Líquido + La Gran (Gijón / Madrid), Gärna Art Gallery (Madrid), HAGD Contemporary (Aalborg, Dinamarca), Galería Herrero de Tejada (Madrid), Isabel Croxatto Galería (Santiago de Chile), JPS Gallery (Hong Kong), Lariot Collective (Londres), Galería Llamazares (Gijón), Mobius Gallery (Bucarest), My Name’s Lolita (Madrid), NBB Gallery (Berlín), Gallery RED (Palma de Mallorca), Renace Contemporary Art (Baeza), S Gallery (Madrid), Swinton Gallery (Madrid), Galería Trinta (Santiago de Compostela), VETA Galería (Madrid), Victor Lope Arte Contemporáneo (Barcelona). Voskhod Gallery (Basilea, Suiza), Wadström Tönnheim (Marbella), Whitestone Gallery (Hong Kong/ Taipei/ Seúl/ Pekín/ Ginza/ Singapur), Wizard Gallery (Milán), Yiri Arts (Taipei) y Galería Yusto/Giner (Madrid).

La artista pakistaní Shahana Rajani se ha convertido en la primera en recibir la beca de producción de videoarte para el sur de Asia de la Fundación Han Nefkens, convocada en colaboración con la Fundación de Arte Prameya de Delhi y en asociación con Nottingham Contemporary, la Fundación de Arte Ishara de Dubai, el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes y Para Site (Hong Kong).

En su producción permanece atenta a las realidades sociales y las creencias sagradas, entrelazando todo tipo de materiales, medios, testimonios y especulaciones para ofrecer una imagen de nuestro tiempo desde una perspectiva a la vez particular y global.

El jurado ha valorado el enfoque ensayístico de Rajani sobre la imagen en movimiento, su atención a la ecología como cuestión tanto cultural como natural y los múltiples roles de sus vídeos: documentar, dar testimonio, deambular, contar historias, fantasear y esperar.

La tercera muestra individual de David Vimar en la Galería Ar+51 de Toledo puede visitarse hasta el 7 de enero de 2024: el proyecto “La Voz del Bosque” consta de un conjunto de obras, desde pinturas elaboradas con humo de vela sobre lino natural a esculturas realizadas con madera de pino, que remiten a las redes comunicativas que se establecen en los bosques bajo tierra -y que aluden a las humanas, neuronales y sociales- y a la necesidad de proteger estos ecosistemas.

Recalca Vimar que los árboles se encuentran integrados en un tejido subterráneo que permite justamente la subsistencia de este medio natural, una red que les permite compartir información y que se ha dado en llamar micorriza. Esa información compartida tiene que ver con el estado de cada individuo, su nutrición y el nivel de estrés que padece, y se transmite a través de árboles madre situados en el centro de esa trama, que implica además la transmisión en el aire de compuestos químicos que, en situación de incendios, plagas, tormentas u otros daños ambientales, perciben los estomas de las hojas.

En el caso de las esculturas de “La Voz del Bosque”, podremos percibir en ellas marcas del tallado que adquieren un rol metafórico como heridas abiertas que defienden la existencia de estos paisajes. Vimar se sumó el año pasado a nuestros Fichados; nos explicó entonces que, del mismo modo que ha estudiado la comunicación humana, ha investigado esos sistemas que permiten a los árboles funcionar cooperativamente, a veces como si formaran una unidad, tratando de establecer esas analogías entre ellos y las redes propias del ser humano, dejándose influir en ese camino por las aportaciones de Suzanne Simard y David George Haskell, entre otros. En esta propuesta ha buscado emplear materiales orgánicos, haciendo referencia a sus propiedades desde las composiciones.

La Fundación ARCO y el Museo Universidad de Navarra han anunciado hoy la firma de un convenio de colaboración, por parte de ambas instituciones, que se traducirá en que los alumnos del Máster en Estudios de Comisariado del MUN podrán investigar la colección ARCO, formada actualmente por 384 obras de arte contemporáneo. A partir de ese estudio, realizarán su Trabajo de Fin de Máster, que consistirá en la presentación de un proyecto expositivo para el propio Museo pamplonés. Han sellado hoy esta alianza José Vicente de los Mozos, presidente del patronato de la Fundación ARCO y de IFEMA MADRID, y Jaime García del Barrio, director del Museo Universidad de Navarra.

Así, los alumnos de la sexta promoción del posgrado tendrán acceso a la Colección ARCO durante el curso 2023-2024 y, en el segundo semestre, visitarán el Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, el lugar de archivo, conservación y exhibición de estos fondos. En un futuro, está prevista la realización de otras acciones para visibilizar la colección de la Fundación.

En un primer encuentro de los estudiantes con Maribel López, directora de ARCO y patrona nata de su Fundación, en el campus universitario de Pamplona, les animó a bucear en las obras y transgredir: No tengáis miedo a encontrar nuevas lecturas de la Colección ARCO, no tengáis miedo a inventaros palabras y relatos; nuestra Colección es muy libre en las formas de ser mirada y confiamos en vuestra juventud, creatividad y perspectiva. Subrayó, además, que esta experiencia será un ejercicio de profesionalización muy real para los futuros comisarios, ya que tendréis que investigar sobre las piezas, los artistas, detectar qué le llamaría la atención al público, tener en cuenta los aspectos de conservación y transporte, estructurar un proyecto expositivo y desarrollarlo con flexibilidad, evolucionándolo, porque encontraréis escollos, como en todo proyecto vivo.

El Ministerio de Cultura ha anunciado esta mañana la adquisición, por 1,5 millones de euros, de La Piedad, una obra fechada en una época temprana de la trayectoria de Francisco de Goya, al datarse en 1772-1774 (el pintor había nacido en 1746; no había alcanzado, por tanto, la treintena cuando realizó esta pieza). Se destinará la tela a la colección permanente del Museo Nacional del Romanticismo, de titularidad estatal y gestión ministerial, siendo su segundo Goya tras San Gregorio Magno, Papa, que se exhibe allí desde su fundación.

Inédita hasta fechas recientes, esta pintura podría abrir nuevas investigaciones en torno a la escasa producción religiosa de Goya, mide 83,5 x 58 centímetros y conserva lienzo, bastidor y marcos originales. Por su datación, aporta asimismo información sobre las fuentes de inspiración que el de Fuendetodos recogió en su viaje a Italia, donde, además de La Piedad de Miguel Ángel, pudo conocer otros modelos con este motivo de Carracci, Maratti y Giaquinto. A su regreso a Zaragoza en 1771, Goya manifestaría su evolución en los trabajos que desarrolló para la Basílica del Pilar y la Cartuja Aula Dei, en un estilo que puede compararse al de La Piedad ahora adquirida por el Ministerio.

Según ha informado Cultura, en la última década han sido varias las ocasiones en que se ha propuesto la exportación de esta obra, siendo denegadas las solicitudes por su rareza e importancia.

Goya no es estrictamente un artista romántico, aunque parte de su producción más tardía sí se considera precursora del movimiento y el historiador Manuel Bartolomé Cossío se refirió a él como el romántico quizá más glorioso y original. Su otra obra en el Museo del Romanticismo, la mencionada San Gregorio Magno, Papa, preside el Oratorio del centro, un espacio propio de las viviendas acomodadas que se empleaba para la devoción privada y donde tenían lugar actos religiosos íntimos, como bodas, bautizos o velatorios. La temática y el tamaño de La Piedad apuntarían quizá a que la pintura fue un encargo de algún eclesiástico o comitente de la burguesía zaragozana para cumplir esa función devocional privada o doméstica.

El Museu Nacional d´ Art de Catalunya ha anunciado hoy el nombramiento de Eduard Vallès como su nuevo Jefe de Colecciones, subrayando que su incorporación como tal llega cuando este centro se encuentra inmerso en el proceso de trabajo del proyecto del Nuevo Museo, que abordará el relato completo de sus colecciones. Historiador del arte y Académico, es experto en arte catalán de finales del siglo XIX y de la primera mitad del siglo XX y cuenta con una amplia experiencia en instituciones museísticas como el Museu Picasso, la Fundació Palau de Caldes d’Estrac y el propio MNAC.

Nacido en 1971 en Tortosa, Vallès es conservador de Arte Moderno y Contemporáneo del Museu Nacional desde el año 2016 y, en 2021, fue el comisario de las nuevas salas de la colección permanente dedicadas a la Guerra Civil. Desde 2019 es, asimismo, miembro de la Sección Histórico-Arqueológica del Institut d’Estudis Catalans y antes fue director-conservador de la Fundació Palau de Caldes d’Estrac y conservador del Museu Picasso.

Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona, cuenta con un Máster en estudios avanzados en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona y un posgrado en dirección de instituciones, plataformas y equipamientos culturales por la Pompeu Fabra. Ha alternado en los últimos años sus labores de investigación científica con el comisariado de exposiciones y la gestión de equipamientos museísticos y entre sus publicaciones se encuentran Picasso i Rusiñol. La cruïlla de la modernitat; Picasso. Obra catalana; Picasso i el món literari català y Nonell. Visiones desde los márgenes. Además, ha dirigido y coordinado la guía del Museo Picasso de Barcelona y la del Museu Nacional d’Art de Catalunya, y el libro Museu Nacional d’Art de Catalunya. De Tàpies a Taüll.

En el MNAC ha comisariado las muestras “Carles Casagemas. El artista bajo el mito” y “Pere Torné Esquius. Poética cotidiana” y ha cocomisariado “Anglada Camarasa. El Archivo premeditado”. También fue curador de muestras picassianas como “Picasso. Amics catalans de joventut”, “Picasso versus Rusiñol”, “Yo Picasso. Autoretrats”, “Picasso i Perpinyà. El cercle íntim”, “Picasso. The Blue Period and Beyond” o “Picasso a la retina. Retrats d’artistes catalans”.

La Comunidad de Propietarios del Polígono Industrial de Antequera ha dado a conocer al ganador del XXVI Certamen Nacional de Pintura de esa localidad malagueña, que esta institución convocó con el patrocinio de la Fundación Unicaja y el Ayuntamiento de Antequera. Se trata de Antonio Alejandro Mateos Pastor, por la obra Todos llevamos algún cadáver en el maletero; el segundo galardón ha sido para Juan Manuel Rodríguez González, por La Carga, y Pepa Cano García ha obtenido el premio especial Temática Antequera por Homenaje a Josefa Moreno (La Antequerana).

Esta convocatoria, que ha repartido 7.500 euros entre los premiados, ha cumplido ya ventiseis ediciones, convirtiéndose en una referencia entre los certámenes de pintura en nuestro país. Sus obras preseleccionadas en esta ocasión podrán verse en una muestra colectiva, abierta hasta el próximo 7 de enero de 2024, en la sala de la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera; además, serán incluidas en un catálogo digital que se publicará en la web del certamen: http://www.pintca.com/.

Por otro lado, se ha efectuado asimismo la entrega de premios del III Certamen Escolar de Pintura Ciudad de Antequera, en el que han participado 910 alumnos de casi una veintena de centros educativos de esta ciudad, en cuatro categorías: de 9 a 10 años, de 11 a 12 años, de 13 a 14 años y de 15 a 17 años, con dos premios en cada modalidad. Sus trabajos se mostrarán en el patio de columnas del Edificio San Juan de Dios y en el de la Biblioteca San Zoilo, sede de la Pinacoteca Andaluza Ciudad de Antequera, entre los días 2 de diciembre y 7 de enero.

Con el objetivo de impulsar la accesibilidad en el acceso a sus instalaciones y también a sus actividades, y de la mano del proyecto ACAI (Arte Contemporáneo como Metodología para la Accesibilidad Integral), puesto en marcha junto a la Fundación ONCE, el Museo Reina Sofía ha anunciado hoy que trabajará en la creación, dentro de su Área de Educación, de una Sección de Accesibilidad destinada a “reflexionar críticamente sobre las relaciones de las artes visuales y la accesibilidad en los museos de arte contemporáneo”.

Para desarrollar de forma coherente el convenio suscrito con dicha Fundación ONCE, está previsto que el MNCARS incorpore profesionales con discapacidad que participen activamente de su programación y su diseño arquitectónico; en el primer caso, su presencia aparejará la renovación completa de los itinerarios ya existentes para personas con discapacidad y la creación de actividades nuevas, dedicadas a dos tipologías de públicos concretos: personas sordas y con resto auditivo, y personas con diversidad conductual, cognitiva y psicológica. En cuanto a la arquitectura, los dos edificios que albergan el Museo Reina Sofía se encuentran en proceso de valoración para su calificación con el Distintivo Internacional Indicador del Grado de Accesibilidad (DIGA).

Costa Badía, artista y activista, y Fabio Colombo, experto en accesibilidad arquitectónica (ambos profesionales con discapacidad) se sumarán al equipo del Museo coincidiendo con la celebración de la quinta edición de sus jornadas en torno a la diversidad funcional, del 1 al 3 de diciembre, fecha en la que se celebra el Día Internacional de las Personas con Discapacidad a iniciativa de la ONU. Se han organizado en colaboración con los comisarios Carlos Almela (hablarenarte) y Carlota Mir.

Feriarte 2023, la mayor feria dedicada a las antigüedades en España, cerró las puertas de su 46ª edición el pasado 19 de noviembre tras ser visitada por cerca de 16.000 personas. Según ha comunicado la organización de esta cita, se registraron destacadas adquisiciones, sobre todo en el ámbito de la pintura antigua y contemporánea, así como en arqueología y artes decorativas. Esta convocatoria, protagonizada por la creación en el siglo XIX, contó esta vez con la participación de 64 anticuarios y galerías seleccionados por un comité de expertos compuesto por 40 especialistas.

Hasta el próximo mayo de 2024, el Norman Rockwell Museum de Stockbridge acoge “Between Worlds: The Art and Design of Leo Lionni”, la primera gran retrospectiva dedicada en Estados Unidos a la producción de este diseñador e ilustrador de libros infantiles, fallecido en 1999.

Cuando la antigua distinción entre Bellas Artes y artes aplicadas fue objeto de debate tras la II Guerra Mundial, concibió diseños gráficos concisos y solo aparentemente simples con los que deseaba respaldar los valores democráticos y establecer una lengua franca visual que pudiera unir a las personas a través de generaciones y fronteras culturales. Considerado una suerte de Leonardo del siglo XX, abordó además el lenguaje publicitario, fue director de arte en las revistas Fortune y Print y creó cuarenta libros ilustrados para niños, además de trabajos personales que incluían grabados, fotografías, dibujos, pinturas y esculturas.

La junta directiva de Kunsthalle Bern ha anunciado esta semana el nombramiento de iLiana Fokianaki como nueva directora de este centro suizo. Cuenta con una amplia experiencia como comisaria, escritora, teórica y también como directora fundadora de State of Concept, una institución de arte independiente con sede en Atenas.

Fokianaki comenzará su mandato en abril de 2024 y sucederá a Kabelo Malatsie, que ostentaba este cargo desde abril de 2022 y concluye su misión el próximo febrero. La Junta de Kunsthalle Bern, con Lorenza Donati y Benjamin Dodell al frente, espera que su experiencia en las intersecciones de la práctica curatorial y las acciones culturales para el cambio social sea de utilidad para este centro.

Concibe Fokaniaki a las instituciones museísticas como importantes generadores de contenidos éticos, diversos y democráticos, que han de crear vínculos con diferentes disciplinas y regiones geográficas, además de ser sostenibles y liderar una práctica ecológicamente consciente, favorecer la justicia social y la pluralidad de la sociedad contemporánea a través de sus programas.

State of Concept, el centro griego que dirige, ha coproducido exposiciones y eventos con e-flux New York, Kunsthall Trondheim, Kunstinstituut Melly Rotterdam, Moderna galerija Ljubljana, KADIST Paris o BAK Utrecht.

Tras un tiempo buscando sumar a sus fondos una obra de Jean-François Millet, pintor francés procedente de la Normandía rural que ejercería una influencia importante en Van Gogh por su tratamiento de la vida y las labores de los campesinos, y por la dignidad con que supo representar sus tareas aunando enfoques realistas y románticos, el museo del holandés en Ámsterdam ha podido hacerse con una de sus piezas: se trata de Campesino esparciendo estiércol, y puede contemplarse ya en las salas del Van Gogh Museum junto a telas y dibujos del autor de Los girasoles con las que podemos relacionarla temáticamente.

Datada en 1851, corresponde a la representación de un campesino en la tarea sufrida de esparcir ese estiércol en la tierra; su chaqueta y su sombrero aparecen colgados en una horca que vemos detrás de su figura. Los colores terrosos del primer plano contrastan con los más suaves y vistosos del crepúsculo, al fondo: adivinamos que se encuentra en el momento último del día, que apunta al fin de la jornada de trabajo y al inicio del descanso.

En esta composición, como en la mayor parte de su producción, enfatizó Millet la dureza de la vida de los labradores en la Francia del siglo XIX, una etapa en la que la población campesina era aún mayoritaria en este país, y en Europa, pero comenzaba a desarrollarse una inmigración sostenida a las ciudades, con un paisaje y forma de vida del todo distintos especialmente entonces. No era usual que quienes habitaban en los pueblos se alejaran de las tierras que trabajaban, entre otras razones por los delincuentes o soldados que deambulaban por los caminos, y sus costumbres no eran aún demasiado distintas a las de sus antecesores, sometidas a los cambios climatológicos.

Millet fue una de las figuras de referencia para Van Gogh, que hablaba de él como Père Millet (Padre Millet) y lo consideraba consejero y guía en todo para los pintores más jóvenes. Sabemos que, en su juventud, coleccionó reproducciones baratas de sus pinturas y que, al decidir dedicarse al oficio artístico cuando tenía 27 años, quiso seguir sus pasos como pintor de la vida campesina e hizo copias precisas de sus reproducciones, además de interpretaciones libres en las que utilizó sus propias combinaciones cromáticas.

Un crítico dijo de Millet que sus campesinos parecían haber sido pintados con la tierra que siembran; Van Gogh trató de que con los suyos ocurriera algo semejante y lo puso en práctica en piezas como Los comedores de patatas (1885).

Mariët Westermann ha sido nombrada directora y CEO del Museo Guggenheim de Nueva York y de la Fundación Solomon R. Guggenheim, que dirige también la Peggy Guggenheim Collection de Venecia y trabaja en colaboración con los centros de Bilbao y Abu Dhabi, este último de próxima apertura.

Actualmente vice chancellor de NYU Abu Dhabi, Westermann ha trabajado anteriormente en organizaciones internacionales vinculadas a la educación superior, la filantropía, las artes y las humanidades. Sus áreas de conocimiento son la Historia del Arte, los museos y la investigación, la gestión institucional, la filantropía y las relaciones internacionales.

Ha dirigido el citado NYU Abu Dhabi, un campus de artes liberales e investigación de la Universidad de Nueva York (NYU), como vice chancellor, Directora Ejecutiva y profesora de Artes y Humanidades desde 2019, habiendo sido fundadora de la institución como Provost entre 2007 y 2010. Allí ha estado a cargo de todos los asuntos académicos, administrativos, financieros y operativos y, como historiadora del arte de formación, está considerada como una líder innovadora que inspira excelencia, gestiona la complejidad y aporta conocimiento de cómo el arte, la cultura y las humanidades desempeñan un rol fundamental en un mundo interconectado, pero a menudo polarizado.

Bajo el liderazgo de Westermann, la NYU Abu Dhabi ha completado su escala de grado, ha desarrollado un Máster en artes visuales y nuevos medios y otro en dirección de empresas que se ofrecerá en la Stern School of Business de NYU; asimismo, ha trabajado en el desarrollo de su primer Plan de Acción Climática, una hoja de ruta para lograr la neutralidad en carbono en 2050.

Westermann se encargará de establecer la dirección estratégica de la Fundación Guggenheim y estará a cargo de sus principales colecciones y de la llamada constelación de museos de la firma en Europa y Abu Dhabi. Se incorporará oficialmente el 1 de junio de 2024, sustituyendo a Richard Armstrong.

ESTAMPA cerró las puertas de su 31ª edición el pasado 22 de octubre con la asistencia de 16.000 visitantes, que se acercaron a conocer las propuestas de las 107 galerías y los cinco editores de arte contemporáneo participantes; también los trabajos de Secundino Hernández, artista invitado en esta ocasión.

Se registraron ventas de trabajos de 277 autores, cinco más que en 2022; las cifras superan ampliamente las alcanzadas antes de la pandemia: 219 en la edición de octubre de 2021, 193 en la de abril del mismo año; 173 en 2019; 164 en 2018; y 120 en 2017, el año en el que se inició este estudio. Un 75% de los artistas que vendieron obra fueron españoles, manteniéndose ese porcentaje estable respecto a años anteriores, y la mitad de ellos se encuentra en su etapa de media carrera, aunque han crecido notablemente las operaciones con artistas emergentes, hasta un 34% de las mismas, y disminuido las relativas a creadores establecidos, que se quedaron en un 16%. En cuanto a las ventas en el segundo mercado, caen hasta el 4% frente al 96% del primer mercado.

Un 32% de las obras adquiridas por los coleccionistas en ESTAMPA correspondieron a mujeres artistas y un 68% a hombres; se trata del segundo registro más equilibrado entre sexos desde que se efectúan estos análisis.

La Casa Encendida de Fundación Montemadrid ha anunciado hoy que el gestor cultural Pablo Berástegui tomará el relevo a Lucía Casani como su nuevo director. En los últimos veinticinco años ha trabajado en instituciones públicas y privadas, sobre todo en iniciativas a gran escala: fue Director General de la Fundación San Sebastián 2016. Capital Europea de la Cultura, ha sido responsable de Matadero Madrid (2008-2012) y Conde Duque Madrid (2013), y director de cuatro ediciones de La Noche en Blanco (2007-2010). Asimismo, ha trabajado como Director de Proyectos para La Fábrica (1999-2006) y en Elsinor Madrid, desde su creación en 2006 hasta octubre de 2008.

En los últimos años, ha llevado a cabo iniciativas artísticas propias en España y Portugal, labor que ha conjugado con el comisariado de exposiciones y con diversas colaboraciones como consultor estratégico de proyectos o docente. En el ámbito de las artes visuales y la fotografía, ha sido director de PHotoEspaña en cuatro ediciones (de 2003 a 2006) y director del espacio artístico <Salut au monde!> de Oporto, para el que ha comisariado una veintena de exhibiciones de fotografía.

Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad de Navarra, Berástegui se especializó en Producción Audiovisual en la Universidad Michel de Montaigne – Bordeaux III y ha señalado su satisfacción por este nombramiento: (Estoy) muy ilusionado por incorporarme a este equipo, a un proyecto que conozco bien porque participé de alguna manera en su génesis y al que he ido acompañando en diferentes etapas de mis trabajos profesionales en Madrid. Me parece un gran proyecto y se tiene que trabajar para proyectarlo en el futuro para hacerlo, si es posible, todavía más grande. Amaya de Miguel, directora general de Fundación Montemadrid, ha señalado que esperan que les ayude a continuar con sus líneas maestras y a articular otras nuevas.